Воскресный дайджест. Самые интересные материалы, вышедшие в Артхиве на этой неделе:
1. Специалисты по исторической реконструкции комментируют картины прерафаэлитов: настоящее ли изображённое ими Средневековье?
2. 10 аргументов в пользу того, что Ван Гог всё-таки покончил с собой, а не был убит.
3. Из имения герцогов Мальборо украли золотой унитаз, являющийся произведением искусства: его автор – Мауриццио Кателлан, унитаз сделан из 18-каратного золота.
4. Театральный музей имени Алексея Бахрушина в социальном проекте «Я тебе не бабушка!» представил своих смотрительниц в стильных и дерзких образах.
5. Музей Стеделийк в Амстердаме завершил крупный пятилетний исследовательский проект, посвящённый материалам и техническим аспектам девяти картин Марка Шагала (1887−1985) из своей коллекции.
6. Печально известная коллекция Гурлитта отправляется в Музей Израиля. Там будет представлено примерно 100 из 1590 объектов, которые отшельник Корнелиус Гурлитт унаследовал от своего отца - торговца произведениями искусства, сотрудничавшего с нацистами.
7. Заветный алтарь «Святая Екатерина» Якопо Тинторетто, принадлежавший Дэвиду Боуи, вернулся в Венецию спустя более 200 лет.
Также на этой неделе Артхив начал вместе с читателями выбирать самые красивые руки в изобразительном искусстве и представил спецпроект к 450-летию со смерти Питера Брейгеля Старшего.
Приятного чтения!
1. Специалисты по исторической реконструкции комментируют картины прерафаэлитов: настоящее ли изображённое ими Средневековье?
2. 10 аргументов в пользу того, что Ван Гог всё-таки покончил с собой, а не был убит.
3. Из имения герцогов Мальборо украли золотой унитаз, являющийся произведением искусства: его автор – Мауриццио Кателлан, унитаз сделан из 18-каратного золота.
4. Театральный музей имени Алексея Бахрушина в социальном проекте «Я тебе не бабушка!» представил своих смотрительниц в стильных и дерзких образах.
5. Музей Стеделийк в Амстердаме завершил крупный пятилетний исследовательский проект, посвящённый материалам и техническим аспектам девяти картин Марка Шагала (1887−1985) из своей коллекции.
6. Печально известная коллекция Гурлитта отправляется в Музей Израиля. Там будет представлено примерно 100 из 1590 объектов, которые отшельник Корнелиус Гурлитт унаследовал от своего отца - торговца произведениями искусства, сотрудничавшего с нацистами.
7. Заветный алтарь «Святая Екатерина» Якопо Тинторетто, принадлежавший Дэвиду Боуи, вернулся в Венецию спустя более 200 лет.
Также на этой неделе Артхив начал вместе с читателями выбирать самые красивые руки в изобразительном искусстве и представил спецпроект к 450-летию со смерти Питера Брейгеля Старшего.
Приятного чтения!
Arthive
Pre-Raphaelite paintings in detail: outfits and armour
In their works, the Pre-Raphaelites often turned to the theme of the Middle Ages and the early Renaissance — the artists were attracted by the beautiful plots of old stories and legends, the exalted relationships...
Картина «Принцип удовольствия», написанная в 1937 году, демонстрирует несколько узнаваемых тем в творчестве Рене Магритта: визуальный и интеллектуальный парадокс, сверхъестественное изменение знакомого и напряжение между видимым и скрытым. Это портрет Эдварда Джеймса, аристократа и наследника миллионов, который превратился в эксцентричного поэта и влиятельного покровителя сюрреалистов. В 1937 году Сальвадор Дали познакомил его с Магриттом, и в течение двух лет Джеймс заказал художнику несколько картин, включая два портрета – эту работу и «Воспроизведение запрещено».
Концепцию «Принципа удовольствия» Магритт представил ещё до встречи с Джеймсом. В 1936 году он сделал похожий набросок тушью на первой странице рукописной книги, посвященной поэту-сюрреалисту Полю Элюару.
В июне 1937 года художник написал Джеймсу: «Я сделал картину с изображением человека, чья голова – это свет… Я полагаю, это предварительный эскиз, в действительности же картина ещё должна быть написана. Но поскольку она предназначается вам, не думаете ли вы, что на ней должна быть узнаваема ваша личность? Если идея вам нравится, всё, что нужно, – это сфотографироваться за столом анфас со скрещёнными руками, лежащими на нём, и положить какой-нибудь камень справа, не слишком далеко от руки». Джеймс поручил сделать такой снимок ещё одному сюрреалисту – Ману Рэю. Когда Магритт завершил картину в сентябре и отослал её заказчику, тот написал в ответ: «Мой друг и я думаем, что это огромный успех, на самом деле гениальная работа».
«Принцип удовольствия» олицетворяет интерес Магритта к тому, что скрыто в нашей визуальной реальности. На протяжении своей карьеры художник использовал сюрреалистические образы, которые противостоят нашему увлечению скрытым, в частности, – скрытые лица. Яблоко закрывает лицо мужчины на культовой картине «Сын человеческий», а белые покрывала – героев «Влюблённых». В одном из своих немногих интервью (а Магритт не выносил публичности и дискуссий о своём творчестве) художник сказал: «Всё видимое что-то скрывает; мы всегда хотим разглядеть скрытое за тем, что видим. Этот интерес может принять форму довольно противоречивого чувства, своего рода конфликта между видимым-скрытым и видимым-очевидным». В «Принципе удовольствия» он строит эту коллизию на одном парадоксе: нам необходим свет, чтобы увидеть, а не заслонить лицо человека в тёмной комнате – так же, как мы ожидаем, что зеркало отразит, а не скроет лицо на полотне «Воспроизведение запрещено».
Название картины относится к ключевому элементу фрейдистского психоанализа, который служил философским основанием для сюрреалистического движения. Однако сам Магритт предостерегал от интерпретаций и анализа своих названий: «Названия картин – это не объяснения, а картины – не иллюстрации названий. Связь между названием и изображением поэтична, то есть она лишь отражает некоторые особенности темы, которые мы обычно не осознаём, но иногда интуитивно понимаем, когда происходят необычные события, которые не удаётся объяснить логически».
Эдвард Джеймс, поэт и страстный коллекционер, сыграл особую роль в развитии сюрреализма, поддерживая таких художников, как Сальвадор Дали, Рене Магритт, Павел Челищев, Леонор Фини и Леонора Каррингтон. Он предоставлял пространство для творчества своим друзьям-живописцам, в частности, первые трое долгое время жили и работали в его домах в Сассексе и Лондоне. Джеймс сделал множество заказов, создав одну из лучших в мире коллекций сюрреалистического искусства (подробнее о нём читайте в материале Артхива «Волшебный сад Эдварда Джеймса – покровителя сюрреалистов»).
«Принцип удовольствия» оставался в собрании Эдварда Джеймса до 1964 года, а затем был передан основанному им Фонду. В 1979 году полотно купил другой частный коллекционер – и оно оставалось в одних руках без малого сорок лет. В ноябре 2018 года картина была выставлена на аукцион Christie’s с предварительной оценкой в 15-20 млн долларов. Окончательная цена (с учётом премии) составила 26,8 миллиона, что стало аукционным рекордом для творений Рене Магритта.
Концепцию «Принципа удовольствия» Магритт представил ещё до встречи с Джеймсом. В 1936 году он сделал похожий набросок тушью на первой странице рукописной книги, посвященной поэту-сюрреалисту Полю Элюару.
В июне 1937 года художник написал Джеймсу: «Я сделал картину с изображением человека, чья голова – это свет… Я полагаю, это предварительный эскиз, в действительности же картина ещё должна быть написана. Но поскольку она предназначается вам, не думаете ли вы, что на ней должна быть узнаваема ваша личность? Если идея вам нравится, всё, что нужно, – это сфотографироваться за столом анфас со скрещёнными руками, лежащими на нём, и положить какой-нибудь камень справа, не слишком далеко от руки». Джеймс поручил сделать такой снимок ещё одному сюрреалисту – Ману Рэю. Когда Магритт завершил картину в сентябре и отослал её заказчику, тот написал в ответ: «Мой друг и я думаем, что это огромный успех, на самом деле гениальная работа».
«Принцип удовольствия» олицетворяет интерес Магритта к тому, что скрыто в нашей визуальной реальности. На протяжении своей карьеры художник использовал сюрреалистические образы, которые противостоят нашему увлечению скрытым, в частности, – скрытые лица. Яблоко закрывает лицо мужчины на культовой картине «Сын человеческий», а белые покрывала – героев «Влюблённых». В одном из своих немногих интервью (а Магритт не выносил публичности и дискуссий о своём творчестве) художник сказал: «Всё видимое что-то скрывает; мы всегда хотим разглядеть скрытое за тем, что видим. Этот интерес может принять форму довольно противоречивого чувства, своего рода конфликта между видимым-скрытым и видимым-очевидным». В «Принципе удовольствия» он строит эту коллизию на одном парадоксе: нам необходим свет, чтобы увидеть, а не заслонить лицо человека в тёмной комнате – так же, как мы ожидаем, что зеркало отразит, а не скроет лицо на полотне «Воспроизведение запрещено».
Название картины относится к ключевому элементу фрейдистского психоанализа, который служил философским основанием для сюрреалистического движения. Однако сам Магритт предостерегал от интерпретаций и анализа своих названий: «Названия картин – это не объяснения, а картины – не иллюстрации названий. Связь между названием и изображением поэтична, то есть она лишь отражает некоторые особенности темы, которые мы обычно не осознаём, но иногда интуитивно понимаем, когда происходят необычные события, которые не удаётся объяснить логически».
Эдвард Джеймс, поэт и страстный коллекционер, сыграл особую роль в развитии сюрреализма, поддерживая таких художников, как Сальвадор Дали, Рене Магритт, Павел Челищев, Леонор Фини и Леонора Каррингтон. Он предоставлял пространство для творчества своим друзьям-живописцам, в частности, первые трое долгое время жили и работали в его домах в Сассексе и Лондоне. Джеймс сделал множество заказов, создав одну из лучших в мире коллекций сюрреалистического искусства (подробнее о нём читайте в материале Артхива «Волшебный сад Эдварда Джеймса – покровителя сюрреалистов»).
«Принцип удовольствия» оставался в собрании Эдварда Джеймса до 1964 года, а затем был передан основанному им Фонду. В 1979 году полотно купил другой частный коллекционер – и оно оставалось в одних руках без малого сорок лет. В ноябре 2018 года картина была выставлена на аукцион Christie’s с предварительной оценкой в 15-20 млн долларов. Окончательная цена (с учётом премии) составила 26,8 миллиона, что стало аукционным рекордом для творений Рене Магритта.
Artchive
Рене Магритт - Воспроизведение запрещено, 1937, 65×81 см: Описание произведения
Рене Магритт - Воспроизведение запрещено - одно из многих произведений художника. Подробную информацию и описание работы читайте в Артхиве.
Натюрморт с хлебом и вином из предыдущего поста написал...
Anonymous Poll
6%
Клод Моне
9%
Эдуар Мане
9%
Огюст Ренуар
3%
Диего Веласкес
37%
Пётр Кончаловский
27%
Валентин Серов
9%
Илья Репин
Картина американского художника Джеймса Эббота Макнил Уистлера «Розовое и серебряное: Принцесса из страны фарфора» была написана в промежутке между 1863 и 1865 годами. Работа стала знаменитой после того, как стала главным художественным акцентом «Павлиньей комнаты» - живописного убранства столовой в лондонском особняке судоходного магната Фредерика Лейланда.
Моделью для этой картины Уистлера стала гречанка английского происхождения Кристина Спартали, сестра художницы Марии Спартали-Стиллман, которая также была одной из любимых моделей художников, входящих в Братство прерафаэлитов. «Принцесса из страны фарфора» - одна из нескольких работ Уистлера, написанных в этот период: художник изображал европейских женщин в восточных нарядах и в восточных же декорациях. «Англо-японский» стиль был очень популярен в викторианской Англии с середины XIX века, особенно после Международной выставки 1862 года в Лондоне, где была представлена японская экспозиция.
На сохранившемся эскизе художник изобразил цветы, которые позже исключил из композиции основной картины. Ширмы на заднем плане, возможно, принадлежали самому Уистлеру, равно как и виднеющаяся справа внизу ваза. Судя по картинам, написанным матером в тот же период - «Каприз в пурпуре и золоте: золотой экран» (1864) и «Уистлер в своей студии» (1865), восточного декора у него было достаточно.
После окончания портрета Уистлер предполагал, что его купит отец модели, богатый греческий предприниматель и будущий греческий консул в Лондоне Михаил Спартали. Однако крупная подпись Уистлера, расположенная слева в углу, рядом с головой модели, тому не понравилась. В итоге картину приобрел Фредерик Лейланд, владелец судоходной компании «Leyland Shipping Line», известный коллекционер китайского бело-голубого фарфора эпох династий Цин и Канси.
Несколько лет спустя, в 1873 году, Лейланд задумал реконструкцию своего лондонского дома на Princes Gate, 49. Работа над столовой был доверена британскому архитектору Томасу Джекиллу. Помещение было решено превратить в выставочное пространство для коллекции фарфора Лейланда, а главным акцентом должна была стать «Принцесса из страны фарфора» кисти Уистлера, которую поместили на северной стене.
Джекилл заболел, и заканчивать работы над столовой поручили Уистлеру. В порыве вдохновения художник полностью изменил дизайн своего предшественника. Известный своими тонкими цветовыми гармониями и элегантным чувством дизайна, художник полагал, что красные розы старинных кожаных обоев не гармонировали с красками его «Принцессы»… Так родилась знаменитая «Гармония в голубом и золотом: Павлинья комната», шедевр Уистлера, за который Лейланд так и не заплатил – но и не стал ничего менять.
После смерти Лейланда «Принцесса» была продана с аукциона. Через третьи руки ее обладателем стал американский промышленник и коллекционер Чарльз Ланг Фрир, друг и почитатель таланта Уистлера, обладатель самого большого собрания его произведений (1189 картин и предметов искусства). Год спустя Фрир анонимно приобрел у наследников Лейланда всю «Павлинью комнату», которую перевез в Детройт и расположил в своем особняке. После кончины мецената все его собрание было передано в дар государству. Экспозиция разместилась в стенах Галереи искусств Фрира в Вашингтоне, которая была открыта для публики в 1923 году. «Павлинья комната» и ее жемчужина – картина Уистлера «Розовое и серебряное: Принцесса из страны фарфора» - стали частью экспозиции этого музея.
Моделью для этой картины Уистлера стала гречанка английского происхождения Кристина Спартали, сестра художницы Марии Спартали-Стиллман, которая также была одной из любимых моделей художников, входящих в Братство прерафаэлитов. «Принцесса из страны фарфора» - одна из нескольких работ Уистлера, написанных в этот период: художник изображал европейских женщин в восточных нарядах и в восточных же декорациях. «Англо-японский» стиль был очень популярен в викторианской Англии с середины XIX века, особенно после Международной выставки 1862 года в Лондоне, где была представлена японская экспозиция.
На сохранившемся эскизе художник изобразил цветы, которые позже исключил из композиции основной картины. Ширмы на заднем плане, возможно, принадлежали самому Уистлеру, равно как и виднеющаяся справа внизу ваза. Судя по картинам, написанным матером в тот же период - «Каприз в пурпуре и золоте: золотой экран» (1864) и «Уистлер в своей студии» (1865), восточного декора у него было достаточно.
После окончания портрета Уистлер предполагал, что его купит отец модели, богатый греческий предприниматель и будущий греческий консул в Лондоне Михаил Спартали. Однако крупная подпись Уистлера, расположенная слева в углу, рядом с головой модели, тому не понравилась. В итоге картину приобрел Фредерик Лейланд, владелец судоходной компании «Leyland Shipping Line», известный коллекционер китайского бело-голубого фарфора эпох династий Цин и Канси.
Несколько лет спустя, в 1873 году, Лейланд задумал реконструкцию своего лондонского дома на Princes Gate, 49. Работа над столовой был доверена британскому архитектору Томасу Джекиллу. Помещение было решено превратить в выставочное пространство для коллекции фарфора Лейланда, а главным акцентом должна была стать «Принцесса из страны фарфора» кисти Уистлера, которую поместили на северной стене.
Джекилл заболел, и заканчивать работы над столовой поручили Уистлеру. В порыве вдохновения художник полностью изменил дизайн своего предшественника. Известный своими тонкими цветовыми гармониями и элегантным чувством дизайна, художник полагал, что красные розы старинных кожаных обоев не гармонировали с красками его «Принцессы»… Так родилась знаменитая «Гармония в голубом и золотом: Павлинья комната», шедевр Уистлера, за который Лейланд так и не заплатил – но и не стал ничего менять.
После смерти Лейланда «Принцесса» была продана с аукциона. Через третьи руки ее обладателем стал американский промышленник и коллекционер Чарльз Ланг Фрир, друг и почитатель таланта Уистлера, обладатель самого большого собрания его произведений (1189 картин и предметов искусства). Год спустя Фрир анонимно приобрел у наследников Лейланда всю «Павлинью комнату», которую перевез в Детройт и расположил в своем особняке. После кончины мецената все его собрание было передано в дар государству. Экспозиция разместилась в стенах Галереи искусств Фрира в Вашингтоне, которая была открыта для публики в 1923 году. «Павлинья комната» и ее жемчужина – картина Уистлера «Розовое и серебряное: Принцесса из страны фарфора» - стали частью экспозиции этого музея.
Arthive
Павлинья комната: скандальный шедевр Уистлера
Роскошь, краски, экзотика... Для тех, кто знает "Мать" Уистлера в варианте мистера Бина, как и для тех, кто досконально знает историю этого серьезного произведения: преподносим вам совершенно другой культовый объект...
Правильный ответ на вчерашнюю загадку. Автор "Натюрморта с бутылкой, графином, хлебом и вином" (1862 - 1863) - Клод Моне. Картина хранится в Национальной галерее искусств в Вашигтоне.
Диего Ривера. Арбузы. 1957
В 1957-м Ривера перенёс инсульт, лишивший его возможности держать кисть в правой руке. А перед этим он лечился от рака – и надеялся, что сможет вернуться к своим монументальным работам после выздоровления. Надежды не оправдались, за одной бедой последовала другая, но живопись художник не оставил. Он написал несколько сочных натюрмортов. Чтобы мякоть этих арбузов выглядела бархатной, Ривера добавил в краску песок.
В 1957-м Ривера перенёс инсульт, лишивший его возможности держать кисть в правой руке. А перед этим он лечился от рака – и надеялся, что сможет вернуться к своим монументальным работам после выздоровления. Надежды не оправдались, за одной бедой последовала другая, но живопись художник не оставил. Он написал несколько сочных натюрмортов. Чтобы мякоть этих арбузов выглядела бархатной, Ривера добавил в краску песок.
Арестован 61-летний итальянский художник Лино Фронджия. Скандал с продажей фальшивок под старых мастеров оценивается примерно в 200 миллионов евро или 255 миллионов долларов. Первой картиной, обнаруженной в этом деле, стала «Венера» Лукаса Кранаха Старшего, которую французские власти конфисковали во время выставки коллекции князя Лихтенштейна в 2016 году в Провансе.
https://artchive.ru/news/4166
https://artchive.ru/news/4166
Arthive
Арестован художник по делу о фальшивках Кранаха, Эль Греко и других на сумму в 200 млн. евро
Наконец сделан первый арест в громком деле с чередой подделок под старых мастеров, длящемся с 2016 года. Под стражу был взят 61-летний итальянский художник Лино Фронджия. В то же время ордер на арест был выдан на...
10 октября на аукционе Bonhams будет представлена работа немецкого экспрессиониста Франца Марка "Лошадь", которая публично не выставлялась 70 лет. Она создана в 1912-м году, через год после знакомства Франца Марка с Василием Кандинским, который сильно повлияет на него (вместе они создадут художественное объединение "Синий всадник"). Оценочная стоимость этого выполненного на бумаге произведения - € 390 000–620 000.
Красиво?
Красиво?
«Башня синих лошадей» - один из редких случаев, когда память о картине есть, а самой картины нет. Она пропала.
В 1937 году национал-социалисты объявили картину вырожденческой. Надо сказать, она была не единственной и компания у нее была дерзкая и гениальная. Вместе с Францем Марком из немецких музеев были изгнаны Оскар Кокошка, Эдвард Мунк, Иоганнес Иттен, Пауль Клее, Василий Кандинский, Марк Шагал, в общем дегенеративными объявили 650 полотен, а заодно десятки художников и даже целые художественные направления и объединения. Но прежде чем навсегда забыть о них, заклеймить и избавиться, им устроили выставку, которая проехала по нескольким городам Германии и собрала 3 миллиона зрителей. Рекордное количество для своего времени, повторить которое удастся только в 21 веке.
А сначала «Башня синих лошадей» была одной из ключевых иллюстраций к первому альманаху «Синий всадник», над изданием которого работали вдвоем Франц Марк и Василий Кандинский. Этой картине определенно везло с соседями: на страницах альманаха разместились репродукции работ Кандинского, Пикассо, Матисса, Явленского, Робера Делоне, Пауля Клее, а рядом – примеры баварской подстекольной живописи и русского лубка, рисунки детей и рукописные ноты. Была большая задача – создать журнал, который бы рассказывал о проявлении новых, авангардных идей в разных видах искусства, в разных формах искусства, профессиональной и любительской, академической и народной.
Синий цвет Франц Марк любил, он перерисовал столько синих лошадей, что если бы они собрались вместе, получилось бы прекрасное небесное стадо (1, 2, 3). Всегда мастерски передавая движения и пластику животного, художник не стремился к натуралистичному образу, а изображал его «внутреннюю сущность». А синий цвет, в эстетике Марка «духовный», «мужской», «аскетичный», дает этой сущности зазвучать в полную силу. Устремленная в небо «башня» - мощный композиционный усилитель все того же смысла.
В 1919 году, через три года после смерти Франца Марка, картину купила Новая национальная галерея в Берлине. Ей было уготовано теплое галерейное будущее, которое в считанные дни разрушилось. После конфискации, скандальной выставки, Второй мировой войны, после капитуляции Германии в 1945 году картина просто исчезла. Кто-то изредка сообщает, что картина цела и тайно находится в каком-нибудь частном собрании или в Швейцарском банке, но ни один слух до сих пор не подтвержден.
А тем временем следы пребывания на берлинских улицах четырех синих лошадей обнаруживаются. Их воскрешает искусство. В 2012 году немецкий художник Мартин Гостнер в память об украденной или погибшей картине создал инсталляцию у входа в Новую национальную галерею. Четыре кучи искусственного, но очень натуралистично изображенного, навоза должны были создавать у посетителей ощущение, что синие лошади Франца Марка совсем недавно прошли здесь и находятся где-то рядом, гуляют по городским улицам или по залам музея, просто постоянно не удается их там застать.
В 1937 году национал-социалисты объявили картину вырожденческой. Надо сказать, она была не единственной и компания у нее была дерзкая и гениальная. Вместе с Францем Марком из немецких музеев были изгнаны Оскар Кокошка, Эдвард Мунк, Иоганнес Иттен, Пауль Клее, Василий Кандинский, Марк Шагал, в общем дегенеративными объявили 650 полотен, а заодно десятки художников и даже целые художественные направления и объединения. Но прежде чем навсегда забыть о них, заклеймить и избавиться, им устроили выставку, которая проехала по нескольким городам Германии и собрала 3 миллиона зрителей. Рекордное количество для своего времени, повторить которое удастся только в 21 веке.
А сначала «Башня синих лошадей» была одной из ключевых иллюстраций к первому альманаху «Синий всадник», над изданием которого работали вдвоем Франц Марк и Василий Кандинский. Этой картине определенно везло с соседями: на страницах альманаха разместились репродукции работ Кандинского, Пикассо, Матисса, Явленского, Робера Делоне, Пауля Клее, а рядом – примеры баварской подстекольной живописи и русского лубка, рисунки детей и рукописные ноты. Была большая задача – создать журнал, который бы рассказывал о проявлении новых, авангардных идей в разных видах искусства, в разных формах искусства, профессиональной и любительской, академической и народной.
Синий цвет Франц Марк любил, он перерисовал столько синих лошадей, что если бы они собрались вместе, получилось бы прекрасное небесное стадо (1, 2, 3). Всегда мастерски передавая движения и пластику животного, художник не стремился к натуралистичному образу, а изображал его «внутреннюю сущность». А синий цвет, в эстетике Марка «духовный», «мужской», «аскетичный», дает этой сущности зазвучать в полную силу. Устремленная в небо «башня» - мощный композиционный усилитель все того же смысла.
В 1919 году, через три года после смерти Франца Марка, картину купила Новая национальная галерея в Берлине. Ей было уготовано теплое галерейное будущее, которое в считанные дни разрушилось. После конфискации, скандальной выставки, Второй мировой войны, после капитуляции Германии в 1945 году картина просто исчезла. Кто-то изредка сообщает, что картина цела и тайно находится в каком-нибудь частном собрании или в Швейцарском банке, но ни один слух до сих пор не подтвержден.
А тем временем следы пребывания на берлинских улицах четырех синих лошадей обнаруживаются. Их воскрешает искусство. В 2012 году немецкий художник Мартин Гостнер в память об украденной или погибшей картине создал инсталляцию у входа в Новую национальную галерею. Четыре кучи искусственного, но очень натуралистично изображенного, навоза должны были создавать у посетителей ощущение, что синие лошади Франца Марка совсем недавно прошли здесь и находятся где-то рядом, гуляют по городским улицам или по залам музея, просто постоянно не удается их там застать.
Artchive
Дегенеративное искусство
История одной выставки, которая стала самой посещаемой в ХХ веке, резко изменила жизни нескольких десятков художников, лишила немецкие музеи бесценных коллекций, добавила слово «дегенеративный» в искусствоведческий...
👍1
Whistlejacket или «Уистлиджейкет» — это портрет любимой многими англичанами скаковой лошади, созданный Стаббсом в 1762 году. Одна из самых узнаваемых и популярных его работ.
Картина выполнена по заказу второго Маркиза Рокингема — владельца скакуна, благодаря которому он выиграл 2,000 гиней (это примерно 100 тысяч фунтов стерлингов на сегодняшний день) в гонках на четыре мили в Йорке в 1759 году. Конь Уистлиджейкет родился в 1749 году и был знаменит не только своей выносливостью, но и тем, что за все шесть лет своей «карьеры» пропустил только четыре соревнования. Стоило отблагодарить и запечатлеть на холсте скакуна, так одарившего своего хозяина. И лучшим выбором в качестве художника оказался Стаббс.
Портрет поражает своим масштабом — это почти трехметровая работа, конь изображен в натуральную величину. Все внимание — только на главном герое полотна. На холсте нет ни всадника, ни пейзажа, лишь нейтральный, не отвлекающий от главного фон. Скакун изображен в вставшим на дыбы, и галопом мчащимся в абстрактное пространство холста. Художник дал коню абсолютную свободу: с трудом усмиренную дикость не контролируют ни наездник, ни удила. Отсутствие уздечки и кнута вполне соответствуют романтическому отношению к лошадям, как к свободным и непокорным, но тем не менее, принадлежавшим человеку существам. Однако, здесь — это совершенное благоговение перед природой, без лишних акцентов.
Современники любили и ценили эту картину, но были уверенны, что это незаконченный конный портрет Георга III. Есть мнение, что на самом деле так оно и было, но из-за разногласий между монархом и заказчиком Стаббс был вынужден изменить композицию. Однако, в достоверности этой истории полностью увериться нет возможности. Знатоки творчества анималиста утверждают, что тень под копытом Уистлиджейкета как раз наоборот говорит о завершенности задумки автора.
Коневодство и скачки были настоящей страстью английской аристократии XVIII века, и лошади воспринимались не как рядовые животные, а как полноценные участники соревнований. От художника тем более требовалось отношение к модели, как к личности с характером и своими особенностями. Стаббс не просто выполнял требования, но делал то, к чему тяготел всю жизнь и то, что знал досконально — не только анатомию, но и саму суть лошадей. Особенности характера Уистлиджейкета выражаются через внешние малозаметные, но важные детали: вздувшиеся вены на атлетичном бедре, белое пятно на копыте и лбу. Эти нюансы сравни человеческим приметам: родимому пятну, шраму, форме глаз. Но это лишь внешние, завершающие образ штрихи, тогда как на самом деле Стаббса интересует натура и суть.
Нрав скаковой лошади выражается в напряженной, будто струна мускулатуре, энергии и свободолюбии позы. Но и это лишь часть задумки. Главное, что на лице («морда» в данном контексте не уместное слово) Уистлиджейкета легко читается выражение максимального напряжения и ужаса.
Существует легенда, а может даже и быль, будто блестящий и реалистичный портрет вызвал соответствующую реакцию у модели: конь накинулся на работу художника, в первую секунду приняв ее за настоящее животное.
Кстати, необычное имя Whistlejacket происходит от названия охлаждающего напитка на основе джина и сахарного сиропа.
Семья Рокингем хранила портрет любимца своего предка больше двух столетий. В 1997 году Лондонская национальная галерея приобрела его за 11 млн фунтов стерлингов.
Картина выполнена по заказу второго Маркиза Рокингема — владельца скакуна, благодаря которому он выиграл 2,000 гиней (это примерно 100 тысяч фунтов стерлингов на сегодняшний день) в гонках на четыре мили в Йорке в 1759 году. Конь Уистлиджейкет родился в 1749 году и был знаменит не только своей выносливостью, но и тем, что за все шесть лет своей «карьеры» пропустил только четыре соревнования. Стоило отблагодарить и запечатлеть на холсте скакуна, так одарившего своего хозяина. И лучшим выбором в качестве художника оказался Стаббс.
Портрет поражает своим масштабом — это почти трехметровая работа, конь изображен в натуральную величину. Все внимание — только на главном герое полотна. На холсте нет ни всадника, ни пейзажа, лишь нейтральный, не отвлекающий от главного фон. Скакун изображен в вставшим на дыбы, и галопом мчащимся в абстрактное пространство холста. Художник дал коню абсолютную свободу: с трудом усмиренную дикость не контролируют ни наездник, ни удила. Отсутствие уздечки и кнута вполне соответствуют романтическому отношению к лошадям, как к свободным и непокорным, но тем не менее, принадлежавшим человеку существам. Однако, здесь — это совершенное благоговение перед природой, без лишних акцентов.
Современники любили и ценили эту картину, но были уверенны, что это незаконченный конный портрет Георга III. Есть мнение, что на самом деле так оно и было, но из-за разногласий между монархом и заказчиком Стаббс был вынужден изменить композицию. Однако, в достоверности этой истории полностью увериться нет возможности. Знатоки творчества анималиста утверждают, что тень под копытом Уистлиджейкета как раз наоборот говорит о завершенности задумки автора.
Коневодство и скачки были настоящей страстью английской аристократии XVIII века, и лошади воспринимались не как рядовые животные, а как полноценные участники соревнований. От художника тем более требовалось отношение к модели, как к личности с характером и своими особенностями. Стаббс не просто выполнял требования, но делал то, к чему тяготел всю жизнь и то, что знал досконально — не только анатомию, но и саму суть лошадей. Особенности характера Уистлиджейкета выражаются через внешние малозаметные, но важные детали: вздувшиеся вены на атлетичном бедре, белое пятно на копыте и лбу. Эти нюансы сравни человеческим приметам: родимому пятну, шраму, форме глаз. Но это лишь внешние, завершающие образ штрихи, тогда как на самом деле Стаббса интересует натура и суть.
Нрав скаковой лошади выражается в напряженной, будто струна мускулатуре, энергии и свободолюбии позы. Но и это лишь часть задумки. Главное, что на лице («морда» в данном контексте не уместное слово) Уистлиджейкета легко читается выражение максимального напряжения и ужаса.
Существует легенда, а может даже и быль, будто блестящий и реалистичный портрет вызвал соответствующую реакцию у модели: конь накинулся на работу художника, в первую секунду приняв ее за настоящее животное.
Кстати, необычное имя Whistlejacket происходит от названия охлаждающего напитка на основе джина и сахарного сиропа.
Семья Рокингем хранила портрет любимца своего предка больше двух столетий. В 1997 году Лондонская национальная галерея приобрела его за 11 млн фунтов стерлингов.
Загадка от Артхива
Это картина «Сумерки» американского художника Джеффа Элрода (Jeff Elrod, р. 1966). Написана в 2000-м году акриловыми красками на холсте. Размер - 121.9 х 152.4 см.
В 2014-м эта работа была выставлена на аукционе «Сотби».
Как думаете, каковы результаты торгов?
Варианты ответа – в следующем посте. А правильный ответ опубликуем завтра.
⬇️
Это картина «Сумерки» американского художника Джеффа Элрода (Jeff Elrod, р. 1966). Написана в 2000-м году акриловыми красками на холсте. Размер - 121.9 х 152.4 см.
В 2014-м эта работа была выставлена на аукционе «Сотби».
Как думаете, каковы результаты торгов?
Варианты ответа – в следующем посте. А правильный ответ опубликуем завтра.
⬇️
❤1
За сколько была продана картина Джеффа Элрода «Сумерки» из предыдущего поста?
Anonymous Poll
8%
Продана за 500 долларов
6%
Продана за 10 - 20 тысяч долларов
18%
Продана за 100 – 200 тысяч долларов
21%
Продана примерно за 1 миллион долларов
7%
Продана примерно за 10 миллионов долларов
40%
Картину никто не купил