Если художник ставит во главу угла деньги, то он не совсем художник,

— отмечает яркий представитель современной стрит-арт-культуры Дмитрий Аске в разговоре с арт-директором и вдохновителем платформы ARTISTS/ХУДОЖНИКИ Вероникой Коржевской.

Дмитрий специализируется на масштабных росписях, панно и скульптурах: его работы можно увидеть в Москве, Туле, Нижнем Новгороде и даже Владивостоке. Художник также участвовал в групповых выставках за рубежом, например в Мексике и США.

Интервью Вероники Коржевской с Дмитрием Аске получилось многоплановым. Творцы поговорили о роли художника в современном мире, значимости авторского права, поддержке представителей творческих профессий со стороны государства и многом другом.
Смотрите интервью по ссылке.


#События
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Каждый день ровно в 12 часов, когда в Петропавловской крепости ударяла пушка, на крышу дома, где жил Архип Куинджи, слетались тысячи птиц со всего Санкт-Петербурга. Голуби, вороны, галки, воробьи без всякой опаски брали корм из рук художника, садились ему на плечи.

Ежемесячно Куинджи закупал для своей птичьей столовой 60 французских булок, 6 кулей овса и 10 кг мяса для ворон. При этом на самих себя Архип Иванович и его жена Вера Леонтьевна Кетчерджи тратили всего лишь 50 копеек в день.

Архипа Куинджи называли «волшебником света» и считали непревзойденным мастером пейзажей. А сам себя он называл «птичьим избранником» и уверял, что птицы питают к нему особую любовь и понимают его речь.

Но художник не только беседовал с птицами и кормил их, он еще лечил больных и раненых. Если было необходимо – забирал домой и выхаживал. Однажды ему пришлось прооперировать голубя, у которого возникли проблемы с горлом – художник сделал ему трахеотомию, чем, к слову говоря, очень гордился. Был у «птичьего доктора» и опыт лечения бабочки: он заклеил ей порванное крыло рыбьим клеем.

Можно ли назвать увлечение Архипа Куинджи птицами простым хобби? Нет, конечно. Это был, скорее, его образ жизни. Дорога, которую он выбрал для себя еще в раннем детстве. Художник говорил: «С детства привык, что я сильнее и помогать должен». И он действительно помогал: защищал слабых от обидчиков, спасал котят и щенков от мальчишек-хулиганов.

Картины приносили Куинджи хороший доход. Однако большую часть средств он тратил на благотворительность. Безвозмездно давал деньги друзьям, студентам, коллегам по цеху, вовсе незнакомым людям. Никогда никому не отказывал.

Но птицы были самой большой его любовью. Вера Леонтьевна подтрунивала над мужем, говорила, что его легко выманить из дома, сказав, что на улице лежит больная ворона.

Говорят, что, когда Куинджи хоронили, к его дому слетелись все птицы Петербурга и кружили, осиротевшие, над крышей.


#Нехудожественные_увлечения
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Молодым российским художникам всегда есть чему поучиться у старшего поколения. Примером деятельного служения искусству для многих стал Константин Худяков – президент Творческого союза художников России.

Он начинал карьеру в Центральном музее В.И. Ленина, а в конце 1980-х создал одну из первых частных галерей в России – ныне Центр современного искусства М`АРС.

Что представляет из себя искусство России в XXI веке? Что привносят в творчество художника цифровые технологии, на какое место в арт-индустрии сегодня претендует ИИ – об этом и не только в нашем декабрьском интервью с Константином Худяковым.

P.S. Платформа ARTISTS/ХУДОЖНИКИ подписала соглашение о сотрудничестве с Творческим союзом художников России. Мы вместе будем популяризировать отечественное искусство и укреплять связи внутри профессионального сообщества.


#События
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Каждый художник желает знать…

— Успех художника никогда невозможно просчитать на 100%, — уверена основательница ASKERI GALLERY и онлайн-площадки ARTONLINE24.RU Полина Аскери. — Но одно могу сказать наверняка: успешность художника зависит от его диалога со зрителем.

Действительно, помимо непосредственно художественного таланта креатору необходимо уметь доносить свои идеи до зрителя, привлекать его собственной историей. Со временем это позволит выйти на всероссийский арт-рынок.

Полина Аскери стала героиней нового большого интервью нашего проекта ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, осуществляемого при поддержке Президентского фонда культурных инициатив (ПФКИ).

Мы поговорили о том, как креатору попасть в зону внимания галереи, принципах монетизации творчества, основных чертах современного коллекционера и о многом другом.
Интервью доступно здесь.

#Отпервоголица
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Пауль Клее – немецко-швейцарский художник, который открыл для себя цвет после того, как много лет был заперт в черно-белой графике.

Первые художественные эксперименты Клее начал в 1903 году. Он работал тогда над циклом из 11 офортов Inventionen и изобрел собственную «стеклянную» технику, которая делала акцент на контрасте между темным и светлым. Техника была довольно проста: Клее рисовал иглой на зачерненном стекле.

В этом стиле за два года было выполнено 57 работ, после чего Клее перешел к экспериментам с цветом. При этом Клее было не важно, что изображено на картине – натюрморт или пейзаж, – ему важно просто включить в свои работы цвет, поначалу только самые темные тона. Художник-экспериментатор также сочетал в своих работах графику и живопись, используя уголь и акварель. Таким образом, в 1907 году была создана картина «В карьере Остермундинген, два журавля».

Позднее уже в своих живописных работах Клее начал накладывать один слой краски на другой, чтобы добиться определенных тонов.

Рисунок черным маслом – еще одна техника, разработанная Клее. С помощью листа бумаги, покрытого черной масляной краской, он переносил рисунок на другой лист бумаги, из-за чего линии обводки выглядели размытыми. Давление, оказываемое при обводке, создавало смазанные пятна, к которым художник добавлял акварель. Клее использовал эту технику в картине «Канатоходец», написанной в 1923 году.

Художественный стиль Клее не был обусловлен какой-то одной техникой, как это часто бывает. Его стилем была комбинация разных техник, сочетание разных приемов и композиционных принципов.

Клее провел множество экспериментов в течение своей жизни и был признан одним из самых новаторских художников ХХ века. Результатом его творчества стало несколько тысяч (!) рисунков, картин и графических работ.

#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

В преддверии Нового года представители арт-сообщества, близкие друзья идейного вдохновителя платформы ARTISTS/ХУДОЖНИКИ Вероники Коржевской рассказали о том, что ждёт российское изобразительное искусство в наступающем году, дали рекомендации на что следует обратить внимание, и конечно же, поделились самыми тёплыми пожеланиями всем, кто посвятил свою жизнь творчеству.

Приятного просмотра 🎥👇🏻

В наступающем году балет Петра Ильича Чайковского «Щелкунчик» отметит 135-летие. Он присутствует в репертуаре всех ведущих балетных трупп мира и даже в странах, где никогда не бывает снега, не отмечают Рождество, а Новый год празднуют летом. Началось все с того, что в 1890 году директор императорских театров Иван Александрович Всеволожский заказал Чайковскому балет по мотивам сказки своего любимого писателя – Эрнста Теодора Амадея Гофмана. Петру Ильичу она была незнакома, и известный музыкальный критик Сергей Флёров прислал ему книжку в своем переводе. А Мариус Петипа, не слишком хорошо знавший русский, для составления либретто и программы балета воспользовался вольным пересказом Александра Дюма-отца.

В начале XIX века великий фантазер Гофман хотел убедить своих читателей, что фантастическое вполне может присутствовать в реальной жизни. Чайковский и Петипа попытались найти ответ на вопрос, волновавший умы в конце столетия – что на самом деле отличает неодушевленную куклу от наделенного душой человека. Тяжелая болезнь лишила хореографа возможности довести замысел до премьеры, за постановку взялся его ученик Лев Иванов. Декорации были изготовлены под руководством академика декоративной живописи Михаила Бочарова, костюмы по эскизам директора театра Михаила Всеволожского. Премьера состоялась в декабре 1892 года на сцене Мариинского театра в Петербурге. Балет шел в один вечер с оперой «Иоланта» и, к сожалению, вердикт зрителей был не в его пользу. Декорации казались слишком помпезными, костюмы, стилизованные под сладости – смешными, а поклонникам Терпсихоры было попросту скучно, поскольку хореография, лишенная изысков и сложности, была ориентирована на учеников балетного училища при театре. Большого будущего ничто не предвещало.

До Большого театра «Щелкунчик» добрался спустя 27 лет после петербургской премьеры. После революции бывшие императорские театры пытались встроиться в новую реальность, а потому от «имперского стиля» премьерной постановки решено было отказаться. Новую хореографию сочинил Александр Горский, сценографию – Константин Коровин. Константина Алексеевича пригласили в Большой еще 1899 году «в виде опыта на шесть месяцев». Вскоре его назначили художником-оформителем, а в 1910 году сделали главным художником. Коровин, будучи блестящим импрессионистом, привнес вольный дух в искусство сценографии. Просто обставлять декорациями место действия ему было не интересно, он хотел быть трансформатором эмоций.

Краски аккорды цветов, форм – вот эту задачу я и поставил себе в декоративной живописи театра балета и оперы

– признавался художник.

Декорационной мастерской Большого театра Константин Коровин руководил почти десять лет. Театр занимал огромное место в творческой жизни Коровина. В воспоминаниях он приводит разговор с Василием Дмитриевичем Поленовым:

Как жаль, что ты все пишешь декорации в театре, жаль, что твоя живопись, для которой ты не имеешь времени, редко появляется на выставках

— сказал однажды Поленов. —

Мою живопись как-то мало понимают, да и кому она нужна? А декорации я так же пишу, как и все, и думаю, что это такое же чистое искусство. И я рад этому.

Константин Алексеевич отстаивал роль художника в постановке, выдвигая его как соавтора балетмейстера и режиссера. Его союз с хореографом Александром Горским оказался на удивление плодотворным.

«Щелкунчик» 1919 года стал последней работой Горского и Коровина. Сцена представляла собой стол, сервированный огромным кофейным сервизом, из предметов которого и появлялись танцовщики. «Вальс снежных хлопьев» в финале первого акта исполняли Деды Морозы и Снегурочки. Маша оставалась в своей счастливой сказке. Через пару лет над Большим и остальными, в прошлом императорскими театрами, нависла угроза закрытия. Коровин покинет Россию, кампания по борьбе с «религиозными предрассудками» заставит дирекцию Большого снять «Щелкунчик» с репертуара. На афиши он вернется только во второй половине 30-х годов, когда елка будет реабилитирована и превратится в символ Нового года.

#Не_только_полотна
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд