У Рут Оренбах этот приём получает глубоко личный смысл. Художница говорит: «Один из посетителей выставки сказал мне, что, по его мнению, мои персонажи лишены лиц потому, что я постоянно занята стиранием собственной идентичности».
Оренбах родилась в Украине, тогда ещё в Советском Союзе. Там ей приходилось стирать еврейскую идентичность, а после переезда в Израиль — русскую. «Когда мы приехали в Израиль, вся наша семья отказалась от русского языка. Он исчез из нашей жизни удивительно быстро. Сегодня я очень сожалею о том, что мы тогда отреклись от собственного языка и культуры».
«Я своего рода гибрид, существо, сотканное из противоречий: одновременно русская и израильтянка».
Оренбах родилась в Украине, тогда ещё в Советском Союзе. Там ей приходилось стирать еврейскую идентичность, а после переезда в Израиль — русскую. «Когда мы приехали в Израиль, вся наша семья отказалась от русского языка. Он исчез из нашей жизни удивительно быстро. Сегодня я очень сожалею о том, что мы тогда отреклись от собственного языка и культуры».
«Я своего рода гибрид, существо, сотканное из противоречий: одновременно русская и израильтянка».
«Неваляшка — кукла, которая была практически у каждого советского ребёнка. Она похожа на меня: падает, но снова поднимается».
И тогда вопрос Трелковского — где находится наше «я»? — получает здесь неожиданный ответ. Лица персонажей Рут Оренбах стёрты, но её искусство работает в обратном направлении. Через память, язык и образы детства художница возвращает ту идентичность, от которой когда-то пыталась отказаться.
И тогда вопрос Трелковского — где находится наше «я»? — получает здесь неожиданный ответ. Лица персонажей Рут Оренбах стёрты, но её искусство работает в обратном направлении. Через память, язык и образы детства художница возвращает ту идентичность, от которой когда-то пыталась отказаться.
ГЕНИИ ЦВЕТА В ВАШИНГТОНЕ
«Она любила картины, а я их покупал»
Честер Дейл родился в Нью-Йорке в 1883 году и уже подростком начал работать на Уолл-стрит — сначала простым посыльным, а затем сделал стремительную карьеру финансиста и заработал огромное состояние.
Мод Мюррей Томпсон была не просто женой миллионера. Она училась живописи в Париже, писала об искусстве и организовывала выставки. Именно Мод открыла Честеру мир живописи и стала главным проводником в их первых коллекционерских опытах. Сначала супруги покупали произведения современных американских художников, но постепенно их внимание всё больше обращалось к Франции — к Мане, Ренуару, Дега, Сезанну, Тулуз-Лотреку, Ван Гогу, Модильяни и Пикассо.
Итак, у Честера были деньги и страсть коллекционера; у Мод — художественный вкус и глубокое знание искусства. Вместе они создали собрание, которое впоследствии стало одной из драгоценностей Национальной галереи искусства в Вашингтоне.
Джордж Беллоуз — Портрет Честера Дейла, 1922 Портрет Мод Мюррей Дейл, 1919
«Она любила картины, а я их покупал»
Честер Дейл родился в Нью-Йорке в 1883 году и уже подростком начал работать на Уолл-стрит — сначала простым посыльным, а затем сделал стремительную карьеру финансиста и заработал огромное состояние.
Мод Мюррей Томпсон была не просто женой миллионера. Она училась живописи в Париже, писала об искусстве и организовывала выставки. Именно Мод открыла Честеру мир живописи и стала главным проводником в их первых коллекционерских опытах. Сначала супруги покупали произведения современных американских художников, но постепенно их внимание всё больше обращалось к Франции — к Мане, Ренуару, Дега, Сезанну, Тулуз-Лотреку, Ван Гогу, Модильяни и Пикассо.
Итак, у Честера были деньги и страсть коллекционера; у Мод — художественный вкус и глубокое знание искусства. Вместе они создали собрание, которое впоследствии стало одной из драгоценностей Национальной галереи искусства в Вашингтоне.
Джордж Беллоуз — Портрет Честера Дейла, 1922 Портрет Мод Мюррей Дейл, 1919
В период Великой депрессии, когда большинство коллекционеров сократили приобретения, Честер Дейл продолжал покупать картины. Только в 1930 году он приобрёл почти сотню произведений искусства. Среди них — знаменитый «Старый музыкант» Эдуарда Мане (1862), ставший самой дорогой покупкой за всю историю его коллекционирования. Мод считала его одним из величайших произведений Мане.
В своём завещании Дейл поставил условие: музей должен принять его наследство целиком. После его смерти в 1962 году галерея получила сотни картин, скульптур и произведений графики. Это была не только французская живопись XIX–XX веков, но и произведения американских художников, европейских модернистов и старых мастеров.
Конечно, были и другие собиратели. Нынешнее собрание Национальной галереи искусства в Вашингтоне складывалось постепенно благодаря нескольким поколениям американских коллекционеров.
СМОТРЕТЬ ГАЛЕРЕЮ...
ИЗ РОССИИ БЕЗ VPN...
На фото: Эдуар Мане — Старый музыкант, 1862 (холст, масло)
В своём завещании Дейл поставил условие: музей должен принять его наследство целиком. После его смерти в 1962 году галерея получила сотни картин, скульптур и произведений графики. Это была не только французская живопись XIX–XX веков, но и произведения американских художников, европейских модернистов и старых мастеров.
Конечно, были и другие собиратели. Нынешнее собрание Национальной галереи искусства в Вашингтоне складывалось постепенно благодаря нескольким поколениям американских коллекционеров.
СМОТРЕТЬ ГАЛЕРЕЮ...
ИЗ РОССИИ БЕЗ VPN...
На фото: Эдуар Мане — Старый музыкант, 1862 (холст, масло)
ЖИЗНЬ В ЗООПАРКЕ
«Решетки кварталов, смотри, повсюду клетки квартир…»
Майк Науменко
Центральная тема живописи Юрия Медведева — повседневная жизнь большого города. Его герои — люди, обреченные на существование в тесноте и убогости коммунального быта. Они принимают условия игры, не делая попыток изменить положение.
Медведев с пониманием и сочувствием наблюдает за человеческим общежитием и, в то же время, иронизирует по поводу обывательских взглядов на жизнь. Да, и самому художнику приходилось жить с женой и ребенком в убогой коммуналке. Поэтому те, кто прошел через этот опыт, узнают в его работах собственную жизнь.
На фото: Юрий Медведев — Дым коромыслом, 2003 (холст, масло)
«Решетки кварталов, смотри, повсюду клетки квартир…»
Майк Науменко
Центральная тема живописи Юрия Медведева — повседневная жизнь большого города. Его герои — люди, обреченные на существование в тесноте и убогости коммунального быта. Они принимают условия игры, не делая попыток изменить положение.
Медведев с пониманием и сочувствием наблюдает за человеческим общежитием и, в то же время, иронизирует по поводу обывательских взглядов на жизнь. Да, и самому художнику приходилось жить с женой и ребенком в убогой коммуналке. Поэтому те, кто прошел через этот опыт, узнают в его работах собственную жизнь.
На фото: Юрий Медведев — Дым коромыслом, 2003 (холст, масло)
Медведев принадлежит к кругу художников ленинградского андеграунда. Для выражения мировосприятия художник активно использует приемы гротеска — он насыщает причудливые структурные построения яркими, контрастными цветами. Архитектор по образованию, Медведев свободно обращается с пространством, подчиняя композицию психологическим отношениям персонажей.
При этом его искусство не сводится к социальной критике. В изображении неустроенного быта присутствуют теплота, ирония и даже ностальгия. В его живописи существует парадоксальный уют: конфликты, теснота и бытовая неустроенность не лишают нас человеческого тепла, но становятся частью особого мира. От картины к картине Медведев создаёт особый мир повседневной жизни — узнаваемый, немного нелепый, смешной и одновременно грустный.
Вашему вниманию полная ретроспективная выставка Юрия Медведева из МИСПа.
СМОТРЕТЬ ГАЛЕРЕЮ...
ИЗ РОССИИ БЕЗ VPN...
На фото: Юрий Медведев — Коммунальная квартира, 2009 (холст, масло)
При этом его искусство не сводится к социальной критике. В изображении неустроенного быта присутствуют теплота, ирония и даже ностальгия. В его живописи существует парадоксальный уют: конфликты, теснота и бытовая неустроенность не лишают нас человеческого тепла, но становятся частью особого мира. От картины к картине Медведев создаёт особый мир повседневной жизни — узнаваемый, немного нелепый, смешной и одновременно грустный.
Вашему вниманию полная ретроспективная выставка Юрия Медведева из МИСПа.
СМОТРЕТЬ ГАЛЕРЕЮ...
ИЗ РОССИИ БЕЗ VPN...
На фото: Юрий Медведев — Коммунальная квартира, 2009 (холст, масло)
ХИЧКОК ПРОТИВ ТАРАНТИНО:
ИСКУССТВО НАПРЯЖЕНИЯ
Друзья, стрим опубликован на моем сайте:
https://alexey-shadrin.com/hitchcock-vs-tarantino/
Из России: https://ru.alexey-shadrin.com/hitchcock-vs-tarantino/
ИСКУССТВО НАПРЯЖЕНИЯ
Друзья, стрим опубликован на моем сайте:
https://alexey-shadrin.com/hitchcock-vs-tarantino/
Из России: https://ru.alexey-shadrin.com/hitchcock-vs-tarantino/
ОЖИДАНИЕ НЕИЗВЕСТНОГО
«Das Romantische besaß ich, das Klassische habe ich gesucht» — «Романтическое было во мне изначально, классическое я искал».
Интересный приключился поворот в судьбе Карла Хофера. Его картины были уничтожены дважды: сначала им самим, а потом войной. Ещё в юности Хофер понимал, что поиск собственного пути — лишь этап развития. Отсюда и желание уничтожать работы, которые, как ему казалось, он «перерос».
Найти путь к символической, эмоционально насыщенной живописи на раннем этапе Хоферу помог Бёклин. Но со временем он выработал собственный стиль, в котором соединились выразительность образов, строгая композиция и особая сдержанность. А в Сезанне Хофер словно обнаружил духовного родственника. Этот великий мастер дал ему своего рода художественное приданое: строгость построения картины, упрощение формы и её единство с цветом.
На фото:
Слепой и девушка, 1943 (холст, масло)
Ночь черной луны, 1944 (холст, масло)
Женщина с попугаем, 1928 (холст, масло)
Башенные трубачи, 1935 (холст, масло)
«Das Romantische besaß ich, das Klassische habe ich gesucht» — «Романтическое было во мне изначально, классическое я искал».
Интересный приключился поворот в судьбе Карла Хофера. Его картины были уничтожены дважды: сначала им самим, а потом войной. Ещё в юности Хофер понимал, что поиск собственного пути — лишь этап развития. Отсюда и желание уничтожать работы, которые, как ему казалось, он «перерос».
Найти путь к символической, эмоционально насыщенной живописи на раннем этапе Хоферу помог Бёклин. Но со временем он выработал собственный стиль, в котором соединились выразительность образов, строгая композиция и особая сдержанность. А в Сезанне Хофер словно обнаружил духовного родственника. Этот великий мастер дал ему своего рода художественное приданое: строгость построения картины, упрощение формы и её единство с цветом.
На фото:
Слепой и девушка, 1943 (холст, масло)
Ночь черной луны, 1944 (холст, масло)
Женщина с попугаем, 1928 (холст, масло)
Башенные трубачи, 1935 (холст, масло)
К 1933 г. Хофер был уже признанным живописцем, профессором Берлинской высшей школы изобразительных искусств. Его произведения хранились в крупнейших немецких музеях. Но ещё в 1931 г. он писал своему другу Бруно Лейнеру:
«Я больше не чувствую себя хорошо в мире, где правят безумцы и преступники, и хотел бы однажды удалиться туда, где не буду ничего видеть и слышать обо всех этих мерзостях».
Главной темой искусства Хофера оставался человек — в паре, в группе или отдельной полуфигурой. Творчество его принадлежит скорее «лирике», нежели «прозе» и насквозь пропитано меланхолическим предчувствием грядущей опасности. Люди на картинах Хофера часто находятся рядом, но словно не могут преодолеть разделяющее их одиночество. Они сидят за общим столом, стоят рядом, обнимаются, смотрят в окно — но между ними остаётся странная эмоциональная дистанция.
И здесь противоречие: художник, всю жизнь стремившийся к классической гармонии, изображал мир, в котором эта гармония постоянно оказывается под угрозой.
«Я больше не чувствую себя хорошо в мире, где правят безумцы и преступники, и хотел бы однажды удалиться туда, где не буду ничего видеть и слышать обо всех этих мерзостях».
Главной темой искусства Хофера оставался человек — в паре, в группе или отдельной полуфигурой. Творчество его принадлежит скорее «лирике», нежели «прозе» и насквозь пропитано меланхолическим предчувствием грядущей опасности. Люди на картинах Хофера часто находятся рядом, но словно не могут преодолеть разделяющее их одиночество. Они сидят за общим столом, стоят рядом, обнимаются, смотрят в окно — но между ними остаётся странная эмоциональная дистанция.
И здесь противоречие: художник, всю жизнь стремившийся к классической гармонии, изображал мир, в котором эта гармония постоянно оказывается под угрозой.
С приходом к власти нацистов началось его моральное отступление. Картины Хофера объявили «дегенеративными» и изъяли из всех музеев. Художника уволили с преподавательской должности, а впоследствии даже запретили заниматься живописью и выставлять картины.
В 1936 г. Хофер писал Лейнеру о своём одиночестве: «отсутствие интереса к нему со стороны окружающих действует парализующе, а ощущение, будто заживо положили в гроб, ледяной рукой сжимает сердце».
На какое-то время Хофер уехал в Швейцарию. Но он вернулся, объяснив решение желанием разделить судьбу немецкого народа. Он не хотел отдавать нацистам немецкую культуру, частью которой себя ощущал.
В 1943 г. при бомбардировке мастерской Хофера сгорели около 150 картин и 1000 рисунков. Некоторые из наиболее значительных художник впоследствии воссоздаст по фотографиям.
Незадолго до смерти Хофер произнёс слова, которые можно считать своеобразным итогом его творческого пути:
«Главной темой искусства был и остаётся человек и человеческое — вечная драма».
В 1936 г. Хофер писал Лейнеру о своём одиночестве: «отсутствие интереса к нему со стороны окружающих действует парализующе, а ощущение, будто заживо положили в гроб, ледяной рукой сжимает сердце».
На какое-то время Хофер уехал в Швейцарию. Но он вернулся, объяснив решение желанием разделить судьбу немецкого народа. Он не хотел отдавать нацистам немецкую культуру, частью которой себя ощущал.
В 1943 г. при бомбардировке мастерской Хофера сгорели около 150 картин и 1000 рисунков. Некоторые из наиболее значительных художник впоследствии воссоздаст по фотографиям.
Незадолго до смерти Хофер произнёс слова, которые можно считать своеобразным итогом его творческого пути:
«Главной темой искусства был и остаётся человек и человеческое — вечная драма».
ВИДЕНИЕ НОВЫХ КОСТЕЙ
Английский художник, поэт и мистик Уильям Блейк утверждал, что с детства ему являлись ангелы и другие сверхъестественные существа. Он воспринимал свои видения как подлинную духовную реальность и воплощал их в рисунках, гравюрах и живописи. Его произведения населены библейскими персонажами, фантастическими существами и демонами. Пожалуй, именно Блейк — самый знаменитый художник-визионер в истории искусства.
Визионерским называют искусство, в котором образы рождаются из сновидений, мистических переживаний, бессознательного и внутреннего духовного опыта художника. Это не единое художественное течение, а особый тип художественного мышления, встречающийся в разные эпохи.
На фото: Уильям Блейк — Жалость, 1795 (бумага, цветная монотипия, акварель и тушь)
Английский художник, поэт и мистик Уильям Блейк утверждал, что с детства ему являлись ангелы и другие сверхъестественные существа. Он воспринимал свои видения как подлинную духовную реальность и воплощал их в рисунках, гравюрах и живописи. Его произведения населены библейскими персонажами, фантастическими существами и демонами. Пожалуй, именно Блейк — самый знаменитый художник-визионер в истории искусства.
Визионерским называют искусство, в котором образы рождаются из сновидений, мистических переживаний, бессознательного и внутреннего духовного опыта художника. Это не единое художественное течение, а особый тип художественного мышления, встречающийся в разные эпохи.
На фото: Уильям Блейк — Жалость, 1795 (бумага, цветная монотипия, акварель и тушь)
Само слово «визионер» гораздо старше понятия «визионерское искусство». Причём изначально оно относилось вовсе не к художникам. Слово восходит к латинскому visio — «видение», от глагола videre — «видеть». Так называли людей, утверждавших, что они получают божественное откровение. То есть первоначально визионер — это человек, который видит то, чего не видят другие.
Позднее это понятие перешло в искусство. Особенно важную роль здесь сыграл романтизм конца XVIII — начала XIX века. Романтики утверждали, что художник не должен ограничиваться воспроизведением видимого мира. Его задача — проникнуть за внешнюю оболочку действительности, обнаружить скрытую духовную реальность.
В XX веке интерес к внутренним видениям усилился благодаря сюрреализму, психоанализу и различным духовным практикам. После войны важную роль сыграла Венская школа фантастического реализма, сформировавшаяся в конце 1940-х годов. Среди её представителей были Эрнст Фукс и Арик Брауэр.
Арик Брауэр — Кишинёвский погром, 1973–1974 (оргалит, масло)
Позднее это понятие перешло в искусство. Особенно важную роль здесь сыграл романтизм конца XVIII — начала XIX века. Романтики утверждали, что художник не должен ограничиваться воспроизведением видимого мира. Его задача — проникнуть за внешнюю оболочку действительности, обнаружить скрытую духовную реальность.
В XX веке интерес к внутренним видениям усилился благодаря сюрреализму, психоанализу и различным духовным практикам. После войны важную роль сыграла Венская школа фантастического реализма, сформировавшаяся в конце 1940-х годов. Среди её представителей были Эрнст Фукс и Арик Брауэр.
Арик Брауэр — Кишинёвский погром, 1973–1974 (оргалит, масло)
Выставка «Видение новых костей» призвана расширить представления об искусстве, созданном после Второй мировой войны. Речь идёт о художниках, связанных с еврейской культурой, которые в годы своего становления в той или иной форме пережили ужасы войны и Холокоста. Их произведения выражают глубоко личный необычный взгляд на мир и раскрывают своеобразные способы осмысления травматической реальности.
Название выставки отсылает нас к библейскому видению пророка Иезекииля (Иез. 37), в котором сухие кости вновь соединяются, обрастают плотью и оживают. Для большинства представленных авторов искусство стало способом исследования и постижения бессознательных глубин человеческой психики, а также необходимым этапом на пути к созданию внутреннего пространства безопасности, в котором можно заново выстроить собственную жизнь.
На фото: Мордехай Море — Сад единорога, 1987 (холст, масло, темпера)
СМОТРЕТЬ ГАЛЕРЕЮ...
ИЗ РОССИИ БЕЗ VPN...
Название выставки отсылает нас к библейскому видению пророка Иезекииля (Иез. 37), в котором сухие кости вновь соединяются, обрастают плотью и оживают. Для большинства представленных авторов искусство стало способом исследования и постижения бессознательных глубин человеческой психики, а также необходимым этапом на пути к созданию внутреннего пространства безопасности, в котором можно заново выстроить собственную жизнь.
На фото: Мордехай Море — Сад единорога, 1987 (холст, масло, темпера)
СМОТРЕТЬ ГАЛЕРЕЮ...
ИЗ РОССИИ БЕЗ VPN...