Ответ на вчерашнюю загадку
Это была картина Алексея Венецианова «Жнецы» (конец 1820-х, Русский музей).
Это была картина Алексея Венецианова «Жнецы» (конец 1820-х, Русский музей).
Сегодня исполнилось 120 лет со дня рождения Хичкока. Повод пересмотреть какой-нибудь его фильм. Или перечитать наш материал о картинах из его фильма "Психо":)
Поместье Домотканово в 20 километрах от Твери в 1886 году приобрел художник Владимир Дервиз. Дервиз был однокашником Серова по Академии художеств. Кроме того он был женат на его двоюродной сестре — Надежде Симонович, и Валентин Александрович часто гостил у родственников с детьми и женой.
Стоявший на холме господский дом окружали места необыкновенной красоты: дикий парк с восемью прудами, цепью тянувшимися в еловый лес. Привлеченные этой практически нетронутой натурой, сюда часто приезжали признанные мастера пейзажа (в их числе был, к примеру, Исаак Левитан). Не устоял перед очарованием здешней природы и Серов: значительная часть его наследия, которую сегодня объединяют модным тэгом «Серов — не портретист», родом из Домотканова (1, 2).
Впрочем, здесь он написал и знаменитые «солнечные» портреты: жены Ольги и двоюродной сестры Марии. Уже по этим двум картинам можно сделать вывод, что Домотканово было еще одной географической точкой, где Серов был как дома, еще одним его «местом силы».
Стоявший на холме господский дом окружали места необыкновенной красоты: дикий парк с восемью прудами, цепью тянувшимися в еловый лес. Привлеченные этой практически нетронутой натурой, сюда часто приезжали признанные мастера пейзажа (в их числе был, к примеру, Исаак Левитан). Не устоял перед очарованием здешней природы и Серов: значительная часть его наследия, которую сегодня объединяют модным тэгом «Серов — не портретист», родом из Домотканова (1, 2).
Впрочем, здесь он написал и знаменитые «солнечные» портреты: жены Ольги и двоюродной сестры Марии. Уже по этим двум картинам можно сделать вывод, что Домотканово было еще одной географической точкой, где Серов был как дома, еще одним его «местом силы».
Густав Климт. Портрет Хелен Луизы Климт
Это племянница Густава Климта, дочка его родного брата Эрнста. Эрнст Климт тоже был художником, но умер рано - в 28 лет, от пневмонии.
Посмотреть работы Эрнста Климта можно в материале Артхива о талантливых братьях и сёстрах знаменитых художников.
Это племянница Густава Климта, дочка его родного брата Эрнста. Эрнст Климт тоже был художником, но умер рано - в 28 лет, от пневмонии.
Посмотреть работы Эрнста Климта можно в материале Артхива о талантливых братьях и сёстрах знаменитых художников.
Когда написана картина с девушкой в платке из предыдущего поста?
Anonymous Poll
6%
1720-е годы
47%
1820-е годы
33%
1920-е годы
13%
Наши дни
Друзья, а вы ведь подписаны на Артхив в Фейсбуке? Посты не дублируются – там совсем другие загадки и другие рубрики.
Например, сегодня новый выпуск рубрики «10 шедевров одного года» - в этот раз рассматриваем работы 1919-го, созданные ровно 100 лет назад.
https://www.facebook.com/artchive.ru/posts/2424998060901687
Например, сегодня новый выпуск рубрики «10 шедевров одного года» - в этот раз рассматриваем работы 1919-го, созданные ровно 100 лет назад.
https://www.facebook.com/artchive.ru/posts/2424998060901687
Facebook
Артхив
10 ШЕДЕВРОВ ОДНОГО ГОДА: 1919-й Картины, созданные 100 лет назад.
Поль Синьяк. Сосна в Сен-Тропе. 1909. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина (из коллекции Сергея Щукина)
⬇️
⬇️
«Сосна в Сен-Тропе» – не единственная у Синьяка. Изображениями этого дерева он увлекся еще в 1890-е (1, 2).
Эта картина интересна тем, что к моменту ее написания Синьяк уже прошел период увлечения неоимпрессионизмом. Именно таким образом художник пришел к собственному стилю: необходимо было увлечься импрессионизмом, затем податься вслед за Жоржем Сёра в неоимпрессионизм, наконец отбросить его и дать волю своему таланту нежного колориста – именно такую неформальную характеристику хочется дать поздним пейзажам Поля Синьяка.
У него получился своеобразный синтез импрессионизма и пуантилизма – точки он заменил крупными разнонаправленными мазками чистого цвета. С помощью этого приема Синьяк добивается удивительного эффекта бегущих облаков и, кажется, шелеста кроны. Соответственно, в отличие от пуантилистических изображений, в поздних пейзажах Синьяка отсутствует эффект остановившегося времени, создаваемый точечной техникой. Какое уж замершее время, когда облака на наших глазах движутся по небу, а деревья излучают сияющий свет?
На этой картине изображение подчинено не технике, а эмоции, чувству. Яркие аккорды, празднично-радостные цветовые сочетания также приближают «Сосну в Сан-Тропе» к работам фовистов, особенно Андре Дерена.
Интересно написано небо – мазки очень плотные, выпуклые, напоминающие (не внешней формой, а объемностью) легендарный мазок Ван Гога. Кстати, у Поля Синьяка с Ван Гогом были отличные отношения (в этом заслуга Синьяка, легкий характер был у него, а отнюдь не у Ван Гога). Синьяк даже навещал Ван Гога, уже больного и покинутого друзьями, в Арле.
Цветовые переходы в изображении неба очень тонкие, легкие. Создающие фон деревья написаны приглушенными прохладными цветами, главная же героиня картины – сосна - искрит теплыми, яркими и сияющими оттенками, с использованием контрастных тонов. Настроение картины – радостное, светлое.
Эта картина интересна тем, что к моменту ее написания Синьяк уже прошел период увлечения неоимпрессионизмом. Именно таким образом художник пришел к собственному стилю: необходимо было увлечься импрессионизмом, затем податься вслед за Жоржем Сёра в неоимпрессионизм, наконец отбросить его и дать волю своему таланту нежного колориста – именно такую неформальную характеристику хочется дать поздним пейзажам Поля Синьяка.
У него получился своеобразный синтез импрессионизма и пуантилизма – точки он заменил крупными разнонаправленными мазками чистого цвета. С помощью этого приема Синьяк добивается удивительного эффекта бегущих облаков и, кажется, шелеста кроны. Соответственно, в отличие от пуантилистических изображений, в поздних пейзажах Синьяка отсутствует эффект остановившегося времени, создаваемый точечной техникой. Какое уж замершее время, когда облака на наших глазах движутся по небу, а деревья излучают сияющий свет?
На этой картине изображение подчинено не технике, а эмоции, чувству. Яркие аккорды, празднично-радостные цветовые сочетания также приближают «Сосну в Сан-Тропе» к работам фовистов, особенно Андре Дерена.
Интересно написано небо – мазки очень плотные, выпуклые, напоминающие (не внешней формой, а объемностью) легендарный мазок Ван Гога. Кстати, у Поля Синьяка с Ван Гогом были отличные отношения (в этом заслуга Синьяка, легкий характер был у него, а отнюдь не у Ван Гога). Синьяк даже навещал Ван Гога, уже больного и покинутого друзьями, в Арле.
Цветовые переходы в изображении неба очень тонкие, легкие. Создающие фон деревья написаны приглушенными прохладными цветами, главная же героиня картины – сосна - искрит теплыми, яркими и сияющими оттенками, с использованием контрастных тонов. Настроение картины – радостное, светлое.
Artchive
Large Pine, Saint-Tropez by Paul Signac: History, Analysis & Facts
Large Pine, Saint-Tropez is one of artworks by Paul Signac. Artwork analysis, large resolution images, user comments, interesting facts and much more.
Ответ на вчерашнюю загадку
Автор картины "Девушка в платке" из собрания Русского музея - Алексей Венецианов. Она написана в конце 1820-х годов.
Автор картины "Девушка в платке" из собрания Русского музея - Алексей Венецианов. Она написана в конце 1820-х годов.
Один из многочисленных натюрмортов Великой княгини Ольги Александровны Романовой, сестры императора Николая II.
После революции она жила в Дании и Канаде, а её акварели были неплохим источником дохода для её семьи (среди тех, кто их покупал, был, например, Уинстон Черчилль).
Уроки живописи Ольге Александровне в юности давали преподаватели Академии художеств – Владимир Маковский, Сергей Жуковский, Сергей Виноградов.
После революции она жила в Дании и Канаде, а её акварели были неплохим источником дохода для её семьи (среди тех, кто их покупал, был, например, Уинстон Черчилль).
Уроки живописи Ольге Александровне в юности давали преподаватели Академии художеств – Владимир Маковский, Сергей Жуковский, Сергей Виноградов.
«Жертвоприношение» написано в сложный для художника год – 1909-й. Чюрлёнис живёт в Петербурге, работает, по его словам, «24-25 часов в сутки» и чувствует себя глубоко одиноким и непонятым. Не всё гладко и в отношениях с боготворимой им женой: София Кимантайте оставляет мужа и возвращается в Литву.
В это время впервые дала о себе знать душевная болезнь Чюрлёниса, которая всего через пару лет, в 1911-м году, приведет его к гибели. Но в 1909 художник еще в состоянии бороться с одолевающей его депрессией и писать. Картины этого периода («Баллада о черном солнце», «Жемайтийское кладбище», «Rex», «Жертвоприношение») выполнены в предельно скупой, хотя и тонко нюансированной цветовой гамме. Их сюжеты – мрачные и таинственные, не поддающиеся однозначному истолкованию.
Мистики уверены, что Чюрлёнис был способен улавливать тонкие планы бытия (кстати, какое-то время он увлекался гипнозом), воочию видеть многомерность мироздания, ощущать в полной мере борьбу ангельского и демонического начал. Это особенно чувствуется в «Жертвоприношение». В центре полотна, на покрытом звездами ступенчатом зиккурате, – фигура ангела. Опутываемый клубами темного дыма, поднимающегося с земли, он взирает на небо, словно вопрошая о том, какой жертвы от него потребуют. Картина полна обострённой тревоги, неотступных страшных предчувствий.
Как и большинство работ Чюрлёниса, «Жертвоприношение» хранится в Национальном художественном музее (Каунас), носящем с 1944-го года имя художника.
Особой проблемой является сохранность произведений Чюрлёниса, в том числе и «Жертвоприношения». В большинстве случаев художник писал пастелью и темперными красками. Он даже разработал собственную технику, при которой темпера сильно разводилась и наносилась слоями, подобно акварельным краскам. Работы, исполненные в подобной технике, к сожалению, очень уязвимы: на их состояние негативно влияют избыток света и перепады температур. Вот почему многие оригиналы Чюрлёниса не подлежат транспортировке и даже на самых серьезных выставках могут быть представлены лишь факсимильные копии картин художника. Первые факсимиле были заказаны ценителями творчества Чюрлениса еще в 1938-м. Сейчас качество репродукций год от года растёт. Так, например, итальянские факсимиле 1997 года считаются специалистами одними из лучших, поскольку наиболее полно передают мельчайшие особенности оригиналов.
В это время впервые дала о себе знать душевная болезнь Чюрлёниса, которая всего через пару лет, в 1911-м году, приведет его к гибели. Но в 1909 художник еще в состоянии бороться с одолевающей его депрессией и писать. Картины этого периода («Баллада о черном солнце», «Жемайтийское кладбище», «Rex», «Жертвоприношение») выполнены в предельно скупой, хотя и тонко нюансированной цветовой гамме. Их сюжеты – мрачные и таинственные, не поддающиеся однозначному истолкованию.
Мистики уверены, что Чюрлёнис был способен улавливать тонкие планы бытия (кстати, какое-то время он увлекался гипнозом), воочию видеть многомерность мироздания, ощущать в полной мере борьбу ангельского и демонического начал. Это особенно чувствуется в «Жертвоприношение». В центре полотна, на покрытом звездами ступенчатом зиккурате, – фигура ангела. Опутываемый клубами темного дыма, поднимающегося с земли, он взирает на небо, словно вопрошая о том, какой жертвы от него потребуют. Картина полна обострённой тревоги, неотступных страшных предчувствий.
Как и большинство работ Чюрлёниса, «Жертвоприношение» хранится в Национальном художественном музее (Каунас), носящем с 1944-го года имя художника.
Особой проблемой является сохранность произведений Чюрлёниса, в том числе и «Жертвоприношения». В большинстве случаев художник писал пастелью и темперными красками. Он даже разработал собственную технику, при которой темпера сильно разводилась и наносилась слоями, подобно акварельным краскам. Работы, исполненные в подобной технике, к сожалению, очень уязвимы: на их состояние негативно влияют избыток света и перепады температур. Вот почему многие оригиналы Чюрлёниса не подлежат транспортировке и даже на самых серьезных выставках могут быть представлены лишь факсимильные копии картин художника. Первые факсимиле были заказаны ценителями творчества Чюрлениса еще в 1938-м. Сейчас качество репродукций год от года растёт. Так, например, итальянские факсимиле 1997 года считаются специалистами одними из лучших, поскольку наиболее полно передают мельчайшие особенности оригиналов.