#историяоднойпесни
QUEEN We Are The Champions

В 1977 году Queen выступали в Bingley Hall, что в Стаффорде. После концерта публика требовала музыкантов на бис, исполняя хором песню You’ll Never Walk Alone, столь любимую футбольными фанатами.

Это подтолкнуло участников группы взяться за композиции, которые они могли бы петь вместе с поклонниками.

Как позже говорил Брайан Мэй (Brian May):
"Мы хотели, чтобы толпы размахивали руками и пели. Это очень сильно объединяет и настраивает на позитивный лад."

Вдохновившись идеей, Фредди Меркьюри (Freddie Mercury) сочинил песню We Are the Champions, а Брайан Мэй написал We Will Rock You. Забавно, что они показали песни друг другу практически одновременно. Вот что значит мыслить в одном направлении ))

Позже Фредди вспоминал:
"Когда я ее писал, я думал о футболе. Я хотел сочинить песню для совместного исполнения, которую могли бы подхватить фанаты. Конечно, я придал ей больше театральной утонченности, чем в обычном футбольном гимне. Полагаю, ее можно было бы также истолковать как мою версию I Did It My Way [песня Фрэнка Синатры]. Мы записали ее, и это было отнюдь не просто. Совсем не «легкая жизнь» [bed of roses], как поется в песне."

Фраза «мы – чемпионы» многим показалась высокомерной, однако Роджер Тейлор (Roger Taylor) успокоил фанатов, разъяснив основную идею песни:
"We Are the Champions подразумевает «мы», как «все мы», коллективно, а не мы в группе. Стыдно, что некоторые люди осознанно трактовали ее смысл неправильно. «Не время для проигравших» (“No time for losers”) – это не самая добрая строчка, но это действительно в большей степени «мы все». Это празднование."

Композиция вошла в альбом News of the World группы Queen. Она без паузы звучит вслед за We Will Rock You. Ди-джеи на радио часто запускали песни в эфир парой. Даже на концертах обычно эти песни игрались одна за другой.

Музыкальный видеоклип к песне «Мы чемпионы» снял режиссер Дерек Бербридж (Derek Burbridge). Ролик выдержан в формате концертного видео, но это была постановка, а не настоящее выступление группы Queen. Съемки проходили 6 октября 1977 года в New London Theatre Centre при помощи специально приглашенных фанатов группы.

В 2001 году Брайан Мэй и Роджер Тейлор записали новую версию We Are the Champions при участии Робби Уильямса (Robbie Williams). Эта композиция вошла в саундтрек фильма «История рыцаря» (A Knight’s Tale). Также к ней сняли видеоклип.
Вместе с Queen песню We Are the Champtions пела даже Земфира, которая в то время находилась на вершине популярности в нашей стране.

В 2016 году Дональд Трамп (Donald Trump) использовал песню We Are the Champtions в ходе предвыборной кампании, что вызвало негодование участников группы Queen. Трампа это не остановило, и в июле 2018 года он вновь включил трек в программу выступления на собрании республиканцев в Кливленде.

В 2011 году команда ученых признала We Are the Champions самой легко запоминающейся песней в истории популярной музыки.

https://youtu.be/04854XqcfCY

#историяоднойпесни
Как-то в разные годы в разных интервью спросили разных людей, какая самая совершенная песня Led Zeppelin? Ответ был: "Achilles Last Stand", композиция из альбома 1976 года "Presence". А этими двумя разными людьми были Джимми Пейдж и Роберт Плант. Что ж, попытаемся проследить историю не самой знаменитой, но такой значимой для участников Цеппелин песни.

Песня «Achilles Last Stand», длительностью 10 минут 25 секунд, является третьей по длине студийной записью «Led Zeppelin», после «In My Time of Dying» (11:06) и «Carouselambra» (10:34). Композиция характерна мощной барабанной партией Джона Бонэма, энергичной басовой партией Джона Пола Джонса, симфоническими гитарными партиями Джимми Пэйджа и мрачной философской лирикой. Поэт и переводчик Илья Кормильцев называл лирику «Achilles Last Stand» вершиной поэтического мастерства Роберта Планта.

В 1975 году судьба решила, что хватит баловать Цепов, и нанесла первый удар в виде автомобильной аварии, куда попали Плант с женой Морин. Морин оказалась на грани жизни и смерти, а Роберт раздробил колено и сломал щиколотку. Слава Богу, все остались живы, но покалеченный вокалист мог вполне поставить крест на карьере группы — по крайней мере, концертной.

Запись следующего альбома состоялась только благодаря «железной воле» Джими Пейджа и длилась всего 18 дней. Пейдж написал почти все песни и пахал над записью с утра до ночи.

Ударной песней будущей пластинки должна была стать композиция под названием «Achilles Last Stand» («Последняя стоянка Ахиллеса»). Она была написана Джимми Пэйджем и Робертом Плантом в доме Пэйджа в городе Малибу, штат Калифорния, где они оставались в течение месяца, во время восстановления Планта от травм.

Как и «Кашмир» композиция была вдохновлена ещё одной марокканской «одиссеей» (теперь 1975 года), а также поездками Планта по Испании и Греции. Недаром, кроме восточных мотивов можно услышать и влияние стиля фламэнко.

По студии Роберт разъезжал на коляске и в гипсе, поэтому поначалу композицию шутливо прозвали «Песня инвалидного кресла». Но и окончательное название, видимо, не случайно, если вспомнить об уязвимой «ахиллесовой» пяте. Кстати, под конец записи Плант умудрился с хрустом упасть прямо на свой гипс, и лишь чудом избежал нового перелома…

Однако есть одно «но», а именно строчка песни, где Ахиллес выступает, как держатель неба. Любому мало-мальски образованному слушателю ясно, что речь идёт об Атланте — титане, которого греческие боги обрекли держать небесный свод.

Второе название Атланта — Атлас, напрямую бы отсылало нас Марокко к Атласским горам, которые тоже по-своему «подпирают» небо. Почему у Планта небо держит Ахиллес? Да кто поймёт душу поэта…

Пишут также, что лирику Планта вдохновила кроме прочего и гравюра Уильяма Блэйка под названием «Танец Альбиона» (Альбион — старинное название Англии).

Что касается «стахановца» Пейджа, то он пошёл на рекорд — задумал сделать так, чтобы в этой песне одновременно звучало несколько гармоничных гитарных партий. «Ну, две партии, ну, три, ну, ещё туда-сюда…» — недоверчиво говорили коллеги. Пейдж сделал не меньше шести, играя онемевшими пальцами почти без остановок. В результате «Achilles Last Stand» растянулась более чем на 10 минут, что опять-таки не помешало крутить ее на радио, ибо песня вышла отличная.

Последние два дня работы в студии гитарист выпросил у стоявших в очереди Rolling Stones, и работа над альбомом была завершена.

Джимми Пейдж:
«В конце дня пришли Стоунз и поинтересовались – закончили ли мы? Я ответил: «Отлично, я закончил. Спасибо за два дополнительных дня». Они спросили: «Песню сделал?» Я ответил: «Нет, всю пластинку полностью». Но они никак не могли поверить».

Возможно, альбом «Presence» и не лучший в творчестве Цеппелинов, но, легко понять, почему он так дорог гитаристу.

Джимми Пейдж:
«…Я люблю этот альбом, потому что он был создан не в самое лучшее время, но музыка была замечательной в полном смысле этого слова».

https://youtu.be/YWOuzYvksRw

#историяоднойпесни
SURVIVOR Eye Of A Tiger

24 июля 1982 года американский чарт возглавила песня, созданная по заказу. Она оставалась на вершине Billboard в течении шести недель. Мультиинструменталист и автор Survivor Джим Петрик получил этот заказ потому, что глава его рекорд-лейбла дружил с Сильвестром Сталлоне и дал ему послушать предыдущий альбом группы Survivor.

Артисту понравилось, он позвонил Петрику, того не было дома, и Слай оставил сообщение на автоответчике: «Эй, Джим, приятная новость — тебе звонит Сильвестр Сталлоне!» Джим потом вспоминал: «Это казалось чуточку чересчур, но потом я понял, что он всегда так разговаривает».

Петрик и его соавтор Фрэнки Салливан приехали смотреть черновой монтаж «Рокки-3», в котором главный герой тренировался под квиновскую Another One Bites The Dust. Джим сказал: «Очень круто, а почему ты не оставишь ее?» — «У нас нет на нее прав. Но от вас мне нужно что-нибудь не хуже».

Выйдя из просмотрового зала, Джим сел за руль, поехал домой и по дороге придумал открывающий рифф — как аналогию с боксерскими ударами. На следующий день они с Фрэнки сели с гитарами придумывать музыку и слова, и к концу дня музыка была готова процентов на 80, а текст — примерно на треть. Еще день понадобился на доводку слов и запись демо. Потом они приехали к Сталлоне, тот послушал и сказал: «Все круто, но барабаны в миксе надо поднять и придумать третий куплет». Так и сделали.

А знаете ли вы, что фронтмен Survivor должен был стать вокалистом Deep Purple в 1990-м году?

Вспоминает Джон Лорд:
«Парень, которого мы с самого начала хотели взять взамен Гиллана, был вокалистом группы Survivor, Джимми Джеймсон. Он был большим поклонником Deep Purple и очень хотел получить работу, но ужасно боялся реакции своего менеджера, американца итальянского происхождения, который был связан с мафией».

Такая вот история, в результате которой вокалистом Deep Purple стал Джо Линн Тернер.
"Но впрочем песня не о нем а о любви тигре"

https://youtu.be/btPJPFnesV4

#историяоднойпесни
BEE GEES Jive Talking

Однажды, в январе 1975 года, Барри Гибб ехал по мосту, возвращаясь домой из студии. Дела шли неважно. Недавно лейбл отказался записывать альбом "Bee Gees", т.к. последние два провалились. Их низвели до выступлений в сети английских театров-ресторанов. На афише в Атлантик-Сити название группы значилось ниже клички лошади.

Чтобы добраться до дома Барри Гибба, нужно проехать по мосту Джулии Таттл - бетонной полосе длиной в три с четвертью мили. Вдоль моста проходят балки из армированной стали, и если ехать мимо них со скоростью 55 миль в час, салон машины наполняет пульсирующий ритм с акцентом на вторую и четвёртую доли: чакити-чак, ч-чакити-чак. Если разогнать машину быстрее 55 миль, то этот ритм превратится в чудный фанковый грув. Барри не сразу всерьёз задумался над этим явлением, но в конце концов именно на этом груве ребята и построили песню "Jive Talkin", которая к концу лета стала хитом номер один и ознаменовала собой важный стилистический перелом в истории группы.

Барри назвал свою новую песню Drive Talking, и братья Робин и Морис быстро ухватились за эту идею и стали дорабатывать песню. Bee Gees принесли идею песни в студию и представили ее продюсеру Арифу Мардину. Хотя группа уже смешивала поп-рок и r&b звуки в своих ранних работах, это был из первый заход на настоящий танцевальный трек.

Продюсер Ариф Мардин вспоминал:
“Мы работали в студии и хорошо проводили время, когда Ахмет Эртегун (президент Atlantic Records) и Роберт Стигвуд (тогдашний менеджер Bee Gees) пришли и сказали: ”Вау, это здорово, очень танцевально". Мы делаем танцевальную музыку? Вау, мы даже и не задумывались об этом!”

Прослушивая дубль Drive Talking, группе показалось, что Барри Гибб сказал Jive вместо Drive.

Участники группы слышали слово Jive в клубах Майами, и решили, что оно им нравится больше, хотя они и не были точно уверены, что оно означает.

– Мы думали, что Jive говорит о том, что ты танцуешь, двигаешься, - признался Морис Гибб.

Когда Мардин объяснил, что Jive talking на самом деле означало "нести чушь", группа переписала текст, чтобы соответствовать.

С запоминающимся припевом, заразительным ритмом и безошибочно узнаваемой синтезаторной линией Jive Talkin’ ознаменовал поворотный момент для Bee Gees. Хотя альбом Main Course все еще будет содержать несколько софт-баллад, напоминающих их прежнее звучание, Bee Gees явно открыли для себя новое направление.

Трэк Jive Talkin’ был выбран в качестве первого сингла с нового альбома, и он был отправлен на радиостанции в простой белой упаковке без информации о том, кто его записал. Стратегия сработала, так как Jive Talkin’ быстро начал пробиваться вверх по диаграмме. После первоначального выпуска в мае 1975 года трек достиг пика № 1 в чарте Billboard в том же августе.

Сингл Jive Talkin' внезапно сделал группу "лицом" диско. Статус будет еще сильнее закреплен двумя годами позже саундтреком к фильму "Лихорадка субботнего вечера", в котором фигурировали такие, уже ставшие классикой диско песни: Stayin’ Alive, You Should Be Dancing и конечно же, Jive Talkin’.

https://youtu.be/oALKAh_bL5g

#историяоднойпесни
DEEP PURPLE Hush

Hush - песня, которая до сих пор входит в концертные сеты Deep Purple, но сначала она стала хитом американского кантри-соул-вокалиста Билли Джо Ройала. Это произошло в 1967-м, автором и продюсером песни был Джо Саут (в дальнейшем он написал несколько хитов для The Eagles).

Но летом следующего года из динамиков вырвалась совсем другая версия песни «Тише!». Пульсирующий ритм, гитарные заполнения, органное соло и цепляющий припев... Эта версия вывела только что сформированную группу Deep Purple на верхние строчки американских чартов.

Hush стала определяющей для ранних Purple с их сплавом психоделического ритм-энд-блюза и хард-рока.
Интересно, что пепловская Hush могла бы и не появиться на свет, не возьмись группа Vanilla Fudge за переделку мотауновской классики годом раннее.

«Vanilla Fudge сделали кавер на You Keep Me Hangin’ On - хит группы Supremes, превратив его в нечто совсем другое», - объясняет нынешний басист Purple Роджер Гловер. «Это было сделано с таким вдохновением! И Deep Purplе попытались сделать то же с Hush: придать ей свой собственный смысл».

Стоит отметить, что органист Purple Джон Лорд и их оригинальный басист Ник Симпер пересеклись с Vanilla Fudge, когда они оба были в составе группы Flower Pot Men. Особое впечатление на Лорда произвела динамичная игра органиста Марка Штейна из Fudge. Они сделали песню значительно более жёсткой.

Во время работы над дебютным альбомом Shades Of Deep Purple в лондонской Pye Studio весной 1968 года про Hush как-то никто серьезно не думал. С одной стороны, песня должна была войти в альбом, но Deep Purplе не относились к ней серьезно, как к потенциальному хиту. Группа подталкивала Parlophone к выпуску в качестве дебютного сингла кавера на песню The Beatles Help, но лейбл хотел выпустить Hush.

Parlophone настоял, и это было решение, которое окупилось, по крайней мере за границей. Очень динамичная, стремительная (Лорд сравнил её с самбой), неотразимыми вокальными прорывами «На-на на-на», песня вышла на 4-е место в чарте Billboard США и заняла высокие места в соседней Канаде и в некоторых странах Европы. Странно, но родная Британия оказалась устойчивой к чарам Hush и композиция не стала там хитом, однако песня сразу же стала изюминкой концертного сет-листа Purplе.

«Я впервые услышал Hush по радио, её пел англичанин по имени Крис Айф», - вспоминает Гловер, который присоединился к DP вместе с товарищем по группе Episode Six вокалистом Иэном Гилланом в 1969 году. «А шесть месяцев или год спустя я уже играл ее с Purplе. В те дни мы делали много каверов: Hush, Kentucky Woman, Help!, Hey Joe. Даже первый сингл, который я сыграл с моей новой группой - Hallelujah, тоже был кавером».

К 1970 году Deep Purplе добились колоссального успеха со своими собственными треками, в первую очередь с Black Night, но Hush оставалась ключевой песней их концертного сета. В 1988 году во время студийного джема они записали версию с Гловером и Гилланом, которую включили в сборник Nobody’s Perfect, выпущенный в честь 20-летия группы. Роджер Гловер не был доволен тем, что получилось. Он рассказал, что к его огорчению, он не смог добиться звучания «клик-баса» Ника Симпера в стиле 60-х, которым Роджер восхищался на оригинальной записи.

На какое-то время Hush исключили из гастрольного сет-листа, но в конце концов, по настоянию нового гитариста Стива Морса, она вновь заняла своё законное место. И с тех пор она стала неотъемлемой частью их выступлений на бис, часто принимая совершенно различные формы.

«Мы не обязательно придерживаемся каких-то правил», - объясняет Гловер. «Мы каждый раз играем Hush с небольшой импровизацией. Purplе всегда были джемовой группой».

«Основой Deep Purple всегда были отличные музыканты», - считает Гловер. «Был Джон с одной стороны и Ричи с другой. Мы с Гилланом пришли из поп-группы, и это было хорошо, потому что наша наивность уравновешивалась их виртуозностью. Лично для меня это было ключом к звучанию Deep Purplе. И остаётся до сих пор».

https://youtu.be/itV7pPT9qns

#историяоднойпесни
CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL Have You Ever Seen The Rain

Это одна из самых известных песен в репертуаре Creedence Clearwater Revival. Критики и меломаны долго спорили о том, чему на самом деле посвящена эта композиция, некоторые искали в ней политические подтексты, хотя на самом деле все куда проще. Давайте наконец прольем свет на содержание этого хита всех времен, а заодно вспомним и другие факты о нем.

Have You Ever Seen The Rain вошла в альбом Pendulum 1970 года, а в 1971-м была выпущена в качестве сингла. Лучший результат в хит-параде песня показала в Канаде, где возглавила чарт RPM100. В Штатах она удостоилась восьмой строчки Billboard Hot 100, а в Великобритании добралась до 36 позиции. Это восьмой сингл группы, который заслужил золотой статус.

Эта песня посвящена уходу брата Джона Фогерти, Тома, из группы и в целом тому напряжению, которое царило в коллективе, когда по-хорошему они должны были вкушать плоды своей успешной работы. К Тому обращена строчка «I want to know – have you ever seen the rain comin’ down on a sunny day?». Старший брат уходил несколько раз, потом возвращался, пока окончательно не покинул Creedence Clearwater Revival на пике коммерческого успеха в феврале 1971 года.

Би-сайдом к синглу вышла песня Hey Tonight, в которой Джон пытается убедить группу и, возможно, себя в том, что, несмотря на трудности, все будет хорошо.

По словам Джона, песня Have You Ever... с годами приобрела для него другой смысл. Представляя ее на шоу в Аризоне в 2012 году, он сказал: «Изначально эта песня была написана об очень грустном периоде моей жизни. Но я отказываюсь грустить сейчас. Теперь она напоминает о моей маленькой девочке Келси. Каждый раз, когда я пою ее, я думаю о Келси и радуге».

Фогерти говорит, что это одна из его любимых песен всех времен, хотя он написал ее сам.

Источником вдохновения при написании музыки стала группа Booker T. & MG’s, самая известная песня которых – Green Onions. Коллектив выступал на разогреве у Creedence Clearwater Revival на шоу до выхода альбома Pendulum. Джону Фогерти нравилось, как звучит орган в песнях Букера Ти Джонса, поэтому он использовал это звучание в нескольких песнях для альбома, включая Have You Ever Seen the Rain.

Басист группы Стю Кук рассказывал, что эта песня и Pagan Baby с того же альбома были отрепетированы буквально за час, а Pagan Baby еще и записана с одного дубля.

Have You Ever Seen The Rain была использована в телешоу Tour of Duty, действие которого разворачивается во Вьетнаме в годы войны. Песня также прозвучала в сериалах и фильмах: «Детектив Раш», «Сестра Джеки», «Эван Всемогущий» и других.

В 1983 году Бонни Тайлер записала кавер на эту песню для своего хитового альбома Faster Than The Speed of Night. Ее версия заняла 47 строчку в британском чарте.

В 2016 году Род Стюарт включил кавер на Have You Ever Seen the Rain в альбом Still the Same… Great Rock Classics of Our Time. Альбом стал #1 в Штатах.

Каверы также исполняли Джоан Джетт, Белинда Карлайл, Boney M, Ramones, Spin Doctors, Вилли Нельсон, Smokie.

В России ее перепевали Гарик Сукачев и «Кипелов». А Александр Кутиков благодаря Creedence получил место в "Машине Времени", всех поразив своим исполнением и тем, что знал правильные аккорды.

В СССР Have You Ever Seen the Rain была впервые выпущена в 1974 году на мини-альбоме «Стены» в исполнении ансамбля Мелодия под управлением Георгия Гараняна. Аранжировку сделал Борис Фрумкин. На конверте песня значилась под названием «Дождь».

В рамках кампании CCR50 в честь пятидесятилетия группы был выпущен клип на Have You Ever Seen The Rain. В нем снялись Джек Куэйд, Саша Фролова и Эрин Мориарти, они сыграли трех друзей детства из Монтаны, один из которых уезжает из города. Режиссером стал Лоуренс Джейкобс.

Авторы: Катерина Гафт и Classic Rock News

https://youtu.be/u1V8YRJnr4Q

#историяоднойпесни
KISS – I Was Made For Lovin’ You

Большинство поклонников рока, мягко говоря, недолюбливает диско. Однако порой известные рок-группы не боятся экспериментировать и обращаются к этому популярному жанру. Иногда такие попытки оказывались невероятно удачными. Например, в 1977 году The Rolling Stones удивили фанатов композицией Miss You, которая стала крупным международным хитом.

Спустя пару лет проторенной дорожкой пошла группа Kiss. Она выпустила диско-трек I Was Made for Lovin’ You («Я был создан, чтобы любить тебя»). Верхние строчки в чартах нескольких стран и более миллиона проданных копий пластинки доказывают, что рискнули музыканты не зря.

Ее написали Пол Стэнли, Вини Понциа и Дезмонд Чайлд.

Как гласит легенда, продюсеры требовали от участников группы придерживаться стиля, который будет лучше продаваться. На волне конфликта вспылившие музыканты заявили, что кто угодно может быстро записать коммерчески успешную диско-песню.

Стэнли поделился своей версией истории рождения I Was Made for Lovin’ You:

«Oна была написана в то время, когда я слонялся в Studio 54. Я думал: «Ничего себе, я ведь мог бы написать одну из этих песен». Казалось, все песни в Studio 54 были о «сегодняшнем вечере», поэтому я отправился домой, установил драм-машину на 126 ударов в минуту и принялся за работу.»

Чайлд также рассказывал о тех событиях:

«Пол хотел сочинить хорошую песню в стиле «диско», и я решил ему помочь. Пол начал писать слова и аккорды, а я сыграл песню на гитаре и сказал: «Хорошо, мы как-нибудь ее улучшим и сделаем по-настоящему хорошей песней.»

Это был первый опыт сотрудничества группы с поэтом-песенником Дезмондом Чайлдом. Позже он вспоминал:

«В 1979 я написал I Was Made for Lovin’ You с Полом Стэнли из Kiss. Это группа, которая не так уж часто писала с кем-то со стороны. Пол и Джин сочиняли песни вместе, затем они сочинили песни порознь, а позже они сводили эти песни воедино. Так было принято в Kiss.

Итак, Пол пригласил меня написать с ним песню, и она оказалась невероятным хитом, который по сей день приносит доход, часто исполняется и входит в сборники величайших хитов Kiss. Еще она часто используется в рекламе, кино и тому подобных вещах.

Это распахнуло двери перед карьерными возможностями, которые раньше не существовали. Группы обычно писали самостоятельно совместными усилиями, и обычно этим занимались вокалист и гитарист. Иногда они позволяли присоединиться к ним продюсеру, что могло дать продюсеру авторские права. Но группы не считали разумным или крутым приглашать извне профессионального поэта-песенника, так как они боялись, что о них могут подумать, будто они не в состоянии писать песни для себя. Почему-то было допустимо привлекать продюсера, но не стороннего автора песен.

Поэтому, когда я сделал это с KISS, перед другими группами также открылась эта возможность. Следующая группа, с которой я сотрудничал, была Bon Jovi. В первый же день, когда мы собрались вместе, мы сочинили You Give Love a Bad Name. Через пару недель мы написали Livin’ on a Prayer.»

В мае 1979 года трек выпустили вторым синглом из альбома Dynasty. На обороте пластинки была песня Hard Times.

Сингл возглавил чарты в Канаде, Нидерландах и Бельгии. К августу он стал платиновым, что произошло второй раз в истории Kiss.

Клип к песне снимали двадцатого июня 1979 года в Savannah Civic Center в городе Саванна, штат Джорджия.

Барабанщик Питер Крисс появляется в видеоклипе I Was Made for Lovin’ You, но он не участвовал в записи этой песни Kiss. В студии его подменил сессионный музыкант Антон Фиг.

В 2018 году, давая интервью журналу OK, Джин Симмонс признался, что не любит исполнять I Was Made for Lovin’ You. Особенно ему не нравится напевать: “Do, do, do, do, do, do, do, do, do”.

Эйс Фрейли также называл ее своей самой нелюбимой песней группы Kiss.

Некоторые музыкальные критики полагают, что Брюс Спрингстин использовал рифф из I Was Made for Lovin’ You в своей песне Outlaw Pete.

Можно любить или не любить
I Was Made for Lovin’, но песня стала хитом и визитной карточкой Kiss.

https://youtu.be/ZhIsAZO5gl0

#историяоднойпесни
Битва Брайана Мэя за песню "We Will Rock You".

Воспоминания гитариста Queen в свежем большом интервью журналу Guitar World:

“Мы были группой, у которой все шло довольно хорошо, у нас были отличные поклонники, и у нас была такая вещь, что люди пытались подпевать нашим песням”, - объяснил Мэй. “На самом деле нас это раздражало… Мы думали: ‘Люди, просто послушайте. Мы очень усердно работаем, так что, черт возьми, просто слушайте наши песни!’ Но их было не остановить”.

Он вспомнил особенный вечер в английском Мидленде, когда публика “пела каждое слово каждой песни, что было довольно ново и непривычно в те дни. Например, на концерте Led Zeppelin люди их внимательно слушали, я помню это... Мы тогда сошли со сцены и все посмотрели друг на друга в изумлении, потому что все это пение из зала было таким немного экстремальным. И я сказал Фредди: ‘Может быть, вместо того, чтобы бороться с этим, нам следует поощрять это? Может быть, нам следует использовать эту энергию? ’.

“Я подумал: "Что мы можем попросить аудиторию в зале сделать? Они мало что могут делать в таких условиях, разве что, топать ногами и хлопать в ладоши, но они также могут петь. И если бы они могли петь, что бы они пели? ’ И в это мгновение я услышал это в своей голове: ”Мы будем, мы будем зажигать! We Will ,We Will Rock You!"

Мэй признался, что “очень нервничал”, когда руководил процессом записи. “Я не был уверен, что это будет звучать как настоящая песня”, - сказал он. “Но как только я услышал, как Фредди поет ее, я почувствовал себя увереннее, потому что он звучал как подстрекатель толпы. Это звучало так, как будто он собирался побудить аудиторию исполнять этот материал. Все это было направлено на то, чтобы вовлечь аудиторию. Он был нацелен на живую реакцию зала. И каким-то образом это сработало ”.

Следующей задачей Брайана было убедить барабанщика Роджера Тейлора в том, что "We Will Rock You" должна открывать альбом. “У Роджера были серьезные опасения по этому поводу”, - говорит Мэй. “Он сказал: " Ни одна радиостанция никогда не будет играть это! Это не похоже на рок-песню.’ Но я боролся с таким поворотом. Как правило, я проигрывал в тех спорах, но на этот раз я выиграл. Так что эта песня стала началом альбома ”.

В сочетании с ”We Are the Champions“, ”We Will Rock You" стала хитом, который, по словам Мэй, “радикально изменил нашу жизнь. ... С этого момента мы придерживались этого решения – мы стали группой, которая поощряла участие зрителей в шоу. Да, это совсем не то, с чего мы начинали, но это стало великолепной фишкой.

“Наверное, сейчас это звучит банально, потому что каждый артист заставляет аудиторию хлопать и подпевать, но в те дни рок’н’ролл был не таким. И я думаю, что это был отличный хук. Вроде бы ничего сложного, но в те годы это был новый подход ”.

https://youtu.be/_uVb7Ju8VQk

#историяоднойпесни
27 лет назад по обе стороны Атлантики была выпущена последняя песня The Beatles "Real Love". Она была записана за год до выпуска, в феврале 1995-ого в студии Пола Маккартни в Сассексе.

«Записывать новые песни не было чем-то надуманным», – сказал позже Ринго. «Все шло вполне естественно, весело, иногда эмоционально. Но, это конец пути. Мы больше ничего не можем сделать как The Beatles».

Песня представляет из себя демо Джона Леннона, записанное в 1980, на которое Пол, Джордж и Ринго наложили свои партии инструментов. Это вторая и последняя "новая" песня, предназначенная для трёхтомной "Антологии Битлз".

С выходом "Real Love" связан небольшой скандал. Центральная британская радиостанция BBC Radio 1 исключила песню из плейлиста, тем самым немного помешав продвижению ее в чартах. Мотивация была следующая: "Это не то, что хочет слушать наша аудитория … Мы современная музыкальная станция".

Пол Маккартни отреагировал:
«Нам совершенно не нужно, чтобы наш новый сингл "Real Love" становился хитом. Наша карьера вовсе не от этого зависит. Если Radio 1 считает нужным нас запретить, это не может разрушить нас в одночасье. Нельзя установить предельный срок для хорошей музыки. Приятно осознавать то, что пока детсадовские короли Radio 1 думают, что Битлз уже слишком устарели, огромное число молодых британских групп совсем не разделяют этого мнения».

NB по прошествии времени создаётся впечатление, что Free As A Bird и Real Love – это песни группы ELO и Джеффа Линна, в которые пригласили сыграть бывших битлов. Вот что значит роль продюсера 🙂 От самих песен веет чем-то светлым и тёплым 🎵

https://youtu.be/ax7krBKzmVI

💥Лайфхак для тех, кто не знает, как работает хэштег в Телеграм. В данном случае он заменяет поисковое слово в отдельно взятом канале. Нажав на слово с решеткой (хэштэг), внизу появляется планка со стрелочками и с цифрами. Цифры показывают количество сообщений, где встречается это слово, а стрелочками вы можете переходить непосредственно по этими сообщениям. Всё просто. Именно поэтому наши постоянные рубрики названы в виде хэштегов. Для удобства их поиска. Перечислим их все. Вдруг вам захочется вернуться в прошлое 🙂

#историяоднойпесни
#удивительноерядом
#непромузыку
#шуткаюмора
#остановисьмгновенье
#простохорошаямузыка
#колонкаредактора
#песнядня

Жмите не задумываясь и вам откроется мир прекрасной музыки 🤘

#историяоднойпесни
Адриано Челентано в прощальном письме к умершему накануне певцу и композитору Тото Кутуньо рассказал, что отказался от песни «L'italiano», которая стала всемирным хитом в исполнении самого Кутуньо. Выдержки из послания публикует Corriere della Sera.

По словам Челентано, они с Кутуньо ехали в машине, и тот уговаривал исполнить песню, но певцу не понравились слова «я настоящий итальянец» (italiano vero).

«Я не спал всю ночь, — сказали вы мне, — думая об успехе, которого мы добьемся, вы как исполнитель и я как автор. <...> Песня была действительно сильной. <...> Меня сдерживала самая важная фраза: «Я настоящий итальянец». Фраза, более того, незаменимая, поскольку именно на ней основан весь фундамент этой великой работы. И услышав, как я произношу: «Я настоящий итальянец», мне показалось, что мне хочется возвыситься», — пишет 85-летний артист.

Он отметил, что Кутуньо «не мог поверить своим ушам» и пробовал убедить певца, подчеркивая, что, когда он писал музыку, то думал именно о Челентано, потому что он действительно настоящий итальянец. Челентано, хоть и признал это, заявил в ответ, что не видит себя произносящим эту фразу.

В результате Кутуньо оказался не только композитором, но и исполнителем песни, которая позднее стала его визитной карточкой. Слова к ней написал Кристиано Минеллоно. Челентано же в прощальном послании отмечает: «Не всегда, но иногда слишком большая щепетильность может превратиться во всемирную чушь».

«Хотя ты спел ее так, как спел бы и я, сегодня, если бы мне пришлось петь ее снова, я бы спел ее точно так же, как пел ты! Ты был и останешься великим и незабываемым! Я тебя люблю. Адриано», — заканчивает он свое письмо.

https://youtu.be/TYtdYslLY9I

#историяоднойпесни
В этот день 39 лет назад вышел сингл с песней, которая 13 июля 1985 года впервые за всю историю стала песней номер 1 норвежского исполнителя в американском хит-параде.

Сингл "Take On Me" трио из Норвегии A-Ha в итоге провел 27 недель в чарте горячей сотни Billboard, став одним из десяти лучших синглов по итогам 1985 года в США. В Великобритании сингл поднялся на вторую строчку национального чарта, а в Норвегии — на первую. В конечном счёте сингл занял первые места в 36 странах, став одним из самых продаваемых синглов в мире с 9 миллионами копий. Клип с "Take On Me" является одним из самых популярных музыкальных видео прошлого века в YouTube, набрав 1,7 миллиарда просмотров.

Мы вам предоставим первую версию этой песни, которая как раз отмечает сегодня своё ДР. Она немного отличается от той, к которой мы все привыкли. Всё-таки, продюсеры не зря едят свой хлеб с маслом. Неизвестно, стала бы она хитом в таком виде, если бы продюсеры не дали песне второй шанс с другой аранжировкой, а потом и третий шанс с необычным "нарисованным" видеоклипом.

https://youtu.be/liq-seNVvrM?si=cz1MtKzv8mfg52UR

#историяоднойпесни
35 лет песне «Every Rose Has Its Thorn».

24 декабря 1988 года американский хит-парад Billboard на три недели возглавила баллада глэм-метал группы Poison «Every Rose Has Its Thorn». Телеканал VH1 поставил трек на седьмое место в своем списке «25 лучших рок-баллад в истории».

Лидер коллектива Брет Майклс рассказывал, что вдохновение пришло к нему ночью, когда он ждал в прачечной в Далласе, пока досушится его одежда, и решил позвонить из телефона-автомата своей девушке. Услышав во время разговора с ней на заднем плане незнакомый мужской голос, Майклс был так огорчен, что вернувшись в прачечную тут же написал текст для песни.

«Когда мы сыграли Every Rose людям из нашего лейбла и менеджмента – они сказали нам, что эта песня положит конец нашей карьере», — говорит Майклс. «У них было такое мнение: «Эта не песня Poison. Всё начинается с акустической гитары и дальше этот ковбойский настрой – всё это довольно уныло». Как показало время, «Every Rose Has Its Thorn» стала самой популярной в карьере группы и единственной номер 1. По сей день считается ярким классическим примером песни из разряда power ballad.

https://youtu.be/gYeZJ9_Hmwg?si=Dbk4VZq-4AjRV1WB

#историяоднойпесни
Бывший солист Foreigner Лу Грэмм всё ещё обижен на гитариста Мика Джонса из-за того, что тот не внёс его в соавторы хита “I Want To Know What Love Is”.

Лу Грэмм:
«Дом Джонса находился примерно в 15 минутах от моего дома. Я приезжал к нему домой, и мы работали над этой песней. Были моменты, когда всё складывалось просто волшебным образом, но бывало и так, что мы в творческом поиске ломали голову над чем-то и не могли перейти к следующему этапу. И поэтому нам пришлось отложить эту песню на пару недель и вернуться к ней снова. Я чувствовал, что мы приложили все усилия, чтобы сделать эту песню такой, какая она есть. Мы понимали весь её потенциал. Именно поэтому так усердно трудились.

В конце работы над альбомом, когда пришло время решать, кто в процентом соотношении внёс вклад в какую песню, я записал то, что, по моему мнению, должно быть, а Мик записал то, что, по его мнению, должно быть. Касаемо песни "I Want To Know..." я записал "35/65" — 35% мой вклад, 65% – его. И я открыл маленький листок бумаги, на котором было то, что, по его мнению, правильное разделение, и там написано "95/5". Я был просто ошеломлен и подавлен, что он решил, что я почти ничего не внёс в эту песню.

Я должен был получить 25% только за вокальное исполнение этой песни. Все, о чем я мог думать, это жадность. Это была потрясающая песня. Мы все знали, что это будет настоящий успех. Это был его шанс наступить на меня. И знаете, что я сказал ему после 95/5? Я сказал: «Пять, Мик?» Я в отчаянии сказал: «Тебе следует оставить все это себе». И он так и сделал. Он не сказал: «Нет, Лу. Пожалуйста. Давай разберемся». Я сказал: «Пять процентов мне после всей кропотливой работы, которую я проделал над песней?» Я сказал: «Тебе следует оставить все это себе». И он ничего не сказал. Он просто так и оставил. И вы знаете какие миллионы собрала эта песня?!

Эта ситуация вбила клин между нами, который стал началом конца Foreigner. У нас была замечательная карьера в течении многих лет, мы были довольно близкими людьми, написали совместно много прекрасных песен. Мы с Миком были главной движущей силой и в студии и на сцене. Но после того, как произошла история с этой композицией, всё изменилось. Мы почти не разговаривали друг с другом даже на гастролях. Я знал, что он поступил со мной неправильно и нечестно. Он заработал целое состояние, а я — ничего. И я не получил никакого признания от своих коллег или кого-либо ещё. Все говорили: "Это волшебное прикосновение Мика. Смотрите, он снова это сделал с "I Want To Know What Love Is".

Если нас введут в Зал славы рок-н-ролла и мы оба окажемся на церемонии, я буду дружелюбен и сердечен, но не собираюсь делать вид, будто нашёл своего давно потерянного брата или что-то в этом роде».

Выпущенная как сингл в ноябре 1984 года, "I Want to Know What Love Is" стала единственной песней № 1 во всём впечатляющем каталоге Foreigner.

https://youtu.be/r3Pr1_v7hsw

#историяоднойпесни
BROKEN WINGS – Mr. Mister

«Broken Wings» («Сломанные крылья») — сингл американской поп-рок-группы Mr. Mister из альбома "Welcome to the Real World". Вышел 25 сентября 1985 года.

В США сингл занял первое место в чарте, а в Великобритании четвёртое, Это самая известная композиция коллектива за всю его историю. Также успеху песни сопутствовало выступление на разогреве у Тины Тернер.

Композиция была написана певцом и басистом Mr. Mister Ричардом Пейджем совместно с Джоном Лэнгом, которого на её создание вдохновила книга Халиля Джебрана Broken Wings. Строчка «Take these broken wings and learn to fly» («Возьми эти сломанные крылья и научись летать») заимствована из песни Beatles — «Blackbird», которую написал Пол Маккартни, также прочитавший роман.

По замыслу Пейджа песня должна была стать синглом, но промоутеры отказывались её раскручивать, предложив Пейджу выбрать другую композицию в качестве сингла. «Они говорили: Что ты делаешь? Ты не можешь выпустить балладу первым синглом альбома. Так не делается. Выбери песню с быстрым темпом в качестве сингла. Мы поговорили об этом в группе и решили, что всё-таки это самая лучшая песня в альбоме «Welcome to the Real World», — вспоминал Ричард Пейдж. В конечном итоге, директор лейбла RCA Records согласился с решением Пейджа и тоже посчитал её лучшей композицией, но отметил, что у лейбла были некоторые проблемы с её выпуском в качестве сингла.

На «Broken Wings» в 1985 году был снят видеоклип, режиссёром которого являлся Оли Сэссон. В видеоклипе помимо группы появляются танцующие танго мужчина и женщина. Они показаны только ниже пояса. Их лиц мы не видим.

Песня осталась в истории поп-музыки, как один из символов 80-х годов – и эстетически, и музыкально. Её часто можно услышать на радиостанциях "для взрослой аудитории". И, конечно, "Broken Wings" частый гость в сборниках типа Romantic Collection или Power Ballads.

https://youtu.be/nKhN1t_7PEY?si=V-T1eG2CSjpHlELV