#артфакт
Если вы выбираете VASSA&Co, то уже знаете, как нам близки минимализм и конструктивизм. Четкие линии, геометричность, сдержанная палитра… Мы решили, что будет интересно рассказать о значимых фигурах в этих направлениях искусства.
Например, Дональд Джадд — американский скульптор и искусствовед, который создавал «специфические объекты» и считал, что их материальность важнее эмоционального подтекста. Так, его крупные геометричные инсталляции и формы из промышленных материалов становились частью окружающего их пространства и изменяли его. Кстати, во многом благодаря Дональду Джадду появились «лофты» как отдельное направление в дизайне интерьеров.
Ещё один интересный факт: иногда он создавал свои скульптуры, не прикасаясь к ним, а просто отправив чертежи на производство.
Оставьте реакцию или комментарий, если такие факты интересны 🤍
Если вы выбираете VASSA&Co, то уже знаете, как нам близки минимализм и конструктивизм. Четкие линии, геометричность, сдержанная палитра… Мы решили, что будет интересно рассказать о значимых фигурах в этих направлениях искусства.
Например, Дональд Джадд — американский скульптор и искусствовед, который создавал «специфические объекты» и считал, что их материальность важнее эмоционального подтекста. Так, его крупные геометричные инсталляции и формы из промышленных материалов становились частью окружающего их пространства и изменяли его. Кстати, во многом благодаря Дональду Джадду появились «лофты» как отдельное направление в дизайне интерьеров.
Ещё один интересный факт: иногда он создавал свои скульптуры, не прикасаясь к ним, а просто отправив чертежи на производство.
Оставьте реакцию или комментарий, если такие факты интересны 🤍
#артфакт
Работа с простыми формами и промышленными материалами характерна для многих минималистов, Карл Андре не стал исключением. Он считает, что скульптура — это не только определённая конструкция или объект, это ещё и ее окружение.
Своеобразным прорывом стала его скульптура «37 Pieces of Work», которая не привычно возвышалась, а просто лежала на земле. Ходить можно было прямо по ней, и это создавало различные ощущения на сенсорном уровне из-за материалов, использованных при создании арт-объекта.
Считается, что на творчество известного минималиста повлияло посещение Стоунхенджа. После этого множество его работ были реализованы на открытом пространстве и поражали своими масштабами.
Работа с простыми формами и промышленными материалами характерна для многих минималистов, Карл Андре не стал исключением. Он считает, что скульптура — это не только определённая конструкция или объект, это ещё и ее окружение.
Своеобразным прорывом стала его скульптура «37 Pieces of Work», которая не привычно возвышалась, а просто лежала на земле. Ходить можно было прямо по ней, и это создавало различные ощущения на сенсорном уровне из-за материалов, использованных при создании арт-объекта.
Считается, что на творчество известного минималиста повлияло посещение Стоунхенджа. После этого множество его работ были реализованы на открытом пространстве и поражали своими масштабами.
Добро пожаловать всем, кто присоединился к нам в последнее время!
Дублируем навигационный пост, чтобы вам было ещё удобнее изучать наш канал и сайт.
Рубрики канала:
#артфакт — рассказываем о художниках, скульпторах, архитекторах, которые нас вдохновляют.
#vassaflashback — вспоминаем знаковые моменты из истории бренда. Коллекции, показы, бэкстейджи прошлых лет с комментариями Вассы и команды.
#vassastories — интересные факты о текущей коллекции.
#vassainspiration — делимся вдохновляющими фотографиями и видео.
#КомандаVassa — если хочется узнать больше об истории фабрики, создании изделий и о наших мастерах, осуществляйте поиск по этому хэштегу.
Навигация по сайту:
> Интернет-магазин
> Мобильное приложение
> Социальные сети
> Первая капсула коллекции PRE FALL
> SUMMER SALE до -60%
> Коллекция PIN CODE SS’22
> Акции и новости
> Список магазинов
Мы всегда рады ответить на ваши вопросы и помочь с оформлением заказа в комментариях к постам. Благодарим, что вы с нами 🤍
Дублируем навигационный пост, чтобы вам было ещё удобнее изучать наш канал и сайт.
Рубрики канала:
#артфакт — рассказываем о художниках, скульпторах, архитекторах, которые нас вдохновляют.
#vassaflashback — вспоминаем знаковые моменты из истории бренда. Коллекции, показы, бэкстейджи прошлых лет с комментариями Вассы и команды.
#vassastories — интересные факты о текущей коллекции.
#vassainspiration — делимся вдохновляющими фотографиями и видео.
#КомандаVassa — если хочется узнать больше об истории фабрики, создании изделий и о наших мастерах, осуществляйте поиск по этому хэштегу.
Навигация по сайту:
> Интернет-магазин
> Мобильное приложение
> Социальные сети
> Первая капсула коллекции PRE FALL
> SUMMER SALE до -60%
> Коллекция PIN CODE SS’22
> Акции и новости
> Список магазинов
Мы всегда рады ответить на ваши вопросы и помочь с оформлением заказа в комментариях к постам. Благодарим, что вы с нами 🤍
vassatrend.ru
Дизайнерская женская одежда VASSA&Co | Официальный сайт
VASSA&Co — дизайнерская женская одежда: платья, костюмы, верхняя одежда, юбки, брюки. Безупречный минимализм и премиальное качество! Доставка по России.
#артфакт
«То, что вы видите, - это то, что вы видите» — так говорил о своих работах Фрэнк Стелла, представитель абстрактного экспрессионизма и минимализма.
В 1959 году он создал серию «Черные картины», которая принесла ему известность. Его произведения заметила куратор МоМА Дороти Миллер. Так минималистичные полотна черного цвета попали в экспозицию «Шестнадцать американцев».
Затем художник начал эксперименты со средствами выражения. Им были созданы «алюминиевые» и «медные» картины. В каждой серии основной идеей являлась симметрия частей как символ буквальности и прямоты. Впоследствии произведения становились сложнее: появились фигурные холсты (часто в форме букв латинского алфавита), полихромия, рельефность. А в 80-х годах Френк Стелла создавал скульптуры и архитектурные объекты.
Стоит отметить, что Френк — признанный американский художник и обладатель Национальной медали США в области искусств и награды за пожизненные достижения в области современной скульптуры.
«То, что вы видите, - это то, что вы видите» — так говорил о своих работах Фрэнк Стелла, представитель абстрактного экспрессионизма и минимализма.
В 1959 году он создал серию «Черные картины», которая принесла ему известность. Его произведения заметила куратор МоМА Дороти Миллер. Так минималистичные полотна черного цвета попали в экспозицию «Шестнадцать американцев».
Затем художник начал эксперименты со средствами выражения. Им были созданы «алюминиевые» и «медные» картины. В каждой серии основной идеей являлась симметрия частей как символ буквальности и прямоты. Впоследствии произведения становились сложнее: появились фигурные холсты (часто в форме букв латинского алфавита), полихромия, рельефность. А в 80-х годах Френк Стелла создавал скульптуры и архитектурные объекты.
Стоит отметить, что Френк — признанный американский художник и обладатель Национальной медали США в области искусств и награды за пожизненные достижения в области современной скульптуры.
#артфакт
Абстракционизм, супрематизм, конструктивизм, футуризм, кубизм — все эти направления объединяются одним понятием «русского авангарда», расцвет которого пришёлся на 1910-1920 годы.
Вы наверняка знаете графически эффектные и необычно звучащие стихи Алексея Крученых, хлесткие «лесенки» Маяковского, графические композиции Малевича и Кандинского, знаменитую «Башню Татлина» и другие произведения искусства, которые произвели настоящую революцию в искусстве начала прошлого века.
Принципы, заложенные авангардистами, до сих пор вдохновляют художников и дизайнеров. И мы не исключение. Эксперименты с формой и цветом, новые концепты и вызовы, яркие выставки — все это в ДНК нашего бренда.
Обязательно расскажем больше про каждое направление, а пока:
Дыр бул щыл
убеш щур
скум
вы со бу
р л эз
Абстракционизм, супрематизм, конструктивизм, футуризм, кубизм — все эти направления объединяются одним понятием «русского авангарда», расцвет которого пришёлся на 1910-1920 годы.
Вы наверняка знаете графически эффектные и необычно звучащие стихи Алексея Крученых, хлесткие «лесенки» Маяковского, графические композиции Малевича и Кандинского, знаменитую «Башню Татлина» и другие произведения искусства, которые произвели настоящую революцию в искусстве начала прошлого века.
Принципы, заложенные авангардистами, до сих пор вдохновляют художников и дизайнеров. И мы не исключение. Эксперименты с формой и цветом, новые концепты и вызовы, яркие выставки — все это в ДНК нашего бренда.
Обязательно расскажем больше про каждое направление, а пока:
Дыр бул щыл
убеш щур
скум
вы со бу
р л эз
#артфакт
Узнали, о ком пойдёт речь? Конечно, об основателе супрематизма Казимире Малевиче. На самом деле, до разработки нового направления, художник работал в жанрах неопримитивизма, кубизма, импрессионизма. Но ни один из них не стал воплощением его взгляда на окружающую действительность.
Малевич был «мироустроителем»: он занимался искусством не ради искусства, а для изменения мира. Резко протестуя против традиционной логики искусства, он соединял несовместимые вещи и создавал собственную художественную реальность. Конечно, это вызывало неоднозначный отклик. Например, участники выставки «0,10» запретили художнику объявлять супрематизм одним из течений футуризма. Но Малевича и его убеждение о единственной «здоровой форме Искусства» было не остановить.
Интересный факт — многие авангардные художники занимались разработкой текстильных принтов. И Казимир Малевич тоже был в их числе, прикрепляем эскизы его супрематических орнаментов.
Узнали, о ком пойдёт речь? Конечно, об основателе супрематизма Казимире Малевиче. На самом деле, до разработки нового направления, художник работал в жанрах неопримитивизма, кубизма, импрессионизма. Но ни один из них не стал воплощением его взгляда на окружающую действительность.
Малевич был «мироустроителем»: он занимался искусством не ради искусства, а для изменения мира. Резко протестуя против традиционной логики искусства, он соединял несовместимые вещи и создавал собственную художественную реальность. Конечно, это вызывало неоднозначный отклик. Например, участники выставки «0,10» запретили художнику объявлять супрематизм одним из течений футуризма. Но Малевича и его убеждение о единственной «здоровой форме Искусства» было не остановить.
Интересный факт — многие авангардные художники занимались разработкой текстильных принтов. И Казимир Малевич тоже был в их числе, прикрепляем эскизы его супрематических орнаментов.
#артфакт
Горизонтальные небоскребы, «проуны» и отсутствие грани между живописью и архитектурой. Факты из биографии русского авангардиста Эля Лисицкого, которые нас вдохновляют
Лазарь (Эль) Лисицкий — человек, который опережал время и привнес новые идеи в супрематизм. Свои картины он называл «проунами» (проектами утверждения нового). Это были больше чем картины — объёмные изображения, которые могли бы лечь в основу архитектуры будущего.
Вообще, архитектура будущего была своеобразной «одержимостью» художника и архитектора. Уже в 1920-х он придумал горизонтальные небоскребы. Посмотрите, как интересно и необычно они выглядят (на первой картинке). А практическая цель таких зданий — освобождение дополнительного места для застройки в центре.
Лисицкий выделялся и в своих графических экспериментах. Наверняка вы видели агитационный плакат «Клином красным бей белых» — это его рук дело. А еще он оформил множество книг (в том числе и стихи Маяковского) и театральных постановок.
Выработанные им новые принципы экспозиции до сих пор применяются в дизайне интерьеров и архитектуре, несмотря на то, что для начала 20 века они были очень авангардными. Надеемся, когда-нибудь получится увидеть горизонтальные небоскребы в реальности.
Горизонтальные небоскребы, «проуны» и отсутствие грани между живописью и архитектурой. Факты из биографии русского авангардиста Эля Лисицкого, которые нас вдохновляют
Лазарь (Эль) Лисицкий — человек, который опережал время и привнес новые идеи в супрематизм. Свои картины он называл «проунами» (проектами утверждения нового). Это были больше чем картины — объёмные изображения, которые могли бы лечь в основу архитектуры будущего.
Вообще, архитектура будущего была своеобразной «одержимостью» художника и архитектора. Уже в 1920-х он придумал горизонтальные небоскребы. Посмотрите, как интересно и необычно они выглядят (на первой картинке). А практическая цель таких зданий — освобождение дополнительного места для застройки в центре.
Лисицкий выделялся и в своих графических экспериментах. Наверняка вы видели агитационный плакат «Клином красным бей белых» — это его рук дело. А еще он оформил множество книг (в том числе и стихи Маяковского) и театральных постановок.
Выработанные им новые принципы экспозиции до сих пор применяются в дизайне интерьеров и архитектуре, несмотря на то, что для начала 20 века они были очень авангардными. Надеемся, когда-нибудь получится увидеть горизонтальные небоскребы в реальности.
#артфакт
Владимир Татлин, его летатлин и концепция «капсульного гардероба»
Татлин — ключевая фигура русского авангарда, часть его идей претворилась в жизнь спустя почти столетие, и до сих пор многие предложения остаются актуальными.
Наверное, в 20-е годы прошлого века было сложно представить себе идею гардероба-трансформера. «Одежда-нормаль», которую задумывал художник и конструктор, должна была стать простым решением, чтобы быстро одеть население, обедневшее после революции. Крой, не сковывающий движений, легко заменяемые детали любого изделия, отсутствие декора и максимальная функциональность. А еще дополнительные подкладки для осени и зимы — и вот вы всегда знаете, что надеть, потому что комплект универсален.
Но вообще Татлин известен не столько своими дизайнерскими способности, сколько авангардными идеями в архитектуре и станковой живописи. Он был приверженцем «материала, объема и конструкции» и спорил с Малевичем. А однажды даже выбил из-под него стул, предложив посидеть на «геометрии и цвете».
Также Владимир Татлин создал известный «Памятник III Коммунистического Интернационала». Эта «башня Татлина» должна была стать резиденцией мирового правительства в Петрограде, но у жизни были свои планы.
И последнее — летатлин! Этот неологизм придумал Велимир Хлебников, а сам конструктор называл свое детище Орнитоптер. Летательный аппарат для людей с размахом крыльев в 8 метров. Размах крыльев был большой, а размах этого неординарного человека и талантливого художника — просто необъятный. Смотрите прикрепленные материалы!
Владимир Татлин, его летатлин и концепция «капсульного гардероба»
Татлин — ключевая фигура русского авангарда, часть его идей претворилась в жизнь спустя почти столетие, и до сих пор многие предложения остаются актуальными.
Наверное, в 20-е годы прошлого века было сложно представить себе идею гардероба-трансформера. «Одежда-нормаль», которую задумывал художник и конструктор, должна была стать простым решением, чтобы быстро одеть население, обедневшее после революции. Крой, не сковывающий движений, легко заменяемые детали любого изделия, отсутствие декора и максимальная функциональность. А еще дополнительные подкладки для осени и зимы — и вот вы всегда знаете, что надеть, потому что комплект универсален.
Но вообще Татлин известен не столько своими дизайнерскими способности, сколько авангардными идеями в архитектуре и станковой живописи. Он был приверженцем «материала, объема и конструкции» и спорил с Малевичем. А однажды даже выбил из-под него стул, предложив посидеть на «геометрии и цвете».
Также Владимир Татлин создал известный «Памятник III Коммунистического Интернационала». Эта «башня Татлина» должна была стать резиденцией мирового правительства в Петрограде, но у жизни были свои планы.
И последнее — летатлин! Этот неологизм придумал Велимир Хлебников, а сам конструктор называл свое детище Орнитоптер. Летательный аппарат для людей с размахом крыльев в 8 метров. Размах крыльев был большой, а размах этого неординарного человека и талантливого художника — просто необъятный. Смотрите прикрепленные материалы!
#артфакт
Мы часто говорим о том, что каждое изделие должно нести практическую пользу и быть функциональным. Такому подходу можно поучиться у инженеров. Тем более, что некоторые из них тоже внесли свой вклад в развитие авангардного искусства. Например, Владимир Шухов.
Шуховские башни, гиперболоидные конструкции, дебаркадер Киевского вокзала, светопрозрачные перекрытия в ГУМе, радиовышка на Шаболовке — все это с нами до сих пор, хотя идеи и реализация пришлись на начало 20 века.
Прочность, практичность и инновационность таких конструкций вызывает у нас искренний восторг. Посмотрите, как легко и тонко это выглядит: четкие линии, графические узоры.
До сих пор идеи Шухова используют при строительстве зданий и башен, хотя прошло уже более 100 лет. Восхищаемся и вдохновляемся!
Мы часто говорим о том, что каждое изделие должно нести практическую пользу и быть функциональным. Такому подходу можно поучиться у инженеров. Тем более, что некоторые из них тоже внесли свой вклад в развитие авангардного искусства. Например, Владимир Шухов.
Шуховские башни, гиперболоидные конструкции, дебаркадер Киевского вокзала, светопрозрачные перекрытия в ГУМе, радиовышка на Шаболовке — все это с нами до сих пор, хотя идеи и реализация пришлись на начало 20 века.
Прочность, практичность и инновационность таких конструкций вызывает у нас искренний восторг. Посмотрите, как легко и тонко это выглядит: четкие линии, графические узоры.
До сих пор идеи Шухова используют при строительстве зданий и башен, хотя прошло уже более 100 лет. Восхищаемся и вдохновляемся!
#артфакт
Александр Родченко — основатель советского промдизайна, пионер фотографии, главный по линиизму. Сегодня вспоминаем, почему мы так любим его работы.
- Навсегда изменил фотоискусство (какие ракурсы и сюжеты, мы в восхищении).
- Первым в СССР придумал и реализовал коллажи: использовал реальные фотографии для оформления печатной продукции.
- Экспериментировал с рисунками для ткани.
- Приверженец «конструкции», он всегда выступал за практичность и функциональность изделий.
- Создал конструктивистский костюм с учетом всех потребностей советского рабочего.
- В творческом союзе с Маяковским создал самые яркие советские плакаты (а еще оформлял книги известного футуриста).
Александр Родченко — основатель советского промдизайна, пионер фотографии, главный по линиизму. Сегодня вспоминаем, почему мы так любим его работы.
- Навсегда изменил фотоискусство (какие ракурсы и сюжеты, мы в восхищении).
- Первым в СССР придумал и реализовал коллажи: использовал реальные фотографии для оформления печатной продукции.
- Экспериментировал с рисунками для ткани.
- Приверженец «конструкции», он всегда выступал за практичность и функциональность изделий.
- Создал конструктивистский костюм с учетом всех потребностей советского рабочего.
- В творческом союзе с Маяковским создал самые яркие советские плакаты (а еще оформлял книги известного футуриста).
#артфакт
Конструктивизм был «производственным искусством», в котором каждое произведение служило промышленности, а промышленность — народу. Неудивительно, что художники не стали останавливаться на живописи и архитектуре, а старались охватить все сферы жизни. Оформляли книги, создавали мебель, вывески, спецодежду и даже текстильные принты. Сегодня чуть подробнее расскажем о последних.
Максимально сократить путь «от мольберта к машине» удалось Варваре Степановой (супруге Родченко) и Любови Поповой. Эскизы рисунков по ткани фактически определили их художественное наследие. В начале 1920-х годов все ткани производились по эскизам из зарубежных журналов, а это было идеологической проблемой. Впрочем, российские художницы с легкостью решили ее: они создали несколько сотен различных орнаментов менее чем за год!
Еще одной видной фигурой в текстильном рисунке стала Людмила Маяковская — старшая сестра известного поэта. Она не только самостоятельно разрабатывала принты и внедряла их в производство, но и взращивала целое поколение новых специалистов. На фабриках и в Высших Художественно-технических Мастерских (ВХУТЕМАС) она учила аэрографии, ручной и машинной набойке, резному делу. Отработав преподавателям более 30 лет, в своей автобиографии она написала: «Почти на всех фабриках СССР работают мои ученики». И это было чистой правдой.
Фактически, почти 100 лет назад в России были заложены основы того, что мы сейчас называем словом «дизайн». И этот факт вызывает у нас неподдельную гордость.
Конструктивизм был «производственным искусством», в котором каждое произведение служило промышленности, а промышленность — народу. Неудивительно, что художники не стали останавливаться на живописи и архитектуре, а старались охватить все сферы жизни. Оформляли книги, создавали мебель, вывески, спецодежду и даже текстильные принты. Сегодня чуть подробнее расскажем о последних.
Максимально сократить путь «от мольберта к машине» удалось Варваре Степановой (супруге Родченко) и Любови Поповой. Эскизы рисунков по ткани фактически определили их художественное наследие. В начале 1920-х годов все ткани производились по эскизам из зарубежных журналов, а это было идеологической проблемой. Впрочем, российские художницы с легкостью решили ее: они создали несколько сотен различных орнаментов менее чем за год!
Еще одной видной фигурой в текстильном рисунке стала Людмила Маяковская — старшая сестра известного поэта. Она не только самостоятельно разрабатывала принты и внедряла их в производство, но и взращивала целое поколение новых специалистов. На фабриках и в Высших Художественно-технических Мастерских (ВХУТЕМАС) она учила аэрографии, ручной и машинной набойке, резному делу. Отработав преподавателям более 30 лет, в своей автобиографии она написала: «Почти на всех фабриках СССР работают мои ученики». И это было чистой правдой.
Фактически, почти 100 лет назад в России были заложены основы того, что мы сейчас называем словом «дизайн». И этот факт вызывает у нас неподдельную гордость.
#артфакт Пит Мондриан
В начале XX века идеи создания нового искусства звучали в унисон в разных странах. Кандинский и Малевич в России работали над абстракционизмом и супрематизмом, в то время как Пит Мондриан в Европе создавал свой уникальный стиль — неопластицизм. Суть его заключалась строгих ограничениях цвета и формы. В работах использовались 3 основных цвета (желтый, красный и синий) и 3 основных не-цвета (черный, белый, серый). А геометрия была четко структурирована. Исследование картин Мондриана показало, что холст был расчерчен по линейке! Так художник передавал свое видение мира: единство противоположностей, вертикали и горизонтали, динамики и статики. После привычного классического искусства, такой подход был новаторским и непонятным.
Но универсальные принципы неопластицизма хорошо «ложились» не только на живопись, но и на дизайн интерьеров, архитектуру и моду. Например, Ив Сен-Лоран в 1965 году выпустил 6 простых и понятных платьев в стилистике Мондриана. Причем для коллекции haute couture! Потому что считал произведения художника шедеврами искусства.
Васса выпустила коллекцию, посвященную Питу Мондриану, в 2016 году. И если у Сен-Лорана это было явное «цитирование», то для дизайнера Вассы работы художника стали отправной точкой, источником вдохновения и почвой для более глубинных размышлений о форме и цвете.
Интересный факт: команда нашего бренда действительно трепетно относится к авангардному искусству, поэтому и в нашем офисе можно найти много деталей с историей. Например, здесь есть посуда с узнаваемыми «принтами» Мондриана.
В начале XX века идеи создания нового искусства звучали в унисон в разных странах. Кандинский и Малевич в России работали над абстракционизмом и супрематизмом, в то время как Пит Мондриан в Европе создавал свой уникальный стиль — неопластицизм. Суть его заключалась строгих ограничениях цвета и формы. В работах использовались 3 основных цвета (желтый, красный и синий) и 3 основных не-цвета (черный, белый, серый). А геометрия была четко структурирована. Исследование картин Мондриана показало, что холст был расчерчен по линейке! Так художник передавал свое видение мира: единство противоположностей, вертикали и горизонтали, динамики и статики. После привычного классического искусства, такой подход был новаторским и непонятным.
Но универсальные принципы неопластицизма хорошо «ложились» не только на живопись, но и на дизайн интерьеров, архитектуру и моду. Например, Ив Сен-Лоран в 1965 году выпустил 6 простых и понятных платьев в стилистике Мондриана. Причем для коллекции haute couture! Потому что считал произведения художника шедеврами искусства.
Васса выпустила коллекцию, посвященную Питу Мондриану, в 2016 году. И если у Сен-Лорана это было явное «цитирование», то для дизайнера Вассы работы художника стали отправной точкой, источником вдохновения и почвой для более глубинных размышлений о форме и цвете.
Интересный факт: команда нашего бренда действительно трепетно относится к авангардному искусству, поэтому и в нашем офисе можно найти много деталей с историей. Например, здесь есть посуда с узнаваемыми «принтами» Мондриана.