— Музыканты говорят: поставить руку, поставить голос (вариант — зажать), балетным ставят выворотность, прыжок. Что можно поставить (испортить) драматическому актёру?
— Речь. Тон. Ещё актёру можно поставить обращение с текстом — это в нашей профессии почти всё. Умение воздействовать речью на сцене — это и есть чистой воды актёрское мастерство. Потому что, как ни крути, пьесы пишутся словами, и с этими словами надо как-то уметь обращаться.
Умение выстроить отношения с текстом, не разыгрывать текст, не вязнуть в словах — и есть актёрская квалификация. К слову, этим умением не владеют даже многие корифеи, которые подчёркивают Каждую... Фразу... И... Каждое... Слово — это бывает невыносимо.
Константин Райкин
Каждый творческий путь требует особых навыков. Если музыканты ставят руку и голос, а артисты балета — выворотность, то драматическому актёру важно овладеть искусством речи, находить свой тон и создавать живую связь с текстом.
Как не затеряться среди строк пьесы и открыть в них новые грани? Как избежать формального отношения к застолью и превратить его в мощный инструмент поиска? Ответы на эти вопросы раскроет Иван Стависский на нашем онлайн-курсе «Застольный период методом действенного анализа».
Фото: Полина и Софи Набока
— Речь. Тон. Ещё актёру можно поставить обращение с текстом — это в нашей профессии почти всё. Умение воздействовать речью на сцене — это и есть чистой воды актёрское мастерство. Потому что, как ни крути, пьесы пишутся словами, и с этими словами надо как-то уметь обращаться.
Умение выстроить отношения с текстом, не разыгрывать текст, не вязнуть в словах — и есть актёрская квалификация. К слову, этим умением не владеют даже многие корифеи, которые подчёркивают Каждую... Фразу... И... Каждое... Слово — это бывает невыносимо.
Константин Райкин
Каждый творческий путь требует особых навыков. Если музыканты ставят руку и голос, а артисты балета — выворотность, то драматическому актёру важно овладеть искусством речи, находить свой тон и создавать живую связь с текстом.
Как не затеряться среди строк пьесы и открыть в них новые грани? Как избежать формального отношения к застолью и превратить его в мощный инструмент поиска? Ответы на эти вопросы раскроет Иван Стависский на нашем онлайн-курсе «Застольный период методом действенного анализа».
Фото: Полина и Софи Набока
❤9
Топ-4 российских фильма от Сони Райзман:
1. «Шапито-шоу» (2011)
Режиссёр — Сергей Лобан
«Он тогда произвёл огромное впечатление на меня и ещё на большое количество людей. Мои вкусы только формировались, и сегодня, когда думаешь о нём, он остаётся как бы шедевром российского авторского кино. Хочется вообще его пересмотреть».
2. «Звонят, откройте дверь» (1965)
Режиссёр — Александр Митта
«Я посмотрела его только этим летом. До этого я об этом фильме не знала. У него поразительно классная форма, потрясающая, лёгкая, прозрачная драматургия: маленькая Проклова ходит по зимней чёрно-белой Москве и ищет первых пионеров. И удивительно, как в этой форме им удалось поговорить о таких тонких материях. Браво. Действие происходит уже в самом-самом конце оттепели, на границе с застоем».
3. «Летят журавли» (1957)
Режиссёр — Михаил Калатозов
«Этот фильм — это то, к чему вообще человечество пришло на тот момент, и лучшие его идеи выражены в такой превосходной художественной форме, которую сложно, наверное, ещё много-много десятилетий будет переплюнуть».
4. «Экспресс» (2022)
Режиссёр — Руслан Братов
«Фильм, который... Я не понимаю, как можно сделать такой фильм. Не могу разгадать эту загадку. Там есть всё абсолютное. И я его пересматриваю иногда втайне от Руслана».
1. «Шапито-шоу» (2011)
Режиссёр — Сергей Лобан
«Он тогда произвёл огромное впечатление на меня и ещё на большое количество людей. Мои вкусы только формировались, и сегодня, когда думаешь о нём, он остаётся как бы шедевром российского авторского кино. Хочется вообще его пересмотреть».
2. «Звонят, откройте дверь» (1965)
Режиссёр — Александр Митта
«Я посмотрела его только этим летом. До этого я об этом фильме не знала. У него поразительно классная форма, потрясающая, лёгкая, прозрачная драматургия: маленькая Проклова ходит по зимней чёрно-белой Москве и ищет первых пионеров. И удивительно, как в этой форме им удалось поговорить о таких тонких материях. Браво. Действие происходит уже в самом-самом конце оттепели, на границе с застоем».
3. «Летят журавли» (1957)
Режиссёр — Михаил Калатозов
«Этот фильм — это то, к чему вообще человечество пришло на тот момент, и лучшие его идеи выражены в такой превосходной художественной форме, которую сложно, наверное, ещё много-много десятилетий будет переплюнуть».
4. «Экспресс» (2022)
Режиссёр — Руслан Братов
«Фильм, который... Я не понимаю, как можно сделать такой фильм. Не могу разгадать эту загадку. Там есть всё абсолютное. И я его пересматриваю иногда втайне от Руслана».
🔥4❤3
#мюзикл_драматичен
«Пробуждение весны», «Гоголь-центр», Москва, режиссёры: Кирилл Серебренников и Алексей Франдетти
Композитор: Дункан Шейк, автор либретто: Стивен Сейтер, автор русских текстов: Женя Беркович
Спектакль в «Гоголь-центре» — российская версия бродвейского мюзикла 2006 года. Тот в свою очередь был основан на одноимённой пьесе Франка Ведекинда 1891 года. Для русского театра этот сюжет не был новым: ещё в 1907-м к этому тексту в ключе драматического театра обращался Всеволод Мейерхольд.
Что в спектакле заслуживает особого внимания и почему внимания заслуживает он сам:
1. Синтез дебютантского замаха Франдетти и профессионального мастерства Серебренникова. Именно Алексей Франдетти, прежде известный как актёр, мечтал привезти в Россию «Пробуждение весны» и ради мечты на свои деньги приобрёл права на постановку. Кирилл Серебренников принял порыв молодого режиссёра и отточил его работу до более совершенной формы, присущей сцене «Гоголь-центра».
2. Драматическая проблематика сюжета. «Пробуждение весны» разбило главный стереотип о жанре мюзикла, который существовал в российской зрительской среде. Через раскрытие темы взросления — психологического и физического — постановка ярко продемонстрировала, что мюзикл — это не всегда яркая картинка праздника жизни, а в том числе и серьёзный разговор об обществе, нравственности, чувственности.
3. Густонаселённый, но и немноголюдный мир взрослых. В истории, отражающей конфликт отцов и детей с более интимного ракурса, мир взрослых воплощали всего два актёра — Анна Гуляренко и Олег Гущин, — которые разделили между собой около дюжины персонажей. Учителя, родители, священник, врач — у них были разные интонации, но одно лицо. Это решение в том числе показало взрослую среду как общество, в котором все похожи друг на друга. А подростков, бунтующих против устройства их мира или пытающихся с ним примириться, играли действительно молодые люди — артисты «Седьмой студии» (в том числе Риналь Мухаметов, Екатерина Стеблина, Мария Поезжаева, Светлана Мамрешева, Филипп Авдеев, Харальд Розенстрём, Никита Кукушкин*, Александр Горчилин, Роман Шмаков, Александра Ревенко).
Александр Попов: «Лексика героев (отличный перевод Жени Беркович) — в том числе и в музыкальных номерах — всё время балансирует на грани и за гранью отечественной стыдливой культурной традиции, а сами герои находятся как раз в том возрасте, когда отрочество переходит в юность, когда кажется, что весь мир вокруг ощетинивается враждебным непониманием.
Острая форма и всё ещё непривычная нам откровенность повествования лишь подчёркивают целомудренность спектакля. С мюзиклом спектакль роднит финальный номер, когда впервые сменив мышиную униформу на яркие цветные костюмы и платья, герои поют анкор. Но на ярком фоне финала тем отчётливее и страшнее проступает всё то, что ему предшествовало. <...>
Кирилл Серебренников (он постановщик, сценограф и художник по костюмам) увидел мюзикл как диалект театрального языка, на котором говорит современный зритель. Именно на этом языке он решил продолжить давно начатый разговор о противостоянии личности и толпы, личности и времени».
*признан минюстом РФ иноагентом.
«Пробуждение весны», «Гоголь-центр», Москва, режиссёры: Кирилл Серебренников и Алексей Франдетти
Композитор: Дункан Шейк, автор либретто: Стивен Сейтер, автор русских текстов: Женя Беркович
Спектакль в «Гоголь-центре» — российская версия бродвейского мюзикла 2006 года. Тот в свою очередь был основан на одноимённой пьесе Франка Ведекинда 1891 года. Для русского театра этот сюжет не был новым: ещё в 1907-м к этому тексту в ключе драматического театра обращался Всеволод Мейерхольд.
Что в спектакле заслуживает особого внимания и почему внимания заслуживает он сам:
1. Синтез дебютантского замаха Франдетти и профессионального мастерства Серебренникова. Именно Алексей Франдетти, прежде известный как актёр, мечтал привезти в Россию «Пробуждение весны» и ради мечты на свои деньги приобрёл права на постановку. Кирилл Серебренников принял порыв молодого режиссёра и отточил его работу до более совершенной формы, присущей сцене «Гоголь-центра».
2. Драматическая проблематика сюжета. «Пробуждение весны» разбило главный стереотип о жанре мюзикла, который существовал в российской зрительской среде. Через раскрытие темы взросления — психологического и физического — постановка ярко продемонстрировала, что мюзикл — это не всегда яркая картинка праздника жизни, а в том числе и серьёзный разговор об обществе, нравственности, чувственности.
3. Густонаселённый, но и немноголюдный мир взрослых. В истории, отражающей конфликт отцов и детей с более интимного ракурса, мир взрослых воплощали всего два актёра — Анна Гуляренко и Олег Гущин, — которые разделили между собой около дюжины персонажей. Учителя, родители, священник, врач — у них были разные интонации, но одно лицо. Это решение в том числе показало взрослую среду как общество, в котором все похожи друг на друга. А подростков, бунтующих против устройства их мира или пытающихся с ним примириться, играли действительно молодые люди — артисты «Седьмой студии» (в том числе Риналь Мухаметов, Екатерина Стеблина, Мария Поезжаева, Светлана Мамрешева, Филипп Авдеев, Харальд Розенстрём, Никита Кукушкин*, Александр Горчилин, Роман Шмаков, Александра Ревенко).
Александр Попов: «Лексика героев (отличный перевод Жени Беркович) — в том числе и в музыкальных номерах — всё время балансирует на грани и за гранью отечественной стыдливой культурной традиции, а сами герои находятся как раз в том возрасте, когда отрочество переходит в юность, когда кажется, что весь мир вокруг ощетинивается враждебным непониманием.
Острая форма и всё ещё непривычная нам откровенность повествования лишь подчёркивают целомудренность спектакля. С мюзиклом спектакль роднит финальный номер, когда впервые сменив мышиную униформу на яркие цветные костюмы и платья, герои поют анкор. Но на ярком фоне финала тем отчётливее и страшнее проступает всё то, что ему предшествовало. <...>
Кирилл Серебренников (он постановщик, сценограф и художник по костюмам) увидел мюзикл как диалект театрального языка, на котором говорит современный зритель. Именно на этом языке он решил продолжить давно начатый разговор о противостоянии личности и толпы, личности и времени».
*признан минюстом РФ иноагентом.
❤5
Премьера «Гамлета» во МХАТе в 1924 году стала для Михаила Чехова первым шагом к созданию театра новой формации. Режиссёр и актёр стремился уйти от идеологического давления и пропаганды 1920-х годов, утверждая сцену как пространство, подчинённое потребностям духа и эстетики, открытое для философских поисков и художественных экспериментов.
Чехов сознательно очищал репертуар от конъюнктурной «уличной драматургии» и антирелигиозной риторики: «Я прежде всего изгнал из репертуара антирелигиозные тенденции… Тема данного спектакля, — объяснял он, — устремление души Гамлета к Свету. <…> Всё для Гамлета, для его трагедии, для его радости. А точка зрения на образы дана Шекспиром. Каждый образ такой, каким он виделся Шекспиру».
Эта трактовка превратила шекспировскую трагедию в глубокую духовную исповедь человека революционной эпохи, ставшую альтернативой царившей тогда бытовой и политической агитации, а сам Чехов предстал на сцене хрупким, невысоким человеком с огромными страдальческими глазами, чье сердце было разорвано жестокостью окружающего мира.
Чехов сознательно очищал репертуар от конъюнктурной «уличной драматургии» и антирелигиозной риторики: «Я прежде всего изгнал из репертуара антирелигиозные тенденции… Тема данного спектакля, — объяснял он, — устремление души Гамлета к Свету. <…> Всё для Гамлета, для его трагедии, для его радости. А точка зрения на образы дана Шекспиром. Каждый образ такой, каким он виделся Шекспиру».
Эта трактовка превратила шекспировскую трагедию в глубокую духовную исповедь человека революционной эпохи, ставшую альтернативой царившей тогда бытовой и политической агитации, а сам Чехов предстал на сцене хрупким, невысоким человеком с огромными страдальческими глазами, чье сердце было разорвано жестокостью окружающего мира.
🔥6❤3❤🔥1