Цветочный натюрморт

Чарльз Портер, талантливый художник, наиболее известный своими детальными и колористически богатыми натюрмортами. С юных лет он любил рисовать, вдохновляясь садом своей матери и природной красотой полей и лесов Коннектикута. Чтобы следовать своей страсти к искусству, он работал на различных мелких работах, откладывая деньги, чтобы позволить себе художественную школу.

К 1878 году Портер открыл собственную студию в Хартфорде, штат Коннектикут. Его финансовый успех позволил ему в 1881 году поехать в Париж.

Портер вернулся в Коннектикут в 1883 году, где создал некоторые из лучших своих работ, демонстрируя как техническое совершенство, так и умение выстраивать сложную композицию. Однако по мере того, как импрессионизм стал приобретать популярность, точный и академический стиль Портера начал казаться устаревшим. Несмотря на меняющиеся тенденции, художник оставался преданным натюрмортам. К сожалению, популярность Портера начала падать из-за экономического спада в стране и стойкого расизма.

Книга образцов фарфоровых узоров

Страница из альбома, который представляет собой супер-редкий каталог, изготовленный Мейсенским фарфоровым заводом для своих особых клиентов. После разрушительной Первой мировой войны фабрика стала ратовать за возвращение к культурным ценностям доиндустриальной эпохи и высококачественной ручной работе, уделяя особое внимание своим самым популярным моделям. Этот альбом, созданный примерно в 1920 году и названный *Indische Muster* («Узоры из Индии»), на самом деле содержит дизайны, вдохновлённые древними орнаментами из нескольких азиатских стран, таких как Япония, Китай и Индия.

Создание этого альбома в 1920-х годах показывает, насколько широко эти узоры были распространены в течение длительного времени. Способ изготовления альбома — раскрашенные вручную гравюры на очень хорошей бумаге — продолжает традицию 1700-х годов по созданию специальных печатных серий и каталогов.

Новая гувернантка

Эдмунд Блэр Лейтон — выдающийся английский художник конца XIX - начала XX веков, ставший известным как романтик викторианской эпохи. Он получил признание за свои изысканные изображения предметов Средневековья и эпохи Тюдоров, а также рыцарства.

Его работы не только очаровывают любителей искусства, но и служат окном в прошлое, хотя и романтизированное, позволяя взглянуть на исторические моменты, которые перекликаются как с элегантностью, так и с напряжением.

На этой картине Лейтон изобразил прибытие новой гувернантки на должность, а именно в семинарию для юных девиц, как указано на двери. Мы видим, как молодая специалистка стоит на пороге дома своего нового работодателя; её поза отражает как фирменную элегантность стиля, свойственную Лейтону, так и ощутимую тревогу, которую испытывает новая сотрудница. Через окна любопытные юные подопечные рассматривают, кто стоит на пороге, пытаясь понять, что их ждёт при новой опекунше.

Эдвард Митчелл Баннистер — канадско-американский художник американской барбизонской школы, писавший маслом. Он родился в Канаде, но взрослую жизнь провёл в Новой Англии в США. Там вместе со своей женой Кристианой Карто он был видным членом афроамериканских культурных и политических сообществ, таких как Бостонское движение за отмену смертной казни.

Баннистер всю жизнь прожил у моря и, вероятно, написал эту картину, когда в конце 1860-х годов жил в Бостоне. Хотя он никогда не выезжал за границу, его вдохновляло французское пейзажное искусство конца 1800-х годов. Вы можете увидеть это в том, как он использует тяжёлые мазки, спокойные цвета и ясный рисунок. В этой картине, изображающей гавань в лунном свете, Баннистер использует туманные цвета и пустынность пейзажа для придания загадочности, как будто он писал гавань посреди ночи.

Сотворение Адама

Микеланджело приехал в Рим в 1505 году по приглашению папы Юлия II и получил заказ на строительство гробницы папы — проект, который должен был включать 40 статуй и быть закончен в течение 5 лет. Изначально он должен был написать двенадцать апостолов в парусах свода и добавить декоративные элементы. Однако он убедил папу Юлия II разрешить ему написать более сложную схему с сюжетами сотворения мира, грехопадения, пророческих обещаний спасения и родословия Христа; в итоге изображение занимает более 500 кв.м. и состоит из более чем 300 фигур.

В фреске Бог изображен пожилым и бородатым, в развевающемся одеянии. Он протягивает руку, чтобы вдохнуть жизнь в Адама, чья поза зеркально отражает позу Бога. Возможно, эта сцена была написана под вдохновением от средневекового гимна *Veni Creator Spiritus* («Приди, Дух животворящий»), который подчёркивает божественное происхождение речи. Почти соприкасающиеся пальцы Бога и Адама символизируют ускользающую от человечества природу божественного совершенства.

Офелия

одна из самых известных картин прерафаэлитов. На ней изображена драматическая смерть Офелии из шекспировского «Гамлета», где она становится жертвой речного потока.

Натурщицей для этой картины была 19-летняя Элизабет Сиддал, замеченная в шляпном магазине Уолтером Девереллом, американским прерафаэлитом. Позднее, в 1860 году, она вышла замуж за Данте Габриэля Россетти, друга Милле. Но до того, как это произошло, Милле хотел написать сцену гибели Офелии настолько реалистично, насколько возможно. Элизабет позировала в наполненной водой ванне с масляными лампами, гревшими ванну снизу, изображая утонувшую Офелию. Однажды лампы перестали гореть, что не заметил Милле, глубоко погружённый в работу, и это плохо сказалось на здоровье Элизабет. За время этих сеансов женщина перенесла серьезную простуду и заболела. В отсутствие общественной системы здравоохранения и доступной медицины её лечил частный врач. В итоге от Милле потребовали оплатить медицинские счета, что он и сделал; Элизабет быстро восстановилась.

Билл Трейлор, афроамериканский художник-самоучка из округа Лаундс, Алабама, родился в рабстве и большую часть своей жизни после освобождения работал издольщиком. Когда точно Билл Трейлор начал свою творческую деятельность, остаётся неизвестным, но самые ранние его работы — простейшие рисунки карандашом — относятся к началу 1939 года, когда ему было примерно 86 лет. В этих первых рисунках Трейлор внимательно наблюдал за окружающим миром, схватывая сущность ручных инструментов, предметов, животных и людей, одновременно учась искусству так организовывать свои картины, чтобы документировать и рассказывать истории.

Между 1939 и 1942 годами, когда он работал на тротуарах Монтгомери, Трейлор создал почти 1,500 произведений искусства. Хотя его первая публичная выставка состоялась в 1940 году, его творчество начало приобретать широкое признание только спустя три десятилетия после смерти художника, особенно в конце 1970-х годов.

Брошенный.

Брайтон Ривьер, кого мы представляем сегодня, был британским художником. Он выставлял различные работы в Королевской академии, но посвятил большую часть своей жизни изображению животных. В длинном интервью под названием «Как я пишу животных», Ривьер объяснял некоторые практические аспекты написания и одомашненных, и диких животных:

«Я всегда обожал собак, но я работал над ними так много, что начал уставать от их постоянного присутствия. Однако вам никогда не удастся написать собаку, если вы её не любите. Я никогда не работаю над изображением собаки без помощи человека, который хорошо знаком с животными... Колли, я думаю, одни из самых непоседливых собак…Единственный способ писать диких животных — это постепенно увеличивать количество эскизов и иметь хорошие знания о самом животном до того, как вы пишете его на картине…Я пишу и с мёртвых, и с живых животных. У меня в мастерской однажды находилось тело великолепной львицы…Время от времени я помногу работал в прозекторской Зоологических садов».

Упоение (влюбленные)

Дворец Стокле в Брюсселе, задуманный и реализованный между 1905 и 1911 годами Йозефом Хоффманом, выступает примером квинтэссенции стиля Венского сецессиона. Хоффман, вместе с большим числом внёсших свой вклад художников из Венских мастерских и их круга, воплотил концепцию «гезамткунстверка» — всеобъемлющего единения живописи, скульптуры и архитектуры — в каждом аспекте здания и его интерьеров.

Перед Густавом Климтом стояла амбициозная задача создать стены для обеденного зала. Его длительные усилия по работе над этим проектом завершились созданием девяти полномасштабных эскизов, которые впоследствии были превращены в затейливую мозаику. Эта работа занимает особое место в творчестве Климта, будучи одним из его редких проектов монументального масштаба. В произведении инкорпорировано влияние египетского, византийского и японского искусства, и оно считается кульминацией его творческой зрелости.

Смерть Сократа

В этой работе неоклассической живописи, созданной прямо перед началом Французской революции, Жак-Луи Давид погрузился в классический сюжет, посвящённый сопротивлению несправедливой власти, представленный минималистичной, напоминающей фриз, композицией. Главный герой картины — греческий философ Сократ который был осужден афинскими судами за отсутствие набожности. Панорамой жестов и выражений лиц Давид мастерски изображает последние моменты жизни Сократа. Философ изображён за мгновения до принятия яда, что передаётся через изображение ученика, который не может смотреть на происходящее. Стремясь к исторической точности, Давид консультировался с учёными, специализирующимися на древностях, для того чтобы тщательно воссоздать исторические детали, вплоть до мебели и одеяний той эпохи. Примечательно, что Давид включил в картину Платона в качестве осознанной отсылки к автору диалога «Федон», который сохранил эту древнюю историю, хотя Платон лично не присутствовал при последних минутах жизни Сократа.

Портрет матери художника.

Портрет написанный Генри Оссавой Таннером после своего триумфального возвращения из Парижа в 1897 году, служит не только проникновенным выражением признательности к Саре Таннер, центральной и основополагающей фигуре её большой афроамериканской семьи, но и радостным символом недавних достижений её сына в избранной им карьере. Несмотря на первоначальное неодобрение родителей, Генри Оссава Таннер упорно продолжал писать и добился большого успеха в мире искусства.

С точки зрения композиции эта работа вдохновлена другим очень известным произведением американского искусства «портретом матери» Джеймса Эббота Мак-Нейла Уистлера 1871 года. Однако портрет Таннера значительно отличается от холодной и строгой работы Уистлера. Вместо этого он является тёплым, любящим изображением сильной, чувствительной и вдумчивой личности.