#весну_не_могут_отменить
Филипп Руссо. Натюрморт с гиацинтом. Ок. 1850. Холст, масло. 58,5 х 40 см. Музей Бойманса — ван Бёнингена, Роттердам
История живописи знаете и других художников с такой фамилией⬇️
Филипп Руссо. Натюрморт с гиацинтом. Ок. 1850. Холст, масло. 58,5 х 40 см. Музей Бойманса — ван Бёнингена, Роттердам
История живописи знаете и других художников с такой фамилией⬇️
У неё были ресницы, а за ней был зелёный занавес!
Королевская галерея Маурицхёйс в Гааге опубликовала результаты научной экспертизы одного из своих главных сокровищ — картины «Девушка с жемчужной серёжкой». Все подробности - в материале Артхива.
Королевская галерея Маурицхёйс в Гааге опубликовала результаты научной экспертизы одного из своих главных сокровищ — картины «Девушка с жемчужной серёжкой». Все подробности - в материале Артхива.
Стало известно, что 21 апреля в возрасте 98 лет умерла Бетси Джеймс – вдова художника Эндрю Уайета (он умер ещё в 2009-м, ему был 91 год) и мать художника Джейми Уайета.
⬇️
⬇️
Бетси и Эндрю познакомились в 1939 году. И во время их первой прогулки Бетси познакомила художника с Кристиной Олсон, которая станет героиней самой известной картины Уайета «Мир Кристины». На самом деле фигуру ползущей по полю парализованной девушки Уайет напишет со своей жены.
Эндрю Уайет жил почти затворником и коммуницировал с цивилизацией через жену. Бетси хорошо понимала его творчество и к тому же обладала недюжинными организаторскими способностями. В интервью она сравнивала себя с режиссером, в чьем распоряжении оказался лучший в мире актер. Бетси давала картинам названия, она без устали общалась с галеристами и коллекционерами, составляла каталоги – словом, вела бизнес энергичной и твердой рукой.
Само собой, такой интроверт, как Уайет, ревниво оберегал границы своего мира даже от жены. Иногда – особенно от нее.
В 1986 году Уайет обнародовал серию картин под общим названием «Хельга». В начале семидесятых он познакомился с жившей по соседству с его летним домом в Кушинге Хельгой Тесторф. С тех пор Хельга была его постоянной моделью. Об отношениях (определенно выходящих за рамки профессиональных) знали только пара-тройка близких друзей. Когда журналисты, привыкшие, что от лица Уайета традиционно говорит Бетси, спросили ее, что все это значит, та лаконично ответила: «Любовь». И осталась с Уайетом до конца его дней.
Внучка Виктория рассказала, что Бетси умерла тихо, у себя дома. Она курила до последнего – так что Виктория после смерти одела бабушку в нарядное платье и положила ей в карман пачку сигарет.
Эндрю Уайет жил почти затворником и коммуницировал с цивилизацией через жену. Бетси хорошо понимала его творчество и к тому же обладала недюжинными организаторскими способностями. В интервью она сравнивала себя с режиссером, в чьем распоряжении оказался лучший в мире актер. Бетси давала картинам названия, она без устали общалась с галеристами и коллекционерами, составляла каталоги – словом, вела бизнес энергичной и твердой рукой.
Само собой, такой интроверт, как Уайет, ревниво оберегал границы своего мира даже от жены. Иногда – особенно от нее.
В 1986 году Уайет обнародовал серию картин под общим названием «Хельга». В начале семидесятых он познакомился с жившей по соседству с его летним домом в Кушинге Хельгой Тесторф. С тех пор Хельга была его постоянной моделью. Об отношениях (определенно выходящих за рамки профессиональных) знали только пара-тройка близких друзей. Когда журналисты, привыкшие, что от лица Уайета традиционно говорит Бетси, спросили ее, что все это значит, та лаконично ответила: «Любовь». И осталась с Уайетом до конца его дней.
Внучка Виктория рассказала, что Бетси умерла тихо, у себя дома. Она курила до последнего – так что Виктория после смерти одела бабушку в нарядное платье и положила ей в карман пачку сигарет.
Artchive
Эндрю Уайет - Дневные грезы (из серии "Хельга"), 1980: Описание произведения
Эндрю Уайет - Дневные грезы (из серии "Хельга") - одно из многих произведений художника. Подробную информацию и описание работы читайте в Артхиве.
Карантин продолжается, а фоторемейки знаменитых картин уже сделаны? Переходим на пицце-ремейки!:)
Источник фото
Источник фото
#весну_не_могут_отменить
Исаак Левитан. Белая сирень. 1895. Пастель. 66×50 см. Государственный музей изобразительных искусств (ГМИИ) им. А. С. Пушкина, Москва
Исаак Левитан. Белая сирень. 1895. Пастель. 66×50 см. Государственный музей изобразительных искусств (ГМИИ) им. А. С. Пушкина, Москва
«Танец» Дерена⬆️ – одна из самых загадочных его картин. Это расцвет фовистического периода художника. Он уже прочувствовал мощь цвета, дал себе волю в колристических экспериментах.
Матисс через четыре года напишет свой знаменитый «Танец» для Щукина. И, пожалуй, картина Дерена могла стать одним из факторов, вдохновивших мэтра, создавшего кружение алых, пылающих тел на двухцветном фоне. Самого же Дерена очевидно вдохновили колористические поиски Матисса, таитянки Гогена и экзотические мотивы Руссо.
Написанная Дереном в том же году акварель «Вакхический танец», возможно, была подготовительным этапом к созданию этого полотна. Но в акварели есть еще один полноценный участник композиции – белый. Белыми оставлены сидящие фигуры, над ними танцует алая женщина.
Буйство цвета на картине Андре Дерена «Танец» обеспечивает особую экспрессивность. Изображение двухмерное, танец фигур кажется шаманской пляской. Основные цвета: красный, синий, желтый и зеленый резко контрастируют друг с другом, создавая пресловутое ощущение «дикости» и подтверждая безусловную принадлежность картины к фовизму.
Фигура слева, расцвеченная волнистыми линиями, ритмически перекликается с деревом на заднем плане справа, написанном подобными линиями. Птица усиливает ощущение стихийности происходящего, она кажется одним из танцоров. В следующий миг все взлетят? Или птица присоединиться к пляшущим на земле? Здесь возможно всё что угодно. Зеленый змей в ногах танцоров вызывает библейские аналогии. Искушение? Предстоит изгнание? Пляска напоследок или напротив, празднование райского блаженства, которому искушения пока неведомы? И, кстати, что за одинокая фигура в верхнем правом углу? Как она связана с танцующими? Желтые плоды на зеленом дереве над ней – не те ли самые плоды познания?
Вопросов больше, чем ответов, и «правильный» ответ в любом случае неизвестен. Впрочем, среди исследователей встречается и такое мнение, что многие живописцы после «открывшего Таити» Поля Гогена обратились к экзотическим темам как к благодатной почве для изображения идиллической свободы и спонтанности, поэтому иные композиции могут и не нести в себе потаенный смысл, а быть условными изображением дальних стран, в которых неистово танцуют обнаженные свободные от условностей женщины в окружении невиданных растений, птиц и зверей.
Автор текста: Алена Грошева
Матисс через четыре года напишет свой знаменитый «Танец» для Щукина. И, пожалуй, картина Дерена могла стать одним из факторов, вдохновивших мэтра, создавшего кружение алых, пылающих тел на двухцветном фоне. Самого же Дерена очевидно вдохновили колористические поиски Матисса, таитянки Гогена и экзотические мотивы Руссо.
Написанная Дереном в том же году акварель «Вакхический танец», возможно, была подготовительным этапом к созданию этого полотна. Но в акварели есть еще один полноценный участник композиции – белый. Белыми оставлены сидящие фигуры, над ними танцует алая женщина.
Буйство цвета на картине Андре Дерена «Танец» обеспечивает особую экспрессивность. Изображение двухмерное, танец фигур кажется шаманской пляской. Основные цвета: красный, синий, желтый и зеленый резко контрастируют друг с другом, создавая пресловутое ощущение «дикости» и подтверждая безусловную принадлежность картины к фовизму.
Фигура слева, расцвеченная волнистыми линиями, ритмически перекликается с деревом на заднем плане справа, написанном подобными линиями. Птица усиливает ощущение стихийности происходящего, она кажется одним из танцоров. В следующий миг все взлетят? Или птица присоединиться к пляшущим на земле? Здесь возможно всё что угодно. Зеленый змей в ногах танцоров вызывает библейские аналогии. Искушение? Предстоит изгнание? Пляска напоследок или напротив, празднование райского блаженства, которому искушения пока неведомы? И, кстати, что за одинокая фигура в верхнем правом углу? Как она связана с танцующими? Желтые плоды на зеленом дереве над ней – не те ли самые плоды познания?
Вопросов больше, чем ответов, и «правильный» ответ в любом случае неизвестен. Впрочем, среди исследователей встречается и такое мнение, что многие живописцы после «открывшего Таити» Поля Гогена обратились к экзотическим темам как к благодатной почве для изображения идиллической свободы и спонтанности, поэтому иные композиции могут и не нести в себе потаенный смысл, а быть условными изображением дальних стран, в которых неистово танцуют обнаженные свободные от условностей женщины в окружении невиданных растений, птиц и зверей.
Автор текста: Алена Грошева
Artchive
Картина Анри Матисса "Танец", описание и история создания
Картину Анри Матисса «Танец II» считают одной из самых узнаваемых в мировой живописи. На нашем портале вы найдете подробный анализ и исторические сведения об этом произведении.
Шестидесятилетний Эдгар Дега до того, как взяться за эту⬆️ картину, написал сотни изображений балерин: пастелью, маслом, углем, карандашом, гуашью. Каждой из этих техник он владел настолько виртуозно, что со временем начал играть в имитации: пастелью рисовал так, что изображение походило на картину маслом, а с маслом обращался и вовсе вызывающе – накладывал длинные яркие мазки так, будто это штрихи пастельных мелков.
«Балерины в зеленых юбках» - одна из таких картин, обманным путем завладевших достоинствами и эффектами пастельного рисунка. Дега на этом полотне высотой почти в полтора метра творит вообще невообразимое. «Зеленые юбки» значится в названии – но на этих сложных многослойных балетных пачках, освещенных ярким, едким сценическим светом, зеленого практически нет. Полупрозрачный край просвечивается насквозь и загорается алым, тень на юбке – бирюзовая, желтые блики на плотной части юбки и только несколько уцелевших под натиском искусственного освещения зеленых пятнышек. По ним можно восстановить истинный цвет, по ним, как по хлебным крошкам, можно вернуться в реальность. И поверить Дега на слово, что юбка второй балерины, обрезанной краем полотна, тоже зеленая. Где-то там, за пределами картины, на ней тоже отыщутся несколько настоящих зеленоватых пятнышек.
Эти зеленые юбки, написанные почти без зеленой краски, как и белые пятна света на плечах и лице балерины, как и неестественно вывернутая нога танцовщицы в невообразимой стойке – признаки любимого Дега закулисного мира театра, маяки искусственности. Искажающий свет, калечащие тренировки и репетиции, через которые нужно продираться к славе или хотя бы к главной роли, сомнительное внимание покровителей, которые способны этот путь сделать чуть короче. Дега как будто краем глаза схватывает обычную будничную ссору двух танцовщиц – и не задерживает на ней взгляда, проходит мимо, смотрит дальше. Нам хочется сдвинуть вправо фокус его зрения, рассмотреть вторую участницу и дождаться развязки этого напряженного момента. Мы невольно тянемся за попкорном и просим ясности.
Фигура главного участника изображенной сцены, обрезанная краем полотна, – все еще дерзость, даже в конце XIX века. Импрессионисты подсмотрели такой способ фиксации «преходящего» в японской гравюре – и почувствовали схожесть эстетических взглядов. Название особого жанра японских гравюр «укиё-э» переводится как «картины изменчивого мира». Для европейского искусства ценность мимолетного взгляда, важность самого незначительного фрагмента жизни была неожиданным способом видеть мир. Но импрессионисты подхватывают выразительность японской гравюры, как наиболее созвучную их эстетической философии. Более того, они находят подтверждение своим пока еще бунтарским взглядам в далеком, только недавно открытом для Европы искусстве, которое, несмотря на новизну, все же старое и традиционное. Просто пока еще не в Европе. Дега этот прием с выглядыванием из-под локтя, из-за колонны или из-за лестницы использует уверенно и эффектно, превращает с его помощью обдуманную, вымеренную композицию в непринужденный эскиз.
Этого эффекта мимолетности Дега добивался тщательно и обдуманно. Попкорна не будет.
Автор текста: Анна Сидельникова
«Балерины в зеленых юбках» - одна из таких картин, обманным путем завладевших достоинствами и эффектами пастельного рисунка. Дега на этом полотне высотой почти в полтора метра творит вообще невообразимое. «Зеленые юбки» значится в названии – но на этих сложных многослойных балетных пачках, освещенных ярким, едким сценическим светом, зеленого практически нет. Полупрозрачный край просвечивается насквозь и загорается алым, тень на юбке – бирюзовая, желтые блики на плотной части юбки и только несколько уцелевших под натиском искусственного освещения зеленых пятнышек. По ним можно восстановить истинный цвет, по ним, как по хлебным крошкам, можно вернуться в реальность. И поверить Дега на слово, что юбка второй балерины, обрезанной краем полотна, тоже зеленая. Где-то там, за пределами картины, на ней тоже отыщутся несколько настоящих зеленоватых пятнышек.
Эти зеленые юбки, написанные почти без зеленой краски, как и белые пятна света на плечах и лице балерины, как и неестественно вывернутая нога танцовщицы в невообразимой стойке – признаки любимого Дега закулисного мира театра, маяки искусственности. Искажающий свет, калечащие тренировки и репетиции, через которые нужно продираться к славе или хотя бы к главной роли, сомнительное внимание покровителей, которые способны этот путь сделать чуть короче. Дега как будто краем глаза схватывает обычную будничную ссору двух танцовщиц – и не задерживает на ней взгляда, проходит мимо, смотрит дальше. Нам хочется сдвинуть вправо фокус его зрения, рассмотреть вторую участницу и дождаться развязки этого напряженного момента. Мы невольно тянемся за попкорном и просим ясности.
Фигура главного участника изображенной сцены, обрезанная краем полотна, – все еще дерзость, даже в конце XIX века. Импрессионисты подсмотрели такой способ фиксации «преходящего» в японской гравюре – и почувствовали схожесть эстетических взглядов. Название особого жанра японских гравюр «укиё-э» переводится как «картины изменчивого мира». Для европейского искусства ценность мимолетного взгляда, важность самого незначительного фрагмента жизни была неожиданным способом видеть мир. Но импрессионисты подхватывают выразительность японской гравюры, как наиболее созвучную их эстетической философии. Более того, они находят подтверждение своим пока еще бунтарским взглядам в далеком, только недавно открытом для Европы искусстве, которое, несмотря на новизну, все же старое и традиционное. Просто пока еще не в Европе. Дега этот прием с выглядыванием из-под локтя, из-за колонны или из-за лестницы использует уверенно и эффектно, превращает с его помощью обдуманную, вымеренную композицию в непринужденный эскиз.
Этого эффекта мимолетности Дега добивался тщательно и обдуманно. Попкорна не будет.
Автор текста: Анна Сидельникова
Artchive
Укиё-э - японская ксилография
Невероятно, но факт: гравюры, которыми в свое время очаровывались модные европейские художники, в которых черпали вдохновение импрессионисты, перенимая новые способы выразительности, сами японцы даже не считали...
В Милане в возрасте 80 лет умер арт-критик, куратор и искусствовед Джермано Челант. Коронавирус.
Челант - основатель и теоретик движения Arte Povera ("бедное искусство" в переводе). В 1967 году он организовал выставку «Arte Povera — Im Spazio» («Арте повера — в пространстве»). В ней приняли участие главные представители направления: Яннис Кунеллис, Микеланджело Пистолетто, Джованни Ансельмо, Джулио Паолини, Джузеппе Пеноне, Марио Мерц, к которым присоединилось ещё около десятка молодых итальянских художников.
Многие из них работали с простыми и грубыми материалами — мешковиной, углём, простынями, землёй, водой, хлопком, стальными прутьями, деревом и газетами. Но слово «бедность» в названии направления не стоит понимать буквально. Художники пытались достичь поэтического эффекта простейшими способами, пробиться к сути эстетического опыта, освободить переживание зрителя от предзаданных концепций и идеологий.
Подробнее об Arte Povera - в Энциклопедии Артхива
Челант - основатель и теоретик движения Arte Povera ("бедное искусство" в переводе). В 1967 году он организовал выставку «Arte Povera — Im Spazio» («Арте повера — в пространстве»). В ней приняли участие главные представители направления: Яннис Кунеллис, Микеланджело Пистолетто, Джованни Ансельмо, Джулио Паолини, Джузеппе Пеноне, Марио Мерц, к которым присоединилось ещё около десятка молодых итальянских художников.
Многие из них работали с простыми и грубыми материалами — мешковиной, углём, простынями, землёй, водой, хлопком, стальными прутьями, деревом и газетами. Но слово «бедность» в названии направления не стоит понимать буквально. Художники пытались достичь поэтического эффекта простейшими способами, пробиться к сути эстетического опыта, освободить переживание зрителя от предзаданных концепций и идеологий.
Подробнее об Arte Povera - в Энциклопедии Артхива
Artchive
Арте повера
Движение Арте повера (букв. «бедное искусство») зародилось в Италии в 1960-е годы. Просуществовав всего несколько лет, оно стало самым заметным художественным течением послевоенной Европы. Художники Арте повера принесли в...
Монстр в красном тюрбане – один из персонажей картины Питера Брейгеля Старшего «Падение мятежных ангелов» (1562, Королевские музеи изящных искусств, Брюссель). И его головной убор – вероятно, отсылка к предполагаемому автопортрету Яна ван Эйка (1433, Лондонская национальная галерея).
Этот факт – один из множества, прозвучавших во время сегодняшней онлайн-экскурсии, которую провёл Мишель Драге, директор Королевских музеев изящных искусств в Брюсселе. Экскурсия была посвящена брюссельской коллекции работ Брейгеля Старшего (и здесь её запись - с русскими субтитрами).
Смотрите также материалы Артхива о Питере Брейгеле Старшем, его творчестве и династии Брейгелей.
Этот факт – один из множества, прозвучавших во время сегодняшней онлайн-экскурсии, которую провёл Мишель Драге, директор Королевских музеев изящных искусств в Брюсселе. Экскурсия была посвящена брюссельской коллекции работ Брейгеля Старшего (и здесь её запись - с русскими субтитрами).
Смотрите также материалы Артхива о Питере Брейгеле Старшем, его творчестве и династии Брейгелей.
40 лет назад - 29 апреля 1980 года - умер Альфред Хичкок.
Это кадр из фильма "Психо", а здесь разбираем, какие картины появляются, в этом кино.
Это кадр из фильма "Психо", а здесь разбираем, какие картины появляются, в этом кино.