«Непревзойденными останутся глаз, принюхивающийся нос, висящее правое и стоящее торчком левое ухо, разнообразие волосяного покрова, который на ушах совершенно иной, чем на влажной шее и спине, не говоря уже о похожих на нити волосках усов. Недостижимой осталась та высшая степень выразительности, когда произведение взывает не только к глазу зрителя, но и в такой же степени к чувству осязания, так что появляется желание прикоснуться и провести по шерсти взад и вперед».
(Куно Миттельштэд, искусствовед, автор книги «Альбрехт Дюрер»)
Среди работ Альбрехта Дюрера сохранилось множество натуралистических зарисовок: краб, возможно попавшийся художнику ещё во время его первого путешествия в Италию, огромный жук с причудливыми рогами, переливающееся волшебными оттенками синего крыло мёртвой сизоворонки, хмурый морж и даже экзотический носорог (которого Дюрер никогда не видел). Но отчего-то самой известной стала небольшая работа, изображающая обыкновенного зайца.
Условно её можно назвать «акварелью», хотя помимо акварели художник использовал гуашь и белила. Дюрер известен, как один из первых мастеров, работавших акварелью, но его техника отличается от привычной нам – она многослойна и при этом настолько изящно-графична, что напоминает рисунок цветными карандашами по прозрачно-тёмной заливке. Пушистый мех зайца Дюрер передал при помощи тысяч тонких мазков – серых, коричневых, рыжевато-бежевых и белильных, коротких и длинных, безупречно передающих короткие волоски на ушах зверька, длинную шерсть на его боках, чуть вьющуюся – на шее и мордочке.
Нельзя сказать, чтобы «зайчик» Дюрера был первым зайцем в искусстве – благодаря богатейшей символике, связанной с этим животным, зайцев полно и в живописи, и в скульптуре, и, особенно в миниатюре, где они могут означать осторожность и трусость, плодовитость и сладострастие и даже (но только белые) целомудрие. Новизна дюреровского зайца в том, что он – просто заяц, обычный заяц, ничего не символизирующий заяц, по легенде, подобранный и принесённый в мастерскую самим художником. Всмотревшись, мы даже можем разглядеть в тёмном, выпуклом глазе зверька отражение оконного переплёта. Впрочем, некоторые искусствоведы считают, что этот приём Дюрер позаимствовал у нидерландских мастеров, оставлявших отражение окна то в выпуклом зеркале, то в бокале, то в блестящем шлеме воина.
Судя по тому, что «Заяц» – один из первых подписанных и датированных рисунков Дюрера, сам автор ценил свою работу. Поклонники таланта художника её тоже оценили: в 1519 году рисунок приобрел нюрнбергский коллекционер Виллибальд Имгоф, и, вероятно, именно он предоставил доступ для его многократного копирования. В настоящее время известно 13 вариантов работы, в том числе и с фальшивой подписью Дюрера, выполненные, преимущественно в XVI веке. «Фальшивый заяц Дюрера» Ханса Хоффмана (1530-1591) датирован 1528 годом - годом смерти Дюрера. Это не единственная вариация работы, выполненная этим художником.
В 1588 году рисунок Дюрера оказался в коллекции императора Рудольфа II, в 1783 году попал в придворную библиотеку, потом стал собственностью герцога Альберта Саксен-Тешенского и, наконец, безопасно устроился в хранилище музея Альбертина. Да – именно в хранилище, потому что, как и большинство акварельных и пастельных работ, «Заяц» не любит света и оказывается на публике чрезвычайно редко, предоставив эту честь своей максимально точной копии.
(Куно Миттельштэд, искусствовед, автор книги «Альбрехт Дюрер»)
Среди работ Альбрехта Дюрера сохранилось множество натуралистических зарисовок: краб, возможно попавшийся художнику ещё во время его первого путешествия в Италию, огромный жук с причудливыми рогами, переливающееся волшебными оттенками синего крыло мёртвой сизоворонки, хмурый морж и даже экзотический носорог (которого Дюрер никогда не видел). Но отчего-то самой известной стала небольшая работа, изображающая обыкновенного зайца.
Условно её можно назвать «акварелью», хотя помимо акварели художник использовал гуашь и белила. Дюрер известен, как один из первых мастеров, работавших акварелью, но его техника отличается от привычной нам – она многослойна и при этом настолько изящно-графична, что напоминает рисунок цветными карандашами по прозрачно-тёмной заливке. Пушистый мех зайца Дюрер передал при помощи тысяч тонких мазков – серых, коричневых, рыжевато-бежевых и белильных, коротких и длинных, безупречно передающих короткие волоски на ушах зверька, длинную шерсть на его боках, чуть вьющуюся – на шее и мордочке.
Нельзя сказать, чтобы «зайчик» Дюрера был первым зайцем в искусстве – благодаря богатейшей символике, связанной с этим животным, зайцев полно и в живописи, и в скульптуре, и, особенно в миниатюре, где они могут означать осторожность и трусость, плодовитость и сладострастие и даже (но только белые) целомудрие. Новизна дюреровского зайца в том, что он – просто заяц, обычный заяц, ничего не символизирующий заяц, по легенде, подобранный и принесённый в мастерскую самим художником. Всмотревшись, мы даже можем разглядеть в тёмном, выпуклом глазе зверька отражение оконного переплёта. Впрочем, некоторые искусствоведы считают, что этот приём Дюрер позаимствовал у нидерландских мастеров, оставлявших отражение окна то в выпуклом зеркале, то в бокале, то в блестящем шлеме воина.
Судя по тому, что «Заяц» – один из первых подписанных и датированных рисунков Дюрера, сам автор ценил свою работу. Поклонники таланта художника её тоже оценили: в 1519 году рисунок приобрел нюрнбергский коллекционер Виллибальд Имгоф, и, вероятно, именно он предоставил доступ для его многократного копирования. В настоящее время известно 13 вариантов работы, в том числе и с фальшивой подписью Дюрера, выполненные, преимущественно в XVI веке. «Фальшивый заяц Дюрера» Ханса Хоффмана (1530-1591) датирован 1528 годом - годом смерти Дюрера. Это не единственная вариация работы, выполненная этим художником.
В 1588 году рисунок Дюрера оказался в коллекции императора Рудольфа II, в 1783 году попал в придворную библиотеку, потом стал собственностью герцога Альберта Саксен-Тешенского и, наконец, безопасно устроился в хранилище музея Альбертина. Да – именно в хранилище, потому что, как и большинство акварельных и пастельных работ, «Заяц» не любит света и оказывается на публике чрезвычайно редко, предоставив эту честь своей максимально точной копии.
Artchive
Ганс Хоффманн - Фальшивый заяц Дюрера, 1528, 27×35 см: Описание произведения
Ганс Хоффманн - Фальшивый заяц Дюрера - одно из многих произведений художника. Подробную информацию и описание работы читайте в Артхиве.
Яцек Мальчевский. Смерть. 1917. Частная коллекция
Тема смерти очень волновала этого польского художника. Он рассмотрел её буквально со всех сторон.
Из биографии художника вы узнаете, что пробудило в нём этот интерес. А ниже найдёте 162 его работы.
Тема смерти очень волновала этого польского художника. Он рассмотрел её буквально со всех сторон.
Из биографии художника вы узнаете, что пробудило в нём этот интерес. А ниже найдёте 162 его работы.
У Гюстава Курбе было непомерное эго. Он обожал находиться в центре всеобщего внимания, был шумен, самонадеян, категоричен в суждениях и чрезвычайно падок на лесть. Если Курбе не хвалили окружающие, он громогласно делал это сам. Гюстав не сомневался, что он хорош во всем, за что бы ни взялся. К примеру, он мнил себя великим певцом (хотя те, кто слышал его пение, считали, что главное достоинство его голоса — громкость). Его, не без оснований, считали нарциссом — для Курбе не было более желанной модели, чем он сам. Он нарисовал великое множество автопортретов, представая то в облике смертельно раненого на дуэли, то придав своему красивому лицу выражение неестественного романтического отчаяния, то глядя с холста «со спокойствием льва, сознающего свою силу».
Однажды он написал отцу, что в Париже ему приходится бывать в обществе, чтобы «не прослыть медведем». На самом деле Курбе добился обратного: громогласный, бравирующий напускным невежеством и провинциальностью, он выглядел совершеннейшим медведем. Один из критиков написал о нем: «Природная мощь Курбе бьет все мыслимые рекорды — это он орет громче всех, это он выпивает наибольшее количество кружек пива, это он несет с охоты самую крупную добычу, это он меньше чем за два часа рисует пейзаж».
Несмотря на все это, Курбе многие любили — противиться его обаянию было сложно.
Однажды он написал отцу, что в Париже ему приходится бывать в обществе, чтобы «не прослыть медведем». На самом деле Курбе добился обратного: громогласный, бравирующий напускным невежеством и провинциальностью, он выглядел совершеннейшим медведем. Один из критиков написал о нем: «Природная мощь Курбе бьет все мыслимые рекорды — это он орет громче всех, это он выпивает наибольшее количество кружек пива, это он несет с охоты самую крупную добычу, это он меньше чем за два часа рисует пейзаж».
Несмотря на все это, Курбе многие любили — противиться его обаянию было сложно.
Летом 1888 года Винсент Ван Гог живет на юге Франции, в Арле, где пишет самые знаменитые свои картины. В июне художник решил отправиться к морю – в маленькую рыбацкую деревушку Сент-Мари-де-ла-Мер. Винсент надеялся, что морской воздух поправит его слабое здоровье, которое с каждым годом лишь ухудшалось из-за недоедания и алкогольных возлияний. В недельную поездку Ван Гог взял с собой три холста и несколько листов бумаги. Картина «Море в Сент-Мари» стала одним из двух морских пейзажей, написанных художником во время этого «отпуска». На третьем холсте Винсент изобразил белые деревенские домики.
В Сент-Мари-де-ла-Мер художника сильнее всего восхищало Средиземное море. Оно было совсем не похоже на неприветливое и мрачное Северное море, которое он писал в Схевенингене. В одном из писем Тео Ван Гог пишет: «Средиземное море по цвету похоже на макрель. Такое же переменчивое. Невозможно назвать его зеленым или фиолетовым. Нельзя даже сказать, что оно синее, потому что в следующий момент свет изменится – и оно приобретет серый или розовый оттенок». В этом отношении можно сказать, что «Море в Сент-Мари» - одна из самых импрессионистских работ Винсента, поскольку он потратил довольно много времени на то, чтобы «поймать» и отобразить правильный свет.
Кроме прочего, эта картина помогла исследователям творчества Ван Гога лучше понять технику его работы. По словам экспертов из Музея Ван Гога в Амстердаме, на этом полотне в красках были обнаружены крупицы песка. Это позволило сделать вывод, что Винсент наносил на холст слой краски, затем ее обдувало песком, и после этого художник наносил еще один слой, до того, как первый успевал высохнуть. Песчинки разносились кистью по всей поверхности полотна, оставляя в краске следы. Кроме того, эксперты установили, что Винсент позже дорабатывал картину в своей студии в Арле.
Судя по всему, эта короткая поездка принесла Ван Гогу и душевный покой. В другом письме брату он пишет: «Однажды ночью я гулял у моря по пустынному пляжу. Мне не было радостно, но и грустно не было. Было… прекрасно. Темно-синее небо испещрено облаками. Одни из них были насыщенного кобальтового цвета, другие – голубовато-белыми, как Млечный путь. В синей глубине мерцали звезды: зеленоватые, желтые, белые, розовые… Бриллианты, изумруды, лазуриты, рубины, сапфиры. Море было глубокого ультрамаринового цвета, а берег – фиолетовым и местами рыжеватым».
В Сент-Мари-де-ла-Мер художника сильнее всего восхищало Средиземное море. Оно было совсем не похоже на неприветливое и мрачное Северное море, которое он писал в Схевенингене. В одном из писем Тео Ван Гог пишет: «Средиземное море по цвету похоже на макрель. Такое же переменчивое. Невозможно назвать его зеленым или фиолетовым. Нельзя даже сказать, что оно синее, потому что в следующий момент свет изменится – и оно приобретет серый или розовый оттенок». В этом отношении можно сказать, что «Море в Сент-Мари» - одна из самых импрессионистских работ Винсента, поскольку он потратил довольно много времени на то, чтобы «поймать» и отобразить правильный свет.
Кроме прочего, эта картина помогла исследователям творчества Ван Гога лучше понять технику его работы. По словам экспертов из Музея Ван Гога в Амстердаме, на этом полотне в красках были обнаружены крупицы песка. Это позволило сделать вывод, что Винсент наносил на холст слой краски, затем ее обдувало песком, и после этого художник наносил еще один слой, до того, как первый успевал высохнуть. Песчинки разносились кистью по всей поверхности полотна, оставляя в краске следы. Кроме того, эксперты установили, что Винсент позже дорабатывал картину в своей студии в Арле.
Судя по всему, эта короткая поездка принесла Ван Гогу и душевный покой. В другом письме брату он пишет: «Однажды ночью я гулял у моря по пустынному пляжу. Мне не было радостно, но и грустно не было. Было… прекрасно. Темно-синее небо испещрено облаками. Одни из них были насыщенного кобальтового цвета, другие – голубовато-белыми, как Млечный путь. В синей глубине мерцали звезды: зеленоватые, желтые, белые, розовые… Бриллианты, изумруды, лазуриты, рубины, сапфиры. Море было глубокого ультрамаринового цвета, а берег – фиолетовым и местами рыжеватым».
Artchive
Винсент Ван Гог - Лодки в Сент-Мари, 05.06.1888, 56×40 см: Описание произведения
Винсент Ван Гог - Лодки в Сент-Мари - одно из многих произведений художника. Подробную информацию и описание работы читайте в Артхиве.
Модный дом Moschino выпустил коллекцию одежды по мотивам произведений Пикассо. В ней прекрасно всё. Все подробности и мнооого платьев в этом материале.
27 сентября - Всемирный день туризма
Жизнь Валентина Серова была путешествием не только в метафорическом смысле. Он с детства привык к разъездам. Четырехлетним гостил в доме Рихарда Вагнера на Люцернском озере, в шесть жил и учился в Мюнхене, к девяти годам — перебрался с матерью в Париж.
С возрастом Валентин Александрович не утратил страсти к перемене мест. Напротив: обычно сдержанный и хмурый дома, он делался энергичен и весел, всякий раз, когда паковал чемоданы.
О путешествиях Валентина Серова: https://artchive.ru/publications/1994~Puteshestvuja_s_mol'bertom_Valentin_Serov
Жизнь Валентина Серова была путешествием не только в метафорическом смысле. Он с детства привык к разъездам. Четырехлетним гостил в доме Рихарда Вагнера на Люцернском озере, в шесть жил и учился в Мюнхене, к девяти годам — перебрался с матерью в Париж.
С возрастом Валентин Александрович не утратил страсти к перемене мест. Напротив: обычно сдержанный и хмурый дома, он делался энергичен и весел, всякий раз, когда паковал чемоданы.
О путешествиях Валентина Серова: https://artchive.ru/publications/1994~Puteshestvuja_s_mol'bertom_Valentin_Serov
Arthive
Путешествуя с мольбертом: Валентин Серов
Несколько точек на карте, сыгравших важную роль в жизни и творчестве художника
Жан Жиро (Мёбиус). Арзак и белый Птероид
Этой парочке посвящён комикс и анимационный фильм "Арзак". А эта работа французского художника сейчас представлена на его персональной выставке.
Этой парочке посвящён комикс и анимационный фильм "Арзак". А эта работа французского художника сейчас представлена на его персональной выставке.
А вот и результаты голосования за самые красивые руки в изобразительном искусстве. Десятка самых-самых:
https://artchive.ru/news/4178~Samye_krasivye_ruki_v_izobrazitel'nom_iskusstve_po_versii_chitatelej_Artkhiva_TOP10
https://artchive.ru/news/4178~Samye_krasivye_ruki_v_izobrazitel'nom_iskusstve_po_versii_chitatelej_Artkhiva_TOP10
Arthive
Самые красивые руки в изобразительном искусстве по версии читателей Артхива: ТОП-10
На протяжении двух недель читатели Артхива выбирали самые красивые руки в живописи и графике. Сначала выдвигали номинантов на странице Артхива в Фейсбуке: набралось 69 произведений - от Микеланжело и Вермеера до Крамского...
Ну, допустим, из конфет и овощей букеты давно уже делают. До борща остался один шаг...:)
В основе мема - работа французского художника Жана-Луи Форена. Смотрите, что у него ещё есть.
В основе мема - работа французского художника Жана-Луи Форена. Смотрите, что у него ещё есть.
Воскресный дайджест. Самые интересные материалы, вышедшие в Артхиве на этой неделе:
1. В октябре в венском Музее истории искусств откроется грандиозная выставка «Караваджо и Бернини»: около 70-ти шедевров – не только заявленных в названии гениев, но также Артемизии Джентилески, Аннибале Карраччи, Гвидо Рени и других. Кстати, не менее грандиозная выставка Дюрера уже работает в Вене с сентября – так что можно убить сразу двух зайцев (дюреровского не трогать!:))
2. А в парижском Гран-Пале с 9 октября можно посетить ретроспективу Тулуз-Лотрека. Художник, согласно распространённому мнению, был поклонником и завсегдатаем кабаре и борделей, а свою распутную жизнь и своё окружение изображал стремительно и карикатурно. Кураторы выставки решили отойти от этой застарелой легенды и вместо этого сосредоточиться на работах Тулуз-Лотрека, его амбициях, его значении и его бесконечной открытости миру, который он страстно изучал и воспевал.
3. Модный дом Moschino выпустил коллекцию одежды и аксессуаров по мотивам картин Пабло Пикассо.
4. Похититель картины Куинджи «Ай-Петри. Крым» приговорён к трём годам колонии.
5. Дудлы от Google, посвященные искусству: как их придумывают плюс подборка самых интересных.
6. Семь известных художников, которые спрятали автопортреты на своих картинах (но так, чтобы мы их всё-таки нашли).
7. Читатели Артхива выбрали картины и рисунки с самыми красивыми руками в изобразительном искусстве: на 10-м месте работа Тропинина, на 9-м Эшер, на 8-м Микеланджело…
Приятного чтения!
1. В октябре в венском Музее истории искусств откроется грандиозная выставка «Караваджо и Бернини»: около 70-ти шедевров – не только заявленных в названии гениев, но также Артемизии Джентилески, Аннибале Карраччи, Гвидо Рени и других. Кстати, не менее грандиозная выставка Дюрера уже работает в Вене с сентября – так что можно убить сразу двух зайцев (дюреровского не трогать!:))
2. А в парижском Гран-Пале с 9 октября можно посетить ретроспективу Тулуз-Лотрека. Художник, согласно распространённому мнению, был поклонником и завсегдатаем кабаре и борделей, а свою распутную жизнь и своё окружение изображал стремительно и карикатурно. Кураторы выставки решили отойти от этой застарелой легенды и вместо этого сосредоточиться на работах Тулуз-Лотрека, его амбициях, его значении и его бесконечной открытости миру, который он страстно изучал и воспевал.
3. Модный дом Moschino выпустил коллекцию одежды и аксессуаров по мотивам картин Пабло Пикассо.
4. Похититель картины Куинджи «Ай-Петри. Крым» приговорён к трём годам колонии.
5. Дудлы от Google, посвященные искусству: как их придумывают плюс подборка самых интересных.
6. Семь известных художников, которые спрятали автопортреты на своих картинах (но так, чтобы мы их всё-таки нашли).
7. Читатели Артхива выбрали картины и рисунки с самыми красивыми руками в изобразительном искусстве: на 10-м месте работа Тропинина, на 9-м Эшер, на 8-м Микеланджело…
Приятного чтения!
Arthive
Караваджо и Бернини сводит в одном пространстве Музей истории искусств в Вене
Экстравагантный визуальный спектакль готовится представить в своих стенах Музей истории искусств в Вене. В середине октября он откроет выставку, в центре которой будут находиться два титана искусства XVII века –...
«Чудо «Вирсавии» Рембрандта, нагого тела, которому позволена мысль, больше никогда не повторилось», – писал знаменитый искусствовед Кеннет Кларк. Он знал, о чём говорит: автору обширного исследования «Нагота в искусстве», Кларку было с кем сравнить рембрандовскую героиню. Однако именно луврскую «Вирсавию» он называет одной из величайших картин с изображением ню в истории. Тысячи художников писали обнажённую женскую плоть – Рембрандт едва ли не единственный (или, скажем осторожнее, один из немногих), кто сумел её одухотворить. Из предмета вожделения и «сосуда греха» обнажённое тело трансформируется у Рембрандта в объект сочувствия и зрительского соучастия.
Сюжет
Вторая книга Царств (11:2-4) рассказывает о царе Давиде, который, гуляя по крыше своего дворца, увидел внизу, в купальне, обнажённую женщину. Она мылась, или, говоря высоким стилем, «совершала туалет» и пробудила у Давида немедленное желание ею обладать. Давид поинтересовался у слуг, кто она. Ему ответили: Вирсавия, дочь Елиама и жена Урии Хеттеянина, одного из самых храбрых твоих воинов. Это не смутило царя: он велел привести Вирсавию в свои покои и спал с нею, а когда она забеременела, отправил её мужа Урию на верную смерть.
«Туалет Вирсавии» – сюжет в искусстве распространённый, со своими сложившимися канонами. Обычно Вирсавию изображали в момент омовения, в окружении одной или нескольких служанок, а где-то в отдалении, на высоте и в темноте, мог скрываться подсматривающий Давид. Молодой Рембрандт 20 лет назад примерно так и трактовал этот сюжет: сейчас его ранний «Туалет Вирсавии» находится в музее Метрополитен.
Но зрелая «Вирсавия» Рембрандта рисует не этот, традиционно изображаемый, а совсем другой момент, для которого в Библии не находится места, но который легко реконструируется из логики повествования. Вирсавия уединилась в купальне с письмом царя Давида. Она беременна, она знает, что не верна мужу, а за это в её мире побивают камнями, и она влюблена. Рембрандт придаёт её лицу мечтательное выражение – выражение, как пишет Кларк, «столь сложное, что мы уходим вслед за её мыслями далеко за пределы запечатлённого момента».
Исследования холста показывают, что изначально он имел более вытянутый формат: Рембрандт урезал его примерно на 10 сантиметров слева и по крайней мере на 20 по высоте. Он стремился уменьшить холст, чтобы усилить воздействие фигуры на зрителя, а рентгенография показывает, что он еще и дополнительно наклонил голову Вирсавии, сделав её вид не только мечтательным, но и удручённым. Отвергнув всю предыдущую традицию (включая даже его кумира Рубенса), изображавшую Вирсавию кокеткой, Рембрандт показывает её страдалицей.
⬇️
Сюжет
Вторая книга Царств (11:2-4) рассказывает о царе Давиде, который, гуляя по крыше своего дворца, увидел внизу, в купальне, обнажённую женщину. Она мылась, или, говоря высоким стилем, «совершала туалет» и пробудила у Давида немедленное желание ею обладать. Давид поинтересовался у слуг, кто она. Ему ответили: Вирсавия, дочь Елиама и жена Урии Хеттеянина, одного из самых храбрых твоих воинов. Это не смутило царя: он велел привести Вирсавию в свои покои и спал с нею, а когда она забеременела, отправил её мужа Урию на верную смерть.
«Туалет Вирсавии» – сюжет в искусстве распространённый, со своими сложившимися канонами. Обычно Вирсавию изображали в момент омовения, в окружении одной или нескольких служанок, а где-то в отдалении, на высоте и в темноте, мог скрываться подсматривающий Давид. Молодой Рембрандт 20 лет назад примерно так и трактовал этот сюжет: сейчас его ранний «Туалет Вирсавии» находится в музее Метрополитен.
Но зрелая «Вирсавия» Рембрандта рисует не этот, традиционно изображаемый, а совсем другой момент, для которого в Библии не находится места, но который легко реконструируется из логики повествования. Вирсавия уединилась в купальне с письмом царя Давида. Она беременна, она знает, что не верна мужу, а за это в её мире побивают камнями, и она влюблена. Рембрандт придаёт её лицу мечтательное выражение – выражение, как пишет Кларк, «столь сложное, что мы уходим вслед за её мыслями далеко за пределы запечатлённого момента».
Исследования холста показывают, что изначально он имел более вытянутый формат: Рембрандт урезал его примерно на 10 сантиметров слева и по крайней мере на 20 по высоте. Он стремился уменьшить холст, чтобы усилить воздействие фигуры на зрителя, а рентгенография показывает, что он еще и дополнительно наклонил голову Вирсавии, сделав её вид не только мечтательным, но и удручённым. Отвергнув всю предыдущую традицию (включая даже его кумира Рубенса), изображавшую Вирсавию кокеткой, Рембрандт показывает её страдалицей.
⬇️
Artchive
Купить цифровую версию картины: Рембрандт Харменс ван Рейн - Туалет Вирсавии, Нью-Йорк
Купить цифровую версию картины «Туалет Вирсавии». В городе Нью-Йорк. Рембрандт Харменс ван Рейн - Туалет Вирсавии - одно из многих произведений художника. Подробную информацию и описание работы читайте в Артхиве.
Прототип Вирсавии Рембрандта
Сами пропорции Вирсавии, конечно же, далеки от классических образцов. Как, впрочем, далеки от них и другие рембрандтовские женщины – независимо от того, одеты они или обнажены. Кеннет Кларк объясняет это стремление Рембрандта писать женские тела, которые традиционная эстетика не может назвать красивыми, его своеобразной честностью: «Мы чувствуем ценность скромной и скрупулёзной честности Рембрандта, ибо этот большой живот, эти тяжелые, трудовые руки и ноги обладают гораздо большим благородством, нежели идеальная форма, скажем, «Венеры Урбинской» Тициана».
Тот, кто знаком с любовной биографией Рембрандта и его женскими портретами, конечно, без труда узнает в его луврской Вирсавии другую женщину – Хендрикье Стоффельс, последнюю возлюбленную Рембрандта. Молодая хорошенькая девушка из солдатской семьи пришла наниматься в экономки к разорившемуся художнику, который был лет на 20 старше её, и осталась в его доме навсегда, разделив с Рембрандтом все невзгоды последних лет его жизни. Она знала, что Рембрандт никогда не женится на ней, ибо связан завещанием Саскии, своей покойной жены. Она старалась не замечать, как шепчутся у неё за спиной, называя подстилкой и падшей женщиной за то, что живёт в невенчанном браке с художником. Она заменила мать сыну Рембрандта Титусу. Она помогла Рембрандту сохранить остатки состояния и собственного достоинства. Будучи беременной, она пережила позорный суд, обличающий её за связь с Рембрандтом. Хендрикье Стоффельс не только подарила Вирсавии плавные очертания своего тела, но и в общих чертах повторила её поступок и её историю. Так что, конечно, луврская картина имела для Рембрандта глубоко интимный подтекст.
Сами пропорции Вирсавии, конечно же, далеки от классических образцов. Как, впрочем, далеки от них и другие рембрандтовские женщины – независимо от того, одеты они или обнажены. Кеннет Кларк объясняет это стремление Рембрандта писать женские тела, которые традиционная эстетика не может назвать красивыми, его своеобразной честностью: «Мы чувствуем ценность скромной и скрупулёзной честности Рембрандта, ибо этот большой живот, эти тяжелые, трудовые руки и ноги обладают гораздо большим благородством, нежели идеальная форма, скажем, «Венеры Урбинской» Тициана».
Тот, кто знаком с любовной биографией Рембрандта и его женскими портретами, конечно, без труда узнает в его луврской Вирсавии другую женщину – Хендрикье Стоффельс, последнюю возлюбленную Рембрандта. Молодая хорошенькая девушка из солдатской семьи пришла наниматься в экономки к разорившемуся художнику, который был лет на 20 старше её, и осталась в его доме навсегда, разделив с Рембрандтом все невзгоды последних лет его жизни. Она знала, что Рембрандт никогда не женится на ней, ибо связан завещанием Саскии, своей покойной жены. Она старалась не замечать, как шепчутся у неё за спиной, называя подстилкой и падшей женщиной за то, что живёт в невенчанном браке с художником. Она заменила мать сыну Рембрандта Титусу. Она помогла Рембрандту сохранить остатки состояния и собственного достоинства. Будучи беременной, она пережила позорный суд, обличающий её за связь с Рембрандтом. Хендрикье Стоффельс не только подарила Вирсавии плавные очертания своего тела, но и в общих чертах повторила её поступок и её историю. Так что, конечно, луврская картина имела для Рембрандта глубоко интимный подтекст.
Arthive
Three women in Rembrandt`s life: a goddess, a mistress and a maid
"Don't ever confuse genius and saint," biographers of Rembrandt warn us, approaching a complex theme of the artist's private life. It's all about love and death, sin and innocence, devotion and betrayal. Arthive is going...