Сотворение Адама

Микеланджело приехал в Рим в 1505 году по приглашению папы Юлия II и получил заказ на строительство гробницы папы — проект, который должен был включать 40 статуй и быть закончен в течение 5 лет. Изначально он должен был написать двенадцать апостолов в парусах свода и добавить декоративные элементы. Однако он убедил папу Юлия II разрешить ему написать более сложную схему с сюжетами сотворения мира, грехопадения, пророческих обещаний спасения и родословия Христа; в итоге изображение занимает более 500 кв.м. и состоит из более чем 300 фигур.

В фреске Бог изображен пожилым и бородатым, в развевающемся одеянии. Он протягивает руку, чтобы вдохнуть жизнь в Адама, чья поза зеркально отражает позу Бога. Возможно, эта сцена была написана под вдохновением от средневекового гимна *Veni Creator Spiritus* («Приди, Дух животворящий»), который подчёркивает божественное происхождение речи. Почти соприкасающиеся пальцы Бога и Адама символизируют ускользающую от человечества природу божественного совершенства.

Офелия

одна из самых известных картин прерафаэлитов. На ней изображена драматическая смерть Офелии из шекспировского «Гамлета», где она становится жертвой речного потока.

Натурщицей для этой картины была 19-летняя Элизабет Сиддал, замеченная в шляпном магазине Уолтером Девереллом, американским прерафаэлитом. Позднее, в 1860 году, она вышла замуж за Данте Габриэля Россетти, друга Милле. Но до того, как это произошло, Милле хотел написать сцену гибели Офелии настолько реалистично, насколько возможно. Элизабет позировала в наполненной водой ванне с масляными лампами, гревшими ванну снизу, изображая утонувшую Офелию. Однажды лампы перестали гореть, что не заметил Милле, глубоко погружённый в работу, и это плохо сказалось на здоровье Элизабет. За время этих сеансов женщина перенесла серьезную простуду и заболела. В отсутствие общественной системы здравоохранения и доступной медицины её лечил частный врач. В итоге от Милле потребовали оплатить медицинские счета, что он и сделал; Элизабет быстро восстановилась.

Билл Трейлор, афроамериканский художник-самоучка из округа Лаундс, Алабама, родился в рабстве и большую часть своей жизни после освобождения работал издольщиком. Когда точно Билл Трейлор начал свою творческую деятельность, остаётся неизвестным, но самые ранние его работы — простейшие рисунки карандашом — относятся к началу 1939 года, когда ему было примерно 86 лет. В этих первых рисунках Трейлор внимательно наблюдал за окружающим миром, схватывая сущность ручных инструментов, предметов, животных и людей, одновременно учась искусству так организовывать свои картины, чтобы документировать и рассказывать истории.

Между 1939 и 1942 годами, когда он работал на тротуарах Монтгомери, Трейлор создал почти 1,500 произведений искусства. Хотя его первая публичная выставка состоялась в 1940 году, его творчество начало приобретать широкое признание только спустя три десятилетия после смерти художника, особенно в конце 1970-х годов.

Брошенный.

Брайтон Ривьер, кого мы представляем сегодня, был британским художником. Он выставлял различные работы в Королевской академии, но посвятил большую часть своей жизни изображению животных. В длинном интервью под названием «Как я пишу животных», Ривьер объяснял некоторые практические аспекты написания и одомашненных, и диких животных:

«Я всегда обожал собак, но я работал над ними так много, что начал уставать от их постоянного присутствия. Однако вам никогда не удастся написать собаку, если вы её не любите. Я никогда не работаю над изображением собаки без помощи человека, который хорошо знаком с животными... Колли, я думаю, одни из самых непоседливых собак…Единственный способ писать диких животных — это постепенно увеличивать количество эскизов и иметь хорошие знания о самом животном до того, как вы пишете его на картине…Я пишу и с мёртвых, и с живых животных. У меня в мастерской однажды находилось тело великолепной львицы…Время от времени я помногу работал в прозекторской Зоологических садов».

Упоение (влюбленные)

Дворец Стокле в Брюсселе, задуманный и реализованный между 1905 и 1911 годами Йозефом Хоффманом, выступает примером квинтэссенции стиля Венского сецессиона. Хоффман, вместе с большим числом внёсших свой вклад художников из Венских мастерских и их круга, воплотил концепцию «гезамткунстверка» — всеобъемлющего единения живописи, скульптуры и архитектуры — в каждом аспекте здания и его интерьеров.

Перед Густавом Климтом стояла амбициозная задача создать стены для обеденного зала. Его длительные усилия по работе над этим проектом завершились созданием девяти полномасштабных эскизов, которые впоследствии были превращены в затейливую мозаику. Эта работа занимает особое место в творчестве Климта, будучи одним из его редких проектов монументального масштаба. В произведении инкорпорировано влияние египетского, византийского и японского искусства, и оно считается кульминацией его творческой зрелости.

Смерть Сократа

В этой работе неоклассической живописи, созданной прямо перед началом Французской революции, Жак-Луи Давид погрузился в классический сюжет, посвящённый сопротивлению несправедливой власти, представленный минималистичной, напоминающей фриз, композицией. Главный герой картины — греческий философ Сократ который был осужден афинскими судами за отсутствие набожности. Панорамой жестов и выражений лиц Давид мастерски изображает последние моменты жизни Сократа. Философ изображён за мгновения до принятия яда, что передаётся через изображение ученика, который не может смотреть на происходящее. Стремясь к исторической точности, Давид консультировался с учёными, специализирующимися на древностях, для того чтобы тщательно воссоздать исторические детали, вплоть до мебели и одеяний той эпохи. Примечательно, что Давид включил в картину Платона в качестве осознанной отсылки к автору диалога «Федон», который сохранил эту древнюю историю, хотя Платон лично не присутствовал при последних минутах жизни Сократа.

Портрет матери художника.

Портрет написанный Генри Оссавой Таннером после своего триумфального возвращения из Парижа в 1897 году, служит не только проникновенным выражением признательности к Саре Таннер, центральной и основополагающей фигуре её большой афроамериканской семьи, но и радостным символом недавних достижений её сына в избранной им карьере. Несмотря на первоначальное неодобрение родителей, Генри Оссава Таннер упорно продолжал писать и добился большого успеха в мире искусства.

С точки зрения композиции эта работа вдохновлена другим очень известным произведением американского искусства «портретом матери» Джеймса Эббота Мак-Нейла Уистлера 1871 года. Однако портрет Таннера значительно отличается от холодной и строгой работы Уистлера. Вместо этого он является тёплым, любящим изображением сильной, чувствительной и вдумчивой личности.

Вид на Марсельский залив со стороны Эстака.

В 1876 году Сезанн с энтузиазмом описывал живописную французскую рыбацкую деревню Эстак своему коллеге-художнику Камилю Писсарро, сравнив её красные крыши на фоне лазурного моря с яркой игральной картой. Он восхищался интенсивным солнечным светом, который, казалось, наполнял объекты чёрно-белыми контрастами и разнообразием цветов, в том числе синим, красным, коричневым и фиолетовым.

В течение следующего десятилетия Сезанн создал около 20 различных видов Эстака, многие из них показывают вид на Марсельский залив или на пейзаж за ним. Так, на этой картине на другой стороне залива, на вершине холма справа от пристани, возвышается базилика Нотр-Дам де ла Гард, бдительно наблюдающая за городом Марселем.

Панель с драконами

начинается Новый Лунный год Деревянного Дракона!
Считается, что этот год может способствовать росту, прогрессу и изобилию, также он будет хорош для создания прочного фундамента для чего-то нового с долгосрочным потенциалом. В китайской культуре дракон связан с успехом, умом и честью, а деревянные драконы полны энергии и мечтают изменить мир. Так что впереди нас ждут хорошие прогнозы!

Впечатляющее изображение дракона на панно, которое мы представляем сегодня, демонстрирует замечательное мастерство императорских мастерских династии Цин. В этом фрагменте крупной расшитой ткани использованы полихромный шёлк и два других типа нитей. На заднем плане особенно выделяется золотая металлизированная нить, а в чешуе дракона видна нить из павлиньих перьев, обёрнутая вокруг шёлковой сердцевины.

Женщина с ипомеей.

Кацусика Ои — японская художница периода Эдо. Она наиболее известна своим вкладом в жанр укиё-э, стиль гравюры на дереве, который приобрел популярность в период Эдо и в основном изображает сцены повседневной жизни, пейзажи, актёров кабуки и красивых женщин. Кацусика Ои была дочерью Хокусая от второй жены. Отец с юных лет признавал художественный потенциал дочери и поощрял её реализовывать её творческие устремления.

Хокусай сильно повлиял на художественный стиль Ои, она часто сотрудничала с ним в различных проектах, иногда подписывая свои работы своим именем, а иногда — именем отца. Впоследствии она взяла художественное имя Тацудзё, чтобы маркировать свои собственные работы.

Хотя вклад Кацусики Ои в традицию укиё-э был значительным, её работа часто затмевалась огромной славой её отца. Однако искусство Кацусики отличалось тонкой манерой письма и вниманием к деталям, что демонстрировало её талант и преданность ремеслу.

Урожай.
Винсент Ван Гог считал этот великолепный вид одним из своих лучших творений. Картина пропитана яркими оттенками южно-французского летнего пейзажа: насыщенным золотисто-жёлтым цветом пшеничных полей и блестящей изумрудно-зелёной сияющей солнечной энергией. На картине изображены просторы равнины Ла-Кро близ Арля, а далёкий силуэт альпийского горного хребта добавляет композиции глубины. На переднем плане Ван Гог использовал разнообразные мазки, а на заднем плане — более последовательные цветовые пятна, ещё больше усиливающие ощущение глубины этого произведения искусства.