Day 11: Body Horror
Боди-хоррор - жанр, реанимация которого происходит прямо сейчас. Это фильмы ужасов, связанные с трансформацией тела и мутациями. Их главная цель - вызвать отвращение и дискомфорт через визуальные образы на экране.
Мне кажется, за всё время ведения канала я писал практически обо всех фильмах этого поджанра, которые считаю либо важными, либо любимыми. И я уверен, что в ближайшее время появится ещё больше представителей этого хоррора, ярким примером стали недавние “Else” и “Together”.
Поэтому я, все же, ещё раз напомню об эталонном представителе жанра 80-х годов - кроненберговской “Мухе”. Фильм я посмотрел много лет назад и с тех пор не пересматривал, но даже спустя годы в памяти всплывают те пугающие образы и фантасмагоричный грим, определивший направление боди-хоррора на многие годы вперёд.
Естественно, были фильмы и более ранние, в том числе и у самого Кроненберга, но именно “Муха” для меня стала картиной, успешно совмещающей глубокие подтексты и пугающие образы, способные зацепить как зрительское внимание, так и интерес искушённого фаната жанра.
BODY HORROR
#horror_advent25
Боди-хоррор - жанр, реанимация которого происходит прямо сейчас. Это фильмы ужасов, связанные с трансформацией тела и мутациями. Их главная цель - вызвать отвращение и дискомфорт через визуальные образы на экране.
Мне кажется, за всё время ведения канала я писал практически обо всех фильмах этого поджанра, которые считаю либо важными, либо любимыми. И я уверен, что в ближайшее время появится ещё больше представителей этого хоррора, ярким примером стали недавние “Else” и “Together”.
Поэтому я, все же, ещё раз напомню об эталонном представителе жанра 80-х годов - кроненберговской “Мухе”. Фильм я посмотрел много лет назад и с тех пор не пересматривал, но даже спустя годы в памяти всплывают те пугающие образы и фантасмагоричный грим, определивший направление боди-хоррора на многие годы вперёд.
Естественно, были фильмы и более ранние, в том числе и у самого Кроненберга, но именно “Муха” для меня стала картиной, успешно совмещающей глубокие подтексты и пугающие образы, способные зацепить как зрительское внимание, так и интерес искушённого фаната жанра.
BODY HORROR
#horror_advent25
Day: 12 Time Loop & Time Travel Horror
Хорроры, центральной идеей которых является феномен временных петель или перемещений во времени, это истории о героях, застрявших в лимбе, встречающих самих себя и пытающихся выбраться из временных ловушек. Для меня фильмы этого поджанра одни из самых интересных в кино вообще, ведь сама идея соединить фантастику и ужасы всегда казалась выигрышной.
По ощущениям такие картины близки к клаустрофобическим и детективным хоррорам: помимо монстров, призраков и крови, здесь ключевую роль играет загадка - поиск выхода из временного парадокса.
Одним из моих любимых фильмов в этом поджанре является “Triangle”. В своё время он был встречен неоднозначно и до сих пор вызывает споры о своём качестве. Помню, как впервые увидел его ночью по телевизору, случайно наткнулся, и он сразу захватил меня как поклонника любых загадочных сценариев.
По сюжету девушка по имени Джесс отправляется на яхте в морскую прогулку с друзьями, оставив сына дома одного. Она рассчитывает вернуться через несколько часов, но события принимают кошмарный оборот, когда компания натыкается в открытом море на дрейфующий, пустой корабль.
На момент релиза фильм уже не выглядел ни особенно качественным, ни глубоким, однако для меня картины, в основе которых лежат временные парадоксы, интересны именно своими идеями и структурами. Если закрыть глаза на шероховатости, “Треугольник” действительно увлекает.
Основная проблема это финал. Как и во многих подобных проектах, развязка стремится и объяснить логику происходящего, и добавить смысловую глубину, но в итоге выходит скорее предсказуемо, чем слабо. Честно говоря, ни один хоррор о временных петлях пока не сумел идеально завершить и раскрыть свой парадокс. Ближе всех, на мой взгляд, подобрался сериал “Тьма” он довёл свою историю до сложной, запутанной, но при этом цельной концовки.
“Треугольник” не хватает звёзд с неба: в сюжете есть вопросы, визуальная часть оставляет желать лучшего. Но для меня ценен прежде всего тот гнетущий, тревожный эффект осознания безысходности, ощущения, что выхода из временной петли нет, а разгадка лишь уводит глубже в лабиринт.
TIME LOOP & TIME TRAVEL HORROR
#horror_advent25
Хорроры, центральной идеей которых является феномен временных петель или перемещений во времени, это истории о героях, застрявших в лимбе, встречающих самих себя и пытающихся выбраться из временных ловушек. Для меня фильмы этого поджанра одни из самых интересных в кино вообще, ведь сама идея соединить фантастику и ужасы всегда казалась выигрышной.
По ощущениям такие картины близки к клаустрофобическим и детективным хоррорам: помимо монстров, призраков и крови, здесь ключевую роль играет загадка - поиск выхода из временного парадокса.
Одним из моих любимых фильмов в этом поджанре является “Triangle”. В своё время он был встречен неоднозначно и до сих пор вызывает споры о своём качестве. Помню, как впервые увидел его ночью по телевизору, случайно наткнулся, и он сразу захватил меня как поклонника любых загадочных сценариев.
По сюжету девушка по имени Джесс отправляется на яхте в морскую прогулку с друзьями, оставив сына дома одного. Она рассчитывает вернуться через несколько часов, но события принимают кошмарный оборот, когда компания натыкается в открытом море на дрейфующий, пустой корабль.
На момент релиза фильм уже не выглядел ни особенно качественным, ни глубоким, однако для меня картины, в основе которых лежат временные парадоксы, интересны именно своими идеями и структурами. Если закрыть глаза на шероховатости, “Треугольник” действительно увлекает.
Основная проблема это финал. Как и во многих подобных проектах, развязка стремится и объяснить логику происходящего, и добавить смысловую глубину, но в итоге выходит скорее предсказуемо, чем слабо. Честно говоря, ни один хоррор о временных петлях пока не сумел идеально завершить и раскрыть свой парадокс. Ближе всех, на мой взгляд, подобрался сериал “Тьма” он довёл свою историю до сложной, запутанной, но при этом цельной концовки.
“Треугольник” не хватает звёзд с неба: в сюжете есть вопросы, визуальная часть оставляет желать лучшего. Но для меня ценен прежде всего тот гнетущий, тревожный эффект осознания безысходности, ощущения, что выхода из временной петли нет, а разгадка лишь уводит глубже в лабиринт.
TIME LOOP & TIME TRAVEL HORROR
#horror_advent25
1
Day 13: Zombie Horror
На тринадцатый день подъезжает классика жанра - хорроры про живых мертвецов. Думаю, суть поджанра раскрывать нет смысла, потому что, кажется, даже те, кто никогда не смотрел кино, знают, кто такие зомби.
Гораздо интереснее сегодня говорить об эволюции жанра, ведь зомби всегда были популярными персонажами и, кажется, никогда не были столь однозначны. Они часто несли под собой критику, сатиру, насмешку или метафору эпохи, в которой существовали.
Ранее я уже писал про один из моих любимейших фильмов о живых мертвецах, а в этот раз расскажу, на мой взгляд, о лучшем фильме в этом поджанре - "Braindead". Это второй полнометражный фильм Питера Джексона, более известного как режиссёра «Властелина колец». Но задолго до того, как стать проводником в Средиземье для юных фанатов фэнтези, он снимал настоящие трэш-шедевры, среди которых - "Живая мертвечина".
По сюжету вирус привозит странный гибрид обезьяны и крысы с далёких южных островов. Укусив посетительницу музея, по совместительству мать главного героя, существо заражает её вирусом, который не только превращает её в безумного мертвеца, но и наполняет весь фильм высокоградусной дозой безумия.
Джексон, вдохновлённый творчеством Сэма Рэйми и "Зловещими мертвецами", явно перенял многое и для своего фильма о зомби, но приукрасил это ещё большим количеством крови и фантасмагории, добавив добрую горсть бодихоррорных элементов. Помимо этого, в фильме ощущается и рука Джексона, его стиль, где в фоновые жанровые элементы вплетается личная история, позволяющая воспринимать "Живую мертвечину" не только как потешный трэш, но и как своеобразную семейную драму, в рамках которой живёт самостоятельный и вполне взрослый подтекст.
Даже спустя много лет этот фильм смотрится свежо, мерзко и смешно, по-прежнему попадая в различные подборки и топы действительно культовых фильмов о зомби.
ZOMBIE HORROR
#horror_advent25
На тринадцатый день подъезжает классика жанра - хорроры про живых мертвецов. Думаю, суть поджанра раскрывать нет смысла, потому что, кажется, даже те, кто никогда не смотрел кино, знают, кто такие зомби.
Гораздо интереснее сегодня говорить об эволюции жанра, ведь зомби всегда были популярными персонажами и, кажется, никогда не были столь однозначны. Они часто несли под собой критику, сатиру, насмешку или метафору эпохи, в которой существовали.
Ранее я уже писал про один из моих любимейших фильмов о живых мертвецах, а в этот раз расскажу, на мой взгляд, о лучшем фильме в этом поджанре - "Braindead". Это второй полнометражный фильм Питера Джексона, более известного как режиссёра «Властелина колец». Но задолго до того, как стать проводником в Средиземье для юных фанатов фэнтези, он снимал настоящие трэш-шедевры, среди которых - "Живая мертвечина".
По сюжету вирус привозит странный гибрид обезьяны и крысы с далёких южных островов. Укусив посетительницу музея, по совместительству мать главного героя, существо заражает её вирусом, который не только превращает её в безумного мертвеца, но и наполняет весь фильм высокоградусной дозой безумия.
Джексон, вдохновлённый творчеством Сэма Рэйми и "Зловещими мертвецами", явно перенял многое и для своего фильма о зомби, но приукрасил это ещё большим количеством крови и фантасмагории, добавив добрую горсть бодихоррорных элементов. Помимо этого, в фильме ощущается и рука Джексона, его стиль, где в фоновые жанровые элементы вплетается личная история, позволяющая воспринимать "Живую мертвечину" не только как потешный трэш, но и как своеобразную семейную драму, в рамках которой живёт самостоятельный и вполне взрослый подтекст.
Даже спустя много лет этот фильм смотрится свежо, мерзко и смешно, по-прежнему попадая в различные подборки и топы действительно культовых фильмов о зомби.
ZOMBIE HORROR
#horror_advent25
Day 14: Splatter Horror
Сплэттеры это фильмы ужасов, где основной акцент делается на насилии и жестокости, а главной отличительной чертой является чрезмерная демонстрация крови, внутренностей и прочих пугающе реалистичных деталей. Это не просто страшные фильмы, это чистый, брутальный шок, призванный заставить зрителя одновременно содрогнуться и восхититься масштабом экранного безумия.
К сплэттерам можно отнести и вчерашний фильм Питера Джексона, ведь количество крови в нём просто зашкаливает. Но повторяться второй раз, конечно, не будем. Сегодня о франшизе, которая за последние годы стала для меня настоящим воплощением жанра.
“Terrifier” Дэмиена Леоне это пример того, как из короткометражки рождается культ. Клоун Арт впервые появился ещё в 2008 году в фильме “The 9th Circle”, а затем в антологии “All Hallows' Eve” (2013), где впервые обратил на себя внимание поклонников хоррора. Позже Леоне дал ему собственный фильм “Terrifier” (2016), и с этого момента началась одна из самых кровавых и безумных историй современного киноужаса.
Арт это олицетворение кошмара, клоун, который не говорит ни слова, но при этом выражает больше эмоций, чем большинство говорящих злодеев. Его улыбка это издёвка над смертью, а за ней скрывается чудовищный садизм. В его мире нет смысла, морали или пощады только чистое зло, поданное с безупречным артистизмом.
Герои этой истории разрываются на части, им замораживают лица, простреливают головы и изувечивают бензопилами. Кровь и внутренности сочатся через экран, а всё это безумие сопровождается фирменными гримасами Арта, чьё молчаливое присутствие пугает куда сильнее любого крика.
Те, кто ещё не смотрел - просто включайте. А те, кто уже видел, я смиренно жду вместе с вами четвёртую часть и очередной виток этого кровавого безумия.
SPLATTER HORROR
#horror_advent25
Сплэттеры это фильмы ужасов, где основной акцент делается на насилии и жестокости, а главной отличительной чертой является чрезмерная демонстрация крови, внутренностей и прочих пугающе реалистичных деталей. Это не просто страшные фильмы, это чистый, брутальный шок, призванный заставить зрителя одновременно содрогнуться и восхититься масштабом экранного безумия.
К сплэттерам можно отнести и вчерашний фильм Питера Джексона, ведь количество крови в нём просто зашкаливает. Но повторяться второй раз, конечно, не будем. Сегодня о франшизе, которая за последние годы стала для меня настоящим воплощением жанра.
“Terrifier” Дэмиена Леоне это пример того, как из короткометражки рождается культ. Клоун Арт впервые появился ещё в 2008 году в фильме “The 9th Circle”, а затем в антологии “All Hallows' Eve” (2013), где впервые обратил на себя внимание поклонников хоррора. Позже Леоне дал ему собственный фильм “Terrifier” (2016), и с этого момента началась одна из самых кровавых и безумных историй современного киноужаса.
Арт это олицетворение кошмара, клоун, который не говорит ни слова, но при этом выражает больше эмоций, чем большинство говорящих злодеев. Его улыбка это издёвка над смертью, а за ней скрывается чудовищный садизм. В его мире нет смысла, морали или пощады только чистое зло, поданное с безупречным артистизмом.
Герои этой истории разрываются на части, им замораживают лица, простреливают головы и изувечивают бензопилами. Кровь и внутренности сочатся через экран, а всё это безумие сопровождается фирменными гримасами Арта, чьё молчаливое присутствие пугает куда сильнее любого крика.
Те, кто ещё не смотрел - просто включайте. А те, кто уже видел, я смиренно жду вместе с вами четвёртую часть и очередной виток этого кровавого безумия.
SPLATTER HORROR
#horror_advent25
1
Day 15: Folk Horror
До того, как Субстанция перевернула современные тенденции хоррора, народной любовью пользовались фильмы ужасов, основанные на поверьях, сказаниях и легендах. Чаще всего связанные с лесом или древними обрядами, они пробуждали страх в еще свежей памяти поколений, где люди становились жертвами леших, призраков и ведьм.
Легенды никогда не закончатся, а переизобретение одних и тех же историй лишь добавляет им нового смысла. Такие фильмы чаще всего не столько о том, что живет в лесу, сколько о том, что скрыто внутри нас самих: семейные травмы, личные страхи и психологические раны. Жанр жив и по сей день и недавний ирландский фильм “Корни” яркое тому подтверждение.
В этой категории я с удовольствием снова бы упомянул “Солнцестояние”, но не могу, хочется наконец сесть и написать о нем большой текст, чтобы выразить всю мою любовь к этому фильму.
А пока коротко напомню про одного из самых важных мастеров индонезийского хоррора Джоко Анвара и его фильм “Impetigore”, 2019 года. По сюжету две подруги приезжают в глухую деревню, где сталкиваются с древним и зловещим проклятием.
Фильмы Джоко Анвара почти всегда знак качества. Смотря его работы, можно быть уверенным: перед нами не очередная бэшечка, а по-настоящему крепкий, страшный и визуально выразительный фильм. Так случилось и с “Impetigore”, где уровень ужаса держится на высоте благодаря изысканному визуальному языку и тщательно выстроенной истории.
Стоит ознакомиться и с другими его фильмами, потому что, хотя сегодня я выделяю именно “Impetigore”, у Анвара есть работы, которые оказались еще глубже, мрачнее и страшнее.
FOLK HORROR
#horror_advent25
До того, как Субстанция перевернула современные тенденции хоррора, народной любовью пользовались фильмы ужасов, основанные на поверьях, сказаниях и легендах. Чаще всего связанные с лесом или древними обрядами, они пробуждали страх в еще свежей памяти поколений, где люди становились жертвами леших, призраков и ведьм.
Легенды никогда не закончатся, а переизобретение одних и тех же историй лишь добавляет им нового смысла. Такие фильмы чаще всего не столько о том, что живет в лесу, сколько о том, что скрыто внутри нас самих: семейные травмы, личные страхи и психологические раны. Жанр жив и по сей день и недавний ирландский фильм “Корни” яркое тому подтверждение.
В этой категории я с удовольствием снова бы упомянул “Солнцестояние”, но не могу, хочется наконец сесть и написать о нем большой текст, чтобы выразить всю мою любовь к этому фильму.
А пока коротко напомню про одного из самых важных мастеров индонезийского хоррора Джоко Анвара и его фильм “Impetigore”, 2019 года. По сюжету две подруги приезжают в глухую деревню, где сталкиваются с древним и зловещим проклятием.
Фильмы Джоко Анвара почти всегда знак качества. Смотря его работы, можно быть уверенным: перед нами не очередная бэшечка, а по-настоящему крепкий, страшный и визуально выразительный фильм. Так случилось и с “Impetigore”, где уровень ужаса держится на высоте благодаря изысканному визуальному языку и тщательно выстроенной истории.
Стоит ознакомиться и с другими его фильмами, потому что, хотя сегодня я выделяю именно “Impetigore”, у Анвара есть работы, которые оказались еще глубже, мрачнее и страшнее.
FOLK HORROR
#horror_advent25
“Ганди молчал по субботам”, 2025
Пока коллеги из Москвы встречают открытие четвертого Каро/Арт-фестиваля просмотром “Сентиментальной ценности” Триера, в Санкт-Петербурге фестиваль открывается титрами с вайбами Входа в пустоту, только уже без музыки LFO. Это нас встречает фильм молодого режиссера, Юрия Зайцева, снятый по одноименной пьесе “Ганди молчал по субботам”
После короткого вступления перед нами распахиваются двери тикток-хауса. Никогда не взрослеющий Марк Эдейштейн врывается в жизнь ничего не подозревающего зрителя, разбрасываясь направо и налево зумерскими шутками, едва успевающими проскочить между резкими склейками клипового монтажа.
За столом вместе с ним сидит семья: мать, сестра, дед. Через мгновение к ним присоединяется отец с новостью, которая ломает привычный ритм семейного обеда. Он уходит из семьи. С этого момента кажется, что все должно пойти по-другому, но этот проект не вызывал бы эмоций, если бы пошёл по стандартному пути.
Напротив, до определенного момента фильм остается верен стилю, заданному с первых минут. Марк то и дело ломает четвертую стену, напоминая зрителю то о "Дряни", то о "Забавных играх", а в одном эпизоде и вовсе появляется в белоснежном спортивном костюме, только вместо клюшки для гольфа в руках у него теннисная ракетка.
Такие эпизоды, безусловно, выдают в режиссере синефила, не боящегося экспериментировать с формой, чрезмерно использовать зональные линзы и цитировать классику. Особенно забавно выглядит отсылка к "500 дням лета" правда, герои после нее не напевают The Smiths, ограничиваясь лишь "Позови меня с собой".
Примерно в середине фильма происходит сюжетный излом, резко меняющий и повествование и настроение. Герой Эдейштейна трансформируется по щелчку пальца и вместе с ним меняется и посыл картины. Мы уходим от юношеского бунтарства и желания быть услышанным к чему-то более личному и человечному. Но к финалу, тем не менее, к сожалению, фильм не даёт ни завершения, ни катарсиса, а эмоции повисают в воздухе.
Это, пожалуй, главная слабость дебютной работы Зайцева, наряду с множеством элементов, будто забытых или недоработанных. Развешанные чеховские ружья так и не выстрелили, а Петербург, призванный стать выразительным фоном, остается лишь нейтральной декорацией. В этом смысле невольно вспоминается фильм "Кука" с похожей фабулой и совершенно иной любовью к пространству, после которого хотелось сесть на ближайший трамвай и уехать вглубь Васьки в поисках старой заброшки.
Технические огрехи, вроде неидеальной переозвучки, тоже дают о себе знать, но куда сильнее бросаются в глаза прямолинейные высказывания персонажей. Они звучат либо как инструмент для передачи авторских мыслей, которым не нашлось места в диалогах (которые, к слову, временами кажутся пустыми и неестественными), либо как попытка выдавить сочувствие к персонажам, эпохе, жизни.
В итоге остается противоречивое ощущение, где-то между теплым и холодным, искренним и наигранным. Обычно дебютам не хватает смелости здесь, наоборот, ее, кажется, было слишком много. Но за режиссёром точно стоит следить. А когда “Ганди” выйдет в прокат, стоит сходить и составить своё мнение.
#karoart25
Пока коллеги из Москвы встречают открытие четвертого Каро/Арт-фестиваля просмотром “Сентиментальной ценности” Триера, в Санкт-Петербурге фестиваль открывается титрами с вайбами Входа в пустоту, только уже без музыки LFO. Это нас встречает фильм молодого режиссера, Юрия Зайцева, снятый по одноименной пьесе “Ганди молчал по субботам”
После короткого вступления перед нами распахиваются двери тикток-хауса. Никогда не взрослеющий Марк Эдейштейн врывается в жизнь ничего не подозревающего зрителя, разбрасываясь направо и налево зумерскими шутками, едва успевающими проскочить между резкими склейками клипового монтажа.
За столом вместе с ним сидит семья: мать, сестра, дед. Через мгновение к ним присоединяется отец с новостью, которая ломает привычный ритм семейного обеда. Он уходит из семьи. С этого момента кажется, что все должно пойти по-другому, но этот проект не вызывал бы эмоций, если бы пошёл по стандартному пути.
Напротив, до определенного момента фильм остается верен стилю, заданному с первых минут. Марк то и дело ломает четвертую стену, напоминая зрителю то о "Дряни", то о "Забавных играх", а в одном эпизоде и вовсе появляется в белоснежном спортивном костюме, только вместо клюшки для гольфа в руках у него теннисная ракетка.
Такие эпизоды, безусловно, выдают в режиссере синефила, не боящегося экспериментировать с формой, чрезмерно использовать зональные линзы и цитировать классику. Особенно забавно выглядит отсылка к "500 дням лета" правда, герои после нее не напевают The Smiths, ограничиваясь лишь "Позови меня с собой".
Примерно в середине фильма происходит сюжетный излом, резко меняющий и повествование и настроение. Герой Эдейштейна трансформируется по щелчку пальца и вместе с ним меняется и посыл картины. Мы уходим от юношеского бунтарства и желания быть услышанным к чему-то более личному и человечному. Но к финалу, тем не менее, к сожалению, фильм не даёт ни завершения, ни катарсиса, а эмоции повисают в воздухе.
Это, пожалуй, главная слабость дебютной работы Зайцева, наряду с множеством элементов, будто забытых или недоработанных. Развешанные чеховские ружья так и не выстрелили, а Петербург, призванный стать выразительным фоном, остается лишь нейтральной декорацией. В этом смысле невольно вспоминается фильм "Кука" с похожей фабулой и совершенно иной любовью к пространству, после которого хотелось сесть на ближайший трамвай и уехать вглубь Васьки в поисках старой заброшки.
Технические огрехи, вроде неидеальной переозвучки, тоже дают о себе знать, но куда сильнее бросаются в глаза прямолинейные высказывания персонажей. Они звучат либо как инструмент для передачи авторских мыслей, которым не нашлось места в диалогах (которые, к слову, временами кажутся пустыми и неестественными), либо как попытка выдавить сочувствие к персонажам, эпохе, жизни.
В итоге остается противоречивое ощущение, где-то между теплым и холодным, искренним и наигранным. Обычно дебютам не хватает смелости здесь, наоборот, ее, кажется, было слишком много. Но за режиссёром точно стоит следить. А когда “Ганди” выйдет в прокат, стоит сходить и составить своё мнение.
#karoart25
1
Day 16: Dream Horror
Под этой категорией я понимаю фильмы, которые так или иначе связаны со снами. Действие фильма либо происходит непосредственно во сне, либо сам сон становится прямой угрозой для персонажей.
Таких фильмов не сказать что много, а большую часть внимания и популярности, конечно же, отхватил “Кошмар на улице Вязов”. Но сегодня поговорим не о самом известном представителе поджанра, а о картине, которую вы, возможно, пропустили.
“Moon Garden” (2022) это настоящая компиляция кошмаров и фантасмагоричных образов, декораций и кислотных эффектов, которые не только происходят в коматозном состоянии главной героини, но и ярко, почти физически, проецируются на зрителя.
Наблюдая за происходящим на экране, невольно становишься участником этого долгого путешествия по ярким сновидениям, наполненным странными существами, растительностью и монстрами. Всё, что происходит по ту сторону сна, показано не прямо, а через призму восприятия маленькой девочки создательницы собственного мира кошмаров, куда она приветливо приглашает зрителя.
Эта прекрасно сделанная с точки зрения визуала история поражает не только своей эстетикой, но и глубиной, трогательным рассказом о борьбе, страхе и связи между родителями и детьми.
“Moon Garden” редкий пример того, как жанр dream horror может быть не просто набором сюрреалистичных образов, а эмоциональным опытом. Это фильм, где ужасы и красота сливаются в единое целое, напоминая, что даже в самых мрачных снах всегда можно найти свет.
DREAM HORROR
#horror_advent25
Под этой категорией я понимаю фильмы, которые так или иначе связаны со снами. Действие фильма либо происходит непосредственно во сне, либо сам сон становится прямой угрозой для персонажей.
Таких фильмов не сказать что много, а большую часть внимания и популярности, конечно же, отхватил “Кошмар на улице Вязов”. Но сегодня поговорим не о самом известном представителе поджанра, а о картине, которую вы, возможно, пропустили.
“Moon Garden” (2022) это настоящая компиляция кошмаров и фантасмагоричных образов, декораций и кислотных эффектов, которые не только происходят в коматозном состоянии главной героини, но и ярко, почти физически, проецируются на зрителя.
Наблюдая за происходящим на экране, невольно становишься участником этого долгого путешествия по ярким сновидениям, наполненным странными существами, растительностью и монстрами. Всё, что происходит по ту сторону сна, показано не прямо, а через призму восприятия маленькой девочки создательницы собственного мира кошмаров, куда она приветливо приглашает зрителя.
Эта прекрасно сделанная с точки зрения визуала история поражает не только своей эстетикой, но и глубиной, трогательным рассказом о борьбе, страхе и связи между родителями и детьми.
“Moon Garden” редкий пример того, как жанр dream horror может быть не просто набором сюрреалистичных образов, а эмоциональным опытом. Это фильм, где ужасы и красота сливаются в единое целое, напоминая, что даже в самых мрачных снах всегда можно найти свет.
DREAM HORROR
#horror_advent25
Day 17: Russian Horror
Я решил выделить отдельный день в октябре, чтобы не ругать, как мы все любим, российские фильмы ужасов, а наоборот, выделить и посоветовать несколько интересных проектов, которые язык не поворачивается назвать плохими.
Во-первых, я уже очень давно не пересматривал “Кольскую сверхглубокую”, но по памяти могу сказать, что этот фильм, хоть и не лишён огрехов и вторичности, вполне смотрибелен и представляет собой качественный сай-фай боди-хоррор. Поэтому для скрашивания вечера он вполне подойдёт.
Во-вторых, выделите 17 минут своего времени, чтобы посмотреть лучший российский слэшер “Последнее лето 2: Уральский психопат”. Это настоящая ода жанру от хоррорных синефилов. Нарочито ужасная визуально, эта короткометражка умудряется удивлять операторской работой, саунд-дизайном, эффектами и множеством отсылок.
В-третьих, хардкор-уровень. Есть такая студия Crazy Space Gun, выпускающая трэшовые и откровенно ужасные фильмы. Но чего у них нельзя отнять, так это неожиданных находок, раскиданных по этим проектам, которые в сумме создают нечто действительно забавное и даже стоящее. “Потерянный файл” это российский фаунд-футедж, где на протяжении часа два странных парня постоянно матерятся, плохо шутят, а в конце убегают от маньяка-сектанта в маске. При всей смехотворности происходящего, это отличный пример аутентичности в поджанре найденных плёнок.
Смотреть что-либо из этого я советую на свой страх и риск, но эмоции вы точно испытаете.
RUSSIAN HORROR
#horror_advent25
Я решил выделить отдельный день в октябре, чтобы не ругать, как мы все любим, российские фильмы ужасов, а наоборот, выделить и посоветовать несколько интересных проектов, которые язык не поворачивается назвать плохими.
Во-первых, я уже очень давно не пересматривал “Кольскую сверхглубокую”, но по памяти могу сказать, что этот фильм, хоть и не лишён огрехов и вторичности, вполне смотрибелен и представляет собой качественный сай-фай боди-хоррор. Поэтому для скрашивания вечера он вполне подойдёт.
Во-вторых, выделите 17 минут своего времени, чтобы посмотреть лучший российский слэшер “Последнее лето 2: Уральский психопат”. Это настоящая ода жанру от хоррорных синефилов. Нарочито ужасная визуально, эта короткометражка умудряется удивлять операторской работой, саунд-дизайном, эффектами и множеством отсылок.
В-третьих, хардкор-уровень. Есть такая студия Crazy Space Gun, выпускающая трэшовые и откровенно ужасные фильмы. Но чего у них нельзя отнять, так это неожиданных находок, раскиданных по этим проектам, которые в сумме создают нечто действительно забавное и даже стоящее. “Потерянный файл” это российский фаунд-футедж, где на протяжении часа два странных парня постоянно матерятся, плохо шутят, а в конце убегают от маньяка-сектанта в маске. При всей смехотворности происходящего, это отличный пример аутентичности в поджанре найденных плёнок.
Смотреть что-либо из этого я советую на свой страх и риск, но эмоции вы точно испытаете.
RUSSIAN HORROR
#horror_advent25
По сюжету Лиллиан (Джоди Фостер), переехавшая из США во Францию, уже много лет практикует психоанализ. Среди ее пациентов заядлые курильщики, растерянная молодежь, обеспокоенные подростки. Но есть и более сложные случаи, включая пациентку Полу, внезапная новость о гибели которой выбивает Лиллиан из привычной колеи.
С завидной язвительностью фильм значительную часть хронометража иронизирует над самой культурой психоаналитиков и терапевтов. Героиня Фостер фигура одновременно комическая и трагическая, своеобразный проводник в мире, где тех, кто действительно нуждается в помощи, зачастую не слышат. Профессию психоаналитика режиссер противопоставляет гипнозу, а внутренние поиски героини превращаются в метафору неразрешимого конфликта между знанием и чувством.
Мир Лиллиан хрупок и соткан из мелочей, которые зритель наблюдает под своеобразной лупой. Диктофон, блокноты, ритуалы, шкафы с записями сеансов, все это детали ее замкнутого микромира. Погружаясь в него, зритель постепенно понимает, что фильм заставляет задуматься не столько о профессии, сколько о личном опыте самой Злотовски. Кажется, что она сама пережила болезненный опыт психоанализа и в 'Private Life' обращается к нему как к способу личной рефлексии, показывая, насколько эта практика может быть неоднозначной и сложной.
Главная идея картины прочитывается без труда: невозможно помочь другим, не разобравшись в себе. Жизненный путь героини уподоблен шахматной доске, где она фигура коня, движущаяся зигзагами, обходя важнейшие точки собственной жизни. Лиллиан избегает общения с сыном, не может определить природу своих отношений с бывшим мужем и по-прежнему не отпускает травму, связанную со смертью матери. Даже в своей профессиональной деятельности она утрачивает ориентиры, задаваясь болезненно честным вопросом: 'Вот ты — офтальмолог, ты лечишь людям глаза. А что лечу я?'
Но фильм доигрывает партию до конца, выстраивая из кажется частной жизни настоящий лабиринт, где расследуя обстоятельства гибели своей пациентки, Лиллиан волей-неволей оказывается на сеансе с самой собой, столько лет она будто сбегала в профессию от собственных эмоций и переживаний. Но накопленный стаж не делали из нее хорошего специалиста, даже пациенты, посещающие ее более девяти лет, не то что умирали, они тупо не могли бросить курить. Этот поворот можно трактовать как метафору — время, вопреки расхожему мнению, не лечит.
#karoart25
С завидной язвительностью фильм значительную часть хронометража иронизирует над самой культурой психоаналитиков и терапевтов. Героиня Фостер фигура одновременно комическая и трагическая, своеобразный проводник в мире, где тех, кто действительно нуждается в помощи, зачастую не слышат. Профессию психоаналитика режиссер противопоставляет гипнозу, а внутренние поиски героини превращаются в метафору неразрешимого конфликта между знанием и чувством.
Мир Лиллиан хрупок и соткан из мелочей, которые зритель наблюдает под своеобразной лупой. Диктофон, блокноты, ритуалы, шкафы с записями сеансов, все это детали ее замкнутого микромира. Погружаясь в него, зритель постепенно понимает, что фильм заставляет задуматься не столько о профессии, сколько о личном опыте самой Злотовски. Кажется, что она сама пережила болезненный опыт психоанализа и в 'Private Life' обращается к нему как к способу личной рефлексии, показывая, насколько эта практика может быть неоднозначной и сложной.
Главная идея картины прочитывается без труда: невозможно помочь другим, не разобравшись в себе. Жизненный путь героини уподоблен шахматной доске, где она фигура коня, движущаяся зигзагами, обходя важнейшие точки собственной жизни. Лиллиан избегает общения с сыном, не может определить природу своих отношений с бывшим мужем и по-прежнему не отпускает травму, связанную со смертью матери. Даже в своей профессиональной деятельности она утрачивает ориентиры, задаваясь болезненно честным вопросом: 'Вот ты — офтальмолог, ты лечишь людям глаза. А что лечу я?'
Но фильм доигрывает партию до конца, выстраивая из кажется частной жизни настоящий лабиринт, где расследуя обстоятельства гибели своей пациентки, Лиллиан волей-неволей оказывается на сеансе с самой собой, столько лет она будто сбегала в профессию от собственных эмоций и переживаний. Но накопленный стаж не делали из нее хорошего специалиста, даже пациенты, посещающие ее более девяти лет, не то что умирали, они тупо не могли бросить курить. Этот поворот можно трактовать как метафору — время, вопреки расхожему мнению, не лечит.
#karoart25
Day 18: Werewolf Horror
Были у нас вампирские хорроры, а сегодня хорроры про оборотней. Люди-волки еще на заре кинематографа нагоняли ужас и страх своими перевоплощениями и по сей день продолжают появляться в фильмах, развивая образ и трансформируя его из раза в раз.
Основная отличительная черта этих фильмов это разнообразие визуальных обликов монстров. В одних картинах оборотни максимально очеловечены, в других напротив, приближены к волчьему виду, а порой и вовсе доведены до гротеска.
Из недавних фильмов могу выделить "Альму и Волк", где образ оборотня отражает ментальные проблемы героев и тонко использует саму метафору волка для создания нужного настроения.
Но именно в день адвента хочу отметить немного неожиданный фильм третью часть франшизы о Гарри Поттере, "Узник Азкабана". В детстве я обожал эту серию и пересмотрел первые три фильма десятки раз. Со временем интерес угас, но третья часть оставила неизгладимые впечатления особенно сцена у хижины.
Многие уже отмечали, что именно эта часть стала переходной точкой от детской сказки к более взрослому приключению. Куарон сделал ее мрачной и пугающей. Визуальный язык фильма приобрел те качества, которые удерживали у экранов не только детей, но и взрослых, а главная тема, связанная с оборотнями, выглядела тогда пугающе натуралистично и даже немного мерзко.
Со временем франшиза подугасла, а "Узник Азкабана" так и остался ее лучшей частью. Именно хоррор-элементы сделали этот фильм для меня запоминающимся и притягательным для очередного возвращения к истории о Поттере, а эпизод с Люпином навсегда врезался в память и вызывает мурашки по коже.
WEREWOLF HORROR
#horror_advent25
Были у нас вампирские хорроры, а сегодня хорроры про оборотней. Люди-волки еще на заре кинематографа нагоняли ужас и страх своими перевоплощениями и по сей день продолжают появляться в фильмах, развивая образ и трансформируя его из раза в раз.
Основная отличительная черта этих фильмов это разнообразие визуальных обликов монстров. В одних картинах оборотни максимально очеловечены, в других напротив, приближены к волчьему виду, а порой и вовсе доведены до гротеска.
Из недавних фильмов могу выделить "Альму и Волк", где образ оборотня отражает ментальные проблемы героев и тонко использует саму метафору волка для создания нужного настроения.
Но именно в день адвента хочу отметить немного неожиданный фильм третью часть франшизы о Гарри Поттере, "Узник Азкабана". В детстве я обожал эту серию и пересмотрел первые три фильма десятки раз. Со временем интерес угас, но третья часть оставила неизгладимые впечатления особенно сцена у хижины.
Многие уже отмечали, что именно эта часть стала переходной точкой от детской сказки к более взрослому приключению. Куарон сделал ее мрачной и пугающей. Визуальный язык фильма приобрел те качества, которые удерживали у экранов не только детей, но и взрослых, а главная тема, связанная с оборотнями, выглядела тогда пугающе натуралистично и даже немного мерзко.
Со временем франшиза подугасла, а "Узник Азкабана" так и остался ее лучшей частью. Именно хоррор-элементы сделали этот фильм для меня запоминающимся и притягательным для очередного возвращения к истории о Поттере, а эпизод с Люпином навсегда врезался в память и вызывает мурашки по коже.
WEREWOLF HORROR
#horror_advent25
“Nouvelle Vague”, 2025
Кинематограф с каждым годом кажется становится той нишей, которая вмещает в себя все больше и больше как талантов так и бездарных графоманов. Линклейтер, некогда начавший свою карьеру с подражания Годару в 2025 году, когда кажется, что удивить зрителя стало абсолютно нечем, возвращает нас в эпоху, конда кино было чем-то большим, чем коммерческая ниша.
Жан-Люк Годар, кинокритик французского журнала Cahiers du Cinéma, один из самых известных и почитаемых критиков Франции, никак не мог дождаться момента, когда снимет свой первый фильм. Все его друзья уже давно сняли свои первые, а то и вторые картины. И вот наступает момент, когда Жан-Люк, собравшись с силами и заручившись поддержкой друзей и коллег, приступает к съёмкам фильма, который впоследствии станет локомотивом движения французской новой волны.
“Новая волна” это квинтесенция ностальгии, способная вызвать эмоции как у тех, кто не знаком с творчеством Годара, так и людей, кто случайно попал на сеанс. Кино абсолютно честное, красивое и сделанное с бесконечной любовью. Оно напоминает о том, каким было кино много лет назад, свободным, живым и настоящим.
Смотря в свое время “На последним дыхании” я словно заново открывал для себя кинематограф, со всеми его шероховатостями, с новаторским взглядом, странным темпом, который задает резкий монтаж, с первыми важными ролями актеров, ставших после фильма культовыми персонами.
Я персмотрел фильм прямо перед показом “Новой волны” и многие эпизоды из-за этого добавили эмоциональности происходящему. Сцена с Росселини в кабинете где собралась вся редакция, магия между Бельмодно и Сиберг, поддержка со стороны Трюффо, Кокто, Ромера и других. Сцена в монтажной, съемочные дни и словно сошедшая хроника отношений на съемочной площадке.
Эти два проекта представляют определенную ценность для кинематографа и ровно так же как они работают вместе друг с другом, так же они и восхищают по отдельности. С момента выхода дебюта Годара прошло уже более полувека, и сегодня это неотъемлемая классика и один из самых важных фильмов в истории. Фильм Линклейтера таким, конечно, не станет, но уже сегодня, независимо от всего, “Новая волна” кажется станет тем фильмом, что мы будем пересматривать снова и снова.
Линклейтер как никогда точно и с синефильской одержимостью воссоздаёт эпоху и с головой окунает зрителя в абсолютное искусство, легкое, ироничное и душевное. А выйдя из него, с высокоподнятой головой можно сказать, что в момент когда умирал Пуаккар, родился настоящий кинематограф, каким мы его знали и надеюсь еще будем знать.
#mtm25
Кинематограф с каждым годом кажется становится той нишей, которая вмещает в себя все больше и больше как талантов так и бездарных графоманов. Линклейтер, некогда начавший свою карьеру с подражания Годару в 2025 году, когда кажется, что удивить зрителя стало абсолютно нечем, возвращает нас в эпоху, конда кино было чем-то большим, чем коммерческая ниша.
Жан-Люк Годар, кинокритик французского журнала Cahiers du Cinéma, один из самых известных и почитаемых критиков Франции, никак не мог дождаться момента, когда снимет свой первый фильм. Все его друзья уже давно сняли свои первые, а то и вторые картины. И вот наступает момент, когда Жан-Люк, собравшись с силами и заручившись поддержкой друзей и коллег, приступает к съёмкам фильма, который впоследствии станет локомотивом движения французской новой волны.
“Новая волна” это квинтесенция ностальгии, способная вызвать эмоции как у тех, кто не знаком с творчеством Годара, так и людей, кто случайно попал на сеанс. Кино абсолютно честное, красивое и сделанное с бесконечной любовью. Оно напоминает о том, каким было кино много лет назад, свободным, живым и настоящим.
Смотря в свое время “На последним дыхании” я словно заново открывал для себя кинематограф, со всеми его шероховатостями, с новаторским взглядом, странным темпом, который задает резкий монтаж, с первыми важными ролями актеров, ставших после фильма культовыми персонами.
Я персмотрел фильм прямо перед показом “Новой волны” и многие эпизоды из-за этого добавили эмоциональности происходящему. Сцена с Росселини в кабинете где собралась вся редакция, магия между Бельмодно и Сиберг, поддержка со стороны Трюффо, Кокто, Ромера и других. Сцена в монтажной, съемочные дни и словно сошедшая хроника отношений на съемочной площадке.
Эти два проекта представляют определенную ценность для кинематографа и ровно так же как они работают вместе друг с другом, так же они и восхищают по отдельности. С момента выхода дебюта Годара прошло уже более полувека, и сегодня это неотъемлемая классика и один из самых важных фильмов в истории. Фильм Линклейтера таким, конечно, не станет, но уже сегодня, независимо от всего, “Новая волна” кажется станет тем фильмом, что мы будем пересматривать снова и снова.
Линклейтер как никогда точно и с синефильской одержимостью воссоздаёт эпоху и с головой окунает зрителя в абсолютное искусство, легкое, ироничное и душевное. А выйдя из него, с высокоподнятой головой можно сказать, что в момент когда умирал Пуаккар, родился настоящий кинематограф, каким мы его знали и надеюсь еще будем знать.
#mtm25
1
Day 19: Rape Revenge Horror
Поджанр rape revenge представляет собой особое направление в хорроре, в котором ключевым элементом становится акт сексуального насилия, после которого жертва обретает силу и стремится к возмездию своим обидчикам. Чаще всего повествование строится по схожей схеме: молодая женщина попадает в руки жестоких и токсичных мужчин, подвергается насилию, но чудом выживает и, преодолев травму, начинает мстить.
Подобная структура характерна для культовой классики жанра, например, фильма "Я плюю на ваши могилы" или картины "Revenge" Фарджи. Вариации на ту же тему встречаются и в таких произведениях, как "Мученицы" или "Соломенные псы", где вопрос возмездия получает более философское и социальное осмысление. Однако особенно интересным примером трансформации этого жанрового кода является фильм Паноса Косматоса "Мэнди", 2018 года.
Эта работа не только показала для массового зрителя самого режиссёра, но и лично для меня открыла более экспериментальный проект Косматоса "Beyond the Black Rainbow". В "Мэнди" визуальный и эмоциональный язык достигает редкой гармонии: здесь медитативное погружение в безумие мести сочетается с гипнотической эстетикой неонового ужаса. Актёрская игра Николаса Кейджа, традиционно балансирующая на грани гротеска и трагедии, становится органичной частью этого мира, усиливая эффект погружения.
В отличие от классических представителей поджанра, в "Мэнди" мстителем выступает не изнасилованная женщина, а мужчина, потерявший возлюбленную. Его месть не просто физическое возмездие, это внутреннее возрождение через разрушение, метафорическая смерть и последующее духовное очищение (или тотальное падение). Таким образом, Косматос переносит акцент с социального и гендерного аспекта на экзистенциальное измерение насилия и страдания, что делает фильм особым явлением внутри поджанра.
Поджанр rape revenge horror изначально формировался как способ художественного осмысления травмы и возмездия, но со временем вышел за рамки буквального изображения насилия. Фильмы вроде "Мэнди" демонстрируют, что центральная тема возмездия может служить не только актом сопротивления, но и метафорой внутреннего преображения человека, столкнувшегося с утратой и безумием. И именно в этом поджанре исходя из этих примеров можно наблюдать наглядную эволюцию жанра от эксплуатации к философии.
RAPE REVENGE HORROR
#horror_advent25
Поджанр rape revenge представляет собой особое направление в хорроре, в котором ключевым элементом становится акт сексуального насилия, после которого жертва обретает силу и стремится к возмездию своим обидчикам. Чаще всего повествование строится по схожей схеме: молодая женщина попадает в руки жестоких и токсичных мужчин, подвергается насилию, но чудом выживает и, преодолев травму, начинает мстить.
Подобная структура характерна для культовой классики жанра, например, фильма "Я плюю на ваши могилы" или картины "Revenge" Фарджи. Вариации на ту же тему встречаются и в таких произведениях, как "Мученицы" или "Соломенные псы", где вопрос возмездия получает более философское и социальное осмысление. Однако особенно интересным примером трансформации этого жанрового кода является фильм Паноса Косматоса "Мэнди", 2018 года.
Эта работа не только показала для массового зрителя самого режиссёра, но и лично для меня открыла более экспериментальный проект Косматоса "Beyond the Black Rainbow". В "Мэнди" визуальный и эмоциональный язык достигает редкой гармонии: здесь медитативное погружение в безумие мести сочетается с гипнотической эстетикой неонового ужаса. Актёрская игра Николаса Кейджа, традиционно балансирующая на грани гротеска и трагедии, становится органичной частью этого мира, усиливая эффект погружения.
В отличие от классических представителей поджанра, в "Мэнди" мстителем выступает не изнасилованная женщина, а мужчина, потерявший возлюбленную. Его месть не просто физическое возмездие, это внутреннее возрождение через разрушение, метафорическая смерть и последующее духовное очищение (или тотальное падение). Таким образом, Косматос переносит акцент с социального и гендерного аспекта на экзистенциальное измерение насилия и страдания, что делает фильм особым явлением внутри поджанра.
Поджанр rape revenge horror изначально формировался как способ художественного осмысления травмы и возмездия, но со временем вышел за рамки буквального изображения насилия. Фильмы вроде "Мэнди" демонстрируют, что центральная тема возмездия может служить не только актом сопротивления, но и метафорой внутреннего преображения человека, столкнувшегося с утратой и безумием. И именно в этом поджанре исходя из этих примеров можно наблюдать наглядную эволюцию жанра от эксплуатации к философии.
RAPE REVENGE HORROR
#horror_advent25
“New Beginnings”, 2025
Фильм как опоздавшее воспоминание, прятавшееся где-то в глубинах потерянной цивилизации. А я в нём как вернувшийся домой работяга, который в полночь включил Discovery и уснул под диалоги о рыбалке. И именно во сне происходит тягучее путешествие по бесконечной дороге, ведущей к единственно верному пути, когда всё остальное уже не имеет смысла, а накопленный опыт не даёт ничего, кроме груза за плечами.
Так же разворачивается и повествование “Нового начала” документального экзистенциального поиска смысла жизни, в которой прошлое следует по пятам, мешая жить настоящим. Это поколенческая рефлексия, где старшее поколение, израненное войной, смертью и бессмысленным цикличным существованием, движется к одной точке, к смерти, но оставляет за собой надежду на следующее поколение, которое, к сожалению рассказчика, лишь заново начнёт тот же круг, что когда-то замкнули другие.
Проснувшись, мы снова видим на зернистом экране диалоги о рыбалке, зацикливающее наше путешествие по разуму далекого, но очень близкого нам человека.
#mtm25
Фильм как опоздавшее воспоминание, прятавшееся где-то в глубинах потерянной цивилизации. А я в нём как вернувшийся домой работяга, который в полночь включил Discovery и уснул под диалоги о рыбалке. И именно во сне происходит тягучее путешествие по бесконечной дороге, ведущей к единственно верному пути, когда всё остальное уже не имеет смысла, а накопленный опыт не даёт ничего, кроме груза за плечами.
Так же разворачивается и повествование “Нового начала” документального экзистенциального поиска смысла жизни, в которой прошлое следует по пятам, мешая жить настоящим. Это поколенческая рефлексия, где старшее поколение, израненное войной, смертью и бессмысленным цикличным существованием, движется к одной точке, к смерти, но оставляет за собой надежду на следующее поколение, которое, к сожалению рассказчика, лишь заново начнёт тот же круг, что когда-то замкнули другие.
Проснувшись, мы снова видим на зернистом экране диалоги о рыбалке, зацикливающее наше путешествие по разуму далекого, но очень близкого нам человека.
#mtm25
“Бессонница”, 2025
Десятиминутный трип сквозь гипнотическую реальность. Сон как лекарство, что на первый взгляд спасает, но на деле лишь оттягивает неизбежное, пока текут восемь сладких часов забвения.
Поезд дышит паром и ритмично повторяет: чух-чух… чух-чух… А на фоне голос предлагает нам всем уснуть. Он везёт безэмоциональные, погружённые в дрему души. Спят все: старики, женщины, мужчины, рабочие, те, кто едет в отпуск. Они не знают, что за окном течёт жизнь
плохая или хорошая, неважно. Им это это недоступно, ведь проще всего уснуть.
Поезд мчится сквозь время,
сквозь бескрайние, почти нереальные пейзажи. Всё замерло. Всё тонет в сонной тишине. И только один ребёнок не спит. Его будит нарастающий гул, глухой, тревожный, будто зов изнутри сна. Поезд приближается к чему-то необратимому. К столкновению с тем, от чего невозможно проснуться, если не сделать этого вовремя.
#mtm25
Десятиминутный трип сквозь гипнотическую реальность. Сон как лекарство, что на первый взгляд спасает, но на деле лишь оттягивает неизбежное, пока текут восемь сладких часов забвения.
Поезд дышит паром и ритмично повторяет: чух-чух… чух-чух… А на фоне голос предлагает нам всем уснуть. Он везёт безэмоциональные, погружённые в дрему души. Спят все: старики, женщины, мужчины, рабочие, те, кто едет в отпуск. Они не знают, что за окном течёт жизнь
плохая или хорошая, неважно. Им это это недоступно, ведь проще всего уснуть.
Поезд мчится сквозь время,
сквозь бескрайние, почти нереальные пейзажи. Всё замерло. Всё тонет в сонной тишине. И только один ребёнок не спит. Его будит нарастающий гул, глухой, тревожный, будто зов изнутри сна. Поезд приближается к чему-то необратимому. К столкновению с тем, от чего невозможно проснуться, если не сделать этого вовремя.
#mtm25
"Rabbit Trap", 2025
Где-то в глубокой уэльской глуши поселяется молодая пара Дарси и Дафна. Сбежав от городской суеты, личных проблем и тревог, они ищут уединения, чтобы завершить свои творческие проекты. Однако покой оказывается иллюзорным и сначала Дарси начинает фиксировать странные звуки, а затем в чаще появляется загадочный мальчик, всем своим видом неуместный в этой безлюдной тишине.
Этот своеобразный фолк-хоррор способен удивить, прежде всего, своей экспериментальной природой и авторы сознательно делают ставку на звуковые эффекты. Именно поэтому повсюду в описаниях фильма встречается пометка ASMR-horror и не случайно. Звук здесь играет ключевую роль, через него зритель не только слышит, но и буквально ощущает внутреннее состояние персонажей, природу фолк-хоррора и настроение лесной чащи.
Сюжет, при всей внешней простоте, оказывается глубже, чем может показаться. Он завораживает своей вязкой атмосферой и медитативной тягучестью. Действие, разворачивающееся в 1970-е годы, позволяет авторам переосмыслить кельтские мифы и легенды о феях, превратив их в метафору родительства, одиночества и утраты.
Во время просмотра невольно возникают ассоциации с "Убийством священного оленя" особенно в эпизодах, где появившийся из ниоткуда мальчик нарушает привычный порядок и вторгается в личное пространство героев. Однако ближе к финалу это сходство рассеивается: смысловая нагрузка у "Rabbit Trap" иная. В то же время вспоминается эпизод "The Murmuring" из "Кабинета редкостей Гильермо дель Торо". По настроению и тягучей атмосфере картина погружается в сырую землю примерно так же, как и "Starve Acre", а финальная сцена, представленная на превью этого поста, невольно отсылает к прошлогодней "Frewaka".
Эти воспоминания возникают то тут, то там, но лишь усиливают эмоциональное воздействие фильма. На их фоне Дев Патель и Рози МакЭван буквально растворяются в природе, их герои медленно гибнут, обрастая мхом и внутренними страхами, тогда как за кадром звучит гипнотический звуковой ландшафт, созданный с ASMR эффектом.
Прежде всего, "Rabbit Trap" это фильм, созданный для кинозала. Его звуковая архитектура и работа с тревожным шумом требуют объемного звучания, способного передать физическое давление страха. Поэтому особенно рекомендую дождаться ноябрьского релиза от Про:взгляд и найти кинотеатр с качественной акустикой, только в таких условиях можно по-настоящему погрузиться в этот звуковой кошмар и ощутить его медленное, давящее дыхание.
#karoart25
Где-то в глубокой уэльской глуши поселяется молодая пара Дарси и Дафна. Сбежав от городской суеты, личных проблем и тревог, они ищут уединения, чтобы завершить свои творческие проекты. Однако покой оказывается иллюзорным и сначала Дарси начинает фиксировать странные звуки, а затем в чаще появляется загадочный мальчик, всем своим видом неуместный в этой безлюдной тишине.
Этот своеобразный фолк-хоррор способен удивить, прежде всего, своей экспериментальной природой и авторы сознательно делают ставку на звуковые эффекты. Именно поэтому повсюду в описаниях фильма встречается пометка ASMR-horror и не случайно. Звук здесь играет ключевую роль, через него зритель не только слышит, но и буквально ощущает внутреннее состояние персонажей, природу фолк-хоррора и настроение лесной чащи.
Сюжет, при всей внешней простоте, оказывается глубже, чем может показаться. Он завораживает своей вязкой атмосферой и медитативной тягучестью. Действие, разворачивающееся в 1970-е годы, позволяет авторам переосмыслить кельтские мифы и легенды о феях, превратив их в метафору родительства, одиночества и утраты.
Во время просмотра невольно возникают ассоциации с "Убийством священного оленя" особенно в эпизодах, где появившийся из ниоткуда мальчик нарушает привычный порядок и вторгается в личное пространство героев. Однако ближе к финалу это сходство рассеивается: смысловая нагрузка у "Rabbit Trap" иная. В то же время вспоминается эпизод "The Murmuring" из "Кабинета редкостей Гильермо дель Торо". По настроению и тягучей атмосфере картина погружается в сырую землю примерно так же, как и "Starve Acre", а финальная сцена, представленная на превью этого поста, невольно отсылает к прошлогодней "Frewaka".
Эти воспоминания возникают то тут, то там, но лишь усиливают эмоциональное воздействие фильма. На их фоне Дев Патель и Рози МакЭван буквально растворяются в природе, их герои медленно гибнут, обрастая мхом и внутренними страхами, тогда как за кадром звучит гипнотический звуковой ландшафт, созданный с ASMR эффектом.
Прежде всего, "Rabbit Trap" это фильм, созданный для кинозала. Его звуковая архитектура и работа с тревожным шумом требуют объемного звучания, способного передать физическое давление страха. Поэтому особенно рекомендую дождаться ноябрьского релиза от Про:взгляд и найти кинотеатр с качественной акустикой, только в таких условиях можно по-настоящему погрузиться в этот звуковой кошмар и ощутить его медленное, давящее дыхание.
#karoart25
"Resurrection", 2025
Все мы смертны. И мысль о бесконечном скитании по миру без цели и точки назначения иногда гулко звенит в голове. Но еще громче звучит зов к сокровенному, к недостижимому бессмертию. В мире Би Ганя, развёрнутом на выдохе благоговейного "Воскрешения", бессмертие действительно существует. Но необходимо ли оно в мире, где мечта сильнее вечности?
Бессмертие здесь достигается тогда, когда человек перестает мечтать. Но есть и другие, те, в чьих телах спрятаны крохотные коробочки из брони. В них вращается и клокочет время, и живут эти люди иначе: потому что умеют мечтать. Мечта лишает их иллюзии бесконечной жизни, но дарует власть над временем и пространством.
Героя "Воскрешения" назвали Монстром. Его тело давно утратило человеческий облик, голос растворился в безмолвии. Он заключён где-то глубоко внутри самого себя, и всё, чего он ищет, некогда живые, только что срезанные цветы, которые поглощает и дарит другим.
Монстр начинает свой путь на страницах немого кино, где образы Носферату, Метрополиса, Поливальщика и других призраков ушедшей эпохи переплетаются в хрупкой, вычурной симфонии. Эти гротескные, почти комические картины создают фундамент, на котором зиждется всё последующее. Би Гань двадцатиминутным вступлением не только разворачивает перед зрителем ослепительный визуальный мираж, но и возвращает нас в атмосферу того времени, когда кинематограф был чист, как самый добрый сон. И он сделает это ещё не раз, когда Монстр будет засыпать и пробуждаться, умирать и воскресать, ведя нас через поля своих грёз, рассказывая истории, давно забытые миром.
Расширяя границы фильма, режиссёр сжимает целую вселенную до крошечной карманной коробочки, где хранится сама ностальгия. Внутри не вещь, а время. "Воскрешение" и есть эта коробочка, она предстанет как нуарный детектив, философская притча, семейная драма с оттенком криминала или фантастическая история любви на фоне всеобщего безумия. Всё это алхимия кино, кипящая в котле любви к самому искусству, к его памяти и силе. Би Гань возводит из этой смеси поэтическое "спасибо", растянутое не на два с половиной часа, а на целое столетие.
Каждая глава фильма оформлена с поразительным вниманием к визуальной материи: работа с тенями и отражениями, композиция кадра, свет, цвет, звук, протяжённые однокадровые дубли, всё это превращается в дыхание живого кинематографа. Если этот фильм не заберёт душу своим смыслом, то, быть может, обожжёт веки своей красотой.
Кому-то он покажется медитативным и вязким, кого-то усыпит или вызовет гнев и раздражение. Но эти чувства закономерны: "Воскрешение" не просто фильм, а кристаллизованный кинематограф, сосредоточение мысли о кино, которое жило, живёт и будет жить.
И кино действительно будет жить вечно, до последнего зрителя в кинотеатре. В разных формах и жанрах, в доме и в дороге, в одиночестве и в толпе, в ненависти и в любви. Оно будет жить в сердцах людей пока не иссякнет последняя катушка плёнки внутри нас, на которую мы сами записываем свои сны, впечатления и воспоминания, потому что кино это не то, что мы видим на экране, кино это отражение экрана внутри нас самих.
#mtm25
Все мы смертны. И мысль о бесконечном скитании по миру без цели и точки назначения иногда гулко звенит в голове. Но еще громче звучит зов к сокровенному, к недостижимому бессмертию. В мире Би Ганя, развёрнутом на выдохе благоговейного "Воскрешения", бессмертие действительно существует. Но необходимо ли оно в мире, где мечта сильнее вечности?
Бессмертие здесь достигается тогда, когда человек перестает мечтать. Но есть и другие, те, в чьих телах спрятаны крохотные коробочки из брони. В них вращается и клокочет время, и живут эти люди иначе: потому что умеют мечтать. Мечта лишает их иллюзии бесконечной жизни, но дарует власть над временем и пространством.
Героя "Воскрешения" назвали Монстром. Его тело давно утратило человеческий облик, голос растворился в безмолвии. Он заключён где-то глубоко внутри самого себя, и всё, чего он ищет, некогда живые, только что срезанные цветы, которые поглощает и дарит другим.
Монстр начинает свой путь на страницах немого кино, где образы Носферату, Метрополиса, Поливальщика и других призраков ушедшей эпохи переплетаются в хрупкой, вычурной симфонии. Эти гротескные, почти комические картины создают фундамент, на котором зиждется всё последующее. Би Гань двадцатиминутным вступлением не только разворачивает перед зрителем ослепительный визуальный мираж, но и возвращает нас в атмосферу того времени, когда кинематограф был чист, как самый добрый сон. И он сделает это ещё не раз, когда Монстр будет засыпать и пробуждаться, умирать и воскресать, ведя нас через поля своих грёз, рассказывая истории, давно забытые миром.
Расширяя границы фильма, режиссёр сжимает целую вселенную до крошечной карманной коробочки, где хранится сама ностальгия. Внутри не вещь, а время. "Воскрешение" и есть эта коробочка, она предстанет как нуарный детектив, философская притча, семейная драма с оттенком криминала или фантастическая история любви на фоне всеобщего безумия. Всё это алхимия кино, кипящая в котле любви к самому искусству, к его памяти и силе. Би Гань возводит из этой смеси поэтическое "спасибо", растянутое не на два с половиной часа, а на целое столетие.
Каждая глава фильма оформлена с поразительным вниманием к визуальной материи: работа с тенями и отражениями, композиция кадра, свет, цвет, звук, протяжённые однокадровые дубли, всё это превращается в дыхание живого кинематографа. Если этот фильм не заберёт душу своим смыслом, то, быть может, обожжёт веки своей красотой.
Кому-то он покажется медитативным и вязким, кого-то усыпит или вызовет гнев и раздражение. Но эти чувства закономерны: "Воскрешение" не просто фильм, а кристаллизованный кинематограф, сосредоточение мысли о кино, которое жило, живёт и будет жить.
И кино действительно будет жить вечно, до последнего зрителя в кинотеатре. В разных формах и жанрах, в доме и в дороге, в одиночестве и в толпе, в ненависти и в любви. Оно будет жить в сердцах людей пока не иссякнет последняя катушка плёнки внутри нас, на которую мы сами записываем свои сны, впечатления и воспоминания, потому что кино это не то, что мы видим на экране, кино это отражение экрана внутри нас самих.
#mtm25
2
Послание к человеку 2025
Фестиваль "Послание к человеку" традиционно приветствует зрителей программой In Silico, в рамках которой демонстрируются короткометражные международные работы экспериментального характера. Многие фильмы блока созданы при участии искусственного интеллекта, он оживляет давно ушедших знаменитостей, выстраивает сюрреалистические узоры и вдыхает новую жизнь в документальные хроники.
Из того, что особенно запомнилось в первый день:
Portrait-collage (Claire Panaget), 2024 by Anaïs Ibert
Короткая история, сотканная из любви, нежности и некоего чувства незавершённости. Переплетающиеся с меланхоличным закадровым текстом фрагменты мозаики напоминают о чём-то несбывшемся, о том, что так и не запятнало негативы времени.
The Eggregories Theory, 2024 by Andrea Gatopoulos
Мир, погрязший в апокалиптической истории, получает изобретательное завершение своеобразный итог существования человеческой цивилизации, где слова убивают, а единственным подлинным чувством остаётся чистая и смелая любовь. Она заставляет два сердца стоять перед лицом смерти и всё же боится её так же, как и любое другое чувство на уже безжизненной планете.
We Made Telephones, 2025 by Ben Young
Пожалуй, одна из наиболее реалистичных короткометражек программы. Диалог сквозь время с собственными предками, наполненный отчаянием и усталостью становится метафорой цифрового обесчеловечивания, в которое всё глубже погружается современная цивилизация.
Afferado, 2024 by Esteban Azuela
Если "We Made Telephones" поражает реалистичностью, то "Afferado" восхищает противоположным визуальной изобретательностью и сюрреалистичностью. Это странствие по обратной стороне виртуального пространства, где герои прыгают из одного незавершённого проекта в другой. Во многом напоминающий "Aggro Drift" Корина, этот фильм тем не менее оказывается цельной, завершённой и по-своему безупречной работой, созданной при содействии машинимы.
#mtm25
Программа In Silico, день первый.
Фестиваль "Послание к человеку" традиционно приветствует зрителей программой In Silico, в рамках которой демонстрируются короткометражные международные работы экспериментального характера. Многие фильмы блока созданы при участии искусственного интеллекта, он оживляет давно ушедших знаменитостей, выстраивает сюрреалистические узоры и вдыхает новую жизнь в документальные хроники.
Из того, что особенно запомнилось в первый день:
Portrait-collage (Claire Panaget), 2024 by Anaïs Ibert
Короткая история, сотканная из любви, нежности и некоего чувства незавершённости. Переплетающиеся с меланхоличным закадровым текстом фрагменты мозаики напоминают о чём-то несбывшемся, о том, что так и не запятнало негативы времени.
The Eggregories Theory, 2024 by Andrea Gatopoulos
Мир, погрязший в апокалиптической истории, получает изобретательное завершение своеобразный итог существования человеческой цивилизации, где слова убивают, а единственным подлинным чувством остаётся чистая и смелая любовь. Она заставляет два сердца стоять перед лицом смерти и всё же боится её так же, как и любое другое чувство на уже безжизненной планете.
We Made Telephones, 2025 by Ben Young
Пожалуй, одна из наиболее реалистичных короткометражек программы. Диалог сквозь время с собственными предками, наполненный отчаянием и усталостью становится метафорой цифрового обесчеловечивания, в которое всё глубже погружается современная цивилизация.
Afferado, 2024 by Esteban Azuela
Если "We Made Telephones" поражает реалистичностью, то "Afferado" восхищает противоположным визуальной изобретательностью и сюрреалистичностью. Это странствие по обратной стороне виртуального пространства, где герои прыгают из одного незавершённого проекта в другой. Во многом напоминающий "Aggro Drift" Корина, этот фильм тем не менее оказывается цельной, завершённой и по-своему безупречной работой, созданной при содействии машинимы.
#mtm25
Day 20: Screen Life Horror
Три всадника апокалипсиса: found footage, mockumentary и screen life. Это поджанры иммерсивного ужаса с характерным цифровым налётом. Не исключено, что в скором времени к ним присоединится новый представитель, например, AI-generated horror.
Но сегодня речь пойдёт о screen life, поджанре, который многие ошибочно приписывают к изобретениям Тимура Бекмамбетова. На деле он не столько создал формат, сколько популяризировал его, сняв несколько коммерчески успешных картин. Сам же принцип screen life возник значительно раньше и представляет собой повествование, разворачивающееся на экране цифрового устройства - смартфона, ноутбука, планшета и т. д. Герои появляются в окнах видеозвонков и потоковых трансляций, а зло традиционно скрывается где-то на фоне, в полутени пикселей.
Моим любимым примером этого поджанра остаётся фильм "Deadstream" (2022). По сюжету блогер отправляется в дом с призраками, чтобы провести там ночь и снять разоблачительное видео о местной легенде.
Картина удачно сочетает элементы хоррора и чёрной комедии, благодаря чему воспринимается живо, динамично и, несмотря на игровой формат, действительно пугает. В отличие от однообразных камерных ужастиков, действие "Deadstream" выходит за пределы одной комнаты за счёт многокамерности и виртуальной динамики, но при этом остаётся в рамках жанра.
Кстати, этот фильм отлично подойдёт для октябрьских хэллоуиновских вечеров: он прямолинеен, увлекателен и не претендует на философскую глубину или метафоричность. Просто добротный, весёлый и пугающий screen life horror, как раз то, что нужно для уютного ужаса.
SCREEN LIFE HORROR
#horror_advent25
Три всадника апокалипсиса: found footage, mockumentary и screen life. Это поджанры иммерсивного ужаса с характерным цифровым налётом. Не исключено, что в скором времени к ним присоединится новый представитель, например, AI-generated horror.
Но сегодня речь пойдёт о screen life, поджанре, который многие ошибочно приписывают к изобретениям Тимура Бекмамбетова. На деле он не столько создал формат, сколько популяризировал его, сняв несколько коммерчески успешных картин. Сам же принцип screen life возник значительно раньше и представляет собой повествование, разворачивающееся на экране цифрового устройства - смартфона, ноутбука, планшета и т. д. Герои появляются в окнах видеозвонков и потоковых трансляций, а зло традиционно скрывается где-то на фоне, в полутени пикселей.
Моим любимым примером этого поджанра остаётся фильм "Deadstream" (2022). По сюжету блогер отправляется в дом с призраками, чтобы провести там ночь и снять разоблачительное видео о местной легенде.
Картина удачно сочетает элементы хоррора и чёрной комедии, благодаря чему воспринимается живо, динамично и, несмотря на игровой формат, действительно пугает. В отличие от однообразных камерных ужастиков, действие "Deadstream" выходит за пределы одной комнаты за счёт многокамерности и виртуальной динамики, но при этом остаётся в рамках жанра.
Кстати, этот фильм отлично подойдёт для октябрьских хэллоуиновских вечеров: он прямолинеен, увлекателен и не претендует на философскую глубину или метафоричность. Просто добротный, весёлый и пугающий screen life horror, как раз то, что нужно для уютного ужаса.
SCREEN LIFE HORROR
#horror_advent25
Послание к человеку 2025
Второй день программы In Silico принес меньше прямых экспериментов с искусственным интеллектом, однако сами фильмы от этого не стали менее дерзкими и поисковыми. Каждая работа представляла собой попытку нащупать новые границы кинематографа визуальные, звуковые или смысловые.
"Нева", 2025 by Елизавета Жарикова
Медленные портреты Петербурга, отражённые в движении воды, в заснеженных улицах, лестницах и ступенях, ассоциативно противопоставляются крупным планам улиток или ракушек, тщательно сфотографированных и собранных в мерцающее слайд-шоу. Город растворяется в текучем визуальном потоке, становясь то ли дыханием природы, то ли эхом человеческой памяти.
Этот фильм заставляет вспомнить о редких моментах созерцательного покоя, когда смотришь на воду в Неве и вдруг начинаешь думать о чём-то безмерном и важном. Работа, сотканная из точной звукорежиссуры и изысканного операторского мастерства, передаёт глубокую любовь к Петербургу, городу, где красота и меланхолия всегда идут рука об руку.
"Гимн чуме", 2024 by Attack 51
Апокалиптическая короткометражка, собирающая в себе концентрат тревоги и отчаяния. Гул скрипок резонирует с чем-то невидимым, мощным и сверхъестественным. Саундтрек, будто застрявший во времени, сопровождает видения посткатастрофического мира, последнего оплота небольшой группы людей, затерявшихся среди руин цивилизации.
В этой работе особенно поражает внимание к деталям, скупые визуальные решения и почти осязаемый шум рождают ощущение физического присутствия. Вместо обычной стилизации под конец света, фильм превращается в исследование внутреннего опустошения и предела человеческой стойкости. Видно, насколько тщательно фильм сделан, и хочется верить, что именно такие режиссёры будут определять будущее независимого кинематографа.
"Like Horses Standing in the Rain", 2024 by Nicolaas Schmidt
Объяснить воздействие этого фильма сложно, шестнадцать минут экранного времени кажутся вечностью, но в то же несут в себе что-то неосязаемое. Это работа, которая не столько рассказывает историю, сколько медитирует над ней.
Шмидт строит своё высказывание на тонких колебаниях между меланхолией и надеждой, исследуя принципы гуманизма через призму личного восприятия реальности, той самой, где всё кажется немного депрессивным, лишённым смысла и тепла. И всё же в этой серой среде пробивается человечность, в рождественской хрупкой доброте.
В какой-то момент я поймал себя на мысли, что уже несколько минут не отрываю взгляда от лошади и не моргаю. Этот гипнотический эффект, пожалуй, и есть странная сила кино, когда экран перестаёт быть поверхностью и становится пространством для внутреннего опыта.
#mtm25
Программа In Silico, день второй.
Второй день программы In Silico принес меньше прямых экспериментов с искусственным интеллектом, однако сами фильмы от этого не стали менее дерзкими и поисковыми. Каждая работа представляла собой попытку нащупать новые границы кинематографа визуальные, звуковые или смысловые.
"Нева", 2025 by Елизавета Жарикова
Медленные портреты Петербурга, отражённые в движении воды, в заснеженных улицах, лестницах и ступенях, ассоциативно противопоставляются крупным планам улиток или ракушек, тщательно сфотографированных и собранных в мерцающее слайд-шоу. Город растворяется в текучем визуальном потоке, становясь то ли дыханием природы, то ли эхом человеческой памяти.
Этот фильм заставляет вспомнить о редких моментах созерцательного покоя, когда смотришь на воду в Неве и вдруг начинаешь думать о чём-то безмерном и важном. Работа, сотканная из точной звукорежиссуры и изысканного операторского мастерства, передаёт глубокую любовь к Петербургу, городу, где красота и меланхолия всегда идут рука об руку.
"Гимн чуме", 2024 by Attack 51
Апокалиптическая короткометражка, собирающая в себе концентрат тревоги и отчаяния. Гул скрипок резонирует с чем-то невидимым, мощным и сверхъестественным. Саундтрек, будто застрявший во времени, сопровождает видения посткатастрофического мира, последнего оплота небольшой группы людей, затерявшихся среди руин цивилизации.
В этой работе особенно поражает внимание к деталям, скупые визуальные решения и почти осязаемый шум рождают ощущение физического присутствия. Вместо обычной стилизации под конец света, фильм превращается в исследование внутреннего опустошения и предела человеческой стойкости. Видно, насколько тщательно фильм сделан, и хочется верить, что именно такие режиссёры будут определять будущее независимого кинематографа.
"Like Horses Standing in the Rain", 2024 by Nicolaas Schmidt
Объяснить воздействие этого фильма сложно, шестнадцать минут экранного времени кажутся вечностью, но в то же несут в себе что-то неосязаемое. Это работа, которая не столько рассказывает историю, сколько медитирует над ней.
Шмидт строит своё высказывание на тонких колебаниях между меланхолией и надеждой, исследуя принципы гуманизма через призму личного восприятия реальности, той самой, где всё кажется немного депрессивным, лишённым смысла и тепла. И всё же в этой серой среде пробивается человечность, в рождественской хрупкой доброте.
В какой-то момент я поймал себя на мысли, что уже несколько минут не отрываю взгляда от лошади и не моргаю. Этот гипнотический эффект, пожалуй, и есть странная сила кино, когда экран перестаёт быть поверхностью и становится пространством для внутреннего опыта.
#mtm25
Day 21: Shark Horror
Акульи хорроры это поджанр, сформировавшийся еще со времен спилберговских "Челюстей", давно занял свое место в истории. Сейчас он позволяет создавать не только кровожадных морских обитателей, но и развил новый ответвленный поджанр, о котором мы еще поговорим через пару дней.
Упомянутые "Челюсти" это, безусловно, классика жанра, о которой хочется и говорить, и писать. Но в то же время о ней уже сказано и написано так много, что остается только советовать пересмотреть фильм еще раз.
А вот вспомнить других действительно хороших представителей жанра сложно. Можно лишь сказать одно: акульи хорроры давно не переосмыслялись. Последняя попытка, вроде "Dangerous Animals", оказалась не самой удачной. Высокобюджетные картины вроде "Meg" еще способны держать в напряжении, но все же чаще скатываются в боевик, нежели в настоящий хоррор. А недавний "Under Paris" яркое свидетельство того, как даже авторское кино, располагая приличным бюджетом, не может сотворить из поджанра ничего по-настоящему внятного.
Этот пост скорее предупреждение о том, что заходя на территорию акульего хоррора, есть вероятность быть съеденным не самым качественным проектом, паразитирующем на страхе перед морскими обитателями. Хочется верить, что когда-нибудь появится действительно классный представитель поджанра, который сможет удивить и напугать. А пока, если даже "Челюсти" приелись, стоит вспомнить и пересмотреть "Глубокое синее море" хотя бы ради харизматичного LL Cool J.
SHARK HORROR
#horror_advent25
Акульи хорроры это поджанр, сформировавшийся еще со времен спилберговских "Челюстей", давно занял свое место в истории. Сейчас он позволяет создавать не только кровожадных морских обитателей, но и развил новый ответвленный поджанр, о котором мы еще поговорим через пару дней.
Упомянутые "Челюсти" это, безусловно, классика жанра, о которой хочется и говорить, и писать. Но в то же время о ней уже сказано и написано так много, что остается только советовать пересмотреть фильм еще раз.
А вот вспомнить других действительно хороших представителей жанра сложно. Можно лишь сказать одно: акульи хорроры давно не переосмыслялись. Последняя попытка, вроде "Dangerous Animals", оказалась не самой удачной. Высокобюджетные картины вроде "Meg" еще способны держать в напряжении, но все же чаще скатываются в боевик, нежели в настоящий хоррор. А недавний "Under Paris" яркое свидетельство того, как даже авторское кино, располагая приличным бюджетом, не может сотворить из поджанра ничего по-настоящему внятного.
Этот пост скорее предупреждение о том, что заходя на территорию акульего хоррора, есть вероятность быть съеденным не самым качественным проектом, паразитирующем на страхе перед морскими обитателями. Хочется верить, что когда-нибудь появится действительно классный представитель поджанра, который сможет удивить и напугать. А пока, если даже "Челюсти" приелись, стоит вспомнить и пересмотреть "Глубокое синее море" хотя бы ради харизматичного LL Cool J.
SHARK HORROR
#horror_advent25