Про Филонова говорили разное: гений, сумасшедший, гипнотизёр. Возможно, слухи о том, что Филонов гипнотизёр, возникли не на пустом месте. Доподлинно неизвестно, обладал художник экстрасенсорными способностями или нет, но вот зрение у него действительно было феноменальным. Филонов мог, например, достаточно долго не мигая смотреть на солнце. И глаза у него были совершенно удивительного цвета — вишнёвого.

Ознакомиться с произведениями Павла Филонова можно на виртуальном портале Русского музея.

#Этюды
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Слово Pantone известно во всем мире. Палитра цветов, разработанная этой компанией, — настольная книга дизайнеров, модельеров, полиграфистов и текстильщиков. Но и люди, далёкие от мира моды и дизайна, прекрасно знают, что такое «эталонные цвета по версии Pantone».

А начиналась история сегодняшнего законодателя модных цветовых трендов с маленькой семейной типографии, которую в середине ХХ века основали в Нью-Джерси братья Мервин и Джесси Левайны.

Компания M&J Levine Advertising выполняла полиграфические заказы, а ещё производила цветные пигменты для лёгкой промышленности.

И всё вроде бы шло хорошо, но время от времени у главного химика компании Лоуренса Герберта возникали проблемы с клиентами. Их ожидания относительно того или иного цвета не совпадали с результатом. Да и не могли совпасть! Ведь у каждого человека свои представления о том, каким должен быть, например, «серо-буро-малиновый» цвет. Они зависят от очень многих факторов, начиная от жизненного опыта и заканчивая настроением.

И тогда Герберт решил раз и навсегда покончить с цветовой путаницей, создав палитру с пронумерованными образцами цветов. Cначала это были обычные карточки. Первый каталог Ларри Герберт выпустил в 1962 году, когда выкупил у братьев Левайнов типографию и переименовал её в Pantone.

В первой палитре от Pantone было около 40 цветов. Сегодня каталог «повелителей цвета» состоит из шести библиотек, разработанных для применения в различных отраслях и при различных условиях. Есть своя система цвета для полиграфии, для текстиля, для пластика и другие.

В общей сложности все библиотеки Pantone содержат 3026 смесевых цветов. Каждому цвету присвоен не только идентификационный номер и специальный код, но и оригинальное название. Например, «Цвет яиц странствующего дрозда» (#1FCECB), «Лягушка в обмороке» (#7B917B), «Влюбленная жаба» (#3CAA3C), «Цвет блошиного брюшка» (#4E1609).

Лоуренс Герберт однажды пошутил:

Бог создал мир за семь дней. А на восьмой он попросил Pantone сделать его цветным.

На наш взгляд, мир по версии Pantone получился очень красивым.

#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Анри Руссо по прозвищу «Таможенник» никогда не получал художественного образования. А работал он налоговым инспектором в акцизном управлении Парижа, отсюда и прозвище.

Поскольку никаких основ живописи Руссо не знал, ему приходилось придумывать свои собственные приёмы. Благодаря этому новаторству, кстати, он и приобрёл известность. Особенно завораживали его пейзажи далёких джунглей с экзотической фауной и разнообразной флорой. Однако если внимательно изучить джунгли Руссо, можно заметить, что с флорой что-то не так, да и фауна какая-то странная. Творческая ли это адаптация или нехватка мастерства у художника-самоучки? Ответ гораздо проще: Анри Руссо никогда не был в джунглях и не видел диких зверей. В основном он вдохновлялся рассказами о путешествиях по Индии матери его приятеля художника Роберта Делоне. А ещё Руссо часто бывал в зоопарке и Ботаническом саду Парижа, поэтому большая часть растений на его картинах — это увеличенные и немного изменённые копии тех растений, что можно встретить во Франции.

Взять, например, картину «Проголодавшийся лев». Она была выставлена в Осенней галерее в Париже и сопровождалась надписью: «Проголодавшийся лев набрасывается на антилопу и пожирает её; пантера с нетерпением ждёт, когда и ей перепадёт лакомый кусочек. Стервятники вырвали кусок плоти из несчастного животного, проливающего слёзы! Солнце заходит». Все хорошо, вот только лев, несмотря на своё почетное звание «Короля джунглей», в джунглях совсем не живет.

Тем не менее, невзирая на отсутствие художественного образования и опыта реальных путешествий, Руссо стал самым настоящим новатором, который предвосхитил своим творчеством сюрреализм и абстракционизм! Он принёс в Париж джунгли и диких зверей лишь благодаря своей бурной фантазии и своему собственному уникальному стилю.

Произведение находится в Фонде Бейелера.

#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Самым важным инструментом для любого художника, несомненно, является кисть. При этом совершенно не важно, к какой эпохе относится художник.

Считается, что первые кисти появились в Древнем Китае, но не для живописи, а для написания иероглифов. Это правда лишь отчасти. Использовать пучки шерсти и перьев для рисования люди научились гораздо раньше, ещё в позднем палеолите.

Многие исследователи склоняются к тому, что древние люди верили в успешность предстоящей охоты, если животное нарисовано реалистично. А пальцами, похоже, выходило не слишком реалистично, поэтому они начали изготавливать кисти. В полую кость с одной стороны заливалась смесь охры и растопленного жира, с другой прикреплялся пучок. Таким образом пучок постоянно подпитывался краской и можно было творить.

Древние египтяне тоже активно пользовались кисточками. Для росписи своих дворцов, храмов и гробниц они брали пучки, связанные из волокна и веток. С одной стороны, получалась твердая ручка, а с другой — некое подобие кисти.

Кстати, профессия мастера по изготовлению кистей появилась только в XVIII веке. До этого художники были вынуждены делать себе кисти самостоятельно или заказывать их у какого-нибудь умельца.

В это же время случилась настоящая революция в изготовлении кистей. Была изобретена металлическая обойма — часть, скрепляющая саму кисть с рукояткой. До этого кисти были преимущественно круглыми, а теперь можно было заказать себе кисточку любых форм и размеров. Новые плоские кисти позволили намного точнее проводить линии и наносить мазки.

Ещё одна важная часть кисти — это материал, из которого она изготовлена. От него зависит твердость или мягкость. Чаще всего бралась щетина обычной свиньи, но если на картине нужны были какие-то мелкие детали, то лучше всего подходил куний волос.

На самом деле за всю свою историю человечество перепробовало для создания кисточек шерсть практически всех животных, а к ХХ веку добралось до синтетики. Синтетические кисти, конечно, прочнее и долговечнее, но соболей и белок они заменить так и не смогли.

#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Иногда даже великие мастера сознательно делают подделки. Но не ради выгоды, а чтобы доказать свое профессиональное мастерство.

Существует две версии, почему Микеланджело создал мраморную скульптуру «Спящий купидон», которая выглядела так, будто она пришла прямиком из Античности. По одной из версий, он получил на это заказ, чтобы обладатель потом мог продать скульптуру подороже. По другой версии, Микеланджело хотел посоперничать с мастерами Античности.

Кому предназначалась скульптура, тоже доподлинно неизвестно. Согласно одной версии, она предназначалась для Лоренцо ди Пьерфранческо де Медичи, и, по словам Джорджо Вазари, искусствоведа и автора «Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих», Пьерфранческо лично посоветовал Микеланджело закопать купидона на некоторое время, чтобы придать ему античный вид.

По другой же версии, которой придерживался итальянский ученый-гуманист Паоло Джовио, Микеланджело продал свою скульптуру самостоятельно торговцу антиквариатом Бальдассаре дель Миланзе. Тот перепродал её кардиналу Рафаэлю Риарио, который уже и заподозрил подвох.

Кардинал был настолько впечатлён «Спящим купидоном», что решил не устраивать скандал, а пригласить молодого Микеланджело в Рим. Впрочем, это не помешало ему вернуть купидона торговцу и получить деньги назад.

Считается, что Микеланджело тоже хотел выкупить скульптуру обратно, но Бальдассаре дель Миланзе отказался её отдавать.

Позднее купидон оказался у макграфини Мантуанской Изабеллы д’Эсте, а после разграбления Мантуи попал в руки Карла I и был вывезен в его резиденцию в Лондоне, где благополучно сгорел во время пожара в 1698 году.

По итогу в выигрыше остался лишь Микеланджело, который смог не только заработать денег, но и доказать себе, что он ничуть не хуже античных мастеров. По крайней мере, в глазах торговцев антиквариатом.

На фото изображена бронзовая статуя спящего Купидона (III-II век до н.э.), которой мог вдодхновиться Микеланджело. Статуя хранится в Метрополитан Музее в Нью Йорке.

#Факт_о_контрафакте
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Семен Кожин: «Творческий кризис — то же банкротство, из которого нужно выбраться»

Национальная платформа ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданная при поддержке Президентского фонда культурных инициатив, продолжает беседовать с ведущими представителями отечественного арт-рынка.

Своим видением того, как выстраивается работа с российскими и зарубежными галереями, умении составлять бизнес-план и выходить из тупика, поделился рос­сий­ский ху­дожник, член Меж­дународ­ного худо­же­ственного фонда Семён Кожин.

Полотна Кожина хранятся во многих частных собраниях по всему миру, в крупнейших российских компаниях и музеях разных стран. А картина «Берёзки» даже попала в собрание королевы Елизаветы II.

Сегодня, если ты не хочешь «писать в стол», нужно учиться составлять бизнес-планы, просчитывать риски, продумывать стратегию переговоров с музейщиками, меценатами, спонсорами. Это очень важно. Многим трудно преодолеть психологический барьер

— отмечает художник.

Подробнее читайте по ссылке.

#Отпервоголица
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Иногда вдохновение приходит к художнику в самое неожиданное время, и он начинает заниматься вещами, которыми до этого никогда в жизни не занимался.

Так, всепоглощающее увлечение великого русского живописца Михаила Врубеля керамикой началось с печального события — со смерти его друга Андрея Мамонтова. Врубель тогда отправился в Абрамцево, чтобы проститься с товарищем, в итоге там и остался.
Изначально он просто переносил свои рисунки на майолику, затем занялся изготовлением панно, а позже пришел и к печным изразцам. Кстати, вскоре после переезда Врубель хвастался своей сестре Анне, что уже руководит «заводом изразцовых и терракотовых декораций».

Сюжеты для своих произведений Врубель находил в эпосе, мифах и легендах, литературе и театре. Отличительной особенностью его керамики в стиле модерн была яркость цветов и реалистичность персонажей.

Самой известной керамической работой Врубеля стало большое панно в технике майолики «Принцесса Грёза» — авторская копия монументального полотна, написанного для Всероссийской художественно-промышленной выставки в Нижнем Новгороде. На его создание художника вдохновила пьеса французского драматурга Эдмона Ростана. Эта майолика и сегодня украшает главный фасад гостиницы «Метрополь».

Первые печные изразцы «кисти» Врубеля украсили камин в Абрамцево. Камин получился настолько красивым, что Савва Мамонтов, который весьма скептически относился к переезду Врубеля в Абрамцево и его новым увлечениям, заказал изразцы для еще одного камина.

Работа вышла просто невероятная, художник окрестил её «Микула Селянинович и Вольга». Два былинных героя будто бы встречаются прямо на камине. Богатырь выглядит яростно и надменно, а пахарь же спокоен, словно скала.

В дальнейшем копии этой мозаики делали и для других каминов. Изготавливал их как сам Михаил Врубель, так и другие художники-керамисты из абрамцевской мастерской.

Камин «Микула Селянинович и Вольга» находится в собрании Третьяковской галереи.

#Хобби
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Именно так воспринимал Николая Ге Лев Николаевич Толстой, считая его «одним из самых великих художников, не то что России, но всего мира». Над «Евангельским циклом» Ге работал в течение десяти лет, до самой свей кончины в 1894 году. Он сознательно пошел на нарушение существовавших тогда канонов изображения Христа как красивого, сильного, гармоничного человека, чтобы потрясти пресыщенную публику зрелищем страданий Спасителя. В 1879 году Ге создал картину «Милосердие» («Не Христос ли это?»): измученный, погруженный в мрачные думы путник проходит мимо прекрасной девушки в светлом платье, глядящей ему вслед с немым вопросом во взоре. В следующем году полотно было представлено на выставке Товарищества передвижников. Ни критике, ни публике картина не понравилась – слишком сильна была привычка видеть Сына Божьего в свете силы и мудрости, а здесь Он предстал обычным человеком в состоянии разочарования, граничащим с холодным отчаянием.

Тяжело переживая свое поражение, Николай Николаевич решил использовать холст повторно. «Милосердие» осталось только на фотографии, сделанной во время выставки. Поверх него в 1890 году написано одно из самых известных и самых скандальных полотен художника – «Что есть истина?» («Суд Пилата»). У стены в таинственном полумраке стоит тщедушный, изможденный человек, не желающий склониться перед блеском и величием своего собеседника, задающего вопрос, на который ему ничей ответ не нужен. Однако судьба распорядилась так, что Христос «Милосердия» не исчез бесследно – чуть выше головы прокуратора отчетливо проступают очертания записанного лика.

В том же году Николай Ге отдал картину на очередную выставку передвижников. Публика была шокирована, критика возмущена, даже собратья-художники не поддержали живописца. Наконец вмешался Священный Синод и по его распоряжению полотно из экспозиции убрали. Лев Толстой, многие годы друживший с Николаем Николаевичем, успел увидеть картину, и буквально на следующий день написал Павлу Михайловичу Третьякову, с которым его тоже связывали дружеские отношения, выразив недоумение, почему тот не приобрел полотно, в глазах писателя ставшее «эпохой в христианском искусстве».

В Третьяков ответил, что картину не понял, хотя признает, что в ней, как и во в сем, что делает Ге, виден недюжинный талант. Работы художника уже были в галерее – к примеру, «В Гефсиманском саду», тоже не принятая публикой и приобретенная лишь через 20 лет после создания. С новым творением Ге ситуация была куда серьезней. Запрет Синода ставил его «вне закона» и, будучи выставленным в галерее, могло навлечь и на сам музей, и на его владельца серьезные неприятности, вплоть до постоянного надзора как за покупкой новых картин, так и за самой экспозицией. Этого Павел Михайлович допустить не мог. На его средства полотно было показано в Европе и Америке, но и там не нашло признания.

Но Лев Николаевич не оставил надежд убедить Третьякова приобрести произведение. Хотя Павел Михайлович не изменил своего отношения к картине, его семейству и друзьям оно тоже было не по душе. Он даже специально расспрашивал служителей о том, как реагируют на нее посетители и ничего утешительного в ответ не слышал. Тех, кто принял послание Ге, оказалось общим счетом пять человек. При этом другие его работы, выставленные в галерее, у многих находили отклик.

Когда художника не стало, Толстой писал Третьякову:

Ге же главная сила в искренности, значительном и самом ясном, доступном всем содержании. Говорят, что его техника слаба, но это неправда. В содержательной картине всегда техника кажется плохой, для тех особенно, которые не понимают содержания. А с Ге это постоянно происходило. Рядовая публика требует Христа иконы, на которую ей бы молиться, а он дает ей Христа живого человека, и происходит разочарование и неудовлетворение, вроде того, как если бы человек готовился бы выпить вина, а ему влили в рот воды, человек с отвращением выплюнет воду, хотя вода здоровее и лучше вина.

Произведение «Что есть истина?» хранится в Третьяковской галерее.

#Прочтение_живописи
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Год назад национальный проект ARTISTS/ХУДОЖНИКИ получил поддержку Президентского фонда культурных инициатив.

За это время была проделана масштабная работа по созданию уникальной цифровой платформы, связывающей арт-институции, художественные образовательные учреждения, сообщества художников, галереи, кураторов, коллекционеров, ценителей и любителей искусства. На данный момент платформа осуществляет работу в тестовом режиме.

И совсем скоро состоится её официальная презентация – будет положено начало принципиально новому этапу развития национальной сферы изобразительного искусства.

ARTISTS/ХУДОЖНИКИ станет первым в России современным инфраструктурным решением для сферы изобразительного искусства, открывающим перед художниками лёгкий и понятный доступ к новым возможностям для популяризации, монетизации и грамотной защиты своего творчества, поиска партнёров, обмена опытом и общения.

Уже сегодня проект объединил вокруг себя большое число единомышленников из более чем 40 регионов России. Москва, Санкт-Петербург, Екатеринбург, Краснодар, Новосибирск, Саратов, Чебоксары, Уфа, Астрахань, Донецк, Магадан, Липецк, Тамбов, Ялта – это лишь самая малая часть городов, где живут и работают художники – участники проекта.

В Экспертный совет ARTISTS/ХУДОЖНИКИ вошло 28 признанных деятелей искусства и культуры, лидеров креативных индустрий и сферы интеллектуальной собственности.

Заключено шесть соглашений о партнёрстве с крупнейшими профильными институциями.

Каждый из участников, экспертов и партнёров вносит значительный вклад в развитие проекта, делая его не просто актуальным, но способным ответить на самые важные запросы и ожидания творческого сообщества.

И это только начало!

Сегодня у всех желающих есть возможность стать частью национального проекта ARTISTS/ХУДОЖНИКИ и заявить о себе, познакомить со своим творчеством профессиональное сообщество, ценителей и любителей искусства, найти партнёров и новые возможности для развития.

Присоединяйтесь к ARTISTS/ХУДОЖНИКИ! Вдохновляйте и вдохновляйтесь вместе с нами!

#ЖизньArtists
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Русский художник Илья Ефимович Репин всем сердцем и всей душой не принял импрессионизм. Больше всего от Репина доставалось одному из основателей импрессионизма французскому живописцу Клоду Моне. Репин критиковал его за помешательство на фиолетовом и за «лиловенькие бессмысленные тоники».

Клод Моне. Сирень на солнце. Холст, масло. Из коллекции ГМИИ имени А. С. Пушкина.

#Этюды
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Самый первый рецепт производства белил, который сохранила для нас история, относится к I в. н.э. Нужно было положить тонкие листы свинца на таз с уксусом и дождаться окисления металла, после чего соскоблить слой карбоната свинца, растереть его в порошок, налепить из этой «муки» тонкие лепёшки и высушить их под солнцем.

Эти заготовки белой краски было удобно хранить и перевозить, чем и занимались мастера с острова Родос, экспортируя свои самые лучшие в мире свинцовые белила во многие страны тогдашнего мира. Правда, они не сообщали своим клиентам, что эта белая краска не только великолепна, но и ядовита.

Рецепт производства свинцовых белил не менялся столетиями. Разве что в тех странах, где солнца было значительно меньше, чем на острове Родос, придумывали альтернативные способы нагревания заготовок.

В Голландии, например, глиняные горшки с уксусом и свинцовой стружкой закапывали в свежий лошадиный навоз. При перегнивании навоз выделял тепло и углекислый газ, всё это вместе превращало металлический свинец в основную углекислую соль. Обычно для такого превращения требовалось месяца три и отдельная плотно запертая комната, из которой наружу не просачивались бы тошнотворные запахи.

В России было своё производство свинцовых белил – в городе Кашин Тверской губернии. Кашинские белила считались самыми лучшими, их закупали все иконописные и художественные мастерские. А глиняные горшки (ступки) для производства белил в 1799 году по разрешению Екатерины II были изображены на гербе Кашина.

Свинцовые белила не были безальтернативной белой краской. Существовали белила на основе мела, гипса и алебастра. Но живописцы предпочитали свинцовые – только они давали нужный объём и свет.

Однако, от свинцовых белил все же начали отказываться. Потому что помимо своей ядовитости они обладали и другим более существенным недостатком – чернели со временем. Правда, процесс этот был настолько долгим, что большинство живописцев не заставало гибели своих картин.

В конце XVIII века на смену свинцовым белилам пришли цинковые, а потом и титановые.

#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Ратный образ: от средневековых икон до современных полотен

Национальная платформа «ARTISTS/ХУДОЖНИКИ», созданная при поддержке Президентского фонда культурных инициатив, проанализировала, как художники разных эпох видели образ защитников Отечества. Творцы интерпретировали его, отражая дух времени и национальные идеалы. Мы рассмотрели ключевые работы, которые формировали представление о мужестве и патриотизме, а также то, как они влияли на общественное сознание.

Читайте материал здесь.

#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Сегодня свой день рождения празднует арт-директор, куратор, основатель творческой платформы «Сабстанция» и член Экспертного совета национального проекта «ARTISTS/ ХУДОЖНИКИ» Сабина Чагина.

Команда «ARTISTS/ХУДОЖНИКИ» присоединяется ко всем поздравлениям и добрым пожеланиям, которые сегодня звучат в её честь.

Пусть наступивший новый этап жизни ознаменуется успешной реализацией самых амбициозных проектов и инициатив, станет по-настоящему удачным и во всём благополучным!

Художники собираются в ТАСС

27 февраля, в четверг, в пресс-центре ТАСС пройдёт официальная презентация национальной платформы «ARTISTS/ХУДОЖНИКИ».

Проект призван стать универсальным цифровым пространством для беспрепятственного взаимодействия всех без исключения участников сферы изобразительного искусства России: художников, галеристов, кураторов, преподавателей художественных образовательных учреждений, представителей различных арт-институций, меценатов и коллекционеров, ценителей и любителей искусства.

«ARTISTS/ХУДОЖНИКИ» предоставит художникам свободный доступ к современным технологичным инструментам для популяризации, монетизации и надёжной защиты их творческого продукта, создания коллабораций, обмена опытом и общения.

Проект получил поддержку Президентского фонда культурных инициатив.

Партнёрами «ARTISTS/ХУДОЖНИКИ» уже являются Федерация креативных индустрий, Творческий союз художников России, арт-кластер «Таврида», Ассоциация Правообладателей по защите и управлению авторскими правами в сфере искусства (УПРАВИС), Национальный открытый чемпионат творческих компетенций ArtMasters, Союз художников России.

Совместно с медиахолдингом МАЕР и арт-блогом «Артнаграда» готовится важная инициатива для творцов.

Платформа уже объединила на своей площадке художников из более чем 40 регионов России. И это только начало!

О важности всесторонней поддержки сферы изобразительного искусства, новой роли художника в современной России, его влиянии на социально-экономическое развитие страны, а также передовых решениях для творцов на презентации расскажут:

- Александр Журавский, замначальника Управления Президента РФ по общественным проектам;
- Роман Карманов, генеральный директор Президентского фонда культурных инициатив;
- Елизавета Фролова, сооснователь ярмарки Art Russia, куратор ярмарки, искусствовед;
- Константин Худяков, президент Творческого союза художников России;
- Валерия Брусникина, руководитель проекта «ARTISTS/ХУДОЖНИКИ»;
- Вероника Коржевская, арт-директор платформы «ARTISTS/ХУДОЖНИКИ» .

Если творчество является неотъемлемой частью вашей жизни и вам важно внести свой вклад в развитие национального изобразительного искусства, приглашаем вас присоединиться к презентации «ARTISTS/ХУДОЖНИКИ».

Трансляция начнётся 27 февраля в 13:00 по ссылке.

#Жизнь_ARTISTS
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд