В 1515 году Папа Лев X заказал Рафаэлю разработку гобеленов - для того, чтобы вывешивать в Сикстинской капелле в дни особых торжеств. Эти гобелены обошлись папе в 16 тысяч дукатов - это в пять раз больше, чем было заплачено Микеланджело за работу над Сикстинской капеллой. В течение всего одной недели - с 17 по 23 февраля - гобелены Рафаэля снова можно будет увидеть в Сикстинской капелле.
Таким образом Ватикан присоединится к мероприятиям, приуроченным к 500-летию со дня смерти Рафаэля. Также каждый день 2020 года возлагается красная роза на могилу Рафаэля, который похоронен в Пантеоне.
Таким образом Ватикан присоединится к мероприятиям, приуроченным к 500-летию со дня смерти Рафаэля. Также каждый день 2020 года возлагается красная роза на могилу Рафаэля, который похоронен в Пантеоне.
Arthive
Гобелены Рафаэля возвращаются в Сикстинскую капеллу
Большие гобелены, созданные Рафаэлем, ненадолго вернутся в Сикстинскую капеллу. Десять полотен будут доступны публике всего неделю – с 17 по 23 февраля. Их вывесят на уровне глаз на тех местах, для которых они были...
Слева - Альфонс Муха и Мария Хитилова в день их свадьбы. Справа - свадебный подарок для Марушки. Художник сам нарисовал эскиз будущего украшения. Золотое ожерелье украшено амулетами-подвесками из полудрагоценных камней, гроздьями подков и тремя голубками - знаками любви и символами супружества.
История любви Альфонса Мухи и Марии Хитиловой - в новой публикации Артхива.
История любви Альфонса Мухи и Марии Хитиловой - в новой публикации Артхива.
#немного_солнца_в_феврале
Винсент Ван Гог. Цветущий сад. Июль 1888. Холст, масло. 92×73 см. Частная коллекция
Винсент Ван Гог. Цветущий сад. Июль 1888. Холст, масло. 92×73 см. Частная коллекция
Что важнее в изобразительном искусстве - цвет или линия? Это очень давний спор. Иногда дело доходило до прямых столкновений. Например, если по неосторожности устроителя званого ужина в одной гостиной оказывались Делакруа (он воевал на стороне цвета) и Энгр (он был за линию). Среди поздних работ Фернана Леже есть картины, на которых цвет и линия самодостаточны, подчеркнуто независимы и при этом счастливы вместе (1, 2).
Цветные плоскости на картине “Чтение” кажутся случайными, и по своей форме, и особенно - по месту расположения: они не совпадают с изображением объекта, который выписан чёрной (то есть, по сути, бесцветной) линией. В результате же из этого союза независимых рождаются дополнительные смыслы. Если, к примеру, синим раскрасить жакет героини, красным - книгу, а желтым залить весь фон, мы получили бы чуть более понятный, привычный, но ничем не примечательный портрет девушки, а так, когда цвет и линия рассинхронизированы, перед нами - что-то, вызывающее ассоциации с эмблемой или логотипом. Но это уже ближе к дизайну, чем к искусству? Может быть. Это вполне в духе времени: в ХХ веке изображения-иконы дизайнеры создают едва ли не чаще, чем художники.
Изображённая на портрете Надежда Ходасевич (двоюродная сестра поэта Владислава Ходасевича) была женой Фернана Леже в последние три года его жизни. Многие годы до этого - его ученицей и помощницей. А ещё раньше, в России - последовательницей идей Казимира Малевича. Как художница она тоже много размышляла о цвете, линии, форме - так что портрет в таком стилей ей, что называется, к лицу.
Надежда Ходасевич, как и учитель, была членом коммунистической партии. В 60-х она неоднократно приезжала в СССР и передала советским музеям большую коллекцию работ Фернана Леже. Рассказывают, что во время этих визитов в Союз Надежда Леже каждый день появлялась на мероприятиях в новой норковой шубе. И объясняла это как маркетинговую уловку: если ты выглядишь богачкой - люди будут думать, что твои картины хорошо продаются, и захотят что-то купить и себе. Маркетинг и коммунизм - казалось бы, вещи несовместимые. Но, сами видите, совместить можно все что угодно - даже цвет и линию на картине, где у каждого из них главная роль.
Автор: Наталья Кандаурова
Цветные плоскости на картине “Чтение” кажутся случайными, и по своей форме, и особенно - по месту расположения: они не совпадают с изображением объекта, который выписан чёрной (то есть, по сути, бесцветной) линией. В результате же из этого союза независимых рождаются дополнительные смыслы. Если, к примеру, синим раскрасить жакет героини, красным - книгу, а желтым залить весь фон, мы получили бы чуть более понятный, привычный, но ничем не примечательный портрет девушки, а так, когда цвет и линия рассинхронизированы, перед нами - что-то, вызывающее ассоциации с эмблемой или логотипом. Но это уже ближе к дизайну, чем к искусству? Может быть. Это вполне в духе времени: в ХХ веке изображения-иконы дизайнеры создают едва ли не чаще, чем художники.
Изображённая на портрете Надежда Ходасевич (двоюродная сестра поэта Владислава Ходасевича) была женой Фернана Леже в последние три года его жизни. Многие годы до этого - его ученицей и помощницей. А ещё раньше, в России - последовательницей идей Казимира Малевича. Как художница она тоже много размышляла о цвете, линии, форме - так что портрет в таком стилей ей, что называется, к лицу.
Надежда Ходасевич, как и учитель, была членом коммунистической партии. В 60-х она неоднократно приезжала в СССР и передала советским музеям большую коллекцию работ Фернана Леже. Рассказывают, что во время этих визитов в Союз Надежда Леже каждый день появлялась на мероприятиях в новой норковой шубе. И объясняла это как маркетинговую уловку: если ты выглядишь богачкой - люди будут думать, что твои картины хорошо продаются, и захотят что-то купить и себе. Маркетинг и коммунизм - казалось бы, вещи несовместимые. Но, сами видите, совместить можно все что угодно - даже цвет и линию на картине, где у каждого из них главная роль.
Автор: Наталья Кандаурова
Artchive
Фернан Леже - Морская звезда, 1942, 127×147 см: Описание произведения
Фернан Леже - Морская звезда - одно из многих произведений художника. Подробную информацию и описание работы читайте в Артхиве.
С мая по ноябрь 1884 года Михаил Врубель работал над росписью Кирилловской церкви в Киеве. «Богоматерь с Младенцем»⬆️ – один из четырех образов, написанных им для иконостаса в 1885 году. С ним связана история страстной любви, которой воспылал художник к жене своего заказчика, матери троих детей Эмилии Праховой.
Их первая встреча состоялась, когда Врубелю было 28 лет, а ей – 35. Эмилия была гражданкой Франции, хотя родилась в Санкт-Петербурге. Она окончила консерваторию по классу фортепиано и брала уроки у Ференца Листа. Несмотря на хорошее образование, Эмилия славилась своей эксцентричностью; ее потомки называли ее «дамой с придурью». «В нашей семье знали, что нельзя во время семейной трапезы огорчать бабулю – ведь она могла, не моргнув глазом, вылить чай за шиворот кому-то из сидящих, или разбить чашку о пол. Она была довольно властным человеком – эдакая домашняя Салтычиха», – вспоминала ее правнучка, художница Александра Прахова.
По ее словам, Эмилии льстила любовь Врубеля, но ответных чувств к нему у нее никогда не было, ведь он вел себя «странно и просто по-детски». Однажды, к примеру, он пришел к ним в гости с носом, выкрашенным зеленой краской. На вопрос Праховой о причине этого грима художник простодушно ответил «Так красиво же!»
А в другой раз художник принес Эмилии одну из своих акварелей в подарок – «Восточную сказку». Зная о проблемах Врубеля со средствами на существование, Прахова предложила ему показать ее известному киевскому меценату Ивану Терещенко. Пылкий поклонник был настолько обижен, что просто изорвал акварель в клочья и поспешно ретировался. Спустя несколько дней он прибыл с извинениями и получил свой рисунок в заклеенном виде.
Поначалу чета Праховых не очень тяготилась выходками и чувствами эксцентричного художника, но в конце концов, когда его визиты к ним на дачу стали слишком частыми, его отослали в Венецию – «изучать византийское искусство». Там Врубель работал над всеми четырьмя образами для иконостаса Кирилловской церкви, и над «Богоматерью с младенцем» в том числе.
Одно время у него в Венеции гостил Николай Мурашко. Увидев начатый образ Богоматери, он обратил внимание, что ее «тип» написан с их общей знакомой – Эмилии Праховой. «Это было ярко выражено, и я не мог этого не заметить, – писал Мурашко в своих воспоминаниях. – Врубель рассмеялся:
– А вы узнали?
– Да, только вы дали ей другое выражение; в натуре это неудержимая крикуха, а у вас – кроткое, тихое выражение.
– Разве она крикуха? Нет, это вы ее не знаете. Видимо, у нас от одного и того же субъекта были различные впечатления».
Прообразом Младенца на коленях у Богоматери стала ее младшая дочь Ольга: ей было пять лет на момент написания картины. Именно ей Прахова доверила поручение сжечь все письма Врубеля после своей смерти, и этот факт принимается некоторыми как доказательство романа между ними.
Другие же считают, что эти отношения послужили причиной того, что Прахов отстранил Врубеля от росписи строящегося в Киеве Владимирского собора – художнику доверили лишь мелкие работы с орнаментом. Но мнение Таисии Мазюк, которая жила с юности в семье Праховых, опровергает эти домыслы. «Искусствовед прекрасно знал цену этому художнику, – рассказала она в интервью. – И говорил, что будь его воля, построил бы храм, который предложил расписывать только Врубелю – такому таланту нужны другие стены. Врубель не вписывался в компанию с такими традиционными художниками, как Васнецов и Нестеров». Кроме того, он даже опоздал на полгода с предоставлением эскизов для Владимирского собора.
Автор: Наталья Азаренко
Их первая встреча состоялась, когда Врубелю было 28 лет, а ей – 35. Эмилия была гражданкой Франции, хотя родилась в Санкт-Петербурге. Она окончила консерваторию по классу фортепиано и брала уроки у Ференца Листа. Несмотря на хорошее образование, Эмилия славилась своей эксцентричностью; ее потомки называли ее «дамой с придурью». «В нашей семье знали, что нельзя во время семейной трапезы огорчать бабулю – ведь она могла, не моргнув глазом, вылить чай за шиворот кому-то из сидящих, или разбить чашку о пол. Она была довольно властным человеком – эдакая домашняя Салтычиха», – вспоминала ее правнучка, художница Александра Прахова.
По ее словам, Эмилии льстила любовь Врубеля, но ответных чувств к нему у нее никогда не было, ведь он вел себя «странно и просто по-детски». Однажды, к примеру, он пришел к ним в гости с носом, выкрашенным зеленой краской. На вопрос Праховой о причине этого грима художник простодушно ответил «Так красиво же!»
А в другой раз художник принес Эмилии одну из своих акварелей в подарок – «Восточную сказку». Зная о проблемах Врубеля со средствами на существование, Прахова предложила ему показать ее известному киевскому меценату Ивану Терещенко. Пылкий поклонник был настолько обижен, что просто изорвал акварель в клочья и поспешно ретировался. Спустя несколько дней он прибыл с извинениями и получил свой рисунок в заклеенном виде.
Поначалу чета Праховых не очень тяготилась выходками и чувствами эксцентричного художника, но в конце концов, когда его визиты к ним на дачу стали слишком частыми, его отослали в Венецию – «изучать византийское искусство». Там Врубель работал над всеми четырьмя образами для иконостаса Кирилловской церкви, и над «Богоматерью с младенцем» в том числе.
Одно время у него в Венеции гостил Николай Мурашко. Увидев начатый образ Богоматери, он обратил внимание, что ее «тип» написан с их общей знакомой – Эмилии Праховой. «Это было ярко выражено, и я не мог этого не заметить, – писал Мурашко в своих воспоминаниях. – Врубель рассмеялся:
– А вы узнали?
– Да, только вы дали ей другое выражение; в натуре это неудержимая крикуха, а у вас – кроткое, тихое выражение.
– Разве она крикуха? Нет, это вы ее не знаете. Видимо, у нас от одного и того же субъекта были различные впечатления».
Прообразом Младенца на коленях у Богоматери стала ее младшая дочь Ольга: ей было пять лет на момент написания картины. Именно ей Прахова доверила поручение сжечь все письма Врубеля после своей смерти, и этот факт принимается некоторыми как доказательство романа между ними.
Другие же считают, что эти отношения послужили причиной того, что Прахов отстранил Врубеля от росписи строящегося в Киеве Владимирского собора – художнику доверили лишь мелкие работы с орнаментом. Но мнение Таисии Мазюк, которая жила с юности в семье Праховых, опровергает эти домыслы. «Искусствовед прекрасно знал цену этому художнику, – рассказала она в интервью. – И говорил, что будь его воля, построил бы храм, который предложил расписывать только Врубелю – такому таланту нужны другие стены. Врубель не вписывался в компанию с такими традиционными художниками, как Васнецов и Нестеров». Кроме того, он даже опоздал на полгода с предоставлением эскизов для Владимирского собора.
Автор: Наталья Азаренко
Arthive
Как Михаил Врубель в Киеве был: маршрутами страстей
Михаил Врубель, еще не успев окончить Петербургскую Академию, приехал в Киев расписывать древнерусский собор. Он еще не знал, что проведет здесь целых шесть лет, откроет для себя удивительный мир византийского искусства...
#немного_солнца_в_феврале
Чайльд Гассам. Арка в Вашингтоне, весна. 1893. Холст, масло. 68.9×57.1 см. 85×126 см. Собрание Филлипс, Вашингтон
Чайльд Гассам. Арка в Вашингтоне, весна. 1893. Холст, масло. 68.9×57.1 см. 85×126 см. Собрание Филлипс, Вашингтон
Это Музей Pass. Его построили в 2010 году в Альпах из цельного бетонного блока, застекленного с двух сторон. Строение спроектировал итальянский архитектор Вернер Чолл. Музей расположен на самой верхней точке 12-километрового перевала, соединяющего Австрию и Италию, и посвящен обитателям и героям Южного и Северного Тироля. Этот проект демонстрирует возможности бетонной архитектуры, которые граничат почти с магией: за счет уникальной конструкции здание парит над горами и серьезно соперничает в зрелищности с окружающими видами.
Музей - один из шедевров брутализма. Каковы приметы этого архитектурного стиля и что ещё можно сотворить из бетона - рассказываем в новом материале из Энциклопедии Артхива.
Музей - один из шедевров брутализма. Каковы приметы этого архитектурного стиля и что ещё можно сотворить из бетона - рассказываем в новом материале из Энциклопедии Артхива.
Сегодня день памяти Густава Климта - художник умер 6 февраля 1918 года. Вот, что можно почитать и посмотреть о нём:
- Последними словами Климта были: «Эмилия должна прийти». Рассказываем, кто такая Эмилия.
- Три фильма о Климте и его творчестве - выбирайте, что посмотреть.
- Видео Артхива о бесконечных пейзажах Климта.
- Климт и ещё 9 художников, которые любили кошек.
- Последними словами Климта были: «Эмилия должна прийти». Рассказываем, кто такая Эмилия.
- Три фильма о Климте и его творчестве - выбирайте, что посмотреть.
- Видео Артхива о бесконечных пейзажах Климта.
- Климт и ещё 9 художников, которые любили кошек.
Загадка от Артхива
Автор этой картины – британская художница Элеанор Фортескью- Брикдейл (1872 – 1945). Но вопрос не о ней. Как видите, на картине изображена сцена в мастерской художника. Художник – знаменитый, жил давно.
ВОПРОС: Как зовут художника, изображённого на картине?
Варианты ответа – в следующем посте, а правильный ответ с подробностями опубликуем завтра.
⬇️
Автор этой картины – британская художница Элеанор Фортескью- Брикдейл (1872 – 1945). Но вопрос не о ней. Как видите, на картине изображена сцена в мастерской художника. Художник – знаменитый, жил давно.
ВОПРОС: Как зовут художника, изображённого на картине?
Варианты ответа – в следующем посте, а правильный ответ с подробностями опубликуем завтра.
⬇️
Как зовут художника, изображённого на картине из предыдущего поста?
Anonymous Quiz
35%
Рафаэль Санти
49%
Сандро Боттичелли
5%
Фра Филиппо Липпи
3%
Леонардо да Винчи
6%
Джованни Беллини
2%
Джон Эверетт Милле
#немного_солнца_в_феврале
Казимир Малевич. Яблоня в цвету. 1930. Холст, масло. 57.5×49 см. Русский музей
Казимир Малевич. Яблоня в цвету. 1930. Холст, масло. 57.5×49 см. Русский музей
В апреле 1764 года неожиданно умерла 42-летняя маркиза де Помпадур, а в мастерской её любимого скульптора Этьена Мориса Фальконе осталась незаконченной последняя из заказанных ею статуй – ⬆️мраморная «Зима».
Фальконе недаром считался любимым мастером всесильной де Помпадур, сделавшей его главным скульптором Севрской фарфоровой мануфактуры. Статуи работы Фальконе украшали загородную резиденцию маркизы – замок Бельвю. Эти статуи – лаконично-утонченные, с идеально выверенными пропорциями – были словно аллегорическими портретами мадам де Помпадур, которой Фальконе искренне восхищался. Красота, веселость и живой ум, остроумие и музыкальность когда-то пленили Людовика XV, сделавшего Жанну Антуанетту Пуассон своей официальной фавориткой. Фальконе нравился её врождённый такт, её редкое умение сочетать безумную роскошь с непринуждённостью. В скульптуре «Аллегория музыки» он изобразил зрительский успех де Помпадур, игравшей главную роль в музыкальном спектакле «Эглэ».
Похоже, и «Зима» тоже могла стать аллегорическим портретом маркизы. Пленительная молодая женщина сидит на ледяном кубе. У её ног – расколовшаяся от замерзшей воды чаша, символ всего неприкаянного и бесприютного в большом неприветливом мире. Но и спасенне – рядом: подолом своего одеяния женщина, словно зима снежной пеленой, грациозно прикрывает цветы. Чем не аллегория покровительства, которое маркиза охотно и щедро оказывала скульпторам, художникам, музыкантам?..
— Это, может быть, самая лучшая вещь, какую я мог сделать, и я смею думать, что она хороша, — напишет Фальконе позже.
Помпадур умерла, не успев оплатить заказ. Фальконе пришлось нелегко, он рассчитывал на эти деньги, тем более что истратил на материал для скульптуры немалые собственные средства. С превеликим трудом, при помощи маркиза де Мариньи, брата мадам Помпадур и директора Королевских строений, Фальконе удалось перевести заказ «Зимы» на счет короля вместо заказанной ему ранее статуи «Минерва». «Зиму», как только скульптор её закончит, планировали разместить в Ботаническом саду Малого Трианона.
Но попасть в Трианон фальконетовской «Зиме» была не судьба. Воля, а вернее ирония судьбы была в том, что у этой скульптуры должна была появиться новая покровительница – и (хоть это было почти невозможно себе представить) еще более всемогущая, чем прежняя!
В середине 1760-х годов Фальконе, по рекомендации своего друга, философа Дени Дидро получает приглашение в Россию для создания монумента «преобразователю и законодателю» Петру I. После обстоятельных переговоров, которые вели с российской стороной Дидро и Мариньи, императрица Екатерина II соглашается к моменту приезда Фальконе в Россию приобрести за счет российской казны и все незаконченные работы из его мастерской. В их число, разумеется, попадает и «Зима».
Так статуя последовала за скульптором далекую северную страну.
Долгое время Фальконе был занят своим основным проектом, а к доработке «Зимы» возвращался только время от времени. Она будет завершена только через 5 лет после приезда в Россию, в 1771 году. В оживлённой переписке тех лет, завязавшейся между скульптором и императрицей, иногда упоминается и «Зима» - Екатерина сообщает, что наслышана о красоте статуи. «Я обещаю Вам после своего возвращения большое восхищение Вашей статуей Зимы, которая, как говорят, чудесна», – писала она.
Стороны куба, на котором сидит Зима, украшены изображением зодиакальных знаков зимних меяцев. Сначала скульптуру хотели поместить в Ботаническом саду. Но потом было решено отправить её в Гатчину, где «Зима» украшала дворец престолонаследника Павла I. В 1932 году из Гатчинского дворца-музея «Зима» была передана в Государственный Эрмитаж. «В строгой простоте композиции, четком замкнутом контуре фигуры, реалистической трактовке деталей проявляется умение скульптора тонко сочетать условность языка аллегории с верностью натуре, – говорится на сайте музея. – Современники считали эту статую шедевром».
Анна Вчерашняя
Фальконе недаром считался любимым мастером всесильной де Помпадур, сделавшей его главным скульптором Севрской фарфоровой мануфактуры. Статуи работы Фальконе украшали загородную резиденцию маркизы – замок Бельвю. Эти статуи – лаконично-утонченные, с идеально выверенными пропорциями – были словно аллегорическими портретами мадам де Помпадур, которой Фальконе искренне восхищался. Красота, веселость и живой ум, остроумие и музыкальность когда-то пленили Людовика XV, сделавшего Жанну Антуанетту Пуассон своей официальной фавориткой. Фальконе нравился её врождённый такт, её редкое умение сочетать безумную роскошь с непринуждённостью. В скульптуре «Аллегория музыки» он изобразил зрительский успех де Помпадур, игравшей главную роль в музыкальном спектакле «Эглэ».
Похоже, и «Зима» тоже могла стать аллегорическим портретом маркизы. Пленительная молодая женщина сидит на ледяном кубе. У её ног – расколовшаяся от замерзшей воды чаша, символ всего неприкаянного и бесприютного в большом неприветливом мире. Но и спасенне – рядом: подолом своего одеяния женщина, словно зима снежной пеленой, грациозно прикрывает цветы. Чем не аллегория покровительства, которое маркиза охотно и щедро оказывала скульпторам, художникам, музыкантам?..
— Это, может быть, самая лучшая вещь, какую я мог сделать, и я смею думать, что она хороша, — напишет Фальконе позже.
Помпадур умерла, не успев оплатить заказ. Фальконе пришлось нелегко, он рассчитывал на эти деньги, тем более что истратил на материал для скульптуры немалые собственные средства. С превеликим трудом, при помощи маркиза де Мариньи, брата мадам Помпадур и директора Королевских строений, Фальконе удалось перевести заказ «Зимы» на счет короля вместо заказанной ему ранее статуи «Минерва». «Зиму», как только скульптор её закончит, планировали разместить в Ботаническом саду Малого Трианона.
Но попасть в Трианон фальконетовской «Зиме» была не судьба. Воля, а вернее ирония судьбы была в том, что у этой скульптуры должна была появиться новая покровительница – и (хоть это было почти невозможно себе представить) еще более всемогущая, чем прежняя!
В середине 1760-х годов Фальконе, по рекомендации своего друга, философа Дени Дидро получает приглашение в Россию для создания монумента «преобразователю и законодателю» Петру I. После обстоятельных переговоров, которые вели с российской стороной Дидро и Мариньи, императрица Екатерина II соглашается к моменту приезда Фальконе в Россию приобрести за счет российской казны и все незаконченные работы из его мастерской. В их число, разумеется, попадает и «Зима».
Так статуя последовала за скульптором далекую северную страну.
Долгое время Фальконе был занят своим основным проектом, а к доработке «Зимы» возвращался только время от времени. Она будет завершена только через 5 лет после приезда в Россию, в 1771 году. В оживлённой переписке тех лет, завязавшейся между скульптором и императрицей, иногда упоминается и «Зима» - Екатерина сообщает, что наслышана о красоте статуи. «Я обещаю Вам после своего возвращения большое восхищение Вашей статуей Зимы, которая, как говорят, чудесна», – писала она.
Стороны куба, на котором сидит Зима, украшены изображением зодиакальных знаков зимних меяцев. Сначала скульптуру хотели поместить в Ботаническом саду. Но потом было решено отправить её в Гатчину, где «Зима» украшала дворец престолонаследника Павла I. В 1932 году из Гатчинского дворца-музея «Зима» была передана в Государственный Эрмитаж. «В строгой простоте композиции, четком замкнутом контуре фигуры, реалистической трактовке деталей проявляется умение скульптора тонко сочетать условность языка аллегории с верностью натуре, – говорится на сайте музея. – Современники считали эту статую шедевром».
Анна Вчерашняя
Artchive
Франсуа Буше: портрет мадам де Помпадур с описанием
На сайте Artchive.ru вы можете насладиться одной из самых известных картин Франсуа Буше "Портрет маркизы де Помпадур". Картина представлена на сайте в отличном качестве и имеет подробное описание. Знакомьтесь с лучшими художниками и их работами вместе с Артхивом!
Ответ на вчерашнюю загадку
Загаданная картина называется «Мастерская Боттичелли. Первый визит Симонетты в сопровождении Джулиано и Лоренцо Медичи» (автор - Элеанор Фортескью-Брикдейл, 1922). Жирная подсказка номер 1 – картина за спиной художника: это «Мадонна Магнификат» Боттичелли. Подсказка номер два – причёска дамы, которую привели к художнику в мастерскую. С такой причёской, в образе Клеопатры, Симонетту Веспуччи изобразил как раз не Ботиччелли, а Пьеро ди Козимо. Но, во-первых, его имени не было среди вариантов ответа. Во-вторых, когда Симонетта опознана – уже ясно, как зовут главного певца её красоты: Сандро Боттичелли писал первую флорентийскую красавицу многократно (1, 2, 3).
Загаданная картина называется «Мастерская Боттичелли. Первый визит Симонетты в сопровождении Джулиано и Лоренцо Медичи» (автор - Элеанор Фортескью-Брикдейл, 1922). Жирная подсказка номер 1 – картина за спиной художника: это «Мадонна Магнификат» Боттичелли. Подсказка номер два – причёска дамы, которую привели к художнику в мастерскую. С такой причёской, в образе Клеопатры, Симонетту Веспуччи изобразил как раз не Ботиччелли, а Пьеро ди Козимо. Но, во-первых, его имени не было среди вариантов ответа. Во-вторых, когда Симонетта опознана – уже ясно, как зовут главного певца её красоты: Сандро Боттичелли писал первую флорентийскую красавицу многократно (1, 2, 3).