Такая разная «Турандот»
В постановке Галины Бызгу на сцене петербургского театра «Мастерская» пьеса Карло Гоцци представлена как «хулиганский капустник с авторским рэпом, рискованными шутками и признанию в любви худруку театра», как обозначили жанр сами авторы спектакля.
По словам режиссёра, работа над «Турандот» проходила после сдачи восьмичасового «Тихого Дона» Григория Козлова — актёрам хотелось дать больше свободы и драйва.
«Нужно сказать, что, несмотря на сильный кивок в сторону молодёжной аудитории, все особенности сказки Гоцци сохранены — есть маски комедии дель арте (к четырём гоцциевским добавлена пятая — негр Олегр в исполнении Андрея Дидика), есть история Калафа и Турандот с её загадками, ночными интригами и финальным раскрытием всех сердечных карт, — отмечала Юлия Савиковская. — Сохранять точный баланс между романтически-сказочной линией пьесы и театральным карнавалом, создаваемым с помощью закреплённых за пятью масками импровизаций и многочисленных дополнительных вставок, направленных на активный слом "четвёртой стены", — основная актёрская задача, которая была поставлена режиссёром Галиной Бызгу».
В постановке Галины Бызгу на сцене петербургского театра «Мастерская» пьеса Карло Гоцци представлена как «хулиганский капустник с авторским рэпом, рискованными шутками и признанию в любви худруку театра», как обозначили жанр сами авторы спектакля.
По словам режиссёра, работа над «Турандот» проходила после сдачи восьмичасового «Тихого Дона» Григория Козлова — актёрам хотелось дать больше свободы и драйва.
«Нужно сказать, что, несмотря на сильный кивок в сторону молодёжной аудитории, все особенности сказки Гоцци сохранены — есть маски комедии дель арте (к четырём гоцциевским добавлена пятая — негр Олегр в исполнении Андрея Дидика), есть история Калафа и Турандот с её загадками, ночными интригами и финальным раскрытием всех сердечных карт, — отмечала Юлия Савиковская. — Сохранять точный баланс между романтически-сказочной линией пьесы и театральным карнавалом, создаваемым с помощью закреплённых за пятью масками импровизаций и многочисленных дополнительных вставок, направленных на активный слом "четвёртой стены", — основная актёрская задача, которая была поставлена режиссёром Галиной Бызгу».
❤21💘1
«Исполнители подчас бывают довольны, когда режиссёр с первых застольных репетиций сыграет за них все роли. При такой форме работы исполнители неминуемо становятся пассивными, не рассуждая, следуют режиссёрской указке, и тут, естественно, нарушается творческий процесс, при котором актёр является сознательным творцом.
Через всю жизнь Станиславского красной нитью проходит мечта о сознательном актёре, об актёре-творце, умеющем самостоятельно осмыслить пьесу, активно действовать в её предлагаемых обстоятельствах. Если в ранний период своей творческой работы Станиславский радовался податливости актёров, то позднее он понял, что такая „податливость“ грозит снижением актёрской самостоятельности, что актёрская инертность — это страшное зло в искусстве.
Константин Сергеевич объявил войну пассивности актёра, в чём бы она ни проявлялась — во время работы над ролью или во всей деятельности творческого коллектива, при создании спектакля или в процессе его исполнения. Предъявляя повышенные требования к актёру, Станиславский ставил перед режиссёром ещё более ответственные задачи».
Мария Осиповна Кнебель
Как вести застольный период так, чтобы актёр оставался сознательным соавтором роли, а не пассивным слушателем?
Подробнее об этом — на третьем потоке нашего онлайн-курса «Застольный период методом действенного анализа».
Присоединяйтесь!
Через всю жизнь Станиславского красной нитью проходит мечта о сознательном актёре, об актёре-творце, умеющем самостоятельно осмыслить пьесу, активно действовать в её предлагаемых обстоятельствах. Если в ранний период своей творческой работы Станиславский радовался податливости актёров, то позднее он понял, что такая „податливость“ грозит снижением актёрской самостоятельности, что актёрская инертность — это страшное зло в искусстве.
Константин Сергеевич объявил войну пассивности актёра, в чём бы она ни проявлялась — во время работы над ролью или во всей деятельности творческого коллектива, при создании спектакля или в процессе его исполнения. Предъявляя повышенные требования к актёру, Станиславский ставил перед режиссёром ещё более ответственные задачи».
Мария Осиповна Кнебель
Как вести застольный период так, чтобы актёр оставался сознательным соавтором роли, а не пассивным слушателем?
Подробнее об этом — на третьем потоке нашего онлайн-курса «Застольный период методом действенного анализа».
Присоединяйтесь!
❤16🔥1💯1
Совместная работа Сергея Дягилева и Жана Кокто
В 1912 году состоялась судьбоносная встреча Жана Кокто с русским балетным антрепренёром Сергеем Дягилевым, который сказал молодому человеку: «Удиви меня!». И у Кокто это получилось!
Он говорил, что Сергей Дягилев заставил его умереть, чтобы снова воскреснуть уже новым Жаном Кокто – поэтом. После такого перерождения Кокто стал неизменным и незаменимым сотрудником Дягилева и делал афиши для Вацлава Нижиниского и Тамары Карсавиной.
Но самой запомнившейся совместной работой Дягилева и Жана Кокто является эпатажный балет нового типа «Парад», поставленный в мае 1917 года в Париже: музыку для него написал Эрик Сати, а декорации и костюмы сделал Пабло Пикассо. Этот спектакль был призван выразить настроения «потерянного поколения» и бросить вызов устоявшимся традициям. Это был авангардный балет, в оформлении которого использовались кубистские принципы, а на афише впервые появилось определение «сюрреалистический», придуманное Гийомом Аполлинером.
В 1912 году состоялась судьбоносная встреча Жана Кокто с русским балетным антрепренёром Сергеем Дягилевым, который сказал молодому человеку: «Удиви меня!». И у Кокто это получилось!
Он говорил, что Сергей Дягилев заставил его умереть, чтобы снова воскреснуть уже новым Жаном Кокто – поэтом. После такого перерождения Кокто стал неизменным и незаменимым сотрудником Дягилева и делал афиши для Вацлава Нижиниского и Тамары Карсавиной.
Но самой запомнившейся совместной работой Дягилева и Жана Кокто является эпатажный балет нового типа «Парад», поставленный в мае 1917 года в Париже: музыку для него написал Эрик Сати, а декорации и костюмы сделал Пабло Пикассо. Этот спектакль был призван выразить настроения «потерянного поколения» и бросить вызов устоявшимся традициям. Это был авангардный балет, в оформлении которого использовались кубистские принципы, а на афише впервые появилось определение «сюрреалистический», придуманное Гийомом Аполлинером.
❤13❤🔥1
Пять советов от Андрея Гончарова будущим актёрам и режиссёрам:
1. Важнейший принцип подготовки будущих режиссёров заложен в неразрывной связи профессионального обучения и нравственного воспитания, ибо от позиции художника, от знания им жизни будет зависеть смелость и выразительность его творчества, начиная уже с этюдов.
2. Прежде чем «опрокидывать» какие-то нормы, нужно непременно их знать.
3. Этюд – это простейший вид драматического произведения. Поэтому при подготовке этюда возникают те же проблемы, что и при постановке маленьких пьес.
В этюде должна быть тема, волнующая студентов, конфликт, создающий толчок для развития сквозного действия, направленность человеческого темперамента. Когда взаимоотношения одного, двух или нескольких «Я» в предельных обстоятельствах достаточно обострены, поступки их строго отобраны и точны, создаётся такая жизненная атмосфера, такой «воздух времени и места», что этюд может стать художественным произведением.
4. Задача режиссёра – «вбить» в словесную ткань «сваи» события. И чем крепче эти «сваи», тем легче будет потом: в работе с художником, композитором и, самое главное, с артистами.
5. Сцена не терпит пустоты, бездействия. Поэтому общение на сцене должно быть непрерывным, независимо от того, обращается актёр со словами к партнёру или нет.
Пока объект общения находится на сцене, артист не должен исключать его из поля зрения, их сферы взаимоотношений. Игнорирование партнёра вне диалога приводит к нарушению правды происходящей на сцене, создаёт «пустоту» в сценическом действии.
Соединить практику с теорией и освоить «простейший вид драматического произведения» вы сможете на занятиях нашего онлайн-курса «Застольный период методом действенного анализа».
1. Важнейший принцип подготовки будущих режиссёров заложен в неразрывной связи профессионального обучения и нравственного воспитания, ибо от позиции художника, от знания им жизни будет зависеть смелость и выразительность его творчества, начиная уже с этюдов.
2. Прежде чем «опрокидывать» какие-то нормы, нужно непременно их знать.
3. Этюд – это простейший вид драматического произведения. Поэтому при подготовке этюда возникают те же проблемы, что и при постановке маленьких пьес.
В этюде должна быть тема, волнующая студентов, конфликт, создающий толчок для развития сквозного действия, направленность человеческого темперамента. Когда взаимоотношения одного, двух или нескольких «Я» в предельных обстоятельствах достаточно обострены, поступки их строго отобраны и точны, создаётся такая жизненная атмосфера, такой «воздух времени и места», что этюд может стать художественным произведением.
4. Задача режиссёра – «вбить» в словесную ткань «сваи» события. И чем крепче эти «сваи», тем легче будет потом: в работе с художником, композитором и, самое главное, с артистами.
5. Сцена не терпит пустоты, бездействия. Поэтому общение на сцене должно быть непрерывным, независимо от того, обращается актёр со словами к партнёру или нет.
Пока объект общения находится на сцене, артист не должен исключать его из поля зрения, их сферы взаимоотношений. Игнорирование партнёра вне диалога приводит к нарушению правды происходящей на сцене, создаёт «пустоту» в сценическом действии.
Соединить практику с теорией и освоить «простейший вид драматического произведения» вы сможете на занятиях нашего онлайн-курса «Застольный период методом действенного анализа».
❤14
Анджей Бубень ставит спектакль об иллюзорной американской мечте
20 и 21 декабря на сцене Воронежского Камерного театра пройдёт премьера спектакля Анджея Бубеня «Смерть коммивояжёра» (18+). В его основе — одноимённая пьеса Артура Миллера.
«Смерть коммивояжёра» — первая работа режиссёра Анджея Бубеня в Воронежском Камерном театре, который до 2023 года возглавлял Михаил Бычков. Любопытно, что перевод пьесы для этой постановки был сделан ведущим артистом Омского театра драмы Олегом Теплоуховым, сыгравшим роль Бургомистра в спектакле Анджея Бубеня «Визит дамы» (2020) по трагикомедии Фридриха Дюрренматта «Визит старой дамы».
Американский драматург Артур Миллер написал «Смерть коммивояжёра» в 1949 году и был награждён за неё Пулитцеровской премией. Впервые пьеса была поставлена на Бродвее в 1949 году, а первой постановкой в России стал спектакль 1959 года в Александринском театре (тогда – Театре драмы имени Пушкина). Также известны экранизации пьесы, среди которых — одноимённые фильмы Ласло Бенедека и Фолькера Шлёндорфа (1951 и 1985 годов соответственно), ставшие лауреатами престижных кинопремий.
«В центре социально-психологической драмы „Смерть коммивояжёра” – история торгового агента Вилли Ломана, который вместе с работой теряет и смысл жизни, — говорится в анонсе. — Его иллюзорная американская мечта превращается в реальную человеческую трагедию, затягивающую, как в воронку, всех членов его семьи.
Тревога – доминирующая эмоция спектакля, фоново ощущаемая всеми персонажами, но острее всего – семьёй Ломана. Их хрупкое благополучие лопается, как мыльный пузырь, когда глава семьи перестаёт верить в то, во что всегда верил. И тогда у этих растерянных перед реальностью людей остаётся только любовь друг к другу, наивысшим проявлением которой оказывается самопожертвование мужа и отца – Вилли Ломана – во имя спасения своей семьи».
По словам Анджея Бубеня, пьеса Артура Миллера «абсолютно не стареет и отражает нас сегодня, неважно, на каком языке и в каком уголке мира мы бы эту пьесу играли». Режиссёр рассказывает: «Как бы это ни звучало тривиально, самая главная тема этой пьесы – любовь. И всё, что делает в пьесе герой, делает из-за любви. Всё, что делают родители, они делают это из-за любви к своим детям. Всё, что делают сыновья, они делают это из-за бесконечной любви к своим родителям. Только это очень разные оттенки любви, очень разная у неё температура. И разный результат».
Над спектаклем также работают художник Светлана Тужикова, композитор Пётр Налич, видеохудожник Алексей Бычков и художник по свету Максим Бирюков.
Роль Вилли Ломана исполнит актёр Андрей Новиков.
В спектакле также заняты Людмила Гуськова (Линда, жена), Михаил Гостев и Игорь Скрынников (Бифф и Хэппи — сыновья Вилли Ломана), Андрей Мирошников (Дядя Бен), Юрий Овчинников (Чарли, сосед), Иван Маркушев (Бернард, сын Чарли), Василий Шумский (Говард Вагнер, владелец фирмы), Андрей Аверьянов (Стэнли, официант), Марина Погорельцева / Анастасия Павлюкова (Мисс Форсайт), Олеся Лоткова (Летта), Анастасия Новикова (Женщина).
Напомним, Анджей Бубень в 1998 окончил Варшавский Университет по отделению польской филологии и истории театральной культуры, а в 1993 — режиссёрский факультет Санкт-Петербургской театральной академии (курс Юрия Красовского). Ставил в театрах Польши, Германии, Венгрии, Латвии. С 2007 по 2011 год — главный режиссёр Театра Сатиры на Васильевском (Санкт-Петербург). Среди его постановок «Волки и овцы» и «Бог резни» в «Балтийском доме», «Потанцуем» и «Старая женщина высиживает…» в «Современнике», «В лучах» в Театре имени Ленсовета и другие. Спектакли Бубеня «Русское варенье» в Театре на Васильевском и «Август. Графство Осэйдж» в Омском драматическом театре были номинированы на «Золотую Маску» в 2009 и 2012 годах соответственно.
Источник: «Театръ».
20 и 21 декабря на сцене Воронежского Камерного театра пройдёт премьера спектакля Анджея Бубеня «Смерть коммивояжёра» (18+). В его основе — одноимённая пьеса Артура Миллера.
«Смерть коммивояжёра» — первая работа режиссёра Анджея Бубеня в Воронежском Камерном театре, который до 2023 года возглавлял Михаил Бычков. Любопытно, что перевод пьесы для этой постановки был сделан ведущим артистом Омского театра драмы Олегом Теплоуховым, сыгравшим роль Бургомистра в спектакле Анджея Бубеня «Визит дамы» (2020) по трагикомедии Фридриха Дюрренматта «Визит старой дамы».
Американский драматург Артур Миллер написал «Смерть коммивояжёра» в 1949 году и был награждён за неё Пулитцеровской премией. Впервые пьеса была поставлена на Бродвее в 1949 году, а первой постановкой в России стал спектакль 1959 года в Александринском театре (тогда – Театре драмы имени Пушкина). Также известны экранизации пьесы, среди которых — одноимённые фильмы Ласло Бенедека и Фолькера Шлёндорфа (1951 и 1985 годов соответственно), ставшие лауреатами престижных кинопремий.
«В центре социально-психологической драмы „Смерть коммивояжёра” – история торгового агента Вилли Ломана, который вместе с работой теряет и смысл жизни, — говорится в анонсе. — Его иллюзорная американская мечта превращается в реальную человеческую трагедию, затягивающую, как в воронку, всех членов его семьи.
Тревога – доминирующая эмоция спектакля, фоново ощущаемая всеми персонажами, но острее всего – семьёй Ломана. Их хрупкое благополучие лопается, как мыльный пузырь, когда глава семьи перестаёт верить в то, во что всегда верил. И тогда у этих растерянных перед реальностью людей остаётся только любовь друг к другу, наивысшим проявлением которой оказывается самопожертвование мужа и отца – Вилли Ломана – во имя спасения своей семьи».
По словам Анджея Бубеня, пьеса Артура Миллера «абсолютно не стареет и отражает нас сегодня, неважно, на каком языке и в каком уголке мира мы бы эту пьесу играли». Режиссёр рассказывает: «Как бы это ни звучало тривиально, самая главная тема этой пьесы – любовь. И всё, что делает в пьесе герой, делает из-за любви. Всё, что делают родители, они делают это из-за любви к своим детям. Всё, что делают сыновья, они делают это из-за бесконечной любви к своим родителям. Только это очень разные оттенки любви, очень разная у неё температура. И разный результат».
Над спектаклем также работают художник Светлана Тужикова, композитор Пётр Налич, видеохудожник Алексей Бычков и художник по свету Максим Бирюков.
Роль Вилли Ломана исполнит актёр Андрей Новиков.
В спектакле также заняты Людмила Гуськова (Линда, жена), Михаил Гостев и Игорь Скрынников (Бифф и Хэппи — сыновья Вилли Ломана), Андрей Мирошников (Дядя Бен), Юрий Овчинников (Чарли, сосед), Иван Маркушев (Бернард, сын Чарли), Василий Шумский (Говард Вагнер, владелец фирмы), Андрей Аверьянов (Стэнли, официант), Марина Погорельцева / Анастасия Павлюкова (Мисс Форсайт), Олеся Лоткова (Летта), Анастасия Новикова (Женщина).
Напомним, Анджей Бубень в 1998 окончил Варшавский Университет по отделению польской филологии и истории театральной культуры, а в 1993 — режиссёрский факультет Санкт-Петербургской театральной академии (курс Юрия Красовского). Ставил в театрах Польши, Германии, Венгрии, Латвии. С 2007 по 2011 год — главный режиссёр Театра Сатиры на Васильевском (Санкт-Петербург). Среди его постановок «Волки и овцы» и «Бог резни» в «Балтийском доме», «Потанцуем» и «Старая женщина высиживает…» в «Современнике», «В лучах» в Театре имени Ленсовета и другие. Спектакли Бубеня «Русское варенье» в Театре на Васильевском и «Август. Графство Осэйдж» в Омском драматическом театре были номинированы на «Золотую Маску» в 2009 и 2012 годах соответственно.
Источник: «Театръ».
❤8🔥3👍2💘1
«Некоторые делят кино на "до Тарантино" и после. Я так думаю: нельзя в кино ориентироваться только на Тарантино, пусть это один из самых великих режиссёров мира. Сам Тарантино никогда бы так не сделал. Это и отличает хорошего режиссёра от плохого: хороший берёт какие-то вещи напрокат у предшественников, своих любимых режиссёров, и из них уже сооружает что-то своё».
Стив Бушеми
Стив Бушеми
❤25
Мы не поклонники жанра «итоги года», но…
В этом году «Петербургский театральный журнал» учредил собственную премию «Золотое зерно», отметив работы прошлого сезона (2024–2025) — лучшие, по мнению редакции, спектакли Северной столицы, сыгранные в них (и не только) роли, сценографию и музыкальное оформление. Нам этот факт нравится по двум причинам. Во-первых, приятно знать, что ещё есть премия, вручаемая людьми, которые профессионально занимаются театром — и действительно имеют представление о реальной картине театральной жизни (9 членов редакции отсмотрели 105 премьер сезона, это уже не «поверхностное впечатление»). Во-вторых, как и ко всякой премии, имеющей экспертный «вес» (а их, особенно после закрытия «Арлекина», осталось удручающе мало), мы относимся к ней как к театральной панораме — списку работ, заслуживающих ознакомления и внимания. Несколько «подверстав» его — с поправкой на мнение нашей собственной редакции, — мы решили под занавес года поговорить об интересных петербургских постановках прошлого сезона. А поскольку отправной точкой была премия ПТЖ, то и тег у этой рубрики соответствующий: #зазернение_петербурга
Начинаем со спектакля Романа Габриа «Превращение». Постановка «Мастерской» Григория Козлова основана на одноимённой повести Кафки. Художник спектакля — Анвар Гумаров.
В ролях: Илья Колецкий, Арина Лыкова, Мария Русских, Ксения Морозова, Кирилл Гордлеев, Олег Абалян, Никита Капралов.
3 причины, почему вам нужно увидеть этот спектакль:
1. Невероятной выразительности экспрессионистская сценография Анвара Гумарова.
2. Формы и средства современного искусства и перформанса, использованные в спектакле: они открывают неожиданные возможности и смыслы театра — и провоцируют важные вопросы о реальности тоже.
3. Можем почти со стопроцентной уверенностью утверждать, что ничего похожего на второй акт этого «Превращения» (без спойлеров)) вы в театре не видели. И даже если он будет вас раздражать, вы получите удивительный и важный опыт, наверняка сможете впечатлиться очень серьёзными работами Арины Лыковой и Ильи Колецкого — а в финале, возможно, и пережить настоящий катарсис.
Жанна Зарецкая: «Выверенные до детали семейные сцены выглядят как сюрреалистические картины, чему изрядно способствует ровный свет разного уровня яркости, которым Тарас Михалевский заливает игровое пространство. Так что, когда мягкотелые герои выходят на подиум и обращаются к залу с вопросами — мамаша выясняет, чем кормят жуков, управляющий просит добровольца из публики подписать договор, — это выглядит эффектным приёмом и только. И даже когда эта “семейка Аддамсов” решает “избавиться от Грегора, потому что это уже не Грегор”, и приговор сей произносит тоненьким голоском агнелоподобная сестрёнка Грета, действие всё ещё выглядит игрой. На то и расчёт, потому что дальше последует новый крутой вираж: эксцентричный папаша перейдёт к делу, и ему потребуются сообщники из числа зрителей…»
В этом году «Петербургский театральный журнал» учредил собственную премию «Золотое зерно», отметив работы прошлого сезона (2024–2025) — лучшие, по мнению редакции, спектакли Северной столицы, сыгранные в них (и не только) роли, сценографию и музыкальное оформление. Нам этот факт нравится по двум причинам. Во-первых, приятно знать, что ещё есть премия, вручаемая людьми, которые профессионально занимаются театром — и действительно имеют представление о реальной картине театральной жизни (9 членов редакции отсмотрели 105 премьер сезона, это уже не «поверхностное впечатление»). Во-вторых, как и ко всякой премии, имеющей экспертный «вес» (а их, особенно после закрытия «Арлекина», осталось удручающе мало), мы относимся к ней как к театральной панораме — списку работ, заслуживающих ознакомления и внимания. Несколько «подверстав» его — с поправкой на мнение нашей собственной редакции, — мы решили под занавес года поговорить об интересных петербургских постановках прошлого сезона. А поскольку отправной точкой была премия ПТЖ, то и тег у этой рубрики соответствующий: #зазернение_петербурга
Начинаем со спектакля Романа Габриа «Превращение». Постановка «Мастерской» Григория Козлова основана на одноимённой повести Кафки. Художник спектакля — Анвар Гумаров.
В ролях: Илья Колецкий, Арина Лыкова, Мария Русских, Ксения Морозова, Кирилл Гордлеев, Олег Абалян, Никита Капралов.
3 причины, почему вам нужно увидеть этот спектакль:
1. Невероятной выразительности экспрессионистская сценография Анвара Гумарова.
2. Формы и средства современного искусства и перформанса, использованные в спектакле: они открывают неожиданные возможности и смыслы театра — и провоцируют важные вопросы о реальности тоже.
3. Можем почти со стопроцентной уверенностью утверждать, что ничего похожего на второй акт этого «Превращения» (без спойлеров)) вы в театре не видели. И даже если он будет вас раздражать, вы получите удивительный и важный опыт, наверняка сможете впечатлиться очень серьёзными работами Арины Лыковой и Ильи Колецкого — а в финале, возможно, и пережить настоящий катарсис.
Жанна Зарецкая: «Выверенные до детали семейные сцены выглядят как сюрреалистические картины, чему изрядно способствует ровный свет разного уровня яркости, которым Тарас Михалевский заливает игровое пространство. Так что, когда мягкотелые герои выходят на подиум и обращаются к залу с вопросами — мамаша выясняет, чем кормят жуков, управляющий просит добровольца из публики подписать договор, — это выглядит эффектным приёмом и только. И даже когда эта “семейка Аддамсов” решает “избавиться от Грегора, потому что это уже не Грегор”, и приговор сей произносит тоненьким голоском агнелоподобная сестрёнка Грета, действие всё ещё выглядит игрой. На то и расчёт, потому что дальше последует новый крутой вираж: эксцентричный папаша перейдёт к делу, и ему потребуются сообщники из числа зрителей…»
❤10
Почему метод действенного анализа нужен актёрам?
Мы много писали о важности метода действенного анализа для режиссёров, но ведь он может быть полезен не только им. Сегодня мы обсудим, почему он нужен актёрам.
Начнём с истории. Действенный анализ придумал Станиславский, когда прошлый способ работы, а именно застольный период, начал терять свою актуальность. Актёры тогда переходили сразу к репетициям, пропуская подготовительную часть. Это не могло не отразиться на спектакле. Метод действенного анализа позволял тщательнее изучить пьесу и собственную роль, не растягивая этот этап на бесконечный срок.
Вторая причина – для артиста — необходимость изучить и осмыслить материал так же серьёзно, как это делает режиссёр. Спектакль – результат работы целой команды профессионалов. Понятно, что режиссёр в ней всегда считается условно главным, он же – связующее звено, но и актёр – не робот. Он должен понимать, что и зачем ему сейчас предстоит играть. Именно в этом и помогает метод действенного анализа!
Именно поэтому наш новый, уже третий по счёту (!) поток курса «Застольный период методом действенного анализа» будет полезен не только режиссёрам, но и актёрам — а также тем, кто хочет не просто быть зрителем, а понимать механику работы современного театра. Присоединяйтесь!
Мы много писали о важности метода действенного анализа для режиссёров, но ведь он может быть полезен не только им. Сегодня мы обсудим, почему он нужен актёрам.
Начнём с истории. Действенный анализ придумал Станиславский, когда прошлый способ работы, а именно застольный период, начал терять свою актуальность. Актёры тогда переходили сразу к репетициям, пропуская подготовительную часть. Это не могло не отразиться на спектакле. Метод действенного анализа позволял тщательнее изучить пьесу и собственную роль, не растягивая этот этап на бесконечный срок.
Вторая причина – для артиста — необходимость изучить и осмыслить материал так же серьёзно, как это делает режиссёр. Спектакль – результат работы целой команды профессионалов. Понятно, что режиссёр в ней всегда считается условно главным, он же – связующее звено, но и актёр – не робот. Он должен понимать, что и зачем ему сейчас предстоит играть. Именно в этом и помогает метод действенного анализа!
Именно поэтому наш новый, уже третий по счёту (!) поток курса «Застольный период методом действенного анализа» будет полезен не только режиссёрам, но и актёрам — а также тем, кто хочет не просто быть зрителем, а понимать механику работы современного театра. Присоединяйтесь!
❤9