Сегодня мы поздравляем с днём рождения Варвару Шмыкову — актрису театра и кино, запоминающуюся не только своей яркой внешностью, но и своим многогранным талантом.
В то время как театральные зрители уже знали Варвару по учебным спектаклям в Школе-студии МХАТ и постановкам независимого «Июльансамбля», для более широкой аудитории она стала популярна после выхода сериала «Чики». Хотя, конечно, и предшествовавшие этому эпизодические роли также являются заметными работами актрисы.
Находясь за рубежом, Варвара продолжает выходить на театральную сцену: например, спектакль «Клуб разбитых сердец», задумывавшийся изначально для разового показа к 14 февраля, уже успел собрать залы в Испании, Чехии, Финляндии, Эстонии, Германии, Польше, Сербии и ряде других стран. А в конце декабря 2024-го в своих социальных сетях Шмыкова объявила о начале репетиций над новым проектом, подробности о котором пока не разглашаются. Но уверены, что совсем скоро нас ждёт ещё одна заметная премьера с участием любимой актрисы:)
Расскажите, а какая роль Варвары Шмыковой ваша любимая?
В то время как театральные зрители уже знали Варвару по учебным спектаклям в Школе-студии МХАТ и постановкам независимого «Июльансамбля», для более широкой аудитории она стала популярна после выхода сериала «Чики». Хотя, конечно, и предшествовавшие этому эпизодические роли также являются заметными работами актрисы.
Находясь за рубежом, Варвара продолжает выходить на театральную сцену: например, спектакль «Клуб разбитых сердец», задумывавшийся изначально для разового показа к 14 февраля, уже успел собрать залы в Испании, Чехии, Финляндии, Эстонии, Германии, Польше, Сербии и ряде других стран. А в конце декабря 2024-го в своих социальных сетях Шмыкова объявила о начале репетиций над новым проектом, подробности о котором пока не разглашаются. Но уверены, что совсем скоро нас ждёт ещё одна заметная премьера с участием любимой актрисы:)
Расскажите, а какая роль Варвары Шмыковой ваша любимая?
❤14👏4❤🔥3👍2
Мы продолжаем рассказывать о том, что #у_режиссуры_женское_лицо. Героиня сегодняшнего дня — Мария Романова.
В 2005 году она окончила РГИСИ по специальности «актриса и режиссёр драматического театра» (мастерская Григория Козлова).
Романова ставила спектакли в Театре имени Ленсовета, в петербургской «Мастерской», в Национальном театре Карелии (Петрозаводск), в ТЮЗе имени Киселёва (Саратов), в Государственном русском театре драмы имени Искандера (Абхазия, Сухум) и других театрах.
«Кровавая свадьба», Государственный русский театр драмы имени Искандера (2020):
«Режиссёр Мария Романова не пошла путём изучения быта и психологии героев "Кровавой свадьбы". Этому препятствует как минимум их архетипичность — Мать, Невеста, Жених (лишь один Леонардо, с которым сбежит Невеста, назван по имени). Также есть надсюжетные персонажи — Луна и Смерть. За холщовым занавесом актёры разыгрывают простенькие сцены теневого театра о своих персонажах, в их безыскусности — тонкое созвучие пьесе. Театр неживой материи очень попадает в эстетику драматурга. По духу в этих теневых сценах больше не испанского и не кавказского, а какого-то "украинского-гоголевского" визуального текста — и тёплые ночи, и девушка с открытыми плечами, и цветы в рассыпчатых длинных кудрях. Но эти аллегорические зарисовки — лишь часть масштабного полотна спектакля.
Основополагающей в подходе Марии Романовой стала форма. Во многом воплотить этот подход помогает Римма Саркисян (Театр им. Ленсовета), выступившая в постановке как режиссёр по пластике. Вообще "Кровавую свадьбу" часто интерпретируют пластически. Например, великолепные "Виноградники" Марии Лычковской, созданные на стыке современной хореографии и пластики языка жестов (в проекте участвовали актёры Театра глухих). Движение эквивалентно поэтическому мышлению Лорки подчас более, чем произнесённое слово. В спектакле Романовой пластические этюды не дополняют, а скорее дублируют словесные сцены, которые также имеют сложный рисунок движения» (Анна Сологуб).
«Галка Моталко», лаборатория «ОN. TEAТР» (2009):
«Режиссёр не погружает нас в настоящий быт детей из интерната, не педалирует ужасные обстоятельства, формирующие судьбы и личности. Наоборот, она решает спектакль максимально театрально, но именно в таком прочтении конфликт пьесы работает как драматический, а истории героинь (ведь именно женским образам режиссёр уделяет особое внимание), рассказанные, сыгранные отличным ансамблем актрис, сливаются в общую историю о мире, в котором всё: «перспективные» и "неперспективные", Кометы, Бациллы, Моталки — все женщины оказываются проигравшими» (Оксана Кушляева).
«MARQUEZ. Сны одиночества», Государственный русский театр драмы имени Искандера (2020):
«У Марии Романовой, обратившейся к роману Маркеса в стенах абхазского Русского театра драмы имени Фазиля Искандера, не было долгих лет для работы над материалом, а отказ от густонаселённости принципиален. Её трёхчасовая постановка о глубоко личном переживании, разместившемся внутри маркесовского романа, закольцована ключевой фразой: "Первый в роду будет к дереву привязан, последнего съедят муравьи. Макондо будет сметён с лица земли и стёрт из памяти людей, когда Аурелиано Бабилония кончит расшифровывать свои пергаменты, и всё в них записанное больше никогда и ни за что не повторится, ибо тем родам человечества, которые обречены на сто лет одиночества, не суждено появиться на земле дважды"...
Женское одиночество — лейтмотив этого спектакля, а восемь актрис в ответе сразу за всех действующих лиц. Вычленяя из текста романа монологи о когда-то существовавших мужчинах, их падениях и свершениях, режиссёр вкладывает в уста женских персонажей мелодраматическую тоску по сильному плечу. Восемь актрис, у каждой из которых есть свой трагический монолог, существуют одновременно в режиме древнегреческого хора: подсказывают друг другу, перебивают, подхватывают слова, эмоции, жесты, изредка даже берутся сыграть этих самых мужчин» (Ирина Селезнёва-Редер).
В 2005 году она окончила РГИСИ по специальности «актриса и режиссёр драматического театра» (мастерская Григория Козлова).
Романова ставила спектакли в Театре имени Ленсовета, в петербургской «Мастерской», в Национальном театре Карелии (Петрозаводск), в ТЮЗе имени Киселёва (Саратов), в Государственном русском театре драмы имени Искандера (Абхазия, Сухум) и других театрах.
«Кровавая свадьба», Государственный русский театр драмы имени Искандера (2020):
«Режиссёр Мария Романова не пошла путём изучения быта и психологии героев "Кровавой свадьбы". Этому препятствует как минимум их архетипичность — Мать, Невеста, Жених (лишь один Леонардо, с которым сбежит Невеста, назван по имени). Также есть надсюжетные персонажи — Луна и Смерть. За холщовым занавесом актёры разыгрывают простенькие сцены теневого театра о своих персонажах, в их безыскусности — тонкое созвучие пьесе. Театр неживой материи очень попадает в эстетику драматурга. По духу в этих теневых сценах больше не испанского и не кавказского, а какого-то "украинского-гоголевского" визуального текста — и тёплые ночи, и девушка с открытыми плечами, и цветы в рассыпчатых длинных кудрях. Но эти аллегорические зарисовки — лишь часть масштабного полотна спектакля.
Основополагающей в подходе Марии Романовой стала форма. Во многом воплотить этот подход помогает Римма Саркисян (Театр им. Ленсовета), выступившая в постановке как режиссёр по пластике. Вообще "Кровавую свадьбу" часто интерпретируют пластически. Например, великолепные "Виноградники" Марии Лычковской, созданные на стыке современной хореографии и пластики языка жестов (в проекте участвовали актёры Театра глухих). Движение эквивалентно поэтическому мышлению Лорки подчас более, чем произнесённое слово. В спектакле Романовой пластические этюды не дополняют, а скорее дублируют словесные сцены, которые также имеют сложный рисунок движения» (Анна Сологуб).
«Галка Моталко», лаборатория «ОN. TEAТР» (2009):
«Режиссёр не погружает нас в настоящий быт детей из интерната, не педалирует ужасные обстоятельства, формирующие судьбы и личности. Наоборот, она решает спектакль максимально театрально, но именно в таком прочтении конфликт пьесы работает как драматический, а истории героинь (ведь именно женским образам режиссёр уделяет особое внимание), рассказанные, сыгранные отличным ансамблем актрис, сливаются в общую историю о мире, в котором всё: «перспективные» и "неперспективные", Кометы, Бациллы, Моталки — все женщины оказываются проигравшими» (Оксана Кушляева).
«MARQUEZ. Сны одиночества», Государственный русский театр драмы имени Искандера (2020):
«У Марии Романовой, обратившейся к роману Маркеса в стенах абхазского Русского театра драмы имени Фазиля Искандера, не было долгих лет для работы над материалом, а отказ от густонаселённости принципиален. Её трёхчасовая постановка о глубоко личном переживании, разместившемся внутри маркесовского романа, закольцована ключевой фразой: "Первый в роду будет к дереву привязан, последнего съедят муравьи. Макондо будет сметён с лица земли и стёрт из памяти людей, когда Аурелиано Бабилония кончит расшифровывать свои пергаменты, и всё в них записанное больше никогда и ни за что не повторится, ибо тем родам человечества, которые обречены на сто лет одиночества, не суждено появиться на земле дважды"...
Женское одиночество — лейтмотив этого спектакля, а восемь актрис в ответе сразу за всех действующих лиц. Вычленяя из текста романа монологи о когда-то существовавших мужчинах, их падениях и свершениях, режиссёр вкладывает в уста женских персонажей мелодраматическую тоску по сильному плечу. Восемь актрис, у каждой из которых есть свой трагический монолог, существуют одновременно в режиме древнегреческого хора: подсказывают друг другу, перебивают, подхватывают слова, эмоции, жесты, изредка даже берутся сыграть этих самых мужчин» (Ирина Селезнёва-Редер).
❤6❤🔥2👍1
Как Цирк дю Солей готовит свои шоу?
На подготовку каждого представления уходит полтора или даже два года. В голове режиссёра зарождается идея, затем начинается подбор команды: арт-директор, сценограф, художник по реквизиту, художник по костюмам и гриму, главный хореограф, постановщик акробатических номеров, мастер по свету и композитор. За семь-девять месяцев до премьеры, которая традиционно проходит в Монреале, собирается труппа артистов, и начинаются изнурительные репетиции.
Сценографы Цирка дю Солей любят, когда сцена трансформируется и меняется с каждым номером. Они создают не просто яркую и красивую историю, которая будет любима даже детьми, но поддерживают камерную атмосферу. Большая заслуга долгой работы команды заключается в том, что зритель, покупая билет не самой высокой ценовой категории, может не переживать за угол обзора: он будет хорош с любого места.
Цирк — это не просто развлечение для детей, а отдельный вид искусства, наблюдать за которым сегодня интересно и взрослым. О том, в чём заключаются основные особенности цирковых шоу, поговорим на предстоящем онлайн-курсе с педагогом Ириной Селезнёвой-Редер.
На подготовку каждого представления уходит полтора или даже два года. В голове режиссёра зарождается идея, затем начинается подбор команды: арт-директор, сценограф, художник по реквизиту, художник по костюмам и гриму, главный хореограф, постановщик акробатических номеров, мастер по свету и композитор. За семь-девять месяцев до премьеры, которая традиционно проходит в Монреале, собирается труппа артистов, и начинаются изнурительные репетиции.
Сценографы Цирка дю Солей любят, когда сцена трансформируется и меняется с каждым номером. Они создают не просто яркую и красивую историю, которая будет любима даже детьми, но поддерживают камерную атмосферу. Большая заслуга долгой работы команды заключается в том, что зритель, покупая билет не самой высокой ценовой категории, может не переживать за угол обзора: он будет хорош с любого места.
Цирк — это не просто развлечение для детей, а отдельный вид искусства, наблюдать за которым сегодня интересно и взрослым. О том, в чём заключаются основные особенности цирковых шоу, поговорим на предстоящем онлайн-курсе с педагогом Ириной Селезнёвой-Редер.
❤🔥6❤1⚡1
Марк Эйдельштейн — о значении театра в карьере актёра:
«Когда я параллельно снимался и выпускал спектакль, понял, насколько важен театр. Он держит тебя в тонусе, потому что у актёра, как у спортсмена, есть психофизическая форма. <...> Очень круто, что спектакли повторяются, ты играешь всегда по-новому. Думаю, в этом весь смысл. Актёр имеет дом – сцену. Он иногда уходит, гуляет, побеждает какого-то монстра, приходит к любимой, уходит от любимой, а потом возвращается и про это рассказывает. Таким образом он делает свой дом лучше. Это, наверное, и есть служение театру. Я-то раньше думал, что служат только в Театре российской армии, а в остальных играют. Но нет. Ты будто приносишь сакральную жертву».
«Когда я параллельно снимался и выпускал спектакль, понял, насколько важен театр. Он держит тебя в тонусе, потому что у актёра, как у спортсмена, есть психофизическая форма. <...> Очень круто, что спектакли повторяются, ты играешь всегда по-новому. Думаю, в этом весь смысл. Актёр имеет дом – сцену. Он иногда уходит, гуляет, побеждает какого-то монстра, приходит к любимой, уходит от любимой, а потом возвращается и про это рассказывает. Таким образом он делает свой дом лучше. Это, наверное, и есть служение театру. Я-то раньше думал, что служат только в Театре российской армии, а в остальных играют. Но нет. Ты будто приносишь сакральную жертву».
❤18❤🔥5👏5
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
«Укрощение строптивой» (Театр имени Ленсовета)
Режиссёр: Игорь Владимиров
Впервые постановка на основе одноимённой пьесы Уильяма Шекспира была показана в декабре 1970 года. Зрителям спектакль запомнился не только своей динамичностью, яркой игрой Алисы Фрейндлих, но и музыкой Геннадия Гладкова.
«Игорь [Владимиров] сказал, что все ленинградские композиторы отказались писать для этого спектакля, потому что он хотел нечто, на их вкус, неприемлемое, — вспоминал позже композитор. — Он сел за мой рояль и в ре-миноре стал играть и напевать блатной мотив: "Приехал я из Рима к вам...". Я, говорит, хочу, чтобы было вот так. Я спросил: "А почему ко мне пришли?". Он говорит: "Нам после "Бременских музыкантов" показалось, что вы лучше других справитесь с этой задачей". И я мгновенно влез в эту работу. Я им написал итальянскую блатнягу, слегка её облагородив: ритм тот же, но в мажоре. Успех был фантастический. Когда спектакль привезли в Москву, в Театре Маяковского, где проходили гастроли, овации длились по полчаса».
Режиссёр: Игорь Владимиров
Впервые постановка на основе одноимённой пьесы Уильяма Шекспира была показана в декабре 1970 года. Зрителям спектакль запомнился не только своей динамичностью, яркой игрой Алисы Фрейндлих, но и музыкой Геннадия Гладкова.
«Игорь [Владимиров] сказал, что все ленинградские композиторы отказались писать для этого спектакля, потому что он хотел нечто, на их вкус, неприемлемое, — вспоминал позже композитор. — Он сел за мой рояль и в ре-миноре стал играть и напевать блатной мотив: "Приехал я из Рима к вам...". Я, говорит, хочу, чтобы было вот так. Я спросил: "А почему ко мне пришли?". Он говорит: "Нам после "Бременских музыкантов" показалось, что вы лучше других справитесь с этой задачей". И я мгновенно влез в эту работу. Я им написал итальянскую блатнягу, слегка её облагородив: ритм тот же, но в мажоре. Успех был фантастический. Когда спектакль привезли в Москву, в Театре Маяковского, где проходили гастроли, овации длились по полчаса».
❤12❤🔥1👍1
«Меня восхищает механизм актёрской игры — это же своего рода феномен, правда? Вымышленная фигура каким-то образом связана с реальной, и всё время происходит своеобразное взаимопроникновение между героем, которого актёр играет, и им самим. Этот процесс идёт постоянно, он похож на борьбу, в которой вымышленный, играемый пожирает индивидуальность играющего актёра. И наоборот, не так ли? В персонажа вливается содержание, о котором в жизни человек не в состоянии ни отдать себе отчёта, ни тем более его обнаружить, сделать явным. Любой другой вид искусства — это игра на каком-то материальном инструменте, а театр — игра на человеке».
Кристиан Люпа
Как обнаружить эту связь между вымышленным персонажем и реальной личностью актёра и обогатить сценический образ собственным опытом, обсуждаем на курсе Сергея Черкасского. У вас ещё есть возможность присоединиться к обучению в качестве наблюдателя.
Кристиан Люпа
Как обнаружить эту связь между вымышленным персонажем и реальной личностью актёра и обогатить сценический образ собственным опытом, обсуждаем на курсе Сергея Черкасского. У вас ещё есть возможность присоединиться к обучению в качестве наблюдателя.
❤🔥5❤2
Фотографии клоунов 1900–1930-х годов.
Хотите узнать, как с течением времени трансформировалось цирковое искусство и чем оно живёт сейчас? Записывайтесь на наш новый онлайн-курс.
Хотите узнать, как с течением времени трансформировалось цирковое искусство и чем оно живёт сейчас? Записывайтесь на наш новый онлайн-курс.
❤6❤🔥2🔥2👻2
Борис Юхананов выпускает фэнтези-триптих про ангелов
10, 11 и 12 марта в Электротеатре «Станиславский» пройдёт премьера театрального проекта Бориса Юхананова «Пик Ник или Сказки Старого Ворона» (18+). Это фэнтезийный триптих о путешествии Ангелов на Землю.
Театральная трилогия Бориса Юхананова «Пик Ник или Сказки Старого Ворона» (рабочее название – «Пикник») была анонсирована в ещё в 2023 году. Работа над проектом началась в декабре 2021 года, затем продолжилась осенью 2024-го в двух параллельных режимах: постановка спектаклей и съёмки кино. Постпродакшн фильмов «Пик Ник или Сказки Старого Ворона» продлится до конца этого года и завершится в декабре. Кинопремьера намечена на 2026 год.
Схожий формат работы Борис Юхананов использовал в своей дилогии «Пиноккио», состоявшей из двух спектаклей – «Пиноккио. Лес» и «Пиноккио. Театр». «Пиноккио» стал двухкратным лауреатом премии «Золотая Маска» в 2021 году в номинациях «Лучший спектакль в драме» и «Лучшая работа художника по костюмам». Позже на основе двух спектаклей был создан фильм «Безумный ангел Пиноккио», вышедший на большие экраны в марте 2022 года.
Создатели нового проекта определили его жанр как «фэнтези о путешествии Ангелов на Землю». «Пик Ник или Сказки Старого Ворона» – многослойное сочинение в трёх частях. В центре сюжета – история четырёх Ангелов: Творец принимает облик Старого Ворона и отправляет их в путешествие. По наказу Старого Ворона Ангелы должны воплотиться в земных женщин – театральных актрис, получить знание о театре и сыграть пьесу о любви.
Первый спектакль – «Город миражей». В нём для Ангелов будет обустроен Город миражей, «по которому они отправятся в путешествие на Землю», как говорится в анонсе. Второй спектакль «Никогда» начнётся фильмом о мясном ресторане в Поднебесье и продолжится театром (специальные гости на экране – Анатолий Васильев, Александр Велединский, Борис Юхананов). Завершится театральный триптих спектаклем «Прибытие», где Старый Ворон закончит рассказывать свои сказки, а Ангелы прибудут в портал перехода из Поднебесья на Землю и обратно. Премьерные показы пройдут с 10 по 12 марта, каждая часть – в отдельный день.
Автор проекта и худрук Электротеатра «Станиславский» Борис Юхананов выступает в роли не только режиссёра, но и художника-постановщика и драматурга. Его же голосом будет говорить Старый Ворон. Вместе с Юханановым над проектом работают сценограф Юрий Хариков, художник по костюмам Анастасия Нефёдова, художник по свету Алексей Наумов, видеохудожник Владислав Зиновьев, композиторы Александр Белоусов, Роман Жауров и Николай Попов, а также хореограф Лина Лангнер.
Роли четырёх Ангелов исполнят актрисы Алла Казакова, Ирина Савицкова, Мария Чиркова и Мария Беляева. Также в проекте участвуют артисты Электротеатра, студийцы, сотрудники цехов и студенты Бориса Юхананова.
Источник: «Театръ».
10, 11 и 12 марта в Электротеатре «Станиславский» пройдёт премьера театрального проекта Бориса Юхананова «Пик Ник или Сказки Старого Ворона» (18+). Это фэнтезийный триптих о путешествии Ангелов на Землю.
Театральная трилогия Бориса Юхананова «Пик Ник или Сказки Старого Ворона» (рабочее название – «Пикник») была анонсирована в ещё в 2023 году. Работа над проектом началась в декабре 2021 года, затем продолжилась осенью 2024-го в двух параллельных режимах: постановка спектаклей и съёмки кино. Постпродакшн фильмов «Пик Ник или Сказки Старого Ворона» продлится до конца этого года и завершится в декабре. Кинопремьера намечена на 2026 год.
Схожий формат работы Борис Юхананов использовал в своей дилогии «Пиноккио», состоявшей из двух спектаклей – «Пиноккио. Лес» и «Пиноккио. Театр». «Пиноккио» стал двухкратным лауреатом премии «Золотая Маска» в 2021 году в номинациях «Лучший спектакль в драме» и «Лучшая работа художника по костюмам». Позже на основе двух спектаклей был создан фильм «Безумный ангел Пиноккио», вышедший на большие экраны в марте 2022 года.
Создатели нового проекта определили его жанр как «фэнтези о путешествии Ангелов на Землю». «Пик Ник или Сказки Старого Ворона» – многослойное сочинение в трёх частях. В центре сюжета – история четырёх Ангелов: Творец принимает облик Старого Ворона и отправляет их в путешествие. По наказу Старого Ворона Ангелы должны воплотиться в земных женщин – театральных актрис, получить знание о театре и сыграть пьесу о любви.
Первый спектакль – «Город миражей». В нём для Ангелов будет обустроен Город миражей, «по которому они отправятся в путешествие на Землю», как говорится в анонсе. Второй спектакль «Никогда» начнётся фильмом о мясном ресторане в Поднебесье и продолжится театром (специальные гости на экране – Анатолий Васильев, Александр Велединский, Борис Юхананов). Завершится театральный триптих спектаклем «Прибытие», где Старый Ворон закончит рассказывать свои сказки, а Ангелы прибудут в портал перехода из Поднебесья на Землю и обратно. Премьерные показы пройдут с 10 по 12 марта, каждая часть – в отдельный день.
Автор проекта и худрук Электротеатра «Станиславский» Борис Юхананов выступает в роли не только режиссёра, но и художника-постановщика и драматурга. Его же голосом будет говорить Старый Ворон. Вместе с Юханановым над проектом работают сценограф Юрий Хариков, художник по костюмам Анастасия Нефёдова, художник по свету Алексей Наумов, видеохудожник Владислав Зиновьев, композиторы Александр Белоусов, Роман Жауров и Николай Попов, а также хореограф Лина Лангнер.
Роли четырёх Ангелов исполнят актрисы Алла Казакова, Ирина Савицкова, Мария Чиркова и Мария Беляева. Также в проекте участвуют артисты Электротеатра, студийцы, сотрудники цехов и студенты Бориса Юхананова.
Источник: «Театръ».
❤9