«Гиппиус. Непредвиденное» (2024)
Режиссёр Фамил Джавадов
Кабаре ШУМ
Моноспектакль актрисы БДТ Варвары Павловой.
Евгений Гриневецкий: «На углу Надеждинской и Манежного, в доме, где с 1915-го живет Маяковский, в подвальчике Кабаре "Шум" Зинаида Гиппиус разговаривает со слушателями. Она читает свои дневники 1914–1917-го. Между прочим, в городе с 1914-го сухой закон, закрыто и кабаре "Бродячая собака", где все они собирались — "бражники и блудницы". В "Шуме" пока наливают, и её гости — кто с бокалом вина, кто с коктейлем, а законопослушные — с чашкой крепкого чая. Их немного, человек тридцать. <…>
Спектаклем эти 45 минут контакта с актрисой, уравнивающей себя с текстом, назвать трудно. Это собеседование глаза в глаза, желание быть услышанной, удар словами, которые как бы впервые открывает для зрителей Варвара Павлова — как свои. Да и стилистически в Серебряный век Павловой — пожизненная контрамарка, ей идет эта читка под рояль, под специально написанные для этого случая сочинения Александра Захаренко, которые исполняет Галя Лавренчук…
Зальчик, в котором играют, — маленький, радиус движения Зинаиды Гиппиус, подливающей себе коньяк в стакан, — два шага. Она среди своих. И она говорит. Яростно, жёстко, беспощадно.
Это укол анализом, хотя всё, что пишет Гиппиус, мы вообще-то знаем со школы. Вот это всё — как зрела в недрах войны революционная ситуация… Но иногда путаемся: это точно Гиппиус, а не посты из каких-то недавних времен? То же смятение, когда никто ничего не знает и не может понять…».
Режиссёр Фамил Джавадов
Кабаре ШУМ
Моноспектакль актрисы БДТ Варвары Павловой.
Евгений Гриневецкий: «На углу Надеждинской и Манежного, в доме, где с 1915-го живет Маяковский, в подвальчике Кабаре "Шум" Зинаида Гиппиус разговаривает со слушателями. Она читает свои дневники 1914–1917-го. Между прочим, в городе с 1914-го сухой закон, закрыто и кабаре "Бродячая собака", где все они собирались — "бражники и блудницы". В "Шуме" пока наливают, и её гости — кто с бокалом вина, кто с коктейлем, а законопослушные — с чашкой крепкого чая. Их немного, человек тридцать. <…>
Спектаклем эти 45 минут контакта с актрисой, уравнивающей себя с текстом, назвать трудно. Это собеседование глаза в глаза, желание быть услышанной, удар словами, которые как бы впервые открывает для зрителей Варвара Павлова — как свои. Да и стилистически в Серебряный век Павловой — пожизненная контрамарка, ей идет эта читка под рояль, под специально написанные для этого случая сочинения Александра Захаренко, которые исполняет Галя Лавренчук…
Зальчик, в котором играют, — маленький, радиус движения Зинаиды Гиппиус, подливающей себе коньяк в стакан, — два шага. Она среди своих. И она говорит. Яростно, жёстко, беспощадно.
Это укол анализом, хотя всё, что пишет Гиппиус, мы вообще-то знаем со школы. Вот это всё — как зрела в недрах войны революционная ситуация… Но иногда путаемся: это точно Гиппиус, а не посты из каких-то недавних времен? То же смятение, когда никто ничего не знает и не может понять…».
❤4
Метод действенного анализа по Товстоногову: шпаргалка.
Станиславский предлагал выявить в анализе наиболее важные события, которые определяют процесс движения спектакля. Товстоногов считал, что пьеса в своем развитии опирается на пять таких событий:
1. Исходное событие — своеобразный эмоциональный «зачин» спектакля, начинается за пределами спектакля и заканчивается на глазах у зрителя.
Фокусирует, отражает в себе (как капля воды — океан) исходное предлагаемое обстоятельство, зарождаясь в его недрах.
2. Основное событие — начало борьбы по сквозному действию, вступает в силу ведущее предлагаемое обстоятельство пьесы.
3. Центральное событие — высший пик борьбы в спектакле по сквозному действию.
4. Финальное событие — окончание борьбы по сквозному действию, исчерпывается ведущее предлагаемое обстоятельство.
5. Главное событие — самое конечное событие спектакля, заключающее «зерно» сверхзадачи; в нем как бы «просветляется» идея произведения. Здесь решается судьба исходного предлагаемого обстоятельства — мы узнаем, что стало с ним, изменилось ли оно или осталось прежним.
О том, как всё это применяется на практике, на новом потоке курса «Застольный период методом действенного анализа» расскажет Иван Стависский. Присоединяйтесь сейчас, чтобы не пропустить начало занятий.
Станиславский предлагал выявить в анализе наиболее важные события, которые определяют процесс движения спектакля. Товстоногов считал, что пьеса в своем развитии опирается на пять таких событий:
1. Исходное событие — своеобразный эмоциональный «зачин» спектакля, начинается за пределами спектакля и заканчивается на глазах у зрителя.
Фокусирует, отражает в себе (как капля воды — океан) исходное предлагаемое обстоятельство, зарождаясь в его недрах.
2. Основное событие — начало борьбы по сквозному действию, вступает в силу ведущее предлагаемое обстоятельство пьесы.
3. Центральное событие — высший пик борьбы в спектакле по сквозному действию.
4. Финальное событие — окончание борьбы по сквозному действию, исчерпывается ведущее предлагаемое обстоятельство.
5. Главное событие — самое конечное событие спектакля, заключающее «зерно» сверхзадачи; в нем как бы «просветляется» идея произведения. Здесь решается судьба исходного предлагаемого обстоятельства — мы узнаем, что стало с ним, изменилось ли оно или осталось прежним.
О том, как всё это применяется на практике, на новом потоке курса «Застольный период методом действенного анализа» расскажет Иван Стависский. Присоединяйтесь сейчас, чтобы не пропустить начало занятий.
🔥1
В Омском ТЮЗе в сезоне 2026-2027 выпустят премьеры Старцева, Захарин, Илья Зайцев
Сегодня, 1 сентября, Омский театр юного зрителя открыл 90-й юбилейный сезон. В планах театра — постановки главного режиссёра Анастасии Старцевой, а также премьеры Ильи Зайцева и Сергея Захарина.
Первая премьера сезона — уличный спектакль Анастасии Старцевой «Королевство кривых зеркал» (6+) по одноимённой повести Виталия Губарева. Напомним, это история о девочке Оле, которая попадает в Королевство кривых зеркал, где знакомится со своим отражением — Яло. Путешествие помогает Оле увидеть свои недостатки, а затем преодолеть их — и, по замыслу создателей постановки, премьерный спектакль тоже поможет юным зрителям поверить в свои силы и понять, что важно развивать в себе лучшие качества. Ключевая особенность премьеры — формат «спектакля-экскурсии»: зрители пройдут по периметру обновлённого после реконструкции здания театра, побывают в летнем дворике, фойе и даже смогут заглянуть за кулисы. В творческую группу спектакля также вошли художник Владимир Ситулин, хореограф Яна Чипуштанова и композитор Андрей Пересумкин.
Две премьеры театр планирует представить зрителям в ноябре. Выпускник ГИТИСовской мастерской Юрия Бутусова, режиссёр Илья Зайцев поставит спектакль «Село Степанчиково и его обитатели» по мотивам повести Достоевского. А главный режиссёр театра Анастасия Старцева выпустит постановку для семейного просмотра «Падал с неба кот». В основе — книга Анастасии Шанской «Кот прямо с неба», где заглавный герой и повествователь — кот Ефим, который однажды буквально свалился на голову обычной семье, выпав из окна седьмого этажа. Дальнейшие события и опыт по перевоспитанию хозяев Ефим фиксирует в своём дневнике.
Ещё две премьеры запланированы на вторую половину сезона: главный режиссёр новосибирского «Глобуса» Сергей Захарин выпустит в Омском ТЮЗе пластический спектакль, а Анастасия Старцева — постановку для взрослых зрителей, приуроченную к юбилею Льва Толстого. Подробности об этих двух работах театр пока не сообщает.
Источник: «Театръ».
Сегодня, 1 сентября, Омский театр юного зрителя открыл 90-й юбилейный сезон. В планах театра — постановки главного режиссёра Анастасии Старцевой, а также премьеры Ильи Зайцева и Сергея Захарина.
Первая премьера сезона — уличный спектакль Анастасии Старцевой «Королевство кривых зеркал» (6+) по одноимённой повести Виталия Губарева. Напомним, это история о девочке Оле, которая попадает в Королевство кривых зеркал, где знакомится со своим отражением — Яло. Путешествие помогает Оле увидеть свои недостатки, а затем преодолеть их — и, по замыслу создателей постановки, премьерный спектакль тоже поможет юным зрителям поверить в свои силы и понять, что важно развивать в себе лучшие качества. Ключевая особенность премьеры — формат «спектакля-экскурсии»: зрители пройдут по периметру обновлённого после реконструкции здания театра, побывают в летнем дворике, фойе и даже смогут заглянуть за кулисы. В творческую группу спектакля также вошли художник Владимир Ситулин, хореограф Яна Чипуштанова и композитор Андрей Пересумкин.
Две премьеры театр планирует представить зрителям в ноябре. Выпускник ГИТИСовской мастерской Юрия Бутусова, режиссёр Илья Зайцев поставит спектакль «Село Степанчиково и его обитатели» по мотивам повести Достоевского. А главный режиссёр театра Анастасия Старцева выпустит постановку для семейного просмотра «Падал с неба кот». В основе — книга Анастасии Шанской «Кот прямо с неба», где заглавный герой и повествователь — кот Ефим, который однажды буквально свалился на голову обычной семье, выпав из окна седьмого этажа. Дальнейшие события и опыт по перевоспитанию хозяев Ефим фиксирует в своём дневнике.
Ещё две премьеры запланированы на вторую половину сезона: главный режиссёр новосибирского «Глобуса» Сергей Захарин выпустит в Омском ТЮЗе пластический спектакль, а Анастасия Старцева — постановку для взрослых зрителей, приуроченную к юбилею Льва Толстого. Подробности об этих двух работах театр пока не сообщает.
Источник: «Театръ».
❤9👍1😡1
В Театр имени Ленсовета Алиса Фрейндлих пришла в 1961 году и прослужила там два десятилетия. Здесь ею была исполнена роль Катарины в «Укрощении строптивой» — спектакле, поставленным Игорем Владимировым в 1970 году и ставшим одним из ключевых в карьере актрисы.
Катарину Фрейндлих вела с юмором и азартом, чуждаясь всякой мелодраматичности. Её героиня не вздорная упрямица, нуждающаяся в укрощении, а женщина, разгадавшая природу мужчины и нашедшая свой лукавый выход: подарить ему видимость победы, но последнее слово оставить за собой. По воспоминаниям актрисы, мужчины в театре видели в пьесе торжество мужчин, женщины — торжество женщин, и вторая трактовка в конце концов возобладала.
Спектакль был музыкальным. Первая песня звучала после словесного поединка Катарины и Петруччо в исполнении Дмитрия Баркова, вторая — с цыганским надрывом, когда Петруччо изнурял жену голодом и бессонницей. Оттуда и знаменитое «мне бы, мне бы устрицу в вине бы». Финальный же монолог о покорности венчался режиссёрским трюком: Катарина набрасывала лассо и валила с ног всех мужчин разом. Победную точку в споре о том, кто кого укротил, ставила именно она.
Об Алисе Фрейндлих и других великих актрисах Александр Платунов рассказывает на курсе «Люди и страсти русской сцены».
Подробнее о курсе
Катарину Фрейндлих вела с юмором и азартом, чуждаясь всякой мелодраматичности. Её героиня не вздорная упрямица, нуждающаяся в укрощении, а женщина, разгадавшая природу мужчины и нашедшая свой лукавый выход: подарить ему видимость победы, но последнее слово оставить за собой. По воспоминаниям актрисы, мужчины в театре видели в пьесе торжество мужчин, женщины — торжество женщин, и вторая трактовка в конце концов возобладала.
Спектакль был музыкальным. Первая песня звучала после словесного поединка Катарины и Петруччо в исполнении Дмитрия Баркова, вторая — с цыганским надрывом, когда Петруччо изнурял жену голодом и бессонницей. Оттуда и знаменитое «мне бы, мне бы устрицу в вине бы». Финальный же монолог о покорности венчался режиссёрским трюком: Катарина набрасывала лассо и валила с ног всех мужчин разом. Победную точку в споре о том, кто кого укротил, ставила именно она.
Об Алисе Фрейндлих и других великих актрисах Александр Платунов рассказывает на курсе «Люди и страсти русской сцены».
Подробнее о курсе
❤12
Владимир Кошевой о своём самом узнаваемом образе Родиона Раскольникова в восьмисерийном фильме Дмитрия Светозарова по роману Ф. М. Достоевского :
«Я чувствовал смертельную усталость. Я "высох" после Раскольникова, и душевно, и энергетически. Эта роль как будто забирала мою настоящую жизнь. Я думал, если искусство требует таких жертв, если такая плата за то, чтобы сыграть хорошую роль, — я так больше не хочу!
С другой стороны, я уже тогда прекрасно понимал, что таких ролей больше не будет. Потому что это вершина литературы. Если бы я знал, что впереди будет роль молодого Сталина <...>! И эта непростая роль также отнимает много сил: организм начинает готовиться за день до выхода на сцену — и сна, и настроения нет. Но и после спектакля тяжело восстанавливаюсь, мало общаюсь, чтобы не сорваться».
«Я чувствовал смертельную усталость. Я "высох" после Раскольникова, и душевно, и энергетически. Эта роль как будто забирала мою настоящую жизнь. Я думал, если искусство требует таких жертв, если такая плата за то, чтобы сыграть хорошую роль, — я так больше не хочу!
С другой стороны, я уже тогда прекрасно понимал, что таких ролей больше не будет. Потому что это вершина литературы. Если бы я знал, что впереди будет роль молодого Сталина <...>! И эта непростая роль также отнимает много сил: организм начинает готовиться за день до выхода на сцену — и сна, и настроения нет. Но и после спектакля тяжело восстанавливаюсь, мало общаюсь, чтобы не сорваться».
❤14❤🔥3
В 1983 году Алиса Фрейндлих перешла из Театра имени Ленсовета в БДТ. Причина была не творческой: с Игорем Владимировым отношения после развода складывались тяжело, а тут он собрался ставить «Без вины виноватые» и предлагал ей Кручинину — роль, играть которую актриса решительно не хотела, считая себя не «островской». Георгий Товстоногов звал Фрейндлих к себе ещё за пять лет до того, и наконец она согласилась.
Актриса уходила из театра, который во многом сама и создала. С Владимировым у Фрейндлих была двойная любовь — человеческая и творческая: она вложила душу в Театр Ленсовета, он — помог ей раскрыться как великой актрисе. В БДТ же пришлось начинать с проверки — целый сезон Товстоногов испытывал Алису Фрейндлих на звёздность, назначив на эпизод в «Смерти Тарелкина» с пением и танцами, и лишь убедившись, что звёздной болезни нет, предложил главную роль.
В Театральном институте Фрейндлих училась у Бориса Зона, у которого, по её словам, был точно написанный задачник работы над ролью: что такое держать ритм, что такое первый и второй план, что такое «курсив» и «мелкий шрифт». Отдельным разделом обучения шла партнёрская этика — Зон учил выстраивать свою сценическую жизнь так, чтобы не замусорить «курсив» партнёра. Отсюда и её формула отношений с режиссурой: приходится приспосабливаться к режиссёру любого вероисповедания и извлекать из его арсенала то, что тебе близко.
Изменилось же положение актрисы внутри театра. Владимиров, сам в прошлом актёр, ставил актёра в центр — актёрские вещи были для него ценнее всего. Фрейндлих признавала, что поначалу в этом была и режиссёрская ошибка, ведь спектакль хорош лишь тогда, когда гармоничны все его части, но именно такая система дала ей семидесятые годы, которые она называет волшебными: житейская зрелость совпала с профессиональным опытом, а её собственный пик — с расцветом театра. Главное же, по её объяснению, состояло в том, что Владимиров «собрал людей, совпадающих по группе крови».
С Товстоноговым проработать вместе они успели лишь пять лет: когда Фрейндлих пришла в БДТ, режиссёр был уже болен. Начали с володинской «Киноповести с одним антрактом», и первая же совместная работа обернулась, по её словам, восторгом и полным взаимопониманием. «Алиса, мы с вами только сейчас встретились, а такое ощущение, что работаем вместе лет тридцать», — говорил ей тогда режиссёр.
Дальше были леди Макбет, леди Крум в стоппардовской «Аркадии», Аманда в «Стеклянном зверинце», многолетний дуэт со Стржельчиком в «Пылком влюблённом». Но, несмотря на плодотворную работу с театром и по сей день, проживи Георгий Товстоногов дольше, как бы сложилось их дальнейшее сотрудничество? Об этом и не только — Александр Платунов на новом курсе «Люди и страсти русской сцены».
Актриса уходила из театра, который во многом сама и создала. С Владимировым у Фрейндлих была двойная любовь — человеческая и творческая: она вложила душу в Театр Ленсовета, он — помог ей раскрыться как великой актрисе. В БДТ же пришлось начинать с проверки — целый сезон Товстоногов испытывал Алису Фрейндлих на звёздность, назначив на эпизод в «Смерти Тарелкина» с пением и танцами, и лишь убедившись, что звёздной болезни нет, предложил главную роль.
В Театральном институте Фрейндлих училась у Бориса Зона, у которого, по её словам, был точно написанный задачник работы над ролью: что такое держать ритм, что такое первый и второй план, что такое «курсив» и «мелкий шрифт». Отдельным разделом обучения шла партнёрская этика — Зон учил выстраивать свою сценическую жизнь так, чтобы не замусорить «курсив» партнёра. Отсюда и её формула отношений с режиссурой: приходится приспосабливаться к режиссёру любого вероисповедания и извлекать из его арсенала то, что тебе близко.
Изменилось же положение актрисы внутри театра. Владимиров, сам в прошлом актёр, ставил актёра в центр — актёрские вещи были для него ценнее всего. Фрейндлих признавала, что поначалу в этом была и режиссёрская ошибка, ведь спектакль хорош лишь тогда, когда гармоничны все его части, но именно такая система дала ей семидесятые годы, которые она называет волшебными: житейская зрелость совпала с профессиональным опытом, а её собственный пик — с расцветом театра. Главное же, по её объяснению, состояло в том, что Владимиров «собрал людей, совпадающих по группе крови».
С Товстоноговым проработать вместе они успели лишь пять лет: когда Фрейндлих пришла в БДТ, режиссёр был уже болен. Начали с володинской «Киноповести с одним антрактом», и первая же совместная работа обернулась, по её словам, восторгом и полным взаимопониманием. «Алиса, мы с вами только сейчас встретились, а такое ощущение, что работаем вместе лет тридцать», — говорил ей тогда режиссёр.
Дальше были леди Макбет, леди Крум в стоппардовской «Аркадии», Аманда в «Стеклянном зверинце», многолетний дуэт со Стржельчиком в «Пылком влюблённом». Но, несмотря на плодотворную работу с театром и по сей день, проживи Георгий Товстоногов дольше, как бы сложилось их дальнейшее сотрудничество? Об этом и не только — Александр Платунов на новом курсе «Люди и страсти русской сцены».
❤🔥7❤4
Узнали?)
Молодой Киану Ривз в роли принца Сиддхартхи — будущего Будды.
«Маленький Будда», 1993 год, режиссёр Бернардо Бертолуччи.
Бертолуччи долго искал Сиддхартху и признавался, что уже почти отчаялся найти актёра. А потом встретился с Ривзом — и принял решение буквально за несколько минут. Режиссёра поразило исходившее от него ощущение невинности: «Она сияет на его лице».
Сам Киану до фильма почти ничего не знал о буддизме. Получив роль, он начал читать, учился медитировать, встречался с монахами. А для сцен, где Сиддхартха становится аскетом, Ривз несколько недель постился, чтобы похудеть в кадре.
Спустя много лет он признавался, что именно «Маленький Будда» познакомил его с новым способом думать о жизни — с идеями непостоянства, сострадания и наблюдения за собственным сознанием.
А Бертолуччи ещё в 1994 году говорил о своём довольно неожиданном выборе Киану: ему нужна была красота, в которой трудно определить, где заканчивается Восток и начинается Запад.
Молодой Киану Ривз в роли принца Сиддхартхи — будущего Будды.
«Маленький Будда», 1993 год, режиссёр Бернардо Бертолуччи.
Бертолуччи долго искал Сиддхартху и признавался, что уже почти отчаялся найти актёра. А потом встретился с Ривзом — и принял решение буквально за несколько минут. Режиссёра поразило исходившее от него ощущение невинности: «Она сияет на его лице».
Сам Киану до фильма почти ничего не знал о буддизме. Получив роль, он начал читать, учился медитировать, встречался с монахами. А для сцен, где Сиддхартха становится аскетом, Ривз несколько недель постился, чтобы похудеть в кадре.
Спустя много лет он признавался, что именно «Маленький Будда» познакомил его с новым способом думать о жизни — с идеями непостоянства, сострадания и наблюдения за собственным сознанием.
А Бертолуччи ещё в 1994 году говорил о своём довольно неожиданном выборе Киану: ему нужна была красота, в которой трудно определить, где заканчивается Восток и начинается Запад.
❤13❤🔥7🔥3
Премьера рок-оперы «Юнона и Авось» состоялась в Ленкоме 9 июля 1981 года, и следующие двадцать четыре года роль графа Резанова оставалась за Николаем Караченцовым. За четверть века через роль Кончиты, главной героини спектакля, прошли Елена Шанина, Анна Большова, Алёна Хмельницкая. Резанов же не менялся никогда, и постепенно Караченцов стал талисманом спектакля.
Режиссёр Марк Захаров не был уверен в успехе этого проекта — его предыдущую рок-оперу комиссия отклоняла 11 раз. Тем не менее, «Юнону и Авось» приняли с первого раза — при том, что со сцены звучали и молитвы, и рок-музыка. Рок-оперу не только не запретили, но и отпустили на гастроли в Париж. До «Юноны и Авось» Николай Караченцов выступал на сцене «Ленкома» уже 11 лет, с тех пор как в 1967 году сразу после окончания Школы-студии МХАТ был принят в труппу театра.
Роль графа Резанова складывалась прежде всего из голоса. Первым арию графа Резанова представил певец Геннадий Трофимов, однако после выхода фильма «Собака на сене» ни у кого не осталось сомнений, что вокальные партии Караченцов должен исполнить самостоятельно.
Затем — из самоотдачи. «Это были десять лет счастья. Мы были первыми. Мы были влюблены в этот спектакль. И прекрасно, что это было. И прекрасно, что мы можем это вспоминать», — делилась первая исполнительница роли Кончиты, Елена Шанина. Караченцов себя не щадил: в 1985 году на гастролях в Куйбышеве актёр повредил колено, доиграл спектакль до конца и лишь потом узнал, что у него разрыв связок коленной чашечки и мениска. Врачи не понимали, как с такой болью можно было держаться на ногах.
И, наконец, из партнёрства. «Удивительно чуткий, удивительно тонкий, удивительно деликатный и очень нежный партнёр, — говорила вторая исполнительница, Анна Большова, — С ним можно пускаться в такое сложное плавание, потому что он очень щедро делится своей энергией на сцене».
Роль, как выяснилось, всё же отделима от исполнителя: Резанова в последствии играли и другие артисты. Но даже когда на сцену выходил не Караченцов, спектакль оставался пропитан его присутствием. Об актёрах, определяющих своё время, и о том, как рождаются подобные роли, — Александр Платунов на нашем новом онлайн-курсе «Люди и страсти русской сцены»
Режиссёр Марк Захаров не был уверен в успехе этого проекта — его предыдущую рок-оперу комиссия отклоняла 11 раз. Тем не менее, «Юнону и Авось» приняли с первого раза — при том, что со сцены звучали и молитвы, и рок-музыка. Рок-оперу не только не запретили, но и отпустили на гастроли в Париж. До «Юноны и Авось» Николай Караченцов выступал на сцене «Ленкома» уже 11 лет, с тех пор как в 1967 году сразу после окончания Школы-студии МХАТ был принят в труппу театра.
Роль графа Резанова складывалась прежде всего из голоса. Первым арию графа Резанова представил певец Геннадий Трофимов, однако после выхода фильма «Собака на сене» ни у кого не осталось сомнений, что вокальные партии Караченцов должен исполнить самостоятельно.
Затем — из самоотдачи. «Это были десять лет счастья. Мы были первыми. Мы были влюблены в этот спектакль. И прекрасно, что это было. И прекрасно, что мы можем это вспоминать», — делилась первая исполнительница роли Кончиты, Елена Шанина. Караченцов себя не щадил: в 1985 году на гастролях в Куйбышеве актёр повредил колено, доиграл спектакль до конца и лишь потом узнал, что у него разрыв связок коленной чашечки и мениска. Врачи не понимали, как с такой болью можно было держаться на ногах.
И, наконец, из партнёрства. «Удивительно чуткий, удивительно тонкий, удивительно деликатный и очень нежный партнёр, — говорила вторая исполнительница, Анна Большова, — С ним можно пускаться в такое сложное плавание, потому что он очень щедро делится своей энергией на сцене».
Роль, как выяснилось, всё же отделима от исполнителя: Резанова в последствии играли и другие артисты. Но даже когда на сцену выходил не Караченцов, спектакль оставался пропитан его присутствием. Об актёрах, определяющих своё время, и о том, как рождаются подобные роли, — Александр Платунов на нашем новом онлайн-курсе «Люди и страсти русской сцены»
🔥7❤2
В сезоне 2026–2027 в «Старом доме» выпустят премьеры Жамбалова, Гуревич, Саша Золотовицкий
1 сентября новый директор новосибирского «Старого дома» Юрий Яшкин рассказал на пресс-конференции в ТАСС о планах театра на 93-й сезон. В их числе — премьерные постановки лидеров нового режиссёрского поколения и открытие камерной сцены.
Напомним, сезон 2026–2027 «Старый дом» открыл уже в августе. В ближайших планах театра — масштабные гастроли в обеих столицах. Мы подробно рассказывали о них ранее, однако с тех пор афиша дополнилась ещё одним названием: на сцене «Арт-платформы» в московском Новом Манеже 2 и 3 октября покажут недавнюю премьеру — «Контрольные отпечатки» Дмитрия Волкострелова, экспериментальный спектакль, вдохновлённый работами Анри Картье-Брессона.
В самом «Старом доме» в конце сентября — начале октября пройдёт традиционный марафон самостоятельных актёрских работ «Без дистанции». Зрители вновь увидят авторский моноспектакль Анатолия Григорьева «Кабура» и новые опыты артистов театра — «Праздники» Анастасии Белинской и Софьи Степановой по текстам Романа Михайлова и «актёрский стендап» Сергея Маштакова «Даю слово».
Саша Золотовицкий, выпустивший в «Старом доме» одну из самых успешных премьер прошлого сезона — «Голубчика» по книге Эмиля Ажара (Ромена Гари), — поставит «Горе от ума». Премьера запланирована на декабрь.
Интересно, что сотрудничество Саши Золотовицкого со «Старым домом» началось с лаборатории, проходившей в театре осенью 2024 года. В ней принимали участие трое режиссёров: «Скасска» Арсения Мещерякова ещё до появления «Голубчика» была доработана до полноценного спектакля, а в этом сезоне в репертуаре «Старого дома» появится и постановка третьего участника лаборатории — Филиппа Гуревича. В марте он выпустит премьеру, основанную на сценарии фильма Эмира Кустурицы «Жизнь как чудо».
В конце сезона свой первый спектакль в «Старом доме» выпустит Сойжин Жамбалова, чьи работы знакомы новосибирским зрителям по организованному театром фестивалю «Гравитация». А уже в начале сезона 2027–2028 в репертуаре «Старого дома» появится новый спектакль Александра Огарёва, поставившего здесь ранее спектакль «С неба упали три яблока» по книге Наринэ Абгарян (в адаптации Дмитрия Богославского). На этот раз он обратится к пьесе Леонида Андреева «Дни нашей жизни».
Наконец, ко Дню Победы выпускник мастерской Алексея Крикливого в НГТИ Георгий Тюмрюков перенесёт на сцену «Старого дома» редкий в театре материал — рассказ Фридриха Горенштейна «Дом с башенкой».
Отметим, что заявленная ранее постановка Антона Фёдорова, в конце прошлого сезона покинувшего пост главного режиссёра «Старого дома», в планах больше не значится.
Кроме того, на пресс-конференции Юрий Яшкин рассказал «об открытии новой камерной сцены в шаговой доступности от театра», которая, как говорится в публикации на сайте «Старого дома», «станет и репетиционной базой, и мультижанровым арт-пространством для открытого диалога со зрителем».
Источник: «Театръ».
1 сентября новый директор новосибирского «Старого дома» Юрий Яшкин рассказал на пресс-конференции в ТАСС о планах театра на 93-й сезон. В их числе — премьерные постановки лидеров нового режиссёрского поколения и открытие камерной сцены.
Напомним, сезон 2026–2027 «Старый дом» открыл уже в августе. В ближайших планах театра — масштабные гастроли в обеих столицах. Мы подробно рассказывали о них ранее, однако с тех пор афиша дополнилась ещё одним названием: на сцене «Арт-платформы» в московском Новом Манеже 2 и 3 октября покажут недавнюю премьеру — «Контрольные отпечатки» Дмитрия Волкострелова, экспериментальный спектакль, вдохновлённый работами Анри Картье-Брессона.
В самом «Старом доме» в конце сентября — начале октября пройдёт традиционный марафон самостоятельных актёрских работ «Без дистанции». Зрители вновь увидят авторский моноспектакль Анатолия Григорьева «Кабура» и новые опыты артистов театра — «Праздники» Анастасии Белинской и Софьи Степановой по текстам Романа Михайлова и «актёрский стендап» Сергея Маштакова «Даю слово».
Саша Золотовицкий, выпустивший в «Старом доме» одну из самых успешных премьер прошлого сезона — «Голубчика» по книге Эмиля Ажара (Ромена Гари), — поставит «Горе от ума». Премьера запланирована на декабрь.
Интересно, что сотрудничество Саши Золотовицкого со «Старым домом» началось с лаборатории, проходившей в театре осенью 2024 года. В ней принимали участие трое режиссёров: «Скасска» Арсения Мещерякова ещё до появления «Голубчика» была доработана до полноценного спектакля, а в этом сезоне в репертуаре «Старого дома» появится и постановка третьего участника лаборатории — Филиппа Гуревича. В марте он выпустит премьеру, основанную на сценарии фильма Эмира Кустурицы «Жизнь как чудо».
В конце сезона свой первый спектакль в «Старом доме» выпустит Сойжин Жамбалова, чьи работы знакомы новосибирским зрителям по организованному театром фестивалю «Гравитация». А уже в начале сезона 2027–2028 в репертуаре «Старого дома» появится новый спектакль Александра Огарёва, поставившего здесь ранее спектакль «С неба упали три яблока» по книге Наринэ Абгарян (в адаптации Дмитрия Богославского). На этот раз он обратится к пьесе Леонида Андреева «Дни нашей жизни».
Наконец, ко Дню Победы выпускник мастерской Алексея Крикливого в НГТИ Георгий Тюмрюков перенесёт на сцену «Старого дома» редкий в театре материал — рассказ Фридриха Горенштейна «Дом с башенкой».
Отметим, что заявленная ранее постановка Антона Фёдорова, в конце прошлого сезона покинувшего пост главного режиссёра «Старого дома», в планах больше не значится.
Кроме того, на пресс-конференции Юрий Яшкин рассказал «об открытии новой камерной сцены в шаговой доступности от театра», которая, как говорится в публикации на сайте «Старого дома», «станет и репетиционной базой, и мультижанровым арт-пространством для открытого диалога со зрителем».
Источник: «Театръ».
❤3👍1
Страна знает его по кинематографу: Самохвалов в «Служебном романе», Бузыкин в «Осеннем марафоне», Мерзляев в «О бедном гусаре замолвите слово», Платон Рябинин в «Вокзале для двоих», а позднее и Воланд в телевизионной версии «Мастера и Маргариты». Сам же актёр Олег Басилашвили считал себя человеком театра — и служит в БДТ с 1959 года.
За тридцать лет работы с Георгием Товстоноговым были сыграны Господин N в «Горе от ума» (1962), Андрей Прозоров в «Трёх сёстрах» (1965), Хлестаков в «Ревизоре» (1972), князь Серпуховской в «Истории лошади» (1975), Джингль в «Пиквикском клубе» (1978), Лыняев в «Волках и овцах» (1980), Войницкий в «Дяде Ване» (1982), Барон в «На дне» (1987) и другие.
«...Басилашвили всегда был мастером отделки, виртуозом формы», — писала критик Елена Горфункель. Начинается же такая отделка нередко с мелочей. В спектакле «Два театра» (1969) актёру досталась роль с четырьмя репликами: «Здравствуйте», «О», «Угу», «До свидания». Казалось бы, что тут играть? Роль и не давалась — пока художница Эва Старовейска не сшила Олегу Басилашвили твидовый пиджак табачного цвета и не вручила трубку. Стоило надеть пиджак, как актёр всё понял: перед ним человек, привыкший сидеть за письменным столом, где он сам себе царь и Бог, где его дом и где ему предстоит написать ещё многое. На премьере зал разразился овациями.
Сам актёр объясняет свою верность театру просто: «Для меня БДТ — это прежде всего Георгий Александрович Товстоногов. Его яркие постановки, работа с ним, его, так называемое, коллекционирование актёров, которых он сам создавал и вёл вверх». И до Товстоногова в театре создавались подлинные произведения искусства и случались замечательные актёрские работы, однако зритель отчего-то не шёл — притянуть его к себе сумел лишь Георгий Александрович.
«Главной заслугой Георгия Александровича является то, что он один из первых и очень немногих сломал фальшивый лёд социалистического реализма, который проповедовался в нашей стране в литературе, искусстве. Социалистический реализм показывает жизнь не такой, какая она есть, а такой, какой она должна была бы быть. Это лозунг Горького...», — полагает Басилашвили. Товстоногов мечтал создать театр, вобравший в себя лучшее от Художественного, Вахтангова и Мейерхольда, — и кое в чём это ему удалось. Басилашвили служит в БДТ шестьдесят седьмой сезон.
Об Олеге Басилашвили, Георгии Товстоногове и его актёрах — Александр Платунов на нашем новом онлайн-курсе «Люди и страсти русской сцены».
За тридцать лет работы с Георгием Товстоноговым были сыграны Господин N в «Горе от ума» (1962), Андрей Прозоров в «Трёх сёстрах» (1965), Хлестаков в «Ревизоре» (1972), князь Серпуховской в «Истории лошади» (1975), Джингль в «Пиквикском клубе» (1978), Лыняев в «Волках и овцах» (1980), Войницкий в «Дяде Ване» (1982), Барон в «На дне» (1987) и другие.
«...Басилашвили всегда был мастером отделки, виртуозом формы», — писала критик Елена Горфункель. Начинается же такая отделка нередко с мелочей. В спектакле «Два театра» (1969) актёру досталась роль с четырьмя репликами: «Здравствуйте», «О», «Угу», «До свидания». Казалось бы, что тут играть? Роль и не давалась — пока художница Эва Старовейска не сшила Олегу Басилашвили твидовый пиджак табачного цвета и не вручила трубку. Стоило надеть пиджак, как актёр всё понял: перед ним человек, привыкший сидеть за письменным столом, где он сам себе царь и Бог, где его дом и где ему предстоит написать ещё многое. На премьере зал разразился овациями.
Сам актёр объясняет свою верность театру просто: «Для меня БДТ — это прежде всего Георгий Александрович Товстоногов. Его яркие постановки, работа с ним, его, так называемое, коллекционирование актёров, которых он сам создавал и вёл вверх». И до Товстоногова в театре создавались подлинные произведения искусства и случались замечательные актёрские работы, однако зритель отчего-то не шёл — притянуть его к себе сумел лишь Георгий Александрович.
«Главной заслугой Георгия Александровича является то, что он один из первых и очень немногих сломал фальшивый лёд социалистического реализма, который проповедовался в нашей стране в литературе, искусстве. Социалистический реализм показывает жизнь не такой, какая она есть, а такой, какой она должна была бы быть. Это лозунг Горького...», — полагает Басилашвили. Товстоногов мечтал создать театр, вобравший в себя лучшее от Художественного, Вахтангова и Мейерхольда, — и кое в чём это ему удалось. Басилашвили служит в БДТ шестьдесят седьмой сезон.
Об Олеге Басилашвили, Георгии Товстоногове и его актёрах — Александр Платунов на нашем новом онлайн-курсе «Люди и страсти русской сцены».
❤11❤🔥1
Как известно, каждый актёр мечтает сыграть Гамлета. Олег Янковский был одним из главных артистов своего поколения, но режиссёры в этом образе его не видели. Андрей Тарковский, ставивший «Гамлета» в Ленкоме в 1977 году, заметил, что Янковский больше похож на Лаэрта, и пригласил на заглавную роль Анатолия Солоницына. Осуществить давнюю мечту актёра решился Глеб Панфилов: в 1986 году кинорежиссёр впервые вышел на театральную сцену, и вышел сразу с трагедией Шекспира.
В первом актёрском составе были задействованы настоящие звёзды театральной сцены. Гертруду сыграла Инна Чурикова (Офелия в постановке Тарковского), Офелию — Александра Захарова, а Лаэрта — Александр Абдулов.
Это было время перестройки, когда режиссёры экспериментировали с неожиданными и порой гротескными решениями, например, Клавдий, Гамлет, Розенкранц и Гильденстерн были примерно одного возраста и увлекались одним хобби — футболом. Шекспировская трагедия в руках Панфилова превратилась в суровую философскую историю о совести, власти и неизбежности. Однако ни имена, ни режиссёрские решения спектакль не спасли — зрители и критики приняли его неоднозначно и даже скептически.
Причина, вероятно, была в том, с чем публика приходила в зал. За русским Гамлетом тянулась длинная история: романтический бунтарь Павла Мочалова, интеллигент Иннокентия Смоктуновского, задыхающийся от невозможности жить Гамлет Владимира Высоцкого. Все они были героями духовными, все страдали и сомневались. Гамлет Янковского не сомневался вовсе. Холодный, расчётливый, не знающий угрызений совести, он готов идти по головам — ровно так же, как идёт по головам окружающий его мир.
Сам актёр позднее признавал, что роль ему не далась. Нынешние же исследователи называют её недооценённой. Подробнее об этом можно узнать на онлайн-курсе театроведа Александра Платунова «Люди и страсти русской сцены». Присоединяйтесь!
В первом актёрском составе были задействованы настоящие звёзды театральной сцены. Гертруду сыграла Инна Чурикова (Офелия в постановке Тарковского), Офелию — Александра Захарова, а Лаэрта — Александр Абдулов.
Это было время перестройки, когда режиссёры экспериментировали с неожиданными и порой гротескными решениями, например, Клавдий, Гамлет, Розенкранц и Гильденстерн были примерно одного возраста и увлекались одним хобби — футболом. Шекспировская трагедия в руках Панфилова превратилась в суровую философскую историю о совести, власти и неизбежности. Однако ни имена, ни режиссёрские решения спектакль не спасли — зрители и критики приняли его неоднозначно и даже скептически.
Причина, вероятно, была в том, с чем публика приходила в зал. За русским Гамлетом тянулась длинная история: романтический бунтарь Павла Мочалова, интеллигент Иннокентия Смоктуновского, задыхающийся от невозможности жить Гамлет Владимира Высоцкого. Все они были героями духовными, все страдали и сомневались. Гамлет Янковского не сомневался вовсе. Холодный, расчётливый, не знающий угрызений совести, он готов идти по головам — ровно так же, как идёт по головам окружающий его мир.
Сам актёр позднее признавал, что роль ему не далась. Нынешние же исследователи называют её недооценённой. Подробнее об этом можно узнать на онлайн-курсе театроведа Александра Платунова «Люди и страсти русской сцены». Присоединяйтесь!
❤13❤🔥3
Когда стало известно, что Киану Ривз и Алекс Уинтер сыграют Эстрагона и Владимира в «В ожидании Годо» режиссёра Джейми Ллойда, идея могла показаться почти кастинговой шуткой. Билл и Тед тридцать с лишним лет спустя — теперь два человека, которые сидят у дороги и пытаются понять, что же происходит.
Но к Беккету они подошли совершенно всерьёз. Почти год встречались для совместных читок, занимались физической подготовкой, разговаривали с актёрами, уже игравшими «Годо». А потом отправились в Университет Рединга — в крупнейший архив Сэмюэла Беккета: разбирали рукописи, авторские ремарки, фотографии и несколько часов расспрашивали его биографа Джеймса Ноулсона.
Ривза особенно интересовал сам Беккет. Не только то, что он написал и во что верил. «Но к чему он пришёл как человек?» — спрашивал актёр.
Для Ривза «В ожидании Годо» стал возвращением на сцену спустя тридцать лет. В последний раз он играл в театре в 1995 году — Гамлета в Виннипеге. Тогда, уже после успеха «Скорости», он отказался от роли в «Схватке» Майкла Манна, чтобы два месяца играть Шекспира в небольшом канадском театре.
Ривз потом вспоминал, что на первом спектакле едва мог дышать от страха, а некоторые разгромные рецензии считал вполне заслуженными. Но продолжал играть — и говорил, что от спектакля к спектаклю становился лучше.
И мы почти уверены, что среди наших подписчиков есть те, кто «В ожидании Годо» на Бродвее не пропустил. Рассказывайте: каким получился спектакль Джейми Ллойда? И главное — каким оказался театральный Киану Ривз?
Фото: Andy Henderson
Но к Беккету они подошли совершенно всерьёз. Почти год встречались для совместных читок, занимались физической подготовкой, разговаривали с актёрами, уже игравшими «Годо». А потом отправились в Университет Рединга — в крупнейший архив Сэмюэла Беккета: разбирали рукописи, авторские ремарки, фотографии и несколько часов расспрашивали его биографа Джеймса Ноулсона.
Ривза особенно интересовал сам Беккет. Не только то, что он написал и во что верил. «Но к чему он пришёл как человек?» — спрашивал актёр.
Для Ривза «В ожидании Годо» стал возвращением на сцену спустя тридцать лет. В последний раз он играл в театре в 1995 году — Гамлета в Виннипеге. Тогда, уже после успеха «Скорости», он отказался от роли в «Схватке» Майкла Манна, чтобы два месяца играть Шекспира в небольшом канадском театре.
Ривз потом вспоминал, что на первом спектакле едва мог дышать от страха, а некоторые разгромные рецензии считал вполне заслуженными. Но продолжал играть — и говорил, что от спектакля к спектаклю становился лучше.
И мы почти уверены, что среди наших подписчиков есть те, кто «В ожидании Годо» на Бродвее не пропустил. Рассказывайте: каким получился спектакль Джейми Ллойда? И главное — каким оказался театральный Киану Ривз?
Фото: Andy Henderson
❤12❤🔥2👍1