Правильный ответ на вчерашнюю загадку
Это было мыло с картины Бориса Кустодиева «Русская Венера» (1926, холст, масло; Нижегородский государственный художественный музей).
Художнику позировала его дочь Ирина. Кустодиев объяснял, что поместил свою Венеру в баню (а не на шёлковые простыни, например), потому что именно в бане «обнаженность целомудренной русской женщины естественна, закономерна». Ирине в этот момент было уже 20 лет. Так что ничего скандального. Но кое-что интересное есть!
«Русская Венера» написана на обратной стороне картины «На террасе», на которой Кустодиев в 1906-м изобразил свою семью: и там тоже изображена его дочка Ирина – совсем крошечная.
Это было мыло с картины Бориса Кустодиева «Русская Венера» (1926, холст, масло; Нижегородский государственный художественный музей).
Художнику позировала его дочь Ирина. Кустодиев объяснял, что поместил свою Венеру в баню (а не на шёлковые простыни, например), потому что именно в бане «обнаженность целомудренной русской женщины естественна, закономерна». Ирине в этот момент было уже 20 лет. Так что ничего скандального. Но кое-что интересное есть!
«Русская Венера» написана на обратной стороне картины «На террасе», на которой Кустодиев в 1906-м изобразил свою семью: и там тоже изображена его дочка Ирина – совсем крошечная.
Вообще, у всех художников, чьи имена были среди вариантов ответа на загадку о мыле⬆️, есть картины, изображающие сцены в бане. Но многих запутала именно Зинаида Серебрякова. Действительно, у неё на картине имеется похожий кусок мыла (в нижнем левом углу полотна).
Зинаида Серебрякова. Баня. 1913. Холст, масло. 135 x 174 см. Русский музей
Зинаида Серебрякова. Баня. 1913. Холст, масло. 135 x 174 см. Русский музей
Тюльпаны шотландского художника Сэмюэля Пепло (Samuel John Peploe, 1871 - 1935).
Подборка картин с тюльпанами в Артхиве
Подборка картин с тюльпанами в Артхиве
#весну_не_могут_отменить
Гавриил Кондратенко. Алупка. Дворец. Холст, масло. 50×66 см. Алупкинский государственный дворцово-парковый музей-заповедник
Гавриил Кондратенко. Алупка. Дворец. Холст, масло. 50×66 см. Алупкинский государственный дворцово-парковый музей-заповедник
Любуясь яркими весенними клумбами, мы вряд ли задумываемся о том, что именно с цветами связана одна из самых давних, захватывающих и цитируемых историй о финансовых аферах. Голландская «тюльпанная лихорадка» - яркий пример иррационального и даже безумного поведения огромного количества людей самых разных сословий в погоне за призрачной удачей, за цветами необычной окраски. Эту историю постоянно цитируют, о ней пишут в учебниках по экономике как о феномене жадности и психоза, приведших к массовым спекуляциям. «Тюльпаномания» - весьма поучительная история, которая осталась на полотнах известных живописцев как напоминание о том, что не стоит переоценивать истинную стоимость вещей и рисковать при этом своим благосостоянием. Даже если это красиво.
Рассказываем о приключениях тюльпанов в Европе и любуемся картинами с ними...
Рассказываем о приключениях тюльпанов в Европе и любуемся картинами с ними...
Пабло Пикассо долгое время старался держаться подальше от политики. Первая Мировая война будто бы прошла мимо него, художник избежал призыва и, в отличие от многих своих коллег, жил в военные годы достаточно спокойной жизнью. Все изменилось с началом гражданской войны в его родной Испании. Не имея возможности хоть как-то повлиять на ситуацию, Пикассо, как обычно, находил утешение в живописи. И создал одно из самых мощных антивоенных произведений в истории – масштабное полотно «Герника» (1937).
Неожиданно для всех и даже для самого себя Пикассо стал символом борьбы интеллектуалов и художников с фашизмом. В конце Второй Мировой войны он вступил в коммунистическую партию и на протяжении нескольких лет участвовал во Всемирных мирных конгрессах. В 1949 году для плаката Парижского конгресса Пикассо создал первого «Голубя мира». Конгресс открылся 20 апреля, а накануне возлюбленная художника Франсуаза Жило родила ему дочь, которую назвали Паломой (в переводе с испанского Paloma – «голубка»).
Помимо общественного значения, образ голубя был глубоко личным для Пикассо. Отец художника был страстным любителем этих птиц и учил маленького Пабло рисовать их. Первое изображение голубя, созданное Пикассо для Парижского конгресса, было весьма реалистичной литографией. Позже в том же году художник снова воплотил этот образ – на этот раз в виде простого графичного рисунка, который стал даже более популярным и тиражируемым. Позже, в 1950-60-х годах, Пикассо создал множество изображений голубей, в частности, серию каннских пейзажей, обрамленных перилами балкона с сидящими на них птицами (1, 2, 3).
Автор текста: Евгения Сидельникова
Неожиданно для всех и даже для самого себя Пикассо стал символом борьбы интеллектуалов и художников с фашизмом. В конце Второй Мировой войны он вступил в коммунистическую партию и на протяжении нескольких лет участвовал во Всемирных мирных конгрессах. В 1949 году для плаката Парижского конгресса Пикассо создал первого «Голубя мира». Конгресс открылся 20 апреля, а накануне возлюбленная художника Франсуаза Жило родила ему дочь, которую назвали Паломой (в переводе с испанского Paloma – «голубка»).
Помимо общественного значения, образ голубя был глубоко личным для Пикассо. Отец художника был страстным любителем этих птиц и учил маленького Пабло рисовать их. Первое изображение голубя, созданное Пикассо для Парижского конгресса, было весьма реалистичной литографией. Позже в том же году художник снова воплотил этот образ – на этот раз в виде простого графичного рисунка, который стал даже более популярным и тиражируемым. Позже, в 1950-60-х годах, Пикассо создал множество изображений голубей, в частности, серию каннских пейзажей, обрамленных перилами балкона с сидящими на них птицами (1, 2, 3).
Автор текста: Евгения Сидельникова
Artchive
Пабло Пикассо - Герника, 1937, 777×349 см: Описание произведения
Пабло Пикассо - Герника - одно из многих произведений художника. Подробную информацию и описание работы читайте в Артхиве.
Одна из самых ярких картин Тёрнера, где главным героем стало солнце, — это «Регул⬆️», написанная и выставленная после второй поездки художника в Италию в 1828 году, а затем переработанная и вновь показанная в Лондоне в 1837-м. Тёрнер проиллюстрировал эпизод из жизни римского генерала III века Марка Атилия Регула, олицетворяющего стоическое достоинство и самопожертвование. Этот полководец был захвачен карфагенянами, которые хотели отправить его в Рим на переговоры. После отказа ему отрезали веки и заставили смотреть на солнце, пока он не ослеп, а затем казнили.
Тёрнер изобразил своего героя несколькими бледными мазками в правой части холста — его почти невозможно найти. Так художник заставляет зрителя занять место Регула и в поисках протагониста всматриваться в яркий свет на полотне. Автор не только бросает вызов нормам исторической живописи, но использует классический рассказ, чтобы хитро отреагировать на критику своего творчества — «ослепляющее» и «почти вырывающее глаза», как писали рецензенты.
«По сути говоря, Тёрнер обитал в собственном, отдельном ото всех царстве света, где мало кто из людей мог встать рядом с ним. Там, в этом волшебном пространстве, он легко, без усилий передвигался между прошлым и настоящим, схватывая взглядом особенности, присущие времени», — отмечает Питер Акройд.
Тёрнер изобразил своего героя несколькими бледными мазками в правой части холста — его почти невозможно найти. Так художник заставляет зрителя занять место Регула и в поисках протагониста всматриваться в яркий свет на полотне. Автор не только бросает вызов нормам исторической живописи, но использует классический рассказ, чтобы хитро отреагировать на критику своего творчества — «ослепляющее» и «почти вырывающее глаза», как писали рецензенты.
«По сути говоря, Тёрнер обитал в собственном, отдельном ото всех царстве света, где мало кто из людей мог встать рядом с ним. Там, в этом волшебном пространстве, он легко, без усилий передвигался между прошлым и настоящим, схватывая взглядом особенности, присущие времени», — отмечает Питер Акройд.
#весну_не_могут_отменить
Михаил Врубель. Сирень. 1900. Холст, масло. 160×170 см. Третьяковская галерея
⬇️
Михаил Врубель. Сирень. 1900. Холст, масло. 160×170 см. Третьяковская галерея
⬇️
На рубеже 19 – 20 веков Врубель работал над циклом картин, который называют «Сказочным». В него входят «Пан», «Царевна-Лебедь», «К ночи», «Жемчужная раковина» и «Сирень»⬆️. Помимо присутствия на них сказочных существ, все эти работы объединяет время действия – ночь, из-за чего их еще называют ноктюрнами. Сумерки придают особенный таинственный и сказочный колорит. К тому же ночные сюжеты позволяют художнику выжимать все возможности из своей любимой палитры: любых оттенки синего и фиолетового цветов.
Вдохновение снизошло на Врубеля во время его пребывания в гостях у Николая Ге в Черниговской губернии. Там он увидел пышный благоухающий куст сирени и тут же приступил к работе. Трудно сказать однозначно, кто главный герой на картине Врубеля «Сирень». С одной стороны, роскошное цветущее растение занимает практически все пространство полотна, оставляя лишь маленький уголок для ночного неба. Тяжелые ветви, усыпанные лиловым цветом, кажутся живыми: если долго смотреть на картину, практически начинаешь слышать сладкий запах сирени.
Но зыбкая, как утреннее сновидение, фигура девушки тоже притягивает взгляд. Ее однотонный наряд и бледная кожа контрастируют с избыточной роскошью цветов сирени. Она держится нерешительно и мечтательно, будто смотрит на возлюбленного. Мнения исследователей творчества Врубеля касательно личности героини разнятся. Одни считают ее душой сирени, ее отображением в человеческом облике, который проявился в мерцании лунного света. Другие видят в этой картине некое продолжение истории о Пане – картины, написанной художником годом ранее.
Согласно греческой мифологии, Пан был богом лесов и пастбищ, покровителем пастухов. Он был безобразным: покрытым шерстью, с козлиными рогами и копытами, а его постоянными спутницами были веселые нимфы. Но одна из них посмела отвергнуть его любовь, поскольку дала обет целомудрия. Когда Пан гнался за ней – а ее звали Сиринга – то нимфа попросила защиты у бога реки, преградившей ей путь.
Бог превратил ее в тростник, а Пан смастерил из него свирель, которую в память о прекрасной нимфе назвал сирингой. На латыни сирень называется Syrínga – растение также получило название в ее честь. Кто знает, может быть, на картине Врубеля запечатлен момент перерождения Сиринги в цветущий куст, и именно поэтому так зыбка и эфемерна ее фигура.
У Врубеля есть две картины под названием «Сирень». Но вторая так и не была окончена. Хотя в отношении нее у художника были большие амбиции. Он писал: «Прошлогодняя моя “Cирень” относится к настоящей вещи как эскиз к картине. Там мне удалось только кое-что уловить, и я очень захотел захватить вещь полнее; вот причина, что я упорствую на этом сюжете».
Героиней второй версии должна была стать уже не мифологическая нимфа, но другой персонаж, на этот раз литературный. Врубель хотел изобразить на новой картине образ Татьяны Лариной из поэмы Пушкина «Евгений Онегин». Какой она была в представлении художника, понять сложно, но в нечетком наброске силуэта девушки, сидящей под сиренью на лавочке, некоторые зрители угадывают черты жены Врубеля – оперной певицы Надежды Забелы-Врубель.
Первая, оконченная «Сирень» Врубеля стала поводом для возникновения анекдота, который цитирует в своих воспоминаниях Константин Коровин:
«Когда Врубель был болен и находился в больнице, в Академии художеств открылась выставка Дягилева. На открытии присутствовал государь. Увидев картину Врубеля “Сирень”, государь сказал:
– Как это красиво. Мне нравится.
Великий князь Владимир Александрович, стоявший рядом, горячо протестуя, возражал:
– Что это такое? Это же декадентство…
– Нет, мне нравится, – говорил государь. – Кто автор этой картины? Врубель, ответили государю.
…Обернувшись к свите и увидев графа Толстого, вице-президента Академии художеств, государь сказал:
– Граф Иван Иванович, ведь это тот, кого казнили в Нижнем?» (Имеется в виду Всероссийская промышленная и художественная выставка в Нижнем Новгороде где в 1896 году два панно Врубеля не допустили к участию, сочтя их «чудовищными» и не пригодными к экспонированию).
Автор: Наталья Азаренко
Вдохновение снизошло на Врубеля во время его пребывания в гостях у Николая Ге в Черниговской губернии. Там он увидел пышный благоухающий куст сирени и тут же приступил к работе. Трудно сказать однозначно, кто главный герой на картине Врубеля «Сирень». С одной стороны, роскошное цветущее растение занимает практически все пространство полотна, оставляя лишь маленький уголок для ночного неба. Тяжелые ветви, усыпанные лиловым цветом, кажутся живыми: если долго смотреть на картину, практически начинаешь слышать сладкий запах сирени.
Но зыбкая, как утреннее сновидение, фигура девушки тоже притягивает взгляд. Ее однотонный наряд и бледная кожа контрастируют с избыточной роскошью цветов сирени. Она держится нерешительно и мечтательно, будто смотрит на возлюбленного. Мнения исследователей творчества Врубеля касательно личности героини разнятся. Одни считают ее душой сирени, ее отображением в человеческом облике, который проявился в мерцании лунного света. Другие видят в этой картине некое продолжение истории о Пане – картины, написанной художником годом ранее.
Согласно греческой мифологии, Пан был богом лесов и пастбищ, покровителем пастухов. Он был безобразным: покрытым шерстью, с козлиными рогами и копытами, а его постоянными спутницами были веселые нимфы. Но одна из них посмела отвергнуть его любовь, поскольку дала обет целомудрия. Когда Пан гнался за ней – а ее звали Сиринга – то нимфа попросила защиты у бога реки, преградившей ей путь.
Бог превратил ее в тростник, а Пан смастерил из него свирель, которую в память о прекрасной нимфе назвал сирингой. На латыни сирень называется Syrínga – растение также получило название в ее честь. Кто знает, может быть, на картине Врубеля запечатлен момент перерождения Сиринги в цветущий куст, и именно поэтому так зыбка и эфемерна ее фигура.
У Врубеля есть две картины под названием «Сирень». Но вторая так и не была окончена. Хотя в отношении нее у художника были большие амбиции. Он писал: «Прошлогодняя моя “Cирень” относится к настоящей вещи как эскиз к картине. Там мне удалось только кое-что уловить, и я очень захотел захватить вещь полнее; вот причина, что я упорствую на этом сюжете».
Героиней второй версии должна была стать уже не мифологическая нимфа, но другой персонаж, на этот раз литературный. Врубель хотел изобразить на новой картине образ Татьяны Лариной из поэмы Пушкина «Евгений Онегин». Какой она была в представлении художника, понять сложно, но в нечетком наброске силуэта девушки, сидящей под сиренью на лавочке, некоторые зрители угадывают черты жены Врубеля – оперной певицы Надежды Забелы-Врубель.
Первая, оконченная «Сирень» Врубеля стала поводом для возникновения анекдота, который цитирует в своих воспоминаниях Константин Коровин:
«Когда Врубель был болен и находился в больнице, в Академии художеств открылась выставка Дягилева. На открытии присутствовал государь. Увидев картину Врубеля “Сирень”, государь сказал:
– Как это красиво. Мне нравится.
Великий князь Владимир Александрович, стоявший рядом, горячо протестуя, возражал:
– Что это такое? Это же декадентство…
– Нет, мне нравится, – говорил государь. – Кто автор этой картины? Врубель, ответили государю.
…Обернувшись к свите и увидев графа Толстого, вице-президента Академии художеств, государь сказал:
– Граф Иван Иванович, ведь это тот, кого казнили в Нижнем?» (Имеется в виду Всероссийская промышленная и художественная выставка в Нижнем Новгороде где в 1896 году два панно Врубеля не допустили к участию, сочтя их «чудовищными» и не пригодными к экспонированию).
Автор: Наталья Азаренко
Artchive
Михаил Александрович Врубель - Пан, 1899, 106×124 см: Описание произведения
Михаил Александрович Врубель - Пан - одно из многих произведений художника. Подробную информацию и описание работы читайте в Артхиве.
#весну_не_могут_отменить
Жан-Пьер Кассиньоль. Женщина с анемонами. 1970. Холст, масло. 92×65 см. Частная коллекция
Жан-Пьер Кассиньоль. Женщина с анемонами. 1970. Холст, масло. 92×65 см. Частная коллекция
Картина «Девушка в сорочке»⬆️ знаменует собой конец «голубого периода» Пикассо. Синий в его полотнах теряет ледяную холодность, в работы возвращается женская красота и сексуальность, которые прежде были вытеснены эмоциональными оттенками обездоленных персонажей.
Голубой период Пикассо приходится на 1900 – 1904 годы, когда художник писал по существу монохромные картины в синих и сине-зелёных оттенках, изредка разбавляя их другими цветами. Эти мрачные работы сейчас входят в число самых популярных у испанца, хотя в своё время он продавал их с трудом. Его первые годы в Париже были тяжёлыми, и эти полотна с изображениями нищих, калек, беспризорников и слепых, казалось, отражают собственную бедность живописца и неуверенность в завтрашнем дне.
Неясно, что именно стало отправной точкой для этого периода. Возможно, на Пикассо повлияло самоубийство его друга Карлоса Касагемаса, который застрелился в парижском кафе 17 февраля 1901 года. Сам художник утверждал, что начал писать синим, когда узнал о смерти коллеги. Но искусствовед Хелена Секель отмечает, что во время суицида его не было в Париже. Это драматическое событие проявилось в творчестве Пикассо лишь осенью того же года, когда он сделал несколько портретов покойного.
Для «Девушки с сорочкой», вероятно, позировала новая любовница художника, Мадлен. Летом 1904 года она забеременела от Пикассо, но он, якобы, заставил её сделать аборт. Однако, несмотря на то, что живописец завёл роман с другой своей натурщицей, Фернандой Оливье, Мадлен продолжала появляться в его работах в образе матери с дитя – как раз в тот период, когда мог родиться её собственный ребёнок.
И именем Фернанды Оливье связывают окончание «голубого периода» Пикассо и начало «розового», когда в его палитре начали доминировать тёплые цвета. Однако депрессия художника не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за розовым), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни. Современники Пикассо даже не делали различий между «голубым» и «розовым» периодами, считая их одним.
Постоянной темой «голубого периода» Пикассо, перешедшей и в «розовый», стала безысходность социальных аутсайдеров – заключённых, нищих, артистов цирка, бедняков или других отчаявшихся. Эта тема отвечала не только его настроению, но и духу времени, художественному и интеллектуальному авангарду начала XX века.
Автор текста: Влад Маслов
Голубой период Пикассо приходится на 1900 – 1904 годы, когда художник писал по существу монохромные картины в синих и сине-зелёных оттенках, изредка разбавляя их другими цветами. Эти мрачные работы сейчас входят в число самых популярных у испанца, хотя в своё время он продавал их с трудом. Его первые годы в Париже были тяжёлыми, и эти полотна с изображениями нищих, калек, беспризорников и слепых, казалось, отражают собственную бедность живописца и неуверенность в завтрашнем дне.
Неясно, что именно стало отправной точкой для этого периода. Возможно, на Пикассо повлияло самоубийство его друга Карлоса Касагемаса, который застрелился в парижском кафе 17 февраля 1901 года. Сам художник утверждал, что начал писать синим, когда узнал о смерти коллеги. Но искусствовед Хелена Секель отмечает, что во время суицида его не было в Париже. Это драматическое событие проявилось в творчестве Пикассо лишь осенью того же года, когда он сделал несколько портретов покойного.
Для «Девушки с сорочкой», вероятно, позировала новая любовница художника, Мадлен. Летом 1904 года она забеременела от Пикассо, но он, якобы, заставил её сделать аборт. Однако, несмотря на то, что живописец завёл роман с другой своей натурщицей, Фернандой Оливье, Мадлен продолжала появляться в его работах в образе матери с дитя – как раз в тот период, когда мог родиться её собственный ребёнок.
И именем Фернанды Оливье связывают окончание «голубого периода» Пикассо и начало «розового», когда в его палитре начали доминировать тёплые цвета. Однако депрессия художника не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за розовым), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни. Современники Пикассо даже не делали различий между «голубым» и «розовым» периодами, считая их одним.
Постоянной темой «голубого периода» Пикассо, перешедшей и в «розовый», стала безысходность социальных аутсайдеров – заключённых, нищих, артистов цирка, бедняков или других отчаявшихся. Эта тема отвечала не только его настроению, но и духу времени, художественному и интеллектуальному авангарду начала XX века.
Автор текста: Влад Маслов
Artchive
"Голубой период" Пикассо, 1901-1904
"Голубой период" Пикассо, 1901-1904. Подробности читайте в Артхиве.
А вот хорошая новость!
Джулиан Барнс написал роман о французском гинекологе Самюэле Поцци (эффектный портрет которого ещё раньше написал Джон Сингер Сарджент). И к лету обещают русский перевод.
А пока можно почитать материал Артхива о книге Барнса "Открой глаза" - это сборник эссе о любимых художниках писателя.
Или посмотреть работы художника Сарджента - их в Артхиве более 1800!
Джулиан Барнс написал роман о французском гинекологе Самюэле Поцци (эффектный портрет которого ещё раньше написал Джон Сингер Сарджент). И к лету обещают русский перевод.
А пока можно почитать материал Артхива о книге Барнса "Открой глаза" - это сборник эссе о любимых художниках писателя.
Или посмотреть работы художника Сарджента - их в Артхиве более 1800!
#весну_не_могут_отменить
Джон Джеймс Одюбон. Колибри (растение - Cleome heptaphylla)
Одюбон - автор знаменитой иллюстрированной книги "Птицы Америки", это самая дорогая печатная книга, когда-либо проданная на аукционе. Он родился 235 лет назад - 26 апреля 1785 года.
Все 435 иллюстраций из книги "Птицы Америки" доступны онлайн.
Джон Джеймс Одюбон. Колибри (растение - Cleome heptaphylla)
Одюбон - автор знаменитой иллюстрированной книги "Птицы Америки", это самая дорогая печатная книга, когда-либо проданная на аукционе. Он родился 235 лет назад - 26 апреля 1785 года.
Все 435 иллюстраций из книги "Птицы Америки" доступны онлайн.