«Наставления актёрам» — памфлет Джонатана Свифта, 1713 год:
– Нет никакой необходимости принуждать себя к рабскому труду и учить роли: для чего же существует суфлёр? Помимо того, ясно как дважды два, что для новой пьесы ты всегда сможешь почерпнуть из своего собственного природного остроумия что-нибудь получше авторской писанины. Если же ты окажешься окончательно в тупике, тебя заметят публика и критика, чего может не произойти в противном случае. Что же касается самолюбия автора, то думал ли он о твоём, когда давал тебе эту роль? А раз ему заплатили за пьесу, то почему бы тебе не поступать с нею так, как тебе заблагорассудится?
– Другой превосходный способ быть замеченным состоит в том, чтобы никогда не быть готовым к выходу и как можно чаще заставлять других приносить за тебя извинения.
– Никогда не говори доброго слова о режиссёре. Не могу толком объяснить почему, но помни, что я тебя предостерегал! Не подлежит сомнению, что он всегда будет стараться унизить тебя, давая тебе роли, в которых, по его мнению, ты можешь показать свою гениальность в наилучшем свете. Это не должен сносить безропотно ни один уважающий себя актёр.
– Когда ты поёшь — не обращай внимания на музыку; соблюдай тот ритм, который тебе больше понравится. Ведь это было бы истым унижением, если бы ты должен был следовать за скрипачом; пусть сам скрипач, этот «конский волос, кошачья кишка», следует за тобою.
– Если ты не в настроении — играй кое-как. Если ты всегда будешь играть хорошо, это приведёт к такому однообразию, что никто не обратит на тебя внимания.
– Поза — великая вещь. Произнося свои речи, упрись левой рукой в бедро, сделав угол локтем, правую же вытяни в сторону. Некоторые, насколько мне известно, предпочитают иные позиции, но придерживайся здравого смысла. Разве не ясно, что вещи, наиболее доступные для понимания, пользуются особым одобрением? А существует ли что-либо более знакомое, чем чайник?
– Никогда не расставайся со своей шляпой: иначе что же ты будешь делать со своими руками?
Но если серьёзно, то, разумеется, для сохранения и развития творческой формы актёру необходимо постоянно работать над собой. Кстати, освоить новые действенные инструменты для совершенствования профессиональных навыков смогут студенты нового мастер-курса «Метод Страсберга», который проведёт театральный режиссёр и педагог Сергей Черкасский.
– Нет никакой необходимости принуждать себя к рабскому труду и учить роли: для чего же существует суфлёр? Помимо того, ясно как дважды два, что для новой пьесы ты всегда сможешь почерпнуть из своего собственного природного остроумия что-нибудь получше авторской писанины. Если же ты окажешься окончательно в тупике, тебя заметят публика и критика, чего может не произойти в противном случае. Что же касается самолюбия автора, то думал ли он о твоём, когда давал тебе эту роль? А раз ему заплатили за пьесу, то почему бы тебе не поступать с нею так, как тебе заблагорассудится?
– Другой превосходный способ быть замеченным состоит в том, чтобы никогда не быть готовым к выходу и как можно чаще заставлять других приносить за тебя извинения.
– Никогда не говори доброго слова о режиссёре. Не могу толком объяснить почему, но помни, что я тебя предостерегал! Не подлежит сомнению, что он всегда будет стараться унизить тебя, давая тебе роли, в которых, по его мнению, ты можешь показать свою гениальность в наилучшем свете. Это не должен сносить безропотно ни один уважающий себя актёр.
– Когда ты поёшь — не обращай внимания на музыку; соблюдай тот ритм, который тебе больше понравится. Ведь это было бы истым унижением, если бы ты должен был следовать за скрипачом; пусть сам скрипач, этот «конский волос, кошачья кишка», следует за тобою.
– Если ты не в настроении — играй кое-как. Если ты всегда будешь играть хорошо, это приведёт к такому однообразию, что никто не обратит на тебя внимания.
– Поза — великая вещь. Произнося свои речи, упрись левой рукой в бедро, сделав угол локтем, правую же вытяни в сторону. Некоторые, насколько мне известно, предпочитают иные позиции, но придерживайся здравого смысла. Разве не ясно, что вещи, наиболее доступные для понимания, пользуются особым одобрением? А существует ли что-либо более знакомое, чем чайник?
– Никогда не расставайся со своей шляпой: иначе что же ты будешь делать со своими руками?
Но если серьёзно, то, разумеется, для сохранения и развития творческой формы актёру необходимо постоянно работать над собой. Кстати, освоить новые действенные инструменты для совершенствования профессиональных навыков смогут студенты нового мастер-курса «Метод Страсберга», который проведёт театральный режиссёр и педагог Сергей Черкасский.
👍12❤2😁1
#театромЭтр Лев Эренбург:
«...если мы говорим об идеальном театре, о поисковом, то я предпочитаю этюдный или студийный метод, потому что метод действенного анализа, открытый Станиславским, предполагает разведку умом и разведку делом. Разведка умом — это больше относится к режиссуре. Разведка делом — это относится к актёрам. Но иногда в актёрском деле ума больше, чем у меня в голове. И такое бывает частенько, потому не пользоваться этим — значит обкрадывать себя и процесс».
«Театр дает ни с чем не сравнимое фантастическое чувство — ты вдруг понимаешь, что при помощи твоего участия, твоих провокаций, корректуры и всякого разного шаманства из живых актёрских тел создаётся какая-то другая живая жизнь. Возникает ощущение живого творения другого мира. И это происходит не к премьере, это происходит каждый раз на каждом спектакле. На театр и театральную педагогику я смотрю таким образом, что каждый сыгранный артистами спектакль — это бездна жизни, у которой нет ни дна, ни покрышки, бездна!»
«Моя сегодняшняя педагогика – это завтра моего театра».
«...если мы говорим об идеальном театре, о поисковом, то я предпочитаю этюдный или студийный метод, потому что метод действенного анализа, открытый Станиславским, предполагает разведку умом и разведку делом. Разведка умом — это больше относится к режиссуре. Разведка делом — это относится к актёрам. Но иногда в актёрском деле ума больше, чем у меня в голове. И такое бывает частенько, потому не пользоваться этим — значит обкрадывать себя и процесс».
«Театр дает ни с чем не сравнимое фантастическое чувство — ты вдруг понимаешь, что при помощи твоего участия, твоих провокаций, корректуры и всякого разного шаманства из живых актёрских тел создаётся какая-то другая живая жизнь. Возникает ощущение живого творения другого мира. И это происходит не к премьере, это происходит каждый раз на каждом спектакле. На театр и театральную педагогику я смотрю таким образом, что каждый сыгранный артистами спектакль — это бездна жизни, у которой нет ни дна, ни покрышки, бездна!»
«Моя сегодняшняя педагогика – это завтра моего театра».
👍5❤🔥2❤2
27 февраля 2020 года в Третьяковской галерее открылась выставка «Русская сказка. От Васнецова до сих пор», над которой работали Алексей и Мария Трегубовы. Выставку составили 90 экспонатов. Помимо живописи и графики, экспозиция охватила и такие направления, как фотография, видео, кино, театр. Мы решили вспомнить, что кураторы говорили об этом проекте:
Татьяна Гетман: «Изначально у меня была идея сделать мультидисциплинарный выставочный проект о русских сказках. Я хотела обратить внимание на тему, которую можно сформулировать так: "Сказочные миры и герои, которых мы визуализируем и представляем благодаря художникам". Я старалась раскрыть простую, но важную мысль, что без художников, без их видения наши представления о том, как выглядят сказочные персонажи,были бы совершенно непредсказуемыми, очень разными — не было бы узнаваемых черт, характеров, форм, детских воспоминаний о книжках и фильмах».
Алексей Трегубов: «Для меня важнее всего было не превратить проект в выставку произведений, иллюстрирующих сказки. Создать пространство, где человек, пришедший на выставку, встречает произведения искусства как персонажей сказки и сам становится её героем».
Игорь Волков: «Я считаю, что выставка "Русская сказка. От Васнецова до сих пор" важна уже потому, что вписывает творчество классика русского искусства, "народного" автора с обложек книг и обёрток конфет в широкий контекст современности. Проект ценен сочетанием разных эпох, видов искусства, сопоставлением "изящного", провокативного и популярного».
Татьяна Гетман: «Изначально у меня была идея сделать мультидисциплинарный выставочный проект о русских сказках. Я хотела обратить внимание на тему, которую можно сформулировать так: "Сказочные миры и герои, которых мы визуализируем и представляем благодаря художникам". Я старалась раскрыть простую, но важную мысль, что без художников, без их видения наши представления о том, как выглядят сказочные персонажи,были бы совершенно непредсказуемыми, очень разными — не было бы узнаваемых черт, характеров, форм, детских воспоминаний о книжках и фильмах».
Алексей Трегубов: «Для меня важнее всего было не превратить проект в выставку произведений, иллюстрирующих сказки. Создать пространство, где человек, пришедший на выставку, встречает произведения искусства как персонажей сказки и сам становится её героем».
Игорь Волков: «Я считаю, что выставка "Русская сказка. От Васнецова до сих пор" важна уже потому, что вписывает творчество классика русского искусства, "народного" автора с обложек книг и обёрток конфет в широкий контекст современности. Проект ценен сочетанием разных эпох, видов искусства, сопоставлением "изящного", провокативного и популярного».
🔥8👍2👎1
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
«Месяц в деревне» (МХТ имени Антона Чехова)
Режиссёр: Егор Перегудов
Сценограф: Владимир Арефьев
В ролях: Наталья Рогожкина, Надежда Калеганова, Кузьма Котрелёв, Александр Семчев, Александр Усов, Эдуард Чекмазов, Павел Ворожцов, Анастасия Скорик, Мариэтта Волкова.
Именно с этого спектакля, поставленного в 2020 году, в совместных работах Перегудова и Арефьева началась так называемая тема «водной феерии», которая впоследствии продолжилась в спектаклях «Лес» (2023) и «Евгений Онегин» (2025).
Благодаря смелым визуальным решениям Владимира Арефьева и художника по свету Дамира Исмагилова зрители действительно как будто бы на несколько часов перенеслись в деревню, где с неба то и дело хлещет дождь, земля устлана настоящим сеном, а в воздухе витает туманная дымка. Чтобы никто из сидящих в зале не пострадал от капризов природы, отражающей накал страстей персонажей, публике в первых рядах даже специально выдавали пледы. Получился «такой Тургенев в 5D», как отмечал Егор Перегудов.
Режиссёр: Егор Перегудов
Сценограф: Владимир Арефьев
В ролях: Наталья Рогожкина, Надежда Калеганова, Кузьма Котрелёв, Александр Семчев, Александр Усов, Эдуард Чекмазов, Павел Ворожцов, Анастасия Скорик, Мариэтта Волкова.
Именно с этого спектакля, поставленного в 2020 году, в совместных работах Перегудова и Арефьева началась так называемая тема «водной феерии», которая впоследствии продолжилась в спектаклях «Лес» (2023) и «Евгений Онегин» (2025).
Благодаря смелым визуальным решениям Владимира Арефьева и художника по свету Дамира Исмагилова зрители действительно как будто бы на несколько часов перенеслись в деревню, где с неба то и дело хлещет дождь, земля устлана настоящим сеном, а в воздухе витает туманная дымка. Чтобы никто из сидящих в зале не пострадал от капризов природы, отражающей накал страстей персонажей, публике в первых рядах даже специально выдавали пледы. Получился «такой Тургенев в 5D», как отмечал Егор Перегудов.
👍10❤3
Делимся книгой Александра Михельсона «Работа актёра над ролью».
Что значит сыграть роль? Что для этого нужно? Зачем актёр выходит на сцену? Для чего существует театр, искусство вообще? На эти и другие вопросы автор даёт ответы на страницах издания.
Всех, кто хочет глубже погрузиться в освоение навыков актёрского мастерства, мы ждём на нашем предстоящем курсе «Метод Страсберга». В формате «Стандарт» доступными остаются последние места, успейте забронировать своё.
Что значит сыграть роль? Что для этого нужно? Зачем актёр выходит на сцену? Для чего существует театр, искусство вообще? На эти и другие вопросы автор даёт ответы на страницах издания.
Всех, кто хочет глубже погрузиться в освоение навыков актёрского мастерства, мы ждём на нашем предстоящем курсе «Метод Страсберга». В формате «Стандарт» доступными остаются последние места, успейте забронировать своё.
❤4👍1
7 и 8 февраля на Основной сцене Театра на Таганке пройдёт премьера спектакля Эдгара Закаряна «Рыжий. Я всех любил. Без дураков» по пьесе Владимира Антипова.
В название постановки вынесены слова из предсмертной записки поэта Бориса Рыжего, чьи стихи сегодня стали крайне популярными. При этом огромный интерес вызывает у читателей и личность их автора, его недолгая жизнь на рубеже XX и XXI веков и трагическая смерть. Название премьеры соответствует выбранной композиции — «ретроспективы короткой, но яркой жизни», в которой, как сказано в релизе, «путешествие по воспоминаниям начинается с финала — последнего дня жизни поэта».
Оригинальную пьесу для премьерного спектакля написал Владимир Антипов — актёр, режиссёр, драматург, ученик Юрия Красовского и сооснователь независимого петербургского театра «Организмы». Как чаще всего и бывает со спектаклями о Борисе Рыжем (а их в стране на сегодняшний день создано уже немало), создатели постановки стремятся найти баланс между подлинной судьбой Бориса Рыжего, реальной или мнимой автобиографичностью его поэзии и тем лирическим героем, который возникает в этих текстах. Второй мотив, также продиктованный самими сочинениями Рыжего и неизменно увлекающий постановщиков, — взаимоотношения между конкретной окружающей действительностью и уникальным талантом поэта, их связь и, возможно, конфликт.
Любопытно, что при этом создатели не акцентируют внимания на другой, не менее важной для Рыжего и его почитателей, теме — времени и эпохе. Хотя будущая премьера всё равно остаётся в логике «репертуарной линии» Театра на Таганке, исследующего в спектаклях либо советскую эпоху, либо её прямое наследие, авторы «Рыжего…» хотят рассмотреть историю жизни поэта как универсальную. «Художественный нарратив строится на ключевых событиях, определивших его судьбу: школа, боксёрский ринг, первая любовь к однокласснице и будущей жене, студенческий литературный клуб, публикации в журналах, первая слава, рождение ребёнка, общественный успех и… трагичный исход, как рок судьбы великих поэтов», — говорится в релизе.
Поскольку пространство интересует авторов спектакля несколько больше, чем время, одним из ключевых образов становится город (который в анонсах назван, как обычно у Рыжего, не Екатеринбургом, а Свердловском). В релизе сказано: «Как жизнь, так и поэзия Рыжего представляет собой синтез возвышенного и низменного, прекрасного и безобразного <отсылка к одному из важнейших стихотворений Рыжего „Так гранит покрывается наледью…“: „Как сказал тот, кто умер уже, / безобразное — это прекрасное, / что не может вместиться в душе. / Слишком много всего не вмещается“. — прим. редакции>. Зрители погружаются в атмосферу Свердловска — города, где, по словам поэта, он не встречал тех, кому было бы легко от поэзии. Спектакль показывает, как в сложной и неоднозначной среде, из сочетания обстоятельств и таланта рождается самобытная и неповторимая поэзия, которая оставила заметный след в русской литературе».
Сам режиссёр рассказывает о замысле постановки так: «Мне кажется, Борис Рыжий писал очень понятные и важные вещи, которые люди ощущают, но не могут сформулировать. И они до сих пор актуальны: противоречивость человеческой жизни, сочетание в одном человеке грубости и тонкой душевности, как, например, в образе „хулигана“ в кожаной куртке со шрамом на лице скрывается поэт с чувством сострадательной любви ко всем проявлениям жизни. И здесь мы стремимся к подлинному существованию артиста в обстоятельствах поэта».
Источник: «Театръ».
В название постановки вынесены слова из предсмертной записки поэта Бориса Рыжего, чьи стихи сегодня стали крайне популярными. При этом огромный интерес вызывает у читателей и личность их автора, его недолгая жизнь на рубеже XX и XXI веков и трагическая смерть. Название премьеры соответствует выбранной композиции — «ретроспективы короткой, но яркой жизни», в которой, как сказано в релизе, «путешествие по воспоминаниям начинается с финала — последнего дня жизни поэта».
Оригинальную пьесу для премьерного спектакля написал Владимир Антипов — актёр, режиссёр, драматург, ученик Юрия Красовского и сооснователь независимого петербургского театра «Организмы». Как чаще всего и бывает со спектаклями о Борисе Рыжем (а их в стране на сегодняшний день создано уже немало), создатели постановки стремятся найти баланс между подлинной судьбой Бориса Рыжего, реальной или мнимой автобиографичностью его поэзии и тем лирическим героем, который возникает в этих текстах. Второй мотив, также продиктованный самими сочинениями Рыжего и неизменно увлекающий постановщиков, — взаимоотношения между конкретной окружающей действительностью и уникальным талантом поэта, их связь и, возможно, конфликт.
Любопытно, что при этом создатели не акцентируют внимания на другой, не менее важной для Рыжего и его почитателей, теме — времени и эпохе. Хотя будущая премьера всё равно остаётся в логике «репертуарной линии» Театра на Таганке, исследующего в спектаклях либо советскую эпоху, либо её прямое наследие, авторы «Рыжего…» хотят рассмотреть историю жизни поэта как универсальную. «Художественный нарратив строится на ключевых событиях, определивших его судьбу: школа, боксёрский ринг, первая любовь к однокласснице и будущей жене, студенческий литературный клуб, публикации в журналах, первая слава, рождение ребёнка, общественный успех и… трагичный исход, как рок судьбы великих поэтов», — говорится в релизе.
Поскольку пространство интересует авторов спектакля несколько больше, чем время, одним из ключевых образов становится город (который в анонсах назван, как обычно у Рыжего, не Екатеринбургом, а Свердловском). В релизе сказано: «Как жизнь, так и поэзия Рыжего представляет собой синтез возвышенного и низменного, прекрасного и безобразного <отсылка к одному из важнейших стихотворений Рыжего „Так гранит покрывается наледью…“: „Как сказал тот, кто умер уже, / безобразное — это прекрасное, / что не может вместиться в душе. / Слишком много всего не вмещается“. — прим. редакции>. Зрители погружаются в атмосферу Свердловска — города, где, по словам поэта, он не встречал тех, кому было бы легко от поэзии. Спектакль показывает, как в сложной и неоднозначной среде, из сочетания обстоятельств и таланта рождается самобытная и неповторимая поэзия, которая оставила заметный след в русской литературе».
Сам режиссёр рассказывает о замысле постановки так: «Мне кажется, Борис Рыжий писал очень понятные и важные вещи, которые люди ощущают, но не могут сформулировать. И они до сих пор актуальны: противоречивость человеческой жизни, сочетание в одном человеке грубости и тонкой душевности, как, например, в образе „хулигана“ в кожаной куртке со шрамом на лице скрывается поэт с чувством сострадательной любви ко всем проявлениям жизни. И здесь мы стремимся к подлинному существованию артиста в обстоятельствах поэта».
Источник: «Театръ».
❤8👍1
Михаил Барышников в моноспектакле «Бродский/Барышников», поставленном в 2015 году в Новом Рижском театре Алвисом Херманисом.
Работа представляет собой синтез драматического театра, поэтического вечера и хореографической постановки. Барышников, который был очень дружен с Бродским, на протяжении спектакля играет, танцует и интерпретирует поэзию своего товарища.
«Это спектакль — диалог с ушедшим человеком... спектакль о горечи отсутствия, ушедшего ежедневного общения», — делится Барышников.
Работа представляет собой синтез драматического театра, поэтического вечера и хореографической постановки. Барышников, который был очень дружен с Бродским, на протяжении спектакля играет, танцует и интерпретирует поэзию своего товарища.
«Это спектакль — диалог с ушедшим человеком... спектакль о горечи отсутствия, ушедшего ежедневного общения», — делится Барышников.
❤27🔥3
Скоро будет три года, как «(достать чернил и) плакать» хочется не только в феврале. И в этом месяце самая актуальная тема — #театрвойны
Что такое война на современной театральной сцене? Любая: Вторая мировая, шекспировская резня, братоубийственная древнегреческая… Как осмысляют сегодняшние режиссёры образ мира, охваченного, искалеченного или уже разрушенного войной? Как пытаются понять человека в этих экстремальных обстоятельствах — оказавшегося, по своей воле или вопреки ей, в самом пекле либо попавшего в жернова большой истории? Как эти герои меняются, как ломаются, какой ценой выживают (если выживают)? Что каждый из этих сюжетов даёт для понимания природы человека вообще и каждого из нас сегодня, какие вопросы и ответы предлагает? Будем думать обо всём этом в феврале, рассказывая про #театрвойны — спектакли, которые можно увидеть сейчас (или, по крайней мере, можно было увидеть в 2024 году) в России, и про те, что после февраля 2022 года были поставлены российскими режиссёрами за рубежом.
Как говорится, «давай бояться вместе»)
Что такое война на современной театральной сцене? Любая: Вторая мировая, шекспировская резня, братоубийственная древнегреческая… Как осмысляют сегодняшние режиссёры образ мира, охваченного, искалеченного или уже разрушенного войной? Как пытаются понять человека в этих экстремальных обстоятельствах — оказавшегося, по своей воле или вопреки ей, в самом пекле либо попавшего в жернова большой истории? Как эти герои меняются, как ломаются, какой ценой выживают (если выживают)? Что каждый из этих сюжетов даёт для понимания природы человека вообще и каждого из нас сегодня, какие вопросы и ответы предлагает? Будем думать обо всём этом в феврале, рассказывая про #театрвойны — спектакли, которые можно увидеть сейчас (или, по крайней мере, можно было увидеть в 2024 году) в России, и про те, что после февраля 2022 года были поставлены российскими режиссёрами за рубежом.
Как говорится, «давай бояться вместе»)
❤17🕊8🔥3👎1
#театрвойны: «Иваново детство» Антона Фёдорова в Казанском ТЮЗе. Премьера прошла 15 апреля 2021 года.
В спектакле участвуют артисты: Михаил Меркушин, Сергей Мосейко, Алексей Зильбер, Александр Яндаев, Камиль Гатауллин, Ильнур Гарифуллин, Полина Малых, Валерий Антонов, Мария Мухортова, Нияз Зиннатуллин.
В основу постановки легли фрагменты повести Владимира Богомолова «Иван», а также сценарии к фильмам Андрея Тарковского «Иваново детство» и «Зеркало».
#театрвойны не должен быть громким. Перед началом спектакля режиссёр предупреждает зрителей: «У нас очень специфичный спектакль — он очень-очень тихий. Это простая техническая вещь. И прежде всего юного зрителя я прошу сдержать себя и не говорить. Потому что спектакль может погибнуть из-за шума».
Спектакль, как и фильм, строится вокруг недолгих военных дней перед следующей вылазкой разведчиков. Один из них — 12-летний Иван. Он считает делом всей своей недолгой жизни месть за убитую врагами семью. Вместо игрушек он коллекционирует финские ножи, а вместо одноклассников дружит с офицерами. И только во снах, разговорах с матерью, которые здесь кажутся едва ли не более реальными, чем действительность, сама похожая на сон, может вновь вернуться в потерянное навсегда детство.
У всех героев — своя уникальная история, но все они связаны с мальчиком. Каждый из них мог бы занять место отца или матери, стать его родным и близким человеком — тем, кого у ребенка отняла война.
Антон Фёдоров работал над этой постановкой, как и над многими другими своими спектаклями, и как художник. Чёрно-белые кинокадры становятся пространством памяти главного героя, который снова и снова мучительно переживает историю мальчишки. Здесь удивительным образом переплелись кино и театр кукол. Роль Ивана играют артист и кукла из папье-маше, которую сам Фёдоров назвал «газетным мальчиком». Ею управляют актёры Казанского ТЮЗа в «плащ-палатках»: этому Ивану война сопутствует всегда. Актёры специально обучались мастерству кукловодов, в этом им помогла режиссёр по работе с куклой Анна Деркач. А «второй» Иван — человек, говорящий и всматривающийся в свой «поминальный столик» (это тоже формулировка режиссёра). Исполнитель этой роли Нияз Зиннатуллин рассказывал: «Мне надо было параллельно существовать с куклой на сцене. Мы срослись с ней — я ловил её темпоритм, а она мой. Это очень тяжело, ведь я практически не смотрел на куклу, мне нужно было её чувствовать».
Среди соавторов Антона Фёдорова в работе над этой постановкой были художник по костюмам Ксения Шачнева, художник по свету Игорь Фомин, хореограф Марсель Нуриев, видеорежиссёр Филипп Замахаев.
«Я думаю, что самое важное сейчас — это тишина, — пояснял перед премьерой Антон Фёдоров. — Мы все очень громко сегодня говорим про войну — стучим и хлопаем в ладоши, с флагами, транспарантами и танками. Мало тихой памяти, что ли. И наш спектакль — это попытка, не зная ничего, тихо вспомнить. Прикоснуться и помолчать».
В спектакле участвуют артисты: Михаил Меркушин, Сергей Мосейко, Алексей Зильбер, Александр Яндаев, Камиль Гатауллин, Ильнур Гарифуллин, Полина Малых, Валерий Антонов, Мария Мухортова, Нияз Зиннатуллин.
В основу постановки легли фрагменты повести Владимира Богомолова «Иван», а также сценарии к фильмам Андрея Тарковского «Иваново детство» и «Зеркало».
#театрвойны не должен быть громким. Перед началом спектакля режиссёр предупреждает зрителей: «У нас очень специфичный спектакль — он очень-очень тихий. Это простая техническая вещь. И прежде всего юного зрителя я прошу сдержать себя и не говорить. Потому что спектакль может погибнуть из-за шума».
Спектакль, как и фильм, строится вокруг недолгих военных дней перед следующей вылазкой разведчиков. Один из них — 12-летний Иван. Он считает делом всей своей недолгой жизни месть за убитую врагами семью. Вместо игрушек он коллекционирует финские ножи, а вместо одноклассников дружит с офицерами. И только во снах, разговорах с матерью, которые здесь кажутся едва ли не более реальными, чем действительность, сама похожая на сон, может вновь вернуться в потерянное навсегда детство.
У всех героев — своя уникальная история, но все они связаны с мальчиком. Каждый из них мог бы занять место отца или матери, стать его родным и близким человеком — тем, кого у ребенка отняла война.
Антон Фёдоров работал над этой постановкой, как и над многими другими своими спектаклями, и как художник. Чёрно-белые кинокадры становятся пространством памяти главного героя, который снова и снова мучительно переживает историю мальчишки. Здесь удивительным образом переплелись кино и театр кукол. Роль Ивана играют артист и кукла из папье-маше, которую сам Фёдоров назвал «газетным мальчиком». Ею управляют актёры Казанского ТЮЗа в «плащ-палатках»: этому Ивану война сопутствует всегда. Актёры специально обучались мастерству кукловодов, в этом им помогла режиссёр по работе с куклой Анна Деркач. А «второй» Иван — человек, говорящий и всматривающийся в свой «поминальный столик» (это тоже формулировка режиссёра). Исполнитель этой роли Нияз Зиннатуллин рассказывал: «Мне надо было параллельно существовать с куклой на сцене. Мы срослись с ней — я ловил её темпоритм, а она мой. Это очень тяжело, ведь я практически не смотрел на куклу, мне нужно было её чувствовать».
Среди соавторов Антона Фёдорова в работе над этой постановкой были художник по костюмам Ксения Шачнева, художник по свету Игорь Фомин, хореограф Марсель Нуриев, видеорежиссёр Филипп Замахаев.
«Я думаю, что самое важное сейчас — это тишина, — пояснял перед премьерой Антон Фёдоров. — Мы все очень громко сегодня говорим про войну — стучим и хлопаем в ладоши, с флагами, транспарантами и танками. Мало тихой памяти, что ли. И наш спектакль — это попытка, не зная ничего, тихо вспомнить. Прикоснуться и помолчать».
❤8👍3