Война страшна тем, что уничтожает всё на своём пути, разрушая духовную связь даже между самыми близкими людьми.

Мы продолжаем рубрику #театрвойны и сегодня говорим о спектакле «Возвращение» по рассказу Андрея Платонова, который Галина Зальцман поставила в Самарском театре юного зрителя «СамАрт».

В ролях: Роман Касатьев, Ольга Ламинская/Вероника Львова, Алексей Елхимов/Пётр Касатьев, Анастасия Оболдина/Анна Тулаева и другие.
Художник — Семён Пастух, художник по свету — Тарас Михалевский, композитор — Василий Тонковидов, хореограф — Павел Самохвалов.
Премьера состоялась 14 октября 2023 года.

Великая Отечественная война закончилась, и гвардии капитан Алексей Иванов возвращается домой. Он встречается с женой и повзрослевшими детьми, Петей и Настей, уже самостоятельно распоряжающимися хозяйством. Иванов узнаёт, что все четыре года им помогал некий Семён Евсеевич, у которого немцы убили жену и детей. Вернувшийся Иванов не находит себе места, подозревает жену в измене, робеет перед собственными детьми и пытается привыкнуть к новой действительности. И не он один. «А нам однажды лёд в столовую кусками привезли, а в нём рыбка маленькая, вмёрзла бедная — я на неё смотрю, она, честное слово, глаза открывает-закрывает. Так и я, как во льду, в этой новой жизни».

«Возвращение» (1946) относится к ключевым рассказам Платонова. Существовал ещё и нереализованный киносценарий «Семья Иванова», где в центре сюжета была жизнь жены Иванова в годы войны, а не возвращение героя домой. Рассказ оказался для автора судьбоносным — обвинив писателя в клевете на советских людей, ему запретили публиковать свои сочинения. Режиссёр Галина Зальцман приняла решение объединить два текста, чтобы показать историю с разных сторон — Алексея, возвращающего с войны, и жены, которая его ждёт. «Андрей Платонов нравится театральным режиссёрам, потому что он — из фантастического реализма, — говорит Галина Зальцман. — Его человек всегда обнажён, он не может себя сам осознать и не понимает, как ему самому с собой быть».

Рассказывая две параллельные — и сопоставимо страшные — истории, Зальцман показывает адский труд, невыносимый быт, опустошающее и ожесточающее одиночество людей во время войны и сразу после неё. Выхолащивается милосердие, утрачивается способность коммуникации, наступает душевная контузия — наряду со сложной световой партитурой в этом сером металлическом мире важна звуковая. Сострадая измученным героям, режиссёр не оправдывает их поступки. И если обычно постановщики не прощают Иванову, надолго свернувшему с пути домой к встречной девушке, его явную несправедливость к жене, то в спектакле Зальцман важнее другое: Иванов непоправимо искалечен войной, его действия буквально продиктованы ПТСР, показанным с почти физиологической, клинической подробностью (что не противоречит поэтической выразительности театрального языка).

Театр в описании называет спектакль «психологической постапокалиптической драмой»: «Вся жизнь длится, как один большой день. И всё время мерещится, что наступит счастье. Но наступает только возвращение». Рецензии критиков объединены общей идеей: «Возвращение» — это история не о жене или муже, не о детях из семьи Ивановых, а о силе любви, оберегающей и всепрощающей, даже если в отравленном войной мире она становится горькой и трудной.

Интересные факты об Эмиле Теодоровиче Кио, легенде советского цирка:

1. Настоящее имя артиста – Эмиль Гиршфельд. А родиной матери и отца является Курляндия, откуда они переехали в Москву, где 30 марта 1884 года появился на свет их старший сын Эмиль.

Отец был коммивояжёром, но надеялся, что его сыновья получат более солидные профессии. Эмиль окончил коммерческое училище, брат Феликс после обучения в евангелически-лютеранском училище стал изучать экономику, а брат Гаррий — самолётостроение.

2. В 1921 году Кио стал выступать в известном в то время в Москве театре миниатюр «Одеон», затем перешел в знаменитый цирк Чинизелли. Сначала молодой человек занимал административные должности, а на арену вышел, как это нередко случается, для того, чтобы заменить заболевшего актёра.

После этого выступления Эмиль решил стать настоящим иллюзионистом. Сначала он следовал сложившимся традициям – выходил на сцену в восточном наряде и работал в одиночку.

3. Своим артистическим псевдонимом молодой иллюзионист, сначала выступавший под фамилией Ренард, выбрал странное слово Кио. По наиболее распространенной версии, он увидел его на рекламе кино, в которой не горела буква «н».

Однако сыновья иллюзиониста рассказывали, что подлинное происхождение псевдонима связано с древнееврейским словом «ткио», обозначающего особый звук священного инструмента шофара. С тех пор в паспорте иллюзиониста и членов его семьи значилась двойная фамилия Ренерд-Кио.

4. После ряда успешных выступлений в летних эстрадных театрах и продолжительных гастролей по всей стране Эмиль Кио стал работать в столичном цирке.

Кио отказался от распространенного образа восточного мага и стал выходить на публику в безукоризненно сидящем на нем смокинге. С 1940 года и на протяжении дальнейшей жизни он заказывал сценическую и обычную одежду у самого дорогого рижского портного.

5. Кио менял традиционное содержание номеров: например, в известном трюке с распиливанием ассистентки «пилил» сразу двоих, меняя их местами. Кроме того, он сделал свои номера красочными яркими шоу, используя ковёрных и танцовщиц, общался со зрителями в необычной для того времени иронически-интеллектуальной манере.

Одним из ноу-хау иллюзиониста стали номера с использованием близнецов. Первым на эту роль был приглашен его брат Гарри, успешно работавший авиаинженером, которому для полного сходства с братом на «Мосфильме» сделали специальный парик.

Вокруг Кио ходили настоящие легенды, многие верили, что он обладает сверхспособностями, и обращались к нему с самыми невероятными просьбами.

6. Следует заметить, что семейная жизнь знаменитого иллюзиониста была не совсем обычной. В его трёхкомнатной квартире одна комната была выделена для жены Кошерхан и Эмиля-младшего.

За обоими сыновьями присматривала домработница Маруся, мальчики ходили в одну школу и были дружны между собой. Игорь очень увлекался футболом и даже тренировался у знаменитого футболиста Бескова. Тем не менее, по решению отца, цирковым артистом стал именно он, получив в распоряжение не только реквизит, но и даже рекомендацию к знаменитому рижскому портному Баринбауму.

Эмиль-младший в это время успешно учился в строительном институте, однако, спроектировав для защиты диплома площадь в Рязани, также пришел в цирк.

7. Легендарный иллюзионист выходил на арену буквально до последнего дня, он скончался в 1969 году во время киевских гастролей. Игорь и Эмиль-младший долгое время успешно выступали, и об их жизни, особенно личной, также ходили легенды – однако, как говорится, это уже совсем другая история. К сожалению, внуки Кио-старшего не проявили желания связать свою жизнь с цирком.

Хотите узнать больше интересных фактов о цирке и проанализировать художественные приёмы авторов шоу на конкретных примерах? Бронируйте место на нашем новом четырёхмесячном курсе.

Сегодня мы поздравляем с днём рождения Варвару Шмыкову — актрису театра и кино, запоминающуюся не только своей яркой внешностью, но и своим многогранным талантом.

В то время как театральные зрители уже знали Варвару по учебным спектаклям в Школе-студии МХАТ и постановкам независимого «Июльансамбля», для более широкой аудитории она стала популярна после выхода сериала «Чики». Хотя, конечно, и предшествовавшие этому эпизодические роли также являются заметными работами актрисы.

Находясь за рубежом, Варвара продолжает выходить на театральную сцену: например, спектакль «Клуб разбитых сердец», задумывавшийся изначально для разового показа к 14 февраля, уже успел собрать залы в Испании, Чехии, Финляндии, Эстонии, Германии, Польше, Сербии и ряде других стран. А в конце декабря 2024-го в своих социальных сетях Шмыкова объявила о начале репетиций над новым проектом, подробности о котором пока не разглашаются. Но уверены, что совсем скоро нас ждёт ещё одна заметная премьера с участием любимой актрисы:)

Расскажите, а какая роль Варвары Шмыковой ваша любимая?

Мы продолжаем рассказывать о том, что #у_режиссуры_женское_лицо. Героиня сегодняшнего дня — Мария Романова. 

В 2005 году она окончила РГИСИ по специальности «актриса и режиссёр драматического театра» (мастерская Григория Козлова). 

Романова ставила спектакли в Театре имени Ленсовета, в петербургской «Мастерской», в Национальном театре Карелии (Петрозаводск), в ТЮЗе имени Киселёва (Саратов), в Государственном русском театре драмы имени Искандера (Абхазия, Сухум) и других театрах.

«Кровавая свадьба», Государственный русский театр драмы имени Искандера (2020):
«Режиссёр Мария Романова не пошла путём изучения быта и психологии героев "Кровавой свадьбы". Этому препятствует как минимум их архетипичность — Мать, Невеста, Жених (лишь один Леонардо, с которым сбежит Невеста, назван по имени). Также есть надсюжетные персонажи — Луна и Смерть. За холщовым занавесом актёры разыгрывают простенькие сцены теневого театра о своих персонажах, в их безыскусности — тонкое созвучие пьесе. Театр неживой материи очень попадает в эстетику драматурга. По духу в этих теневых сценах больше не испанского и не кавказского, а какого-то "украинского-гоголевского" визуального текста — и тёплые ночи, и девушка с открытыми плечами, и цветы в рассыпчатых длинных кудрях. Но эти аллегорические зарисовки — лишь часть масштабного полотна спектакля. 
 
Основополагающей в подходе Марии Романовой стала форма. Во многом воплотить этот подход помогает Римма Саркисян (Театр им. Ленсовета), выступившая в постановке как режиссёр по пластике. Вообще "Кровавую свадьбу" часто интерпретируют пластически. Например, великолепные "Виноградники" Марии Лычковской, созданные на стыке современной хореографии и пластики языка жестов (в проекте участвовали актёры Театра глухих). Движение эквивалентно поэтическому мышлению Лорки подчас более, чем произнесённое слово. В спектакле Романовой пластические этюды не дополняют, а скорее дублируют словесные сцены, которые также имеют сложный рисунок движения» (Анна Сологуб).

«Галка Моталко», лаборатория «ОN. TEAТР» (2009):
«Режиссёр не погружает нас в настоящий быт детей из интерната, не педалирует ужасные обстоятельства, формирующие судьбы и личности. Наоборот, она решает спектакль максимально театрально, но именно в таком прочтении конфликт пьесы работает как драматический, а истории героинь (ведь именно женским образам режиссёр уделяет особое внимание), рассказанные, сыгранные отличным ансамблем актрис, сливаются в общую историю о мире, в котором всё: «перспективные» и "неперспективные", Кометы, Бациллы, Моталки — все женщины оказываются проигравшими» (Оксана Кушляева).

«MARQUEZ. Сны одиночества», Государственный русский театр драмы имени Искандера (2020):
«У Марии Романовой, обратившейся к роману Маркеса в стенах абхазского Русского театра драмы имени Фазиля Искандера, не было долгих лет для работы над материалом, а отказ от густонаселённости принципиален. Её трёхчасовая постановка о глубоко личном переживании, разместившемся внутри маркесовского романа, закольцована ключевой фразой: "Первый в роду будет к дереву привязан, последнего съедят муравьи. Макондо будет сметён с лица земли и стёрт из памяти людей, когда Аурелиано Бабилония кончит расшифровывать свои пергаменты, и всё в них записанное больше никогда и ни за что не повторится, ибо тем родам человечества, которые обречены на сто лет одиночества, не суждено появиться на земле дважды"...

Женское одиночество — лейтмотив этого спектакля, а восемь актрис в ответе сразу за всех действующих лиц. Вычленяя из текста романа монологи о когда-то существовавших мужчинах, их падениях и свершениях, режиссёр вкладывает в уста женских персонажей мелодраматическую тоску по сильному плечу. Восемь актрис, у каждой из которых есть свой трагический монолог, существуют одновременно в режиме древнегреческого хора: подсказывают друг другу, перебивают, подхватывают слова, эмоции, жесты, изредка даже берутся сыграть этих самых мужчин» (Ирина Селезнёва-Редер).

Как Цирк дю Солей готовит свои шоу?

На подготовку каждого представления уходит полтора или даже два года. В голове режиссёра зарождается идея, затем начинается подбор команды: арт-директор, сценограф, художник по реквизиту, художник по костюмам и гриму, главный хореограф, постановщик акробатических номеров, мастер по свету и композитор. За семь-девять месяцев до премьеры, которая традиционно проходит в Монреале, собирается труппа артистов, и начинаются изнурительные репетиции.

Сценографы Цирка дю Солей любят, когда сцена трансформируется и меняется с каждым номером. Они создают не просто яркую и красивую историю, которая будет любима даже детьми, но поддерживают камерную атмосферу. Большая заслуга долгой работы команды заключается в том, что зритель, покупая билет не самой высокой ценовой категории, может не переживать за угол обзора: он будет хорош с любого места.

Цирк — это не просто развлечение для детей, а отдельный вид искусства, наблюдать за которым сегодня интересно и взрослым. О том, в чём заключаются основные особенности цирковых шоу, поговорим на предстоящем онлайн-курсе с педагогом Ириной Селезнёвой-Редер.