Французский живописец Клод Моне был увлечённым садоводом. Правда, сажал он не картошку и не огурцы. Художник отдавал предпочтение цветам.

Моне жил в 80 километрах от Парижа в деревушке под названием Живерни. Здесь он владел примерно гектаром земли, прилегающим к его дому. Как только Моне поселился в деревне, он первым же делом вырубил существующую там аллею ёлок и кипарисов: они казались художнику слишком мрачными. Вместо них он высадил плетистые розы. И уже через несколько лет вместо тёмной подъездной аллеи к дому вёл тоннель из роз.

Участок перед домом, который было видно из окон, художник превратил в самую настоящую цветочную композицию, создав сложный орнамент из клумб.

Дни Моне проводил в своём саду, а по вечерам читал книги и журналы о садоводстве. Он также вёл оживлённую переписку с питомниками, делился с другими садоводами своим опытом, семенами и саженцами.

В 1883 году Моне решил расширить свой сад и купил болотистый участок, который располагался по соседству. Здесь художник первым делом создал пруд (не без помощи профессионалов, разумеется). В пруд он высадил нимфеи разных сортов, а берег засадил самыми разными деревьями. Эти деревья росли настолько плотно, что попасть в «водный» сад Моне можно было только по тоннелю, проложенному под дорогой.

Через ручей и пруд, находившиеся в потайном саду, Моне проложил сразу несколько мостов. Самым красивым и самым знаменитым из них был увитый глицинией мост в японском стиле.

Художник невероятно любил этот сад и постоянно в него заглядывал. Иногда – чтобы подумать о жизни, а иногда чтобы поработать. На многих его известных картинах можно увидеть уголки любимого сада.

Моне, в отличие от многих своих коллег по цеху, прожил долгую и счастливую жизнь. У него была любимая работа и любимое хобби, благодаря которому сегодня мы знаем его не только как великого художника, но и как самого настоящего мастера ландшафтного дизайна.

#Хобби
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Итальянский художник Марио Мерц черпал вдохновение из необычных вещей.

В 1967 году он объединился с другими художниками в группу под названием Arte Povera (бедное искусство), которая со временем выросла в самое настоящее художественное течение. Главной тематикой группы был антиэлитаризм. Члены «Арте поверы» создавали свои произведения искусства из бросовых и общедоступных материалов. Это выставлялось как полномасштабный протест против индустриализации и потребительского капитализма.

В частности, Мерц нашёл свой фирменный мотив в иглу – аутентичном жилище эскимосов. Он создавал свои иглу из арматурной сетки и обтягивал их кожей, газетами, глиной, воском, грязью, стеклом – то есть всем, что попадалось художнику под руку. Такие иглу символизировали тяжёлый быт кочевников в условиях резких культурных перемен.

Зачастую Мерц выкладывал из неона фразы с политическим или литературным контекстом. Один из самых известных примеров – это иглу Гиапа, в котором была выложена фраза вьетнамского генерала Ву Нгуена Гиапа:

«Если враг собирает силы, он теряет землю; если он рассеивается, он теряет силу».

Таким образом художник на примере иглу показал противоречивость этой фразы, ведь кочевники всегда находятся в движении, а иглу остаются неизменными.

Довольно часто Мерц использовал для своих иглу материалы из тех мест, где проходили его выставки. Так, в Австралии он построил иглу из листьев эвкалипта.

Есть легенда, что в свободное от работы время художник увлекался сбором миниатюрных моделей кораблей и самолётов из подручных материалов. Это помогало ему в работе, ведь таким образом он мог открывать для себя новые материалы для своих любимых иглу, а заодно и прослеживать, как разные материалы сочетаются друг с другом.

Со временем иглу становились всё сложнее и сложнее. Например, одна из поздних работ Мерца для музея Гуггенхайма – это трёхчастное иглу. Верхний слой был выполнен из стекла и открывал миру два иглу поменьше – одно из дерева, а второе из каучука. Сам Мерц считал, что его иглу воплощают одновременно красоту и насилие.

Работа выставлялась на выставке «Арте повера»

#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

В 1960-х годах знаменитый каталонский художник Сальвадор Дали часто гулял по Фигейросу вместе со своим домашним оцелотом по кличке Бабу.

Однажды, когда Дали пришёл с оцелотом в ресторан, посетительница, сидевшая за соседним столиком, высказала сомнения – насколько это безопасно ходить в ресторан с диким животным. Дали не моргнув глазом ответил, что это обычная домашняя кошка, которую он покрасил.

В 1969 в СМИ была растиражирована фотография, на которой художник выходит из парижского метро с поводком в руке. Но вот держит он на поводке не собаку и даже не оцелота, а самого настоящего гигантского муравьеда, которые обитают в Центральной и Южной Америке, а никак не в Европе. Пресса сразу же раструбила на весь город, что Сальвадор Дали завёл себе новое экзотическое животное.

Чуть позже выяснилось, что журналисты стали жертвами розыгрыша. Дали не заводил муравьеда, он всего лишь одолжил его у Парижского зоопарка для фотосессии.

Есть две версии, почему Сальвадор Дали решил погулять с муравьедом.

Согласно первой версии, Дали попросту любил розыгрыши и это был один из них. К тому же быть в центре внимания – это хороший пиар.

Вторая версия куда более интересная. Друг Дали и основатель сюрреализма Андре Бретон имел ласковое прозвище Муравьед. У него даже было стихотворение, которое называлось «После гигантского муравьеда». Вполне вероятно, что таким образом Дали отдал некую дань уважения своему коллеге по цеху.

Чуть позже, в 1971 году, Сальвадор Дали пришёл вместе с муравьедом на американское ток-шоу «Шоу Дика Каветта». Когда у Дали спросили, чем же ему так нравятся муравьеды, художник немного задумался и ответил, что они напоминают ему ангелочков.

#Хобби
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Русский живописец Ефим Михайлович Чепцов родился в деревне Медвенки Курской губернии, но известность получил благодаря своим совершенно невероятным итальянским пейзажам.

Отец Чепцова был иконописцем, Ефим с детства ему помогал и, конечно же, пошёл по стопам отца. Он обучался мастерству сначала в рисовальной школе при Киево-Печерской лавре, затем – в мастерской Марии Тенишевой. Потом с отличием окончил Петербургскую академию художеств и в качестве признания его таланта получил право на зарубежную командировку.

Это был не первый выезд Чепцова за границу. Ещё до своего обучения в Академии он в составе группы учеников под руководством профессора Преображенского ездил во Флоренцию и помогал там расписывать православную церковь.

Зарубежная работа Чепцова началась в Париже, продолжилась на острове Капри (кстати, там он познакомился с Максимом Горьким).

В Италии Чепцов работал над простыми жанровыми сюжетами. Это были пейзажи и сцены из повседневной жизни. Современники считали такие картины не слишком ценными, потому что в них не было никакой Мысли (именно так, с большой буквы). Зато был яркий колорит, были персонажи, не похожие на театральных актёров в застывших позах.

В 1914 году художник вернулся в Россию. Он поселился в Петербурге, но каждое лето неизменно приезжал в родную Медвенку, чтобы работать над своими этюдами и зарисовками. Уже в Советском Союзе он стал признанным мастером в жанрах пейзажа и бытовой картины.

В очаровании его картин не было никакого секрета. Ведь даже работая в Италии и рисуя итальянские пейзажи и жителей небольших городов, он ни на секунду не забывал свою родину и вовсю пользовался советом Репина: «Не пишите Италию, пишите Курскую губернию». И Чепцов смог найти эту самую Курскую губернию в Италии.

Сегодня работы художника хранятся в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, региональных музеях и частных собраниях.

В посте изображена картина Ефима Михайловича Чепцова «Итальянский мотив». На данный момент картина хранится в Курской картинной галерее им. А.А. Дейнеки.

#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

У Аполлинария Васнецова, вдохновенного «певца старой Москвы», помимо живописи была ещё одна страсть — создание мебели. Бум интереса к народному декоративно-прикладному искусству породила Всероссийская художественно-промышленная выставка, устроенная в Москве в 1882 году. Большую часть экспонатов отдела кустарных промыслов по окончании выставки приобрёл известный меценат Сергей Тимофеевич Морозов. Через несколько лет они стали основой созданного им Музея кустарных изделий. Другой меценат из обширного рода мамонтовых, Савва Иванович, пошёл ещё дальше, собрав у себя в подмосковном имении Абрамцево сообщество единомышленников — художников, артистов, музыкантов и писателей, членами которого стали и братья Васнецовы.

Младшего, разумеется, привёл старший, Виктор. И для не получившего систематического художественного образования Аполлинария Абрамцево превратилось в настоящую «академию», поскольку, по его собственным словам, «Абрамцевская среда художников, около которой я рос и развивался, пестрела звездами первой величины. Здесь не только занимались живописью, но устраивали концерты и любительские спектакли, и даже вечерние чтения вслух литературных новинок».

Члены Абрамцевского кружка с увлечением занимались изучением традиций народного творчества, собирали его образцы, черпая в них вдохновение для собственного творчества. По их эскизам выполнялись столы и кресла, буфеты и комоды, стулья и полочки, становившиеся не только музейными экспонатами, но и элементами обстановки жилищ самих художников. В Абрамцево работала столярно-резчицкая мастерская, где по эскизам производили не единственные, а вполне тиражные предметы.

В 1903 году семья Аполлинария Михайловича въехала в пятикомнатную квартиру в новом доходном доме за номером 6 по Фурманному переулку. Вся мебель в ней, начиная от вешалки в прихожей и заканчивая массивным, стилизованным под седую старину письменным столом с затейливой резьбой, была изготовлена либо по его эскизам, либо по наброскам его друзей по Абрамцевскому кружку. Он не только рисовал эскизы, но и сам брался за столярный инструмент. Изготовление мебели для него было делом не только творческим, но и душевным: Васнецов полагал, что на человека огромное влияние оказывает среда, в которой он живёт, все, что его окружает, — архитектура, гармоничные интерьеры, а значит, и предметы мебели тоже.

При Музее кустарных изделий Сергея Морозова тоже работала мастерская. В ней по эскизам Аполлинария Михайловича был выполнен удивительной красоты гарнитур, главным украшением которого был терем-буфет со стеклянными витражными дверцами, украшенными изображениями сказочных птиц — сирина и алконоста. Фотография гарнитур была напечатана в

Буфет в «неорусском» стиле по эскизу А. Васнецова. Мастерская Кустарного музея. Находится в музее-квартире Апполинария Васнецова.


#Не_только_полотна
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд