Первой в серии ярких, жизнелюбивых полотен Абрама Архипова с рязанскими дивами стала картина «В гостях». Именно на ней Архипов впервые испытывает новый стиль, впоследствии сделавшийся безошибочно узнаваемым: уверенный размашистый импрессионистский мазок, мажорная палитра, выразительные цветовые и световые контрасты. И главное – самые теплые, пылающие оттенки алого, коралла, розового и персика – одним словом, все богатство выбора, что предлагает красный цвет.
«Академик Архипов написал замечательную картину: изба, окно, солнце бьет в окно, сидят бабы, в окно виден русский пейзаж. До сих пор я не видел ни в русской, ни в иностранной живописи ничего подобного. Нельзя рассказать, в чем дело. Замечательно переданы свет и деревня, как будто вы приехали к каким-то родным людям, и когда вы смотрите на картину, вы делаетесь молодой. Картина выписана с удивительной энергией, с поразительным ритмом», – так описывает работу однокашник Архипова по Московскому художественному училищу художник Константин Коровин.
«Академик Архипов написал замечательную картину: изба, окно, солнце бьет в окно, сидят бабы, в окно виден русский пейзаж. До сих пор я не видел ни в русской, ни в иностранной живописи ничего подобного. Нельзя рассказать, в чем дело. Замечательно переданы свет и деревня, как будто вы приехали к каким-то родным людям, и когда вы смотрите на картину, вы делаетесь молодой. Картина выписана с удивительной энергией, с поразительным ритмом», – так описывает работу однокашник Архипова по Московскому художественному училищу художник Константин Коровин.
Саймон Шама о картине Караваджо "Успение Богоматери" в книге "Сила искусства":
- В августе 1603 года кардинал Оттавио Паравичини заявил, что произведения Караваджо – это нечто среднее между «святостью и богохульством», а потому опасны. Но даже если до художника дошел этот неблагоприятный отзыв, он не повлиял на его решимость сделать Священное Писание ближе к простому народу. Поскольку церковь Санта-Мария делла Скала находилась в Трастевере, одном из самых бедных районов Рима, где священники проявляли особую заботу о бедняках, Караваджо имел основания рассчитывать на то, что его написанное без прикрас «Успение Девы Марии» будет принято благосклонно. Замысел художника был вызывающе прост.
Традиционно считалось, что в период между смертью и вознесением на небеса Дева Мария пребывала во сне, или «успении», сохранявшем ее тело, в отличие от тел простых смертных, нетронутым. Как зачатие Спасителя было непорочным, так и смерть Богородицы была бесплотна. Но понятие бесплотности было чуждо Караваджо: он писал плоть. А в данном случае, как поговаривали, плоть в буквальном смысле мертвую – выловленную из Тибра утонувшую проститутку одного из борделей римского района Ортаччо. Поэтому тело Марии под красным платьем выглядит безобразно распухшим, кожа имеет зеленоватый оттенок, а из-под платья торчит еще одна пара неприлично босых и, естественно, не слишком чистых ног.
Но у художника не было намерения шокировать публику, напротив, он искренне хотел выразить чувство глубокой скорби. Именно то, что Мария была однозначно мертва, позволило ему передать истинный трагизм как в позе рыдающей Марии Магдалины, так и в выражении лиц апостолов, чудесным образом собравшихся вместе около гроба после разгона всей их компании. Если бы Богородица пребывала в священной дреме в ожидании вознесения, то их скорбь выглядела бы чрезмерной. Но перед лицом смерти, исчезновения с лица земли, чувство непоправимой утраты становится вполне понятным. Однако священнослужители церкви Санта-Мария в Трастевере придерживались другой точки зрения, и неподобающий вид Богородицы их ужаснул. Картина была отвергнута, а пять лет спустя ее купил для мантуанского герцога Питер Пауль Рубенс, который был так покорен силой выраженных в ней чувств и так хотел реабилитировать Караваджо, что перед отправкой полотна в Мантую в течение недели демонстрировал свое приобретение публике.
- В августе 1603 года кардинал Оттавио Паравичини заявил, что произведения Караваджо – это нечто среднее между «святостью и богохульством», а потому опасны. Но даже если до художника дошел этот неблагоприятный отзыв, он не повлиял на его решимость сделать Священное Писание ближе к простому народу. Поскольку церковь Санта-Мария делла Скала находилась в Трастевере, одном из самых бедных районов Рима, где священники проявляли особую заботу о бедняках, Караваджо имел основания рассчитывать на то, что его написанное без прикрас «Успение Девы Марии» будет принято благосклонно. Замысел художника был вызывающе прост.
Традиционно считалось, что в период между смертью и вознесением на небеса Дева Мария пребывала во сне, или «успении», сохранявшем ее тело, в отличие от тел простых смертных, нетронутым. Как зачатие Спасителя было непорочным, так и смерть Богородицы была бесплотна. Но понятие бесплотности было чуждо Караваджо: он писал плоть. А в данном случае, как поговаривали, плоть в буквальном смысле мертвую – выловленную из Тибра утонувшую проститутку одного из борделей римского района Ортаччо. Поэтому тело Марии под красным платьем выглядит безобразно распухшим, кожа имеет зеленоватый оттенок, а из-под платья торчит еще одна пара неприлично босых и, естественно, не слишком чистых ног.
Но у художника не было намерения шокировать публику, напротив, он искренне хотел выразить чувство глубокой скорби. Именно то, что Мария была однозначно мертва, позволило ему передать истинный трагизм как в позе рыдающей Марии Магдалины, так и в выражении лиц апостолов, чудесным образом собравшихся вместе около гроба после разгона всей их компании. Если бы Богородица пребывала в священной дреме в ожидании вознесения, то их скорбь выглядела бы чрезмерной. Но перед лицом смерти, исчезновения с лица земли, чувство непоправимой утраты становится вполне понятным. Однако священнослужители церкви Санта-Мария в Трастевере придерживались другой точки зрения, и неподобающий вид Богородицы их ужаснул. Картина была отвергнута, а пять лет спустя ее купил для мантуанского герцога Питер Пауль Рубенс, который был так покорен силой выраженных в ней чувств и так хотел реабилитировать Караваджо, что перед отправкой полотна в Мантую в течение недели демонстрировал свое приобретение публике.
Правильный ответ на вчерашнюю загадку.
На фото был Эжен Делакруа.
А вот материал, который демонстрирует не только его блестящую внешность, но и острый ум: подборка цитат Эжена Делакруа.
На фото был Эжен Делакруа.
А вот материал, который демонстрирует не только его блестящую внешность, но и острый ум: подборка цитат Эжена Делакруа.
Если понравилась загадка о художнике с фото - у нас есть целый тест на эту тему: там нужно узнавать русских живописцев.
https://artchive.ru/tests/test:37
https://artchive.ru/tests/test:37
Arthive
Узнай меня, если сможешь! | Quizzes and puzzles about artworks and artists
Вы – частный детектив с небольшой конторой на Бейкер-стрит. Ваш профиль – физиогномика, ваш метод – дедукция, ваше экзотическое хобби – русское искусство. К вам в руки попал раритетный фотоснимок. Художник! From Russia...
Первые кадры со съёмок фильма "Луис Уэйн": в роли художника, который прославился рисунками с котиками, Бенедикт Камбербэтч, а его жену играет Клэр Фой.
Подробнее о фильме | Биография и рисунки Луиса Уэйна
Подробнее о фильме | Биография и рисунки Луиса Уэйна
С небольшим гастрольным туром в Россию из флорентийской галереи Уффици прибыла картина Боттичели «Мадонна делла Лоджиа».
Расписание такое:
4 - 5 сентября - Владивосток, стенд Сбербанка на V Восточном экономическом форуме
8 сентября - 6 ноября - снова Владивосток, но другая локация: Приморская картинная галерея
17 ноября - 16 февраля - Эрмитаж
Рассказ о картине смотрите в следующем посте.
⬇️
Расписание такое:
4 - 5 сентября - Владивосток, стенд Сбербанка на V Восточном экономическом форуме
8 сентября - 6 ноября - снова Владивосток, но другая локация: Приморская картинная галерея
17 ноября - 16 февраля - Эрмитаж
Рассказ о картине смотрите в следующем посте.
⬇️
«Мадонна делла Лоджиа» (или «Мадонна с младенцем») – известное произведение, созданное представителем флорентийской школы Сандро Боттичелли в 1467-68 годах: это одна из первых картин, отнесенных искусствоведами к эпохе раннего Ренессанса. Картина отражает определяющие аспекты христианского искусства: во времена тотальной безграмотности важно было показывать и воспевать главных героев христианской веры, наглядно преподносить их истории, представлять символику.
Из-за некоторых деталей картина не была единодушно атрибутирована как произведение Боттичелли: гениальный флорентиец не подписывал свои работы, хотя в пору Ренессанса личность художника уже имела значение, и мастера начали ставить автографы на своих работах. Но не Боттичелли: он подписал, как подтверждено к настоящему моменту, лишь одну картину.
Что же касается «Мадонна делла Лоджиа», в настоящее время большинство критиков, в том числе такой эксперт, как Адольфо Вентури, определенно идентифицируют картину как одну из первых известных работ мастера. К моменту ее создания мастеру было около 22-23 лет. Некоторое время считалось, что произведение было создано Филиппино Липпи, сыном фра Филиппо Липпи – учителя Сандро Боттичелли. Однако если обратиться к датам, эта версия не имеет оснований: на время написания картины Филиппино было около 10 лет, и вряд ли мальчик смог бы создать настолько совершенную работу – даже при таком гениальном отце-художнике.
В «Мадонне делла Лоджиа» Боттичелли стремился не только увековечить божественный лик Марии, Матери Иисуса, но и отразить красоту новой эпохи, характерной для Европы. Картина содержит ряд ключевых моментов и атрибутов, которые определяют символику картины. Так, Младенец Иисус тянется обнять мать за шею, а Мадонна смотрит сверху вниз: ее взгляд может быть интерпретирован как любовь к человечеству в целом. Такая композиция характерна для работ Донателло, которая впоследствии была отточена Филиппо Липпи, чьим преемником стал Боттичелли. Последний привнес свою любовь к доминированию контуров, ярким драпировкам и более плавным, чем у учителя, линиям.
Архитектурные детали картины также важны - они демонстрируют идеи Ренессанса: Боттичелли изображает лоджию как ранний греко-римский проект, тем самым подчеркнув стремление восстановить утраченные знания тех времен (к слову, вращаясь в просвещенном обществе при дворе Медичи, художник выучил греческий - после падения Константинополя во Флоренции было много беженцев-греков). В религиозном же контексте изображенная художником архитектурная конструкция символизирует прочные основы христианской веры и крепкие опоры, на которых она построена.
«Мадонна делла Лоджиа» стала отправной точкой для дальнейшей работы Боттичелли над образом Божьей Матери: тему продолжили, в частности, работы «Мадонна с младенцем и ангелами» (1470), «Мадонна у моря» (1480) и «Мадонна с книгой» (1480).
Произведение выполнено на деревянной панели темперными красками, хранится в галерее Уффици во Флоренции.
Из-за некоторых деталей картина не была единодушно атрибутирована как произведение Боттичелли: гениальный флорентиец не подписывал свои работы, хотя в пору Ренессанса личность художника уже имела значение, и мастера начали ставить автографы на своих работах. Но не Боттичелли: он подписал, как подтверждено к настоящему моменту, лишь одну картину.
Что же касается «Мадонна делла Лоджиа», в настоящее время большинство критиков, в том числе такой эксперт, как Адольфо Вентури, определенно идентифицируют картину как одну из первых известных работ мастера. К моменту ее создания мастеру было около 22-23 лет. Некоторое время считалось, что произведение было создано Филиппино Липпи, сыном фра Филиппо Липпи – учителя Сандро Боттичелли. Однако если обратиться к датам, эта версия не имеет оснований: на время написания картины Филиппино было около 10 лет, и вряд ли мальчик смог бы создать настолько совершенную работу – даже при таком гениальном отце-художнике.
В «Мадонне делла Лоджиа» Боттичелли стремился не только увековечить божественный лик Марии, Матери Иисуса, но и отразить красоту новой эпохи, характерной для Европы. Картина содержит ряд ключевых моментов и атрибутов, которые определяют символику картины. Так, Младенец Иисус тянется обнять мать за шею, а Мадонна смотрит сверху вниз: ее взгляд может быть интерпретирован как любовь к человечеству в целом. Такая композиция характерна для работ Донателло, которая впоследствии была отточена Филиппо Липпи, чьим преемником стал Боттичелли. Последний привнес свою любовь к доминированию контуров, ярким драпировкам и более плавным, чем у учителя, линиям.
Архитектурные детали картины также важны - они демонстрируют идеи Ренессанса: Боттичелли изображает лоджию как ранний греко-римский проект, тем самым подчеркнув стремление восстановить утраченные знания тех времен (к слову, вращаясь в просвещенном обществе при дворе Медичи, художник выучил греческий - после падения Константинополя во Флоренции было много беженцев-греков). В религиозном же контексте изображенная художником архитектурная конструкция символизирует прочные основы христианской веры и крепкие опоры, на которых она построена.
«Мадонна делла Лоджиа» стала отправной точкой для дальнейшей работы Боттичелли над образом Божьей Матери: тему продолжили, в частности, работы «Мадонна с младенцем и ангелами» (1470), «Мадонна у моря» (1480) и «Мадонна с книгой» (1480).
Произведение выполнено на деревянной панели темперными красками, хранится в галерее Уффици во Флоренции.
Artchive
"Взбалмошная голова", мечтатель и шутник. Штрихи к портрету Сандро Боттичелли
Тонкий поэт и возвышенный романтик Ренессанса, певец гармонии, верный рыцарь Прекрасной Дамы - самой красоты, ненадолго посетившей бренный мир в облике земной женщины... Таков для нас Боттичелли - художник. Добавим...
Джон Эткинсон Гримшоу. Лондонский мост и гавань ночью. 1884
Этот британский художник прославился лирическими ночными пейзажами, изображающими городскую и сельскую Британию викторианского времени. В его картинах часто встречаются мастерски выписанные газовые фонари, мокрые улицы и изображения луны. Гримшоу использовал полный спектр цветов для максимально реалистичного изображения природы. Тщательная прорисовка и внимание к световым эффектам позволяли ему достигать максимальной реалистичности изображения, а техника была столь совершенна, что на поверхности картин практически не было заметно мазков краски.
Этот британский художник прославился лирическими ночными пейзажами, изображающими городскую и сельскую Британию викторианского времени. В его картинах часто встречаются мастерски выписанные газовые фонари, мокрые улицы и изображения луны. Гримшоу использовал полный спектр цветов для максимально реалистичного изображения природы. Тщательная прорисовка и внимание к световым эффектам позволяли ему достигать максимальной реалистичности изображения, а техника была столь совершенна, что на поверхности картин практически не было заметно мазков краски.
Уильям Холман Хант. Изабелла и горшок с базиликом. 1867. Частная коллекция
⬇️
⬇️
Прекрасная молодая женщина склонилась над цветочным горшком. С базиликом – об этом гласит название одной из известнейших работ художинка-прерафаэлита Уильяма Ханта. Действие происходит в комнате с пышным, богатым убранством. Надлома, трагедии в изображенном сюжете не ощущается. Лишь любопытно, к чему будто бы прислушивается дева, обнимая (или даже, как порой пишут - лаская) затейливо декорированное керамическое изделие, о чем ее думы – или о ком? И при чем здесь само растение?
Частичную отгадку происходящему предоставляет лепнина на горшке, недвусмысленный намек художника. Видите черепа? Что ж, пришла пора кратко изложить содержание поэмы Китса, базирующейся на одной из новелл «Декамерона» Бокаччо – сборника любовно-авантюрных историй, изданного в 1351-1352 годы.
Итак, жила-была во Флоренции девица-красавица, которую браться желали выдать замуж за состоятельного человека, владельца оливковых плантаций. А она возьми, да и влюбись в Лоренцо - простого наемного работника, выполнявшего поручения братьев: демократичные совместные трапезы семейства в компании с клерком сыграли роковую роль. Платоническими мечтами дело не ограничилось. Как-то один из братьев застал Изабеллу, идущую ночью в комнату юноши. Грех прелюбодеяния решено было скрыть самым радикальным образом – убив Лоренцо. Что и было проделано, а Изабелле братья сказали о том, что работник «в командировке» - отправлен с неким поручением за город. Да так и не вернулся… Однако явился к своей возлюбленной в виде призрака и поведал о преступлении, описав подробности, благодаря которым Изабелла нашла могилу любимого. Далее…
Помните сказку Ганса Кристиана Андересена «Эльф розового куста», отчасти «перепевающую» тот же сюжет? Обезумевшая от горя молодая женщина выкапывает тело и отрезает голову Лоренцо.
…Она домой внесла ее тайком
И каждую расправила ресницу
Вкруг усыпальниц глаз, и липкий ком
Его волос расчесывала, литься
Своим слезам позволив, будто льдом
Вод родниковых дав ему умыться.
Так над главой любимого она
Все плакала, вздыхала дотемна.
Потом атласом бережно покрыла,
Пропитанным сладчайшею росой
Цветов Востока; новая могила
Теперь обретена. - В горшок простой
Цветочный положив, припорошила
Она свое сокровище землей
И посадила базилик на ней,
И орошала влагою очей.
Братья, увы, обо всем узнали, отняли горшок-захоронение, и Изабелла вскоре умерла.
История грустная. Сыграла она злую шутку и с самим художником, столь искусно изобразившим обитель погибшей любви и прекрасную в своей печали героиню поэмы.
Картину мастер задумывал в 1848 году и сделал ряд набросков. Хотя, как говорят, он пленился волнующей эротичностью новеллы Декамерона, ацент на образе главной героини был сделан не сразу. Наброски изображали и вероломных братьев, проверяющих счета, и Лоренцо за работой.
Прошло почти 18 лет. Мастер женился, и вместе с беременной Фанни Во отправился в путешествие по Италии. Идиллия! Дивная природа, любимая красавица-жена… Самое время создать картину на давно привлекавший сюжет, на этот раз изобразив лишь чудесную, хоть и безутешную Изабеллу. Хорошей ли это было идеей? Судьба была безжалостна к художнику: там же, в Италии, в 1866 году вскоре после родов Фанни умерла от лихорадки. Горевавший художник переносил на полотно черты ушедшей супруги…
Картину он закончил в 1868 году уже в Англии. Ювелирную и волнующую работу мастера высоко оценили коллеги: своих "Изабелл..." вслед за Хантом изобразили другие прерафаэлиты – Уотерхаус и Александер (их версии покажем в следующем посте). Но вот женитьбу Ханта на Эдит, сестре Фанни (действо в Англии и вовсе противозаконное - пара уезжала в Швейцарию), прерафаэлиты не приняли, разгорелся конфликт: отношения между "сестрами" и "братьями" в коллективе всегда были непростыми.
В 2014 году эта картина была продана с аукциона Christie's за 4,25 миллиона долларов.
Частичную отгадку происходящему предоставляет лепнина на горшке, недвусмысленный намек художника. Видите черепа? Что ж, пришла пора кратко изложить содержание поэмы Китса, базирующейся на одной из новелл «Декамерона» Бокаччо – сборника любовно-авантюрных историй, изданного в 1351-1352 годы.
Итак, жила-была во Флоренции девица-красавица, которую браться желали выдать замуж за состоятельного человека, владельца оливковых плантаций. А она возьми, да и влюбись в Лоренцо - простого наемного работника, выполнявшего поручения братьев: демократичные совместные трапезы семейства в компании с клерком сыграли роковую роль. Платоническими мечтами дело не ограничилось. Как-то один из братьев застал Изабеллу, идущую ночью в комнату юноши. Грех прелюбодеяния решено было скрыть самым радикальным образом – убив Лоренцо. Что и было проделано, а Изабелле братья сказали о том, что работник «в командировке» - отправлен с неким поручением за город. Да так и не вернулся… Однако явился к своей возлюбленной в виде призрака и поведал о преступлении, описав подробности, благодаря которым Изабелла нашла могилу любимого. Далее…
Помните сказку Ганса Кристиана Андересена «Эльф розового куста», отчасти «перепевающую» тот же сюжет? Обезумевшая от горя молодая женщина выкапывает тело и отрезает голову Лоренцо.
…Она домой внесла ее тайком
И каждую расправила ресницу
Вкруг усыпальниц глаз, и липкий ком
Его волос расчесывала, литься
Своим слезам позволив, будто льдом
Вод родниковых дав ему умыться.
Так над главой любимого она
Все плакала, вздыхала дотемна.
Потом атласом бережно покрыла,
Пропитанным сладчайшею росой
Цветов Востока; новая могила
Теперь обретена. - В горшок простой
Цветочный положив, припорошила
Она свое сокровище землей
И посадила базилик на ней,
И орошала влагою очей.
Братья, увы, обо всем узнали, отняли горшок-захоронение, и Изабелла вскоре умерла.
История грустная. Сыграла она злую шутку и с самим художником, столь искусно изобразившим обитель погибшей любви и прекрасную в своей печали героиню поэмы.
Картину мастер задумывал в 1848 году и сделал ряд набросков. Хотя, как говорят, он пленился волнующей эротичностью новеллы Декамерона, ацент на образе главной героини был сделан не сразу. Наброски изображали и вероломных братьев, проверяющих счета, и Лоренцо за работой.
Прошло почти 18 лет. Мастер женился, и вместе с беременной Фанни Во отправился в путешествие по Италии. Идиллия! Дивная природа, любимая красавица-жена… Самое время создать картину на давно привлекавший сюжет, на этот раз изобразив лишь чудесную, хоть и безутешную Изабеллу. Хорошей ли это было идеей? Судьба была безжалостна к художнику: там же, в Италии, в 1866 году вскоре после родов Фанни умерла от лихорадки. Горевавший художник переносил на полотно черты ушедшей супруги…
Картину он закончил в 1868 году уже в Англии. Ювелирную и волнующую работу мастера высоко оценили коллеги: своих "Изабелл..." вслед за Хантом изобразили другие прерафаэлиты – Уотерхаус и Александер (их версии покажем в следующем посте). Но вот женитьбу Ханта на Эдит, сестре Фанни (действо в Англии и вовсе противозаконное - пара уезжала в Швейцарию), прерафаэлиты не приняли, разгорелся конфликт: отношения между "сестрами" и "братьями" в коллективе всегда были непростыми.
В 2014 году эта картина была продана с аукциона Christie's за 4,25 миллиона долларов.