В 2007 году Дэмиен Херст ошарашил мир искусства. For the Love of God- так он назвал свою работу, которая представляла собой инкрустированный 8601 бриллиантами (не считая розового бриллианта на лбу) платиновый череп. Прототипом послужил череп 35-летнего европейца XVIII века. Челюсть тоже сделана из платины, а вот зубы — настоящие.
Череп переливается, шокирует и задает один жестокий и простой вопрос: чего стоит человеческая жизнь?
Дэмиен Херст работал над черепом с лондонскими ювелирами Bentley & Skinner. 1 106,18 карата и стоимость работы- 14 миллионов фунтов стерлингов. Результатом является одновременно роскошный объект, символ vanitas и провокация. В голландской и фламандской живописи 17-го века жанр vanitas использовал черепа, свечи и гниющие фрукты, чтобы напомнить зрителям о краткости, тщетности жизни. Череп работы Дэмиена Херста отказывает смерти в мрачности и заставляет ее конкурировать с красотой и непростительным богатством. Если традиционная картина vanitas заставляла зрителя задуматься, то череп с бриллиантами измывается над ним, превращая останки человека в талисман или сувенир. Как нам справиться с осознанием собственной смертности? Дэмиен Херст предлагает один ответ: тратить, украшать, превращать смерть в самую дорогую вещь в комнате.
Эту самую дорогую вещь Дэмиэн Херст, согласно собственному заявлению, продал некоей иневестиционной группе. Однако позже выяснилось, что сделка так и не состоялась.
Что касается названия работы (For the Love of God), оно происходит от восклицания матери Херста, когда он впервые описал ей проект. По-русски название переводят как "Ради любви Бога", с чем я категорически не согласна.
-Ради всего святого, Дэмиэн,- наверняка воскликнула мать, закатив глаза. Что и дало название черепу с бриллиантами.
Череп переливается, шокирует и задает один жестокий и простой вопрос: чего стоит человеческая жизнь?
Дэмиен Херст работал над черепом с лондонскими ювелирами Bentley & Skinner. 1 106,18 карата и стоимость работы- 14 миллионов фунтов стерлингов. Результатом является одновременно роскошный объект, символ vanitas и провокация. В голландской и фламандской живописи 17-го века жанр vanitas использовал черепа, свечи и гниющие фрукты, чтобы напомнить зрителям о краткости, тщетности жизни. Череп работы Дэмиена Херста отказывает смерти в мрачности и заставляет ее конкурировать с красотой и непростительным богатством. Если традиционная картина vanitas заставляла зрителя задуматься, то череп с бриллиантами измывается над ним, превращая останки человека в талисман или сувенир. Как нам справиться с осознанием собственной смертности? Дэмиен Херст предлагает один ответ: тратить, украшать, превращать смерть в самую дорогую вещь в комнате.
Эту самую дорогую вещь Дэмиэн Херст, согласно собственному заявлению, продал некоей иневестиционной группе. Однако позже выяснилось, что сделка так и не состоялась.
Что касается названия работы (For the Love of God), оно происходит от восклицания матери Херста, когда он впервые описал ей проект. По-русски название переводят как "Ради любви Бога", с чем я категорически не согласна.
-Ради всего святого, Дэмиэн,- наверняка воскликнула мать, закатив глаза. Что и дало название черепу с бриллиантами.
❤8😁1
У Пандольфо Петруччи были честолюбивые планы основать династию правителей Сиены. Женив сына на племяннице папы Римского, он заказал художнику Пинтуриккио фреску для своего палаццо- резиденции будущей династии. Фреску про семейные узы, любовь и верность.
А кто, как не Пенелопа, олицетворяет все вышеперечисленное? Правда, Гомеру поребовалось 12 тысяч 110 стихов, чтоб описать возвращение Одиссея к верной Пенелопе. А Пинтуриккио-всего одна фреска (илл 1, 1509г).
Двадцать лет Пенелопа ждала Одиссея, пока тот подвизался на Троянской войне (10 лет) и держал путь домой (еще 10). Три последних года выдались особенно тяжелыми, так как толпы женихов осаждали дом Пенелопы - вот они на фреске, справа. Хотя один из них- вовсе не ухажер, а сын Пенелопы. Мальчик успел вырасти, пока отец стремился домой.
Отбивалась Пенелопа от ухажеров оригинально: не пойду, мол, замуж, пока не закончу ткать погребальный саван для свекра. Днем ткала, ночью тайно распускала. Нескончаемый саван, сизифов труд. Хотя по ее безмятежно прекрасному лицу этого не скажешь.
А за окном- краткий пересказ "Одиссеи" Гомера. Там и Цирцея, превращающая друзей Одиссея в свиней; и сам Одиссей на корабле; и сирены в морских волнах, и замок феакийцев- последний пункт привала Одиссея перед возвращением домой.
За спиной Пенелопы на стене висят лук и стрелы. Согласно закону драматургии, кто-то должен выстрелить из лука -он и станет супругом Пенелопы. И этот кто-то уже протискивается в дом. Вот он, в дверном проеме. Сам Одиссей, который и за окном, и уже дома.
Пинтуриккио написал восхитительную сцену, пересказав поэму Гомера и украсив резиденцию Пандольфо Петруччи. Сыновья, однако, оказались не в отца, и вскоре потеряли власть. Ну а нам осталась фреска -одна из самых известных восхитительной эпохи Ренессанса. Правда, переведенная на холст и ныне обитающая в Национальной галерее Лондона.
А кто, как не Пенелопа, олицетворяет все вышеперечисленное? Правда, Гомеру поребовалось 12 тысяч 110 стихов, чтоб описать возвращение Одиссея к верной Пенелопе. А Пинтуриккио-всего одна фреска (илл 1, 1509г).
Двадцать лет Пенелопа ждала Одиссея, пока тот подвизался на Троянской войне (10 лет) и держал путь домой (еще 10). Три последних года выдались особенно тяжелыми, так как толпы женихов осаждали дом Пенелопы - вот они на фреске, справа. Хотя один из них- вовсе не ухажер, а сын Пенелопы. Мальчик успел вырасти, пока отец стремился домой.
Отбивалась Пенелопа от ухажеров оригинально: не пойду, мол, замуж, пока не закончу ткать погребальный саван для свекра. Днем ткала, ночью тайно распускала. Нескончаемый саван, сизифов труд. Хотя по ее безмятежно прекрасному лицу этого не скажешь.
А за окном- краткий пересказ "Одиссеи" Гомера. Там и Цирцея, превращающая друзей Одиссея в свиней; и сам Одиссей на корабле; и сирены в морских волнах, и замок феакийцев- последний пункт привала Одиссея перед возвращением домой.
За спиной Пенелопы на стене висят лук и стрелы. Согласно закону драматургии, кто-то должен выстрелить из лука -он и станет супругом Пенелопы. И этот кто-то уже протискивается в дом. Вот он, в дверном проеме. Сам Одиссей, который и за окном, и уже дома.
Пинтуриккио написал восхитительную сцену, пересказав поэму Гомера и украсив резиденцию Пандольфо Петруччи. Сыновья, однако, оказались не в отца, и вскоре потеряли власть. Ну а нам осталась фреска -одна из самых известных восхитительной эпохи Ренессанса. Правда, переведенная на холст и ныне обитающая в Национальной галерее Лондона.
❤9👍1
Кристобаль Баленсиага (1895–1972) был особой фигурой в мире моды. Кутюрье королевской семьи и аристократии Испании, он, тем не менее, не зацикливался на своих корнях. После начала гражданской войны в Испании (1936–1939) и диктатуры генерала Франко Баленсиага переехал в Париж. И, surprise, его стала донимать ностальгия. Именно тогда он начал включать ссылки из испанского искусства в свои проекты. Давайте посмотрим на некоторые из них.
Эль Греко- один из главных вдохновителей Баленсиаги, особенно в использовании ярких цветов. Сияющий желтый цвет одеяния архангела Гавриила из Благовещения Эль Греко вдохновило художника на создание вечернего платья из шелковой органзы (илл 1).
Франсиско де Гойа очаровывал художника мастерством изображения тканей. Баленсиага виртуозно использовал дизайн этих материалов в своих творениях (илл 2). Другим влиянием Гойи можно объяснить дизайн платья, где плавная форма сочетается с сильной линией. Сравните платье герцогини Альба и платье Баленсиага (илл 3).
Работы Диего Веласкеса также оказали значительное влияние на Баленсиагу- на сей раз его пленила форма. Платье Infanta, придуманное в 1939 году, переосмысливает форму, известную по портретам инфанты Маргариты Терезы (илл 4).
Франсиско де Зурбаран (мой фаворит, если честно), известный в основном как религиозный художник. Баленсиага отринул идею святости и взял на вооружение объемы (илл 5).
Баленсиага восторгался также блестящей одеждой монахов цвета слоновой кости кисти Зурбарана. Когда внучка Франко, Кармен Мартинес Бордиу, и королева Бельгии Фабиола обратились к нему за свадебными платьями, Баленсиага создал настоящие шедевры, вдохновленные Франсиско де Зурбараном (илл 6).
Никогда не знаешь, где и когда она тебя настигнет- ностальгия. А если ты испанец, как тут обойтись без фламенко и корриды? Что и демонстрируют последние две иллюстрации.
Эль Греко- один из главных вдохновителей Баленсиаги, особенно в использовании ярких цветов. Сияющий желтый цвет одеяния архангела Гавриила из Благовещения Эль Греко вдохновило художника на создание вечернего платья из шелковой органзы (илл 1).
Франсиско де Гойа очаровывал художника мастерством изображения тканей. Баленсиага виртуозно использовал дизайн этих материалов в своих творениях (илл 2). Другим влиянием Гойи можно объяснить дизайн платья, где плавная форма сочетается с сильной линией. Сравните платье герцогини Альба и платье Баленсиага (илл 3).
Работы Диего Веласкеса также оказали значительное влияние на Баленсиагу- на сей раз его пленила форма. Платье Infanta, придуманное в 1939 году, переосмысливает форму, известную по портретам инфанты Маргариты Терезы (илл 4).
Франсиско де Зурбаран (мой фаворит, если честно), известный в основном как религиозный художник. Баленсиага отринул идею святости и взял на вооружение объемы (илл 5).
Баленсиага восторгался также блестящей одеждой монахов цвета слоновой кости кисти Зурбарана. Когда внучка Франко, Кармен Мартинес Бордиу, и королева Бельгии Фабиола обратились к нему за свадебными платьями, Баленсиага создал настоящие шедевры, вдохновленные Франсиско де Зурбараном (илл 6).
Никогда не знаешь, где и когда она тебя настигнет- ностальгия. А если ты испанец, как тут обойтись без фламенко и корриды? Что и демонстрируют последние две иллюстрации.
❤12
Эту картину Вермеера иногда называют "Девушкой, читающей любовное письмо", хотя официальное название картины- " Девушка, читающая письмо у открытого окна" (Илл 1).
Так что она читает? Давайте по порядку.
Необычная для Вермеера деталь: пустая стена. В его картинах обычно на стенах висят другие картины или географические карты. Которые там неспроста, а намекают на тайные смыслы произведения.
Письмо в руках девушки- не первой свежести. Оно скомкано и потом расправлено.
Ваза с фруктами на столе слишком неряшлива для такой безупречно чистой комнаты, при чем некоторые фрукты, как и письмо, не первой свежести.
Выражение лица девушки никак не убеждает нас, что она читает любовное письмо. Держится девушка достойно, но грустна она, печальна!
Исследования картины доказали, что Вермеер позаботился о нас, намекнув на содержание письма. На стене изначально висела картина с обнаженным Купидоном, которую Вермеер использовал в трех других своих картинах.
Почему же Вермеер передумал и удалил Купидона, заставив нас гадать, что это за письмо читает грустная девушка?
Загадка разрешилась в 2017 году, когда в Gemäldegalerie в Дрездене началась реставрация картины. При удалении слоев лака с картины было обнаружено, что Купидона закрасили намного позже. Кто-то посчитал, что он тут-лишний.
Реставраторы восстановили Купидона на стене. Теперь мы видим картину так, как ее задумал Вермеер (илл 2).
Ну, так это все-таки любовное письмо, раз за спиной у девушки в меру упитанный Купидон?
Но не зря же я в начале поста повесила ружье в виде вазы с фруктами, которое должно выстрелить! Изображения фруктов на картинах часто символизируют любовь. Но наша ваза перекошена, и некоторые фрукты выпали... Что-то не так с любовью.
Да и выражение лица девушки не то, чтобы счастливое. И вышеупомянутое письмо, которое явно скомкали, отбросили, а потом расправили и читают заново. В 17 веке письма были ценными предметами, с ними так не поступали.
Тут на помощь приходит
Купидон на стене. Занавес скрывает почти треть комнаты, включая вытянутую левую руку Купидона. Вермеер спрятал эту левую руку по уважительной причине. Он изобразил на стене комнаты Купидона кисти Сезара ван Эвердингена (ныне утеряна), которая, в свою очередь, была основана на эмблеме в «Amorum emblemata» Отто ван Вена, популярной книге 1608 года (илл 3).
На эмблеме изображен Купидон, держащий выше карту с римской цифрой «I». Девиз эмблемы «Perfects Amor non est nisi ad unum» гласит, что «идеальная любовь включает в себя только одного любимого». Люди, увидев эту картину во времена Вермеера, понимали, что послание «I» на карте Купидона - это сообщение о верности в любви.
А тут Вермеер берет и закрывает занавеской эту важную деталь. То есть никакой верности, а, скорее, измена. Вот о чем сообщает в письме ее ветреный возлюбленный. Вот почему письмо было скомкано, а ваза с фруктами чуть не опрокинулась.
Так что будьте умницами, и не называйте картину Вермеера "Девушкой, читающей любовное письмо".
Так что она читает? Давайте по порядку.
Необычная для Вермеера деталь: пустая стена. В его картинах обычно на стенах висят другие картины или географические карты. Которые там неспроста, а намекают на тайные смыслы произведения.
Письмо в руках девушки- не первой свежести. Оно скомкано и потом расправлено.
Ваза с фруктами на столе слишком неряшлива для такой безупречно чистой комнаты, при чем некоторые фрукты, как и письмо, не первой свежести.
Выражение лица девушки никак не убеждает нас, что она читает любовное письмо. Держится девушка достойно, но грустна она, печальна!
Исследования картины доказали, что Вермеер позаботился о нас, намекнув на содержание письма. На стене изначально висела картина с обнаженным Купидоном, которую Вермеер использовал в трех других своих картинах.
Почему же Вермеер передумал и удалил Купидона, заставив нас гадать, что это за письмо читает грустная девушка?
Загадка разрешилась в 2017 году, когда в Gemäldegalerie в Дрездене началась реставрация картины. При удалении слоев лака с картины было обнаружено, что Купидона закрасили намного позже. Кто-то посчитал, что он тут-лишний.
Реставраторы восстановили Купидона на стене. Теперь мы видим картину так, как ее задумал Вермеер (илл 2).
Ну, так это все-таки любовное письмо, раз за спиной у девушки в меру упитанный Купидон?
Но не зря же я в начале поста повесила ружье в виде вазы с фруктами, которое должно выстрелить! Изображения фруктов на картинах часто символизируют любовь. Но наша ваза перекошена, и некоторые фрукты выпали... Что-то не так с любовью.
Да и выражение лица девушки не то, чтобы счастливое. И вышеупомянутое письмо, которое явно скомкали, отбросили, а потом расправили и читают заново. В 17 веке письма были ценными предметами, с ними так не поступали.
Тут на помощь приходит
Купидон на стене. Занавес скрывает почти треть комнаты, включая вытянутую левую руку Купидона. Вермеер спрятал эту левую руку по уважительной причине. Он изобразил на стене комнаты Купидона кисти Сезара ван Эвердингена (ныне утеряна), которая, в свою очередь, была основана на эмблеме в «Amorum emblemata» Отто ван Вена, популярной книге 1608 года (илл 3).
На эмблеме изображен Купидон, держащий выше карту с римской цифрой «I». Девиз эмблемы «Perfects Amor non est nisi ad unum» гласит, что «идеальная любовь включает в себя только одного любимого». Люди, увидев эту картину во времена Вермеера, понимали, что послание «I» на карте Купидона - это сообщение о верности в любви.
А тут Вермеер берет и закрывает занавеской эту важную деталь. То есть никакой верности, а, скорее, измена. Вот о чем сообщает в письме ее ветреный возлюбленный. Вот почему письмо было скомкано, а ваза с фруктами чуть не опрокинулась.
Так что будьте умницами, и не называйте картину Вермеера "Девушкой, читающей любовное письмо".
❤11
В 1823 году Франсиско Гойя написал портрет дона Рамона Сатуэ, судьи высшего трибунала Кастилии. Бакенбарды как у Элвиса Пресли, чёрный костюм с красным жилетом, модная белая рубашка (илл 1).
В 2011 году, однако, исследователи обнаружили под слоем краски другой портрет (илл 2). Сверив все медали и нашивки на мундире затаившегося под судьей субъекта (среди которых и Орден Золотого Руна), учёные пришли к выводу: изначально был изображён Жозеф Бонапарт. Он был братом Наполеона и королем Испании в 1808–1813 годах (илл 3).
И вот тут-то "не все так однозначно".
В принципе, Гойя и раньше не внушал мне особого доверия. Его картина "Третье мая 1808г в Мадриде" изображает расстрел испанских повстанцев французскими войсками. Эти самые повстанцы восстали против французских оккупантов, и были безжалостно растреляны. Я бы поняла, если б Гойя написал картину по горячим следам, из патриотических чувств. Но он подождал шесть лет, пока испанский король не вернул себе власть в 1814-ом.
Тогда и выступил со своим политическим заявлением в виде картины (гениальной, если что) (илл 3).
Сами понимаете, было бы верхом безрассудства оставить недописанный портрет оккупанта Жозефа Наполеона при здравстаующем испанском короле Фердинанде
VII. Но не пропадать же холсту! Вот и написал Гойя поверх Жозефа безвредного во всех отношениях судью-дона Рамона Сатуэ.
"Вот почему мне всегда больше нравился Джордано Бруно",- как говорил барон Мюнхгаузен.
В 2011 году, однако, исследователи обнаружили под слоем краски другой портрет (илл 2). Сверив все медали и нашивки на мундире затаившегося под судьей субъекта (среди которых и Орден Золотого Руна), учёные пришли к выводу: изначально был изображён Жозеф Бонапарт. Он был братом Наполеона и королем Испании в 1808–1813 годах (илл 3).
И вот тут-то "не все так однозначно".
В принципе, Гойя и раньше не внушал мне особого доверия. Его картина "Третье мая 1808г в Мадриде" изображает расстрел испанских повстанцев французскими войсками. Эти самые повстанцы восстали против французских оккупантов, и были безжалостно растреляны. Я бы поняла, если б Гойя написал картину по горячим следам, из патриотических чувств. Но он подождал шесть лет, пока испанский король не вернул себе власть в 1814-ом.
Тогда и выступил со своим политическим заявлением в виде картины (гениальной, если что) (илл 3).
Сами понимаете, было бы верхом безрассудства оставить недописанный портрет оккупанта Жозефа Наполеона при здравстаующем испанском короле Фердинанде
VII. Но не пропадать же холсту! Вот и написал Гойя поверх Жозефа безвредного во всех отношениях судью-дона Рамона Сатуэ.
"Вот почему мне всегда больше нравился Джордано Бруно",- как говорил барон Мюнхгаузен.
❤8👍3🔥2
Майкл Хайден в 1988 году создал каменный постамент со змеей и с предназначением. Постамент посвящался итальянской порноактрисе Илон Шталлер, известной как Чиччолина. На этом постаменте Чиччолина собиралась исполнять откровенные сцены.
А Джефф Кунс в 1989г несколько раз приезжал в Италию, и тоже с умыслом: сфотографироваться с Чиччолиной на этом постаменте в соответствующих позах. Затем он использовал эти снимки для создания серии «Сделано на небесах» (илл 1). Вы догадываетесь, какой разразился скандал после демонстрации серии на Венецианской биеннале. Что не помешало, а помогло Джеффу Кунсу засиять новой звездой. Это подтверждается второй иллюстрацией- работой Кунса, которая была продана за 54,8 млн долларов.
А тот самый Майкла Хайден, прозябающий в безвестности, очнулся, и обвинил Кунса в использовании своей скульптуры без разрешения.
Однако на днях суд отклонил иск Хайдена. Он потребовал компенсации спустя 25 лет, утверждая, что узнал о работах Кунса в 2019-м. Судья счел этот аргумент неправдоподобным, так как не было в мире высокого искусства человека, не обсудившего творение Кунса.
Небо, небо не видело такого позорного пацака, как ты, Майкл!
А Джефф Кунс в 1989г несколько раз приезжал в Италию, и тоже с умыслом: сфотографироваться с Чиччолиной на этом постаменте в соответствующих позах. Затем он использовал эти снимки для создания серии «Сделано на небесах» (илл 1). Вы догадываетесь, какой разразился скандал после демонстрации серии на Венецианской биеннале. Что не помешало, а помогло Джеффу Кунсу засиять новой звездой. Это подтверждается второй иллюстрацией- работой Кунса, которая была продана за 54,8 млн долларов.
А тот самый Майкла Хайден, прозябающий в безвестности, очнулся, и обвинил Кунса в использовании своей скульптуры без разрешения.
Однако на днях суд отклонил иск Хайдена. Он потребовал компенсации спустя 25 лет, утверждая, что узнал о работах Кунса в 2019-м. Судья счел этот аргумент неправдоподобным, так как не было в мире высокого искусства человека, не обсудившего творение Кунса.
Небо, небо не видело такого позорного пацака, как ты, Майкл!
❤7🤣5
Уверена, первое, что вы отметите на этом портрете- переливающийся розовый атлас.
Член гражданской гвардии Харлема Андрес Стилте представлен в качестве знаменосца Кловенеров, одной из ополченческих рот города. Его семейный герб украшает верхний угол картины. Во время голландского восстания против испанского правления роты ополчения служили гражданской гвардией. Однако, к 1640 году, когда Иоганн Корнелиш Верспронк написал этот портрет, роты гражданской гвардии практически потеряли свою военную функцию. Они, скорее, стали утолителями тщеславия для богатых бюргеров Харлема, которые иногда дрались за престижные назначения.
Синий штандарт и пояс- единственное, что указывает на компанию и звание Стилте. Остальная же часть его наряда демонстрирует его личный вкус, богатство его семьи и ... статус холостяка.
Андрес Стилте заказал свой портрет в роскошном розовом костюме сразу перед тем, как ушел в отставку, чтобы жениться. А женатым офицерам ополчения полагалось носить исключительно черный наряд.
Но что же в этом портрете такого, что выделяет его из множества похожих?
Отвлекитесь от атласа и синего помпона на ягодицах Андреса Стилте. Вглядитесь в его лицо. Он высокомерен, самонадеян, полон чувства собственной значимости, "громок". Все это считывается мгновенно. Но художник усиливает эффект выпяченным локтем и низкой точкой обзора, чтоб представить свою модель еще более впечатляющей.
А нам остается гадать- как же совместить в одном человеке розовый атлас, синий помпон и космическую самоуверенность?
Член гражданской гвардии Харлема Андрес Стилте представлен в качестве знаменосца Кловенеров, одной из ополченческих рот города. Его семейный герб украшает верхний угол картины. Во время голландского восстания против испанского правления роты ополчения служили гражданской гвардией. Однако, к 1640 году, когда Иоганн Корнелиш Верспронк написал этот портрет, роты гражданской гвардии практически потеряли свою военную функцию. Они, скорее, стали утолителями тщеславия для богатых бюргеров Харлема, которые иногда дрались за престижные назначения.
Синий штандарт и пояс- единственное, что указывает на компанию и звание Стилте. Остальная же часть его наряда демонстрирует его личный вкус, богатство его семьи и ... статус холостяка.
Андрес Стилте заказал свой портрет в роскошном розовом костюме сразу перед тем, как ушел в отставку, чтобы жениться. А женатым офицерам ополчения полагалось носить исключительно черный наряд.
Но что же в этом портрете такого, что выделяет его из множества похожих?
Отвлекитесь от атласа и синего помпона на ягодицах Андреса Стилте. Вглядитесь в его лицо. Он высокомерен, самонадеян, полон чувства собственной значимости, "громок". Все это считывается мгновенно. Но художник усиливает эффект выпяченным локтем и низкой точкой обзора, чтоб представить свою модель еще более впечатляющей.
А нам остается гадать- как же совместить в одном человеке розовый атлас, синий помпон и космическую самоуверенность?
❤10
В начале 1420-х годов Гвидо ди Пьетро поступил в монастырь Сан-Доменико во Фьезоле под Флоренцией, где ему поручили написать алтарь для только что построенной обители. Он создал триптих, в центре которого — изображение Мадонны с младенцем в окружении ангелов и святых с нимбами.
В 1501 году, спустя полвека после смерти художника, живописцу Лоренцо ди Креди поручили осовременить работу: он убрал перегородки, превратив триптих в одну алтарную картину. Уменьшил трон Мадонны и заменил золотой фон на пейзаж, открывающийся за арками.
На этом злоключения алтаря не закончились. В последующие века его разобрали, сорвали пределлу (нижнюю, горизонтально вытянутую часть)- она в итоге оказалась в Национальной галерее Лондона. Святых на боковых пилястрах продали на антикварном рынке, а центральную панель неоднократно реставрировали. В дополнение ко всему к делу подключились всякие насекомые, основательно повредившие панель.
В 2024 году алтарь отправили на реставрацию. Растрескавшиеся деревянные балки заменили каштановой рамой на пружинах, позволяющей древесине естественно расширяться и сжиматься. Сняли лак, заполнили поврежденные слои краской, а выцветшие участки восстановили акварелью.
Самое важное: алтарь снова поселился в той самой церкви, для которой был создан. Фра Беато Анджелико ( «Брат Блаженный Ангельский») наверняка ликует на небесах. Он ведь писал свои фрески и картины молясь и плача, чем и заслужил, не в малой степени, свое ангельское имя.
Жаль только, что нынешний алтарь, скорее, версия не Блаженного Ангельского Брата, а Лоренцо ди Креди.
В 1501 году, спустя полвека после смерти художника, живописцу Лоренцо ди Креди поручили осовременить работу: он убрал перегородки, превратив триптих в одну алтарную картину. Уменьшил трон Мадонны и заменил золотой фон на пейзаж, открывающийся за арками.
На этом злоключения алтаря не закончились. В последующие века его разобрали, сорвали пределлу (нижнюю, горизонтально вытянутую часть)- она в итоге оказалась в Национальной галерее Лондона. Святых на боковых пилястрах продали на антикварном рынке, а центральную панель неоднократно реставрировали. В дополнение ко всему к делу подключились всякие насекомые, основательно повредившие панель.
В 2024 году алтарь отправили на реставрацию. Растрескавшиеся деревянные балки заменили каштановой рамой на пружинах, позволяющей древесине естественно расширяться и сжиматься. Сняли лак, заполнили поврежденные слои краской, а выцветшие участки восстановили акварелью.
Самое важное: алтарь снова поселился в той самой церкви, для которой был создан. Фра Беато Анджелико ( «Брат Блаженный Ангельский») наверняка ликует на небесах. Он ведь писал свои фрески и картины молясь и плача, чем и заслужил, не в малой степени, свое ангельское имя.
Жаль только, что нынешний алтарь, скорее, версия не Блаженного Ангельского Брата, а Лоренцо ди Креди.
❤8👍1