Привет!
Спасибо, что остаетесь, тут давно не было постов - я их готовил, а пока готовил, думал, точно ли это интересно, а это не очень ускоряет процесс)
За этот период вышло много и классной музыки, и интересной музыки, и классной и интересной музыки, а еще у Макана вышел альбом, и он начинается с цитаты Хамзата Чимаева. А потом Макан такой “брат–брат” (это, кстати, метаирония, он так целых два раза делает на альбоме - обзор на альбом можно найти вот на этом канале). Сегодня пост про вот такие вставки - пара примеров и немножко контекста.
В 2016 году Конор Макгрегор стал первым двойным чемпионом в UFC, который владел двумя поясами одновременно. То есть до него были такие ребята, которые тоже были двойными чемпионами, но не одновременно. Все равно ничего хорошего из этой идеи не вышло, целых ноль раз Макгрегор защитил свои пояса, но зато, после завоевания второго титула, он произнес речь, которая стала вирусной, потому что он сказал, что хочет извиниться абсолютно ни перед кем, и все такие вооооооу.
В 2020 году Tory Lanez готовил релиз The New Toronto 3 и вот он тоже, кажется, сильно впечатлился этой речью Макгрегора и взял ее в начало песни, прямо как Макан. Поэтому песня Stupid Again начинается вот так:
Вот такой вот градус патетики. Наверное, сложно быть крутым репером или спортсменом, но при этом не быть уверенным в себе, чтобы, знаете, все это знали, иначе в чем смысл)
Central Cee - одно из солнышек британской сцены, и у него есть песня под названием Khabib. Она такая, про страггл, про вот когда было сложно, но он такой преодолел все. И, естественно, там есть вставка c Хабибом Нурмагомедовым - по иронии, это отрывок из его речи перед боем с Конором Макгрегором (это когда он сказал “ам гона смэш ёр бой”, но конкретно этой фразы в песне нет).
Вообще, это ведь относительно молодой вид спорта, и, наверное, самые лучшие вставки ждут нас впереди.
P.S. Мое любимое пересечение музыки и смешанных единоборств - это не семпл, а выход Дастина Порье и Лил Уэйна. Смотрите, они из одного штата, и это был последний бой Порье, поэтому Лил Уэйн такой как бы поддержал его.
А еще у этого канала появилось что-то вроде визуального блога в инсте, там уже есть пост как раз про Уэйна и его любовь к теннису. Там будут еще посты, поэтому, если любите картинки, то подписывайтесь там тоже, буду очень рад)
Спасибо, что остаетесь, тут давно не было постов - я их готовил, а пока готовил, думал, точно ли это интересно, а это не очень ускоряет процесс)
За этот период вышло много и классной музыки, и интересной музыки, и классной и интересной музыки, а еще у Макана вышел альбом, и он начинается с цитаты Хамзата Чимаева. А потом Макан такой “брат–брат” (это, кстати, метаирония, он так целых два раза делает на альбоме - обзор на альбом можно найти вот на этом канале). Сегодня пост про вот такие вставки - пара примеров и немножко контекста.
В 2016 году Конор Макгрегор стал первым двойным чемпионом в UFC, который владел двумя поясами одновременно. То есть до него были такие ребята, которые тоже были двойными чемпионами, но не одновременно. Все равно ничего хорошего из этой идеи не вышло, целых ноль раз Макгрегор защитил свои пояса, но зато, после завоевания второго титула, он произнес речь, которая стала вирусной, потому что он сказал, что хочет извиниться абсолютно ни перед кем, и все такие вооооооу.
В 2020 году Tory Lanez готовил релиз The New Toronto 3 и вот он тоже, кажется, сильно впечатлился этой речью Макгрегора и взял ее в начало песни, прямо как Макан. Поэтому песня Stupid Again начинается вот так:
I just wanna say from the bottom of me heart
I'd like to take this chance to apologize to absolutely nobody
The double champ does what the fuck he wants
Вот такой вот градус патетики. Наверное, сложно быть крутым репером или спортсменом, но при этом не быть уверенным в себе, чтобы, знаете, все это знали, иначе в чем смысл)
Central Cee - одно из солнышек британской сцены, и у него есть песня под названием Khabib. Она такая, про страггл, про вот когда было сложно, но он такой преодолел все. И, естественно, там есть вставка c Хабибом Нурмагомедовым - по иронии, это отрывок из его речи перед боем с Конором Макгрегором (это когда он сказал “ам гона смэш ёр бой”, но конкретно этой фразы в песне нет).
Вообще, это ведь относительно молодой вид спорта, и, наверное, самые лучшие вставки ждут нас впереди.
P.S. Мое любимое пересечение музыки и смешанных единоборств - это не семпл, а выход Дастина Порье и Лил Уэйна. Смотрите, они из одного штата, и это был последний бой Порье, поэтому Лил Уэйн такой как бы поддержал его.
А еще у этого канала появилось что-то вроде визуального блога в инсте, там уже есть пост как раз про Уэйна и его любовь к теннису. Там будут еще посты, поэтому, если любите картинки, то подписывайтесь там тоже, буду очень рад)
❤14🔥5🥰3🙏2
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
Привет!
Это отрывок из композиции Livery Stable Blues коллектива под названием Original Dixieland Jass Band, и сейчас эта композиция известна как первая джазовая запись в мире. Группа её сделала в 1917 году и в том же году переименовалась в Original Dixieland Jazz Band: они просто слово jass поменяли на jazz.
До этого джаз можно было послушать только в живом исполнении: музыканты из Нового Орлеана ездили с турами, но никто из них не выпускал свою музыку на пластинках. Livery Stable Blues привлекла широкое внимание, и джаз получил признание большой аудитории, а Original Dixieland Jazz Band стали продвигать себя как создатели жанра, потому что это первая запись всё-таки: продавать билеты легче, когда вы выступаете как создатели джаза.
Но первый не всегда значит лучший, вот такой парадокс, и это очень про всю эту историю: ирония в том, что Original Dixieland Jazz Band - это целиком состоящий из белых музыкантов коллектив, который даже не был лучшим в Новом Орлеане (а он оттуда). Просто вот так вот сложилось, что именно они первыми выпустили что-то джазовое как коммерческий релиз. А когда белые музыканты заявили, что они придумали джаз, это, конечно, не очень вызвало одобрение у других музыкантов.
В 1916 году Фредди Кеппард, трубач, создатель своего бэнда Original Creole Orchestra, один из пяти королей джаза Нового Орлеана (вот в хип-хопе очень много исполнителей с приставками Lil и Young, а в джазе была традиция называть королем лучшего музыканта в городе, а ещё там очень часто встречается прозвище Buddy), был с туром в Нью-Йорке и получил предложение записать и издать свою музыку. Самая распространенная версия, по которой он отказался, связана с тем, что Кеппард сильно переживал, что его стиль скопируют: его это так сильно беспокоило, что, когда он выступал, он набрасывал платок на руки, чтобы никто не видел его манеру игры. Сейчас это сложно представить, и он бы, наверное, очень удивился тоже - у нас есть возможность записывать голосовые и ещё есть битбокс, где люди умеют ртом имитировать трубу.
Но всё в порядке, в двадцатых Фредди Кеппард всё-таки добрался до записи, только автором первой джазовой записи он уже не стал. Зато сам джаз стал индустрией и при этом не потерял магию импровизации и вот этот шарм музыки, где исполнители могут не учить свои партии, а просто чувствовать и придумывать их на ходу. И ещё одна интересная деталька: Original Dixieland Jass Band стали выступать как Original Dixieland Jazz Band, потому что подростки часто на афишах закрывали букву j, и получалось слово ass, а вот так уже не очень хочется идти на такое выступление.
Это отрывок из композиции Livery Stable Blues коллектива под названием Original Dixieland Jass Band, и сейчас эта композиция известна как первая джазовая запись в мире. Группа её сделала в 1917 году и в том же году переименовалась в Original Dixieland Jazz Band: они просто слово jass поменяли на jazz.
До этого джаз можно было послушать только в живом исполнении: музыканты из Нового Орлеана ездили с турами, но никто из них не выпускал свою музыку на пластинках. Livery Stable Blues привлекла широкое внимание, и джаз получил признание большой аудитории, а Original Dixieland Jazz Band стали продвигать себя как создатели жанра, потому что это первая запись всё-таки: продавать билеты легче, когда вы выступаете как создатели джаза.
Но первый не всегда значит лучший, вот такой парадокс, и это очень про всю эту историю: ирония в том, что Original Dixieland Jazz Band - это целиком состоящий из белых музыкантов коллектив, который даже не был лучшим в Новом Орлеане (а он оттуда). Просто вот так вот сложилось, что именно они первыми выпустили что-то джазовое как коммерческий релиз. А когда белые музыканты заявили, что они придумали джаз, это, конечно, не очень вызвало одобрение у других музыкантов.
В 1916 году Фредди Кеппард, трубач, создатель своего бэнда Original Creole Orchestra, один из пяти королей джаза Нового Орлеана (вот в хип-хопе очень много исполнителей с приставками Lil и Young, а в джазе была традиция называть королем лучшего музыканта в городе, а ещё там очень часто встречается прозвище Buddy), был с туром в Нью-Йорке и получил предложение записать и издать свою музыку. Самая распространенная версия, по которой он отказался, связана с тем, что Кеппард сильно переживал, что его стиль скопируют: его это так сильно беспокоило, что, когда он выступал, он набрасывал платок на руки, чтобы никто не видел его манеру игры. Сейчас это сложно представить, и он бы, наверное, очень удивился тоже - у нас есть возможность записывать голосовые и ещё есть битбокс, где люди умеют ртом имитировать трубу.
Но всё в порядке, в двадцатых Фредди Кеппард всё-таки добрался до записи, только автором первой джазовой записи он уже не стал. Зато сам джаз стал индустрией и при этом не потерял магию импровизации и вот этот шарм музыки, где исполнители могут не учить свои партии, а просто чувствовать и придумывать их на ходу. И ещё одна интересная деталька: Original Dixieland Jass Band стали выступать как Original Dixieland Jazz Band, потому что подростки часто на афишах закрывали букву j, и получалось слово ass, а вот так уже не очень хочется идти на такое выступление.
🔥16❤8🥰4👍1
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
Однажды у Сергея Есенина спросили, что он думает про автотюн, и он сказал: “Большое видится на расстоянье”. Ладно, это не совсем так было, но эта фраза очень подходит к автотюну.
Есть короткий отрывок с церемонии BET Awards 2008 года, где в номинации Best Collaboration четыре из пяти песен были с участием T-Pain, а победила Good Life Канье Уэста, где тоже был T-Pain. В том же году Канье Уэст выпустил 808’s & Heartbreak - культовый альбом, где автотюн был вот не просто эффектом, а инструментом для повышения (или понижения) эмоциональности голоса и текста и музыки в целом. Во время создания альбома Канье пригласил T-Pain в качестве консультанта, потому что тогда T-Pain был амбассадором и даже синонимом автотюна. Настолько синонимом, что в песне D.O.A. (Death of Auto-Tune) у Jay-Z есть такая строчка:
Если что, сам Джей-Зи сказал, что это не чтобы обидеть он так сказал, а чтобы подчеркнуть, что все пытаются звучать одинаково, вот прямо как T-Pain.
Вообще, на самом деле T-Pain отлично поет и сам, просто ему нужна была фишка, какая-то своя отличительная особенность, и он выбрал перегруженный автотюном голос. И это в целом сработало как надо: он был на лейбле Эйкона (в праймовой эре лейбла Эйкона там была Леди Гага, что очень сложно представить сейчас), запустил свой лейбл, где был Travie McCoy из Gym Class Heroes, выпускал хиты и был таким королем рингтонов. У Алексея Квашонкина была шутка, что группа Многоточие перестала быть популярной прямо перед появлением рингтонов, и вот T-Pain перестал быть актуальным прямо перед появлением стримингов и как будто бы остался в предыдущем эпизоде.
У его характерного звучания была и обратная сторона, потому что, помимо популярности, его часто обвиняли в том, что музыка стала хуже именно из-за него: любой мог начать петь, а вот по-настоящему талантливые исполнители, получается, тогда уже никому не нужны. Конечно же, T-Pain не был первым, кто использовал автотюн, - скорее, он был первым, кто построил творчество вокруг этого. Поэтому в восприятии своих коллег и слушателей он как бы был ответственным за то, что музыка стала меняться под его влиянием. Однажды Usher сказал ему, что T-Pain испортил музыку, и это, естественно, расстроило человека: как рассказал позже сам T-Pain, после этого он боролся с депрессией 4 года, потому что его кумир сказал ему, что он убил музыку своим автотюном дурацким.
Прошло довольно много времени, музыка успела поменяться много раз, и сейчас как будто бы проще понять, всё-таки хорошо это или плохо, что было так много автотюна. Что ж, в целом автотюн воспринимается аудиторией проще и лучше, и можно сказать, что если бы не T-Pain, то не было бы такого вот звучания у Трэвиса Скотта и Фьючера как сейчас. Но, скорее, это не прямое влияние, а больше цепочка, то есть когда-то T-Pain вдохновил исполнителей вроде Канье Уэста и Лил Уэйна, и уже они вдохновили целое новое поколение крутых исполнителей. Получается, Ашер тогда зря так сказал.
Два интересных факта: в 80-х и 90-х годах в Атланте проводился фестиваль под названием Freaknik (это слово “фрик” и слово “пикник”, но вместе) - он разросся от вечеринки, где были местные студенты из афроамериканских колледжей, до мероприятия, куда приезжали люди из разных городов и где выступали Outkast и Biggie. И вот вдохновившись этим фестивалем, T-Pain придумал идею для анимационного мюзикла Freaknik, который вышел на Adult Swim (это где “Рик и Морти” выходили тоже потом).
Второй интересный факт - это совместный альбом с Лил Уэйном. После нескольких совместных песен они запустили проект T-Wayne (похоже, у них было два варианта - Lil Pain и T-Wayne, и они выбрали второй) с очень простым концептом: T-Pain будет читать рэп, а Уэйн - очень сильно петь с очень сильным автотюном (припев песни He Rap He Sang как раз в видео). К сожалению, совместный альбом так и не вышел, и это где-то между вторым томом “Мертвых душ” и четвертой частью “Крестного отца” в списке упущений человечества.
Есть короткий отрывок с церемонии BET Awards 2008 года, где в номинации Best Collaboration четыре из пяти песен были с участием T-Pain, а победила Good Life Канье Уэста, где тоже был T-Pain. В том же году Канье Уэст выпустил 808’s & Heartbreak - культовый альбом, где автотюн был вот не просто эффектом, а инструментом для повышения (или понижения) эмоциональности голоса и текста и музыки в целом. Во время создания альбома Канье пригласил T-Pain в качестве консультанта, потому что тогда T-Pain был амбассадором и даже синонимом автотюна. Настолько синонимом, что в песне D.O.A. (Death of Auto-Tune) у Jay-Z есть такая строчка:
Get back to rap, you T-Paining too much
Если что, сам Джей-Зи сказал, что это не чтобы обидеть он так сказал, а чтобы подчеркнуть, что все пытаются звучать одинаково, вот прямо как T-Pain.
Вообще, на самом деле T-Pain отлично поет и сам, просто ему нужна была фишка, какая-то своя отличительная особенность, и он выбрал перегруженный автотюном голос. И это в целом сработало как надо: он был на лейбле Эйкона (в праймовой эре лейбла Эйкона там была Леди Гага, что очень сложно представить сейчас), запустил свой лейбл, где был Travie McCoy из Gym Class Heroes, выпускал хиты и был таким королем рингтонов. У Алексея Квашонкина была шутка, что группа Многоточие перестала быть популярной прямо перед появлением рингтонов, и вот T-Pain перестал быть актуальным прямо перед появлением стримингов и как будто бы остался в предыдущем эпизоде.
У его характерного звучания была и обратная сторона, потому что, помимо популярности, его часто обвиняли в том, что музыка стала хуже именно из-за него: любой мог начать петь, а вот по-настоящему талантливые исполнители, получается, тогда уже никому не нужны. Конечно же, T-Pain не был первым, кто использовал автотюн, - скорее, он был первым, кто построил творчество вокруг этого. Поэтому в восприятии своих коллег и слушателей он как бы был ответственным за то, что музыка стала меняться под его влиянием. Однажды Usher сказал ему, что T-Pain испортил музыку, и это, естественно, расстроило человека: как рассказал позже сам T-Pain, после этого он боролся с депрессией 4 года, потому что его кумир сказал ему, что он убил музыку своим автотюном дурацким.
Прошло довольно много времени, музыка успела поменяться много раз, и сейчас как будто бы проще понять, всё-таки хорошо это или плохо, что было так много автотюна. Что ж, в целом автотюн воспринимается аудиторией проще и лучше, и можно сказать, что если бы не T-Pain, то не было бы такого вот звучания у Трэвиса Скотта и Фьючера как сейчас. Но, скорее, это не прямое влияние, а больше цепочка, то есть когда-то T-Pain вдохновил исполнителей вроде Канье Уэста и Лил Уэйна, и уже они вдохновили целое новое поколение крутых исполнителей. Получается, Ашер тогда зря так сказал.
Два интересных факта: в 80-х и 90-х годах в Атланте проводился фестиваль под названием Freaknik (это слово “фрик” и слово “пикник”, но вместе) - он разросся от вечеринки, где были местные студенты из афроамериканских колледжей, до мероприятия, куда приезжали люди из разных городов и где выступали Outkast и Biggie. И вот вдохновившись этим фестивалем, T-Pain придумал идею для анимационного мюзикла Freaknik, который вышел на Adult Swim (это где “Рик и Морти” выходили тоже потом).
Второй интересный факт - это совместный альбом с Лил Уэйном. После нескольких совместных песен они запустили проект T-Wayne (похоже, у них было два варианта - Lil Pain и T-Wayne, и они выбрали второй) с очень простым концептом: T-Pain будет читать рэп, а Уэйн - очень сильно петь с очень сильным автотюном (припев песни He Rap He Sang как раз в видео). К сожалению, совместный альбом так и не вышел, и это где-то между вторым томом “Мертвых душ” и четвертой частью “Крестного отца” в списке упущений человечества.
❤17🔥2🆒2
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
По какой-то причине люди невероятно изобретательны и упорны в том, чтобы обмануть друг друга - особенно, если на кону пенсия бабушки, квартира какой-нибудь певицы или выход в полуфинал чемпионата мира по футболу.
Два самых известных гола Диего Марадоны случились в одном матче, и это, возможно, самые противоположные голы в истории футбола: первый он забил рукой, но сделал вид, что не рукой (он просто очень сильно уверенно побежал праздновать, как будто ничего нарушающего правила не случилось, а никто из судей не увидел, что он просто как волейболист забил), а второй гол (через четыре минуты после первого) Марадона забил, проведя мяч с середины поля и обведя половину сборной Англии, с которой тогда играла сборная Аргентины. И это в целом, ну, подходящая иллюстрация для фигуры Диего Марадоны, потому что он, конечно, великий футболист, но еще и суперпротиворечивый: вроде вот и чемпион мира, и легенда сборной, и легенда “Наполи”, но вроде и дисквалификации, и зависимость, и по журналистам стрелял, и в лужу падал, было много разных ситуаций. Для более полного контекста цитата: “Принимая кокаин, я делал одолжение соперникам”.
Уже были посты про баскетбольные референсы в музыке (вот здесь и здесь), сегодня пост про футбольные. Но европейский футбол не так популярен в американской культуре, поэтому чаще такие пересечения находятся не в американской музыке: например, Thiago Silva у Dave (в честь Тиаго Силвы) или вот видео, где Sean Paul, объясняя строчку в Temperature, рассказывает, что Schillaci на Ямайке - это что-то типа “скилловый”, когда человек в чём-то хорош, его называют Schillaci (в честь Сальваторе Скиллачи, который, как классический итальянский футболист, очень ярко выступил на одном чемпионате мира, и это была его единственная вспышка). Африканские исполнители любят, соответственно, упоминать и всячески себя сравнивать с африканскими футболистами вроде Дрогба, Это’О, Осимхена, но еще любят упоминать Марадону.
В песне Afro Jigga в припеве у Rema есть вот такая строчка:
Прикол этого референса в том, что baller - это сленг, который пришел из американского хип-хопа, и обычно его связывают с баскетболом (это что-то вроде Schillaci тоже, когда кто-то настолько хорош в игре с мячом, что добивается успеха). Так у слова baller, в целом у производных от слова ball, появилось значение человека, который шел к успеху и пришел и вот очень круто живет (как Ball so hard, motherfuckers wanna fine me у Jay-Z). А футбол же тоже игра с мячом, поэтому Марадона тоже болл со хард, получается. Вот так хип-хоповое словечко проникло в афробит и связалось с футболом.
Вторая отсылка - это припев Victony в Soweto:
Это переводится как “Не играй со мной как Марадона” (спасибо вот этому видео с 551 просмотром) и это такое обращение к девушке. Здесь как будто бы тоже сравнение с крутым владением мяча Марадоны, когда он обводит соперников, всячески придумывает, как обхитрить их, буквально играет с ними, но, если вы помните, один из самых знаменитых голов Марадоны - это когда он обманул всех и забил рукой, а сделал вид, что не рукой. И, получается, что в контексте отношений это еще такой референс на обман, типа “эй, не обманывай меня”. У нигерийской исполнительницы Niniola была песня, которая называется Maradona, и она как раз про обман: в песне героиней манипулирует ее парень, спит с ее подружками и он там очень плохой парень поэтому, но хорош вот в этой игре на чувствах. В этом как будто весь прикол отсылок на Марадону: они не только про то, что вот, я крутой как Марадона, но и про его футбольные навыки одновременно вот с этим ореолом противоречивости.
Два самых известных гола Диего Марадоны случились в одном матче, и это, возможно, самые противоположные голы в истории футбола: первый он забил рукой, но сделал вид, что не рукой (он просто очень сильно уверенно побежал праздновать, как будто ничего нарушающего правила не случилось, а никто из судей не увидел, что он просто как волейболист забил), а второй гол (через четыре минуты после первого) Марадона забил, проведя мяч с середины поля и обведя половину сборной Англии, с которой тогда играла сборная Аргентины. И это в целом, ну, подходящая иллюстрация для фигуры Диего Марадоны, потому что он, конечно, великий футболист, но еще и суперпротиворечивый: вроде вот и чемпион мира, и легенда сборной, и легенда “Наполи”, но вроде и дисквалификации, и зависимость, и по журналистам стрелял, и в лужу падал, было много разных ситуаций. Для более полного контекста цитата: “Принимая кокаин, я делал одолжение соперникам”.
Уже были посты про баскетбольные референсы в музыке (вот здесь и здесь), сегодня пост про футбольные. Но европейский футбол не так популярен в американской культуре, поэтому чаще такие пересечения находятся не в американской музыке: например, Thiago Silva у Dave (в честь Тиаго Силвы) или вот видео, где Sean Paul, объясняя строчку в Temperature, рассказывает, что Schillaci на Ямайке - это что-то типа “скилловый”, когда человек в чём-то хорош, его называют Schillaci (в честь Сальваторе Скиллачи, который, как классический итальянский футболист, очень ярко выступил на одном чемпионате мира, и это была его единственная вспышка). Африканские исполнители любят, соответственно, упоминать и всячески себя сравнивать с африканскими футболистами вроде Дрогба, Это’О, Осимхена, но еще любят упоминать Марадону.
В песне Afro Jigga в припеве у Rema есть вот такая строчка:
Dema know say me a baller, Maradona
Прикол этого референса в том, что baller - это сленг, который пришел из американского хип-хопа, и обычно его связывают с баскетболом (это что-то вроде Schillaci тоже, когда кто-то настолько хорош в игре с мячом, что добивается успеха). Так у слова baller, в целом у производных от слова ball, появилось значение человека, который шел к успеху и пришел и вот очень круто живет (как Ball so hard, motherfuckers wanna fine me у Jay-Z). А футбол же тоже игра с мячом, поэтому Марадона тоже болл со хард, получается. Вот так хип-хоповое словечко проникло в афробит и связалось с футболом.
Вторая отсылка - это припев Victony в Soweto:
Oh no go do me Diego, my Maradona
Это переводится как “Не играй со мной как Марадона” (спасибо вот этому видео с 551 просмотром) и это такое обращение к девушке. Здесь как будто бы тоже сравнение с крутым владением мяча Марадоны, когда он обводит соперников, всячески придумывает, как обхитрить их, буквально играет с ними, но, если вы помните, один из самых знаменитых голов Марадоны - это когда он обманул всех и забил рукой, а сделал вид, что не рукой. И, получается, что в контексте отношений это еще такой референс на обман, типа “эй, не обманывай меня”. У нигерийской исполнительницы Niniola была песня, которая называется Maradona, и она как раз про обман: в песне героиней манипулирует ее парень, спит с ее подружками и он там очень плохой парень поэтому, но хорош вот в этой игре на чувствах. В этом как будто весь прикол отсылок на Марадону: они не только про то, что вот, я крутой как Марадона, но и про его футбольные навыки одновременно вот с этим ореолом противоречивости.
❤10🔥4⚡3
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
И не про афробит, но в качестве упоминания: в 2015 году у Tory Lanez вышла песня Diego - там он сравнивает себя с Тони Монтаной и говорит We movin’ Diego, Diego. Это тоже референс на Марадону, но только вообще не про футбол: вот у Марадоны была зависимость, и Diego на сленге обозначает кокаин, а Тони Монтана в фильме как раз этим и занимался. Иронично, что Tory Lanez тоже стрелял, но Марадоне дали условный срок, а Тори не условный (а еще иронично под такую песню заниматься спортом, потому что она как будто вообще не про это). Но как бы то ни было, Диего Марадона - культовый и легендарный игрок, и, может, такой разный контекст референсов нужен, чтобы мы удивлялись, как он вообще все это успевал.
❤12🔥4👍3
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Ситуация: представьте, вы - известный музыкант, и вот вы хотите сказать, что, знаете, вот Земля, вот где у нее изгиб, никто же его не видел. Вопрос: в какой момент лучше всего это сделать?
Да, я тоже думаю, что ни в какой момент не лучше, но B.o.B. почему-то так не подумал. Он даже не просто не подумал так, он еще накинул сверху про отрицание рабства, про клонирование популярных людей, потом не поленился и сказал немножко про Сталина. Отдельно смешно, что последнее было в диссе на Нила Деграсса Тайсона под названием Flatline - ученому, видите ли, не понравилось, что Земля плоская, и поэтому B.o.B. не поленился и написал целый дисс (дисс на астрофизика, да). Где-то здесь большая карьера B.o.B. закончилась.
Но за шесть лет до Flatline всё было сильно не так: вот есть термин one-hit wonder для исполнителей, которые известны благодаря одной песне, но нет термина для исполнителей, у которых два хита или три хита, или даже четыре или пять. B.o.B. - как раз такой исполнитель, при этом он не просто типичный рэпер, и в этом его парадокс: для рэпа у него слишком инди-звучание (он научился петь и играть на клавишных, барабане и гитаре), но для инди-музыки он слишком из Атланты. Прикол в том, что вот эта нетипичность и лучше всего отражает время прайма B.o.B.: начало десятых - это когда инди-музыка и хип-хоп наконец-то встретились (вот здесь пост про Эмиля Хейни, который начал как битмейкер на альбоме Proof, а пришел через Runaway Канье Уэста к продакшну альбома Born To Die Ланы дель Рей и Грэмми за написание Hello для Адель).
В целом, хип-хоп менялся: из класса XXL Freshman 2009 за хасл хард отвечал только Ace Hood, остальные ребята - это Kid Cudi, Wale, Asher Roth, Blu, B.o.B., Mickey Factz, Charles Hamilton, а еще с ними Currensy и Cory Gunz. Большая часть исполнителей из этого списка - как раз вот эта новая волна хипстерского хип-хопа. Сейчас мы знаем, что лучше всего карьера сложилась у Кида Кади, но в 2010 году самым громким новичком был как раз B.o.B. со своим дебютным альбомом The Adventures of Bobby Ray.
Jim Jonsin известен как человек, который спродюсировал Lollipop для Lil Wayne и Whatever You Like для T.I. (а еще он сопродюсер Sweet Dreams Бейонсе и LSD Роки), а еще он запустил свой лейбл Rebel Rock, первым подписантом которого стал B.o.B., но это был не весь вклад Джима Джонсина. У Бруно Марса была своя сонграйтерская группа The Smeezingtons, и вот они написали и отправили Atlantic Records демку Nothin’ On You. Изначально лейбл хотел отдать песню Lupe Fiasco (вот здесь его версия), но Джим Джонсин сделал пару звоночков, туда-сюда порешал вопросики, и песня ушла B.o.B. - это был его первый хит.
Потом Hayley Williams из Paramore (до фита с Lil Uzi Vert) спела припев Airplanes (фан факт - эта песня тоже была песней Lupe Fiasco, вообще, официальная причина, почему обе песни в итоге не его песни - лейблу не понравились его версии, и они их решили не выпускать), еще и Eminem залетел с куплетом на вторую часть Airplanes. Помимо них, на дебютном альбоме были Rivers Cuomo из Weezer, Janelle Monae до того, как стала актрисой, и T.I. (там они такие "аааа мы же рэперы из Атланты точняк"), на лейбл которого тоже был подписан B.o.B., и вот они все - просто для дебютного альбома.
Вектор поп-рэпа вместе с хип-хопом изменился тоже, и теперь необязательно было звать заавтотюненного Лил Уэйна на куплет - можно было позвать B.o.B., например, и не потерять в медийности, и Jessie J так и сделала, а B.o.B. вместе с успехом сразу заслужил сравнения с Канье Уэстом и Андре 3000.
Да, я тоже думаю, что ни в какой момент не лучше, но B.o.B. почему-то так не подумал. Он даже не просто не подумал так, он еще накинул сверху про отрицание рабства, про клонирование популярных людей, потом не поленился и сказал немножко про Сталина. Отдельно смешно, что последнее было в диссе на Нила Деграсса Тайсона под названием Flatline - ученому, видите ли, не понравилось, что Земля плоская, и поэтому B.o.B. не поленился и написал целый дисс (дисс на астрофизика, да). Где-то здесь большая карьера B.o.B. закончилась.
Но за шесть лет до Flatline всё было сильно не так: вот есть термин one-hit wonder для исполнителей, которые известны благодаря одной песне, но нет термина для исполнителей, у которых два хита или три хита, или даже четыре или пять. B.o.B. - как раз такой исполнитель, при этом он не просто типичный рэпер, и в этом его парадокс: для рэпа у него слишком инди-звучание (он научился петь и играть на клавишных, барабане и гитаре), но для инди-музыки он слишком из Атланты. Прикол в том, что вот эта нетипичность и лучше всего отражает время прайма B.o.B.: начало десятых - это когда инди-музыка и хип-хоп наконец-то встретились (вот здесь пост про Эмиля Хейни, который начал как битмейкер на альбоме Proof, а пришел через Runaway Канье Уэста к продакшну альбома Born To Die Ланы дель Рей и Грэмми за написание Hello для Адель).
В целом, хип-хоп менялся: из класса XXL Freshman 2009 за хасл хард отвечал только Ace Hood, остальные ребята - это Kid Cudi, Wale, Asher Roth, Blu, B.o.B., Mickey Factz, Charles Hamilton, а еще с ними Currensy и Cory Gunz. Большая часть исполнителей из этого списка - как раз вот эта новая волна хипстерского хип-хопа. Сейчас мы знаем, что лучше всего карьера сложилась у Кида Кади, но в 2010 году самым громким новичком был как раз B.o.B. со своим дебютным альбомом The Adventures of Bobby Ray.
Jim Jonsin известен как человек, который спродюсировал Lollipop для Lil Wayne и Whatever You Like для T.I. (а еще он сопродюсер Sweet Dreams Бейонсе и LSD Роки), а еще он запустил свой лейбл Rebel Rock, первым подписантом которого стал B.o.B., но это был не весь вклад Джима Джонсина. У Бруно Марса была своя сонграйтерская группа The Smeezingtons, и вот они написали и отправили Atlantic Records демку Nothin’ On You. Изначально лейбл хотел отдать песню Lupe Fiasco (вот здесь его версия), но Джим Джонсин сделал пару звоночков, туда-сюда порешал вопросики, и песня ушла B.o.B. - это был его первый хит.
Потом Hayley Williams из Paramore (до фита с Lil Uzi Vert) спела припев Airplanes (фан факт - эта песня тоже была песней Lupe Fiasco, вообще, официальная причина, почему обе песни в итоге не его песни - лейблу не понравились его версии, и они их решили не выпускать), еще и Eminem залетел с куплетом на вторую часть Airplanes. Помимо них, на дебютном альбоме были Rivers Cuomo из Weezer, Janelle Monae до того, как стала актрисой, и T.I. (там они такие "аааа мы же рэперы из Атланты точняк"), на лейбл которого тоже был подписан B.o.B., и вот они все - просто для дебютного альбома.
Вектор поп-рэпа вместе с хип-хопом изменился тоже, и теперь необязательно было звать заавтотюненного Лил Уэйна на куплет - можно было позвать B.o.B., например, и не потерять в медийности, и Jessie J так и сделала, а B.o.B. вместе с успехом сразу заслужил сравнения с Канье Уэстом и Андре 3000.
❤8🔥5👍2
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
Настоящее имя B.o.B. - Бобби Рэй Симмонс-младший, и B.o.B. - это не просто сокращенная версия имени, это еще и отсылка на песню Outkast - B.o.B., и фит с Андре 3000 у него, конечно же, тоже есть (по сложившейся традиции таких фитов куплет Андре все затмил) .
Фит с тем, с кем тебя сравнивают, есть, успешный дебют есть, и для второго альбома, чтобы не уронить планку после выхода первого, тоже нужна какая-то классная суперкоманда, нужно что-то вау. Поэтому Лил Уэйн оказался на заглавном сингле Strange Clouds (и - ирония), Морган Фримен - в своем амплуа рассказчика (до Metro Boomin), еще были Райан Теддер из OneRepublic (Райан Теддер - крутой сонграйтер, например, он написал Halo для Бейонсе), Никки Минаж, даже Крис Браун, а еще ультимативная Тейлор Свифт на припеве Both of Us (это все еще единственная рэп-композиция с участием Тейлор Свифт). Вроде на бумаге всё круто, никаких проблем, но проблема в том, что это никто не помнит, потому что это, ну, не запомнилось. Просто вот так было, но прошло, хотя сейчас с Тейлор Свифт так уже не получится.
Возможно, это больше характерная черта крупных лейблов, но иногда исполнители слишком гонятся за предыдущим успехом, из-за чего музыка может потеряться в попытке подогнать все под один шаблон. Второй альбом B.o.B. не был плохим - он был отлично написан, в нем приняли участие талантливые исполнители, просто он не повторил успех первого. У B.o.B. продолжили выходить и релизы, и классные песни там были, но где-то после второго альбома самое запоминающееся, что он сделал, - это дисс на Нила Деграсса Тайсона.
В 2010 году Lupe Fiasco собрал супергруппу под названием All City Chess Club - там были B.o.B., Asher Roth, Mickey Factz, Charles Hamilton, Blu, Dosage, Diggy Simmons, The Cool Kids, Wale, J.Cole и Pharrell (я не знаю, что он там делал). Они собрались, как объяснял Lupe Fiasco, как такие гики от хип-хопа: их всегда относили к одной группе исполнителей, и поэтому они действительно решили собраться в одну группу. За трехлетнюю историю у них вышла всего одна песня - это ремикс на песню I’m Beamin’ с продакшном The Neptunes (но без куплетов Wale и J. Cole), и она вышла на микстейпе B.o.B., и вот больше песен у группы, как и самой группы, не было. Вот такое некоторое чувство недосказанности.
В 2011 году Tyler, the Creator выпустил Yonkers, где задел B.o.B., Бруно Марса и Хейли Уильямс. B.o.B., конечно же, не поленился - ему в будущем еще дисс на ученого писать - и написал дисс под названием No Future (типа тусовка Тайлера называется Odd Future, а он такой No Future, вот так он придумал). В 2025 году группу Outkast включили в Зал славы рок-н-ролла, и на церемонии приглашенные артисты исполняли хиты группы: Doja Cat забыла слова Ms. Jackson, а вот B.o.B. исполнил Тайлер. Жизнь - лучший (или худший) драматург.
Но можно не волноваться, у B.o.B. все хорошо, он продолжает записывать музыку, а еще теперь он и подкастер. Может быть, лет через пять или десять появится поколение исполнителей, которые будут говорить, что их вдохновил B.o.B., научил выходить за рамки жанров, оставаться самобытными, но при этом коммерчески востребованными, что он здорово развил идею с альтер эго для разделения творчества (для более мелодичного звучания у B.o.B. было альтер эго Bobby Ray - как Баста и Ноггано, Егор Крид и Егор Крид, такие примеры). И эти новые исполнители будут говорить, что B.o.B. - культовый исполнитель, мультиинструменталист, продюсер, но пока его лучшее время остается там, где считали количество проданных копий.
Фит с тем, с кем тебя сравнивают, есть, успешный дебют есть, и для второго альбома, чтобы не уронить планку после выхода первого, тоже нужна какая-то классная суперкоманда, нужно что-то вау. Поэтому Лил Уэйн оказался на заглавном сингле Strange Clouds (и - ирония), Морган Фримен - в своем амплуа рассказчика (до Metro Boomin), еще были Райан Теддер из OneRepublic (Райан Теддер - крутой сонграйтер, например, он написал Halo для Бейонсе), Никки Минаж, даже Крис Браун, а еще ультимативная Тейлор Свифт на припеве Both of Us (это все еще единственная рэп-композиция с участием Тейлор Свифт). Вроде на бумаге всё круто, никаких проблем, но проблема в том, что это никто не помнит, потому что это, ну, не запомнилось. Просто вот так было, но прошло, хотя сейчас с Тейлор Свифт так уже не получится.
Возможно, это больше характерная черта крупных лейблов, но иногда исполнители слишком гонятся за предыдущим успехом, из-за чего музыка может потеряться в попытке подогнать все под один шаблон. Второй альбом B.o.B. не был плохим - он был отлично написан, в нем приняли участие талантливые исполнители, просто он не повторил успех первого. У B.o.B. продолжили выходить и релизы, и классные песни там были, но где-то после второго альбома самое запоминающееся, что он сделал, - это дисс на Нила Деграсса Тайсона.
В 2010 году Lupe Fiasco собрал супергруппу под названием All City Chess Club - там были B.o.B., Asher Roth, Mickey Factz, Charles Hamilton, Blu, Dosage, Diggy Simmons, The Cool Kids, Wale, J.Cole и Pharrell (я не знаю, что он там делал). Они собрались, как объяснял Lupe Fiasco, как такие гики от хип-хопа: их всегда относили к одной группе исполнителей, и поэтому они действительно решили собраться в одну группу. За трехлетнюю историю у них вышла всего одна песня - это ремикс на песню I’m Beamin’ с продакшном The Neptunes (но без куплетов Wale и J. Cole), и она вышла на микстейпе B.o.B., и вот больше песен у группы, как и самой группы, не было. Вот такое некоторое чувство недосказанности.
В 2011 году Tyler, the Creator выпустил Yonkers, где задел B.o.B., Бруно Марса и Хейли Уильямс. B.o.B., конечно же, не поленился - ему в будущем еще дисс на ученого писать - и написал дисс под названием No Future (типа тусовка Тайлера называется Odd Future, а он такой No Future, вот так он придумал). В 2025 году группу Outkast включили в Зал славы рок-н-ролла, и на церемонии приглашенные артисты исполняли хиты группы: Doja Cat забыла слова Ms. Jackson, а вот B.o.B. исполнил Тайлер. Жизнь - лучший (или худший) драматург.
Но можно не волноваться, у B.o.B. все хорошо, он продолжает записывать музыку, а еще теперь он и подкастер. Может быть, лет через пять или десять появится поколение исполнителей, которые будут говорить, что их вдохновил B.o.B., научил выходить за рамки жанров, оставаться самобытными, но при этом коммерчески востребованными, что он здорово развил идею с альтер эго для разделения творчества (для более мелодичного звучания у B.o.B. было альтер эго Bobby Ray - как Баста и Ноггано, Егор Крид и Егор Крид, такие примеры). И эти новые исполнители будут говорить, что B.o.B. - культовый исполнитель, мультиинструменталист, продюсер, но пока его лучшее время остается там, где считали количество проданных копий.
❤9🔥5👍2
В этом году я написал четырнадцать постов и суммарно пропустил восемь месяцев (примерно как Роналдо в 2002 году), но у канала появился свой визуальный аккаунт в инсте. Там тоже выходят посты, и тут тоже выходят посты. Спасибо вам всем, кто все это читает, спасибо всем, кто подписался, спасибо тем, кто отписался, даже если они это не прочитают (еще пару человек я сам отписал, как будто их тут так много, но спасибо им тоже, что были частью). Здесь 69 человек - наверное, могло быть 80-90, если бы люди не отписывались, но могло быть и 0. Поэтому я рад, что вы здесь.
Интересный факт: когда Деннис Родман перешел в "Даллас Маверикс", он хотел играть под номером 69, но лига ему запретила, потому что, ну, понятно, почему он его захотел. Деннис Родман очень сильно не растерялся и взял номер 70.
И еще кое-что: в канале McLydy FM автор, помимо своих постов, собирает интересные посты из разных телеграм-каналов о музыке, и вот он выпустил подборку постов за год, в которую попал мой пост о первой коммерческой джазовой записи (там такие каналы, где очень много читателей, и я сам читаю их, вот такие там каналы). Большое спасибо ему за проект и за упоминание - в этом дайджесте очень много классных материалов с каналов гораздо больше, и оказаться там очень ценно и важно для меня.
Еще мне хочется написать пост про песню Hozier и про Young Jeezy, но это в следующем году уже. Отдыхайте, празднуйте, берегите себя, вы умнички.
Интересный факт: когда Деннис Родман перешел в "Даллас Маверикс", он хотел играть под номером 69, но лига ему запретила, потому что, ну, понятно, почему он его захотел. Деннис Родман очень сильно не растерялся и взял номер 70.
И еще кое-что: в канале McLydy FM автор, помимо своих постов, собирает интересные посты из разных телеграм-каналов о музыке, и вот он выпустил подборку постов за год, в которую попал мой пост о первой коммерческой джазовой записи (там такие каналы, где очень много читателей, и я сам читаю их, вот такие там каналы). Большое спасибо ему за проект и за упоминание - в этом дайджесте очень много классных материалов с каналов гораздо больше, и оказаться там очень ценно и важно для меня.
Еще мне хочется написать пост про песню Hozier и про Young Jeezy, но это в следующем году уже. Отдыхайте, празднуйте, берегите себя, вы умнички.
❤16❤🔥6🔥4
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
В 2011 году Drake выпустил свой второй альбом Take Care - знаковую работу, после которой за ним окончательно закрепился образ чувствительного артиста (и мемы закрепились тоже). Take Care важен не только в творчестве Дрейка: для The Weeknd этот релиз стал большим шагом на пути к статусу мировой поп-звезды (и сериалу на HBO тоже), а для Noah 40 - это становление вот этого характерного мягкого, но при этом отстраненного, и слегка холодного, но при этом обволакивающего звучания, которым пропитан альбом.
Первый сингл с Take Care - Marvin’s Room, такой музыкальный аналог стрижки каре после расставания, но для парней. Перед выходом альбома на физических носителях песня была объединена с интерлюдией Buried Alive, где был только Кендрик Ламар образца 2011 года, еще до выхода good kid, m.A.A.d city. Во многом Take Care логически наследует и развивает 808’s & Heartbreak Канье Уэста, в том числе и в плане привлечения молодых исполнителей, чьи имена еще не так широко известны. В этом Канье Уэст хорош как никто другой, и это пост об артистах, которые работали над его альбомами, но больше оставались в тени (в инсте есть отдельные посты про более заметных исполнителей, которые открылись на этих альбомах, а это пост в двух частях будет таким закрытием).
Rhymefest
Rhymefest - один из тех, кто сотрудничает с Канье Уэстом с первого альбома. Именно Че Смит (так зовут Rhymefest, родители назвали его Че в честь Че Гевары) - соавтор Jesus Walks и поэтому тоже обладатель Грэмми (еще у него есть Грэмми за соавторство Glory Коммона и Джона Ледженда). Из следующих песен, в создании которых поучаствовал Rhymefest, выделяются New Slaves и Praise God.
Вообще, вместе с GLC, Rhymefest из этой отдельной чикагской группы исполнителей, которые были знакомы с Канье Уэстом задолго до College Dropout. По его участию можно увидеть вот этот социальный и религиозный контекст творчества Канье Уэста, уклон в сознательный хип-хоп, с которым он ассоциировался в начале своего творчества.
Tony Williams
На самом деле он The WRLDFMS Tony Williams - дело в том, что был популярный джазовый барабанщик Тони Уильямс, и, чтобы не возникало путаницы, добавилась вот эта часть WRLDFMS (довольно амбициозная). Это кузен Канье Уэста, голос которого появляется почти что на каждом альбоме. А еще Тони Уильямс (так зовут Тони Уильямса, родители его в честь Че Гевары не называли) - соавтор некоторых песен, среди них Spaceship, Street Lights и Blood On The Leaves.
На предстоящем BULLY он тоже появится. В контексте дискографии Уэста Тони Уильямс немножко перекликается с Dwele - он поучаствовал в Power и Flashing Lights, стопроцентно хитовых песнях, но вот сольное творчество не привлекло столько внимания. А еще, на удивление, у Канье Уэста такой образ визионера-творца с большим эго, но вот эта тема товарищества и братства, может, не такая явная, как брак и развод с Ким, но важная, и поэтому есть Real Friends, Brothers, Big Brother, много вышедших и невышедших совместных альбомов.
Malik Yusef
Как и Rhymefest, Malik Yusef тоже из Чикаго, у него тоже есть Грэмми как у соавтора (только у него - за All Of The Lights), тоже он такой весь сознательный продуманный, но это потому что он поэт и spoken word исполнитель, а это как будто не очень подходящий жанр, чтобы там тачки клубы деньги. Малик Юсеф сотрудничал с Канье Уэстом еще со времен Late Registration, но более заметно он появляется на 808’s & Heartbreak как соавтор нескольких песен (Say You Will, Heartless, Love Lockdown, RoboCop).
Это будет больше обобщением (он очень много где указан в кредитсах как сонграйтер и дальше на каждом альбоме), но его участие - в самой эмоциональной и искренней стороне творчества Канье Уэста с такими вкраплениями рефлексии о культуре и религии - вот сам по себе 808’s & Heartbreak весь рефлексирующий, а дальше были Runaway, Black Skinhead (там, кстати, в первой строчке еще голос Lupe Fiasco), Ultralight Beam, Life Of The Party. Примечательный факт: Малик Юсеф - один из авторов Donda Chant, где просто повторяется Donda с разными интонациями почти минуту.
Первый сингл с Take Care - Marvin’s Room, такой музыкальный аналог стрижки каре после расставания, но для парней. Перед выходом альбома на физических носителях песня была объединена с интерлюдией Buried Alive, где был только Кендрик Ламар образца 2011 года, еще до выхода good kid, m.A.A.d city. Во многом Take Care логически наследует и развивает 808’s & Heartbreak Канье Уэста, в том числе и в плане привлечения молодых исполнителей, чьи имена еще не так широко известны. В этом Канье Уэст хорош как никто другой, и это пост об артистах, которые работали над его альбомами, но больше оставались в тени (в инсте есть отдельные посты про более заметных исполнителей, которые открылись на этих альбомах, а это пост в двух частях будет таким закрытием).
Rhymefest
Rhymefest - один из тех, кто сотрудничает с Канье Уэстом с первого альбома. Именно Че Смит (так зовут Rhymefest, родители назвали его Че в честь Че Гевары) - соавтор Jesus Walks и поэтому тоже обладатель Грэмми (еще у него есть Грэмми за соавторство Glory Коммона и Джона Ледженда). Из следующих песен, в создании которых поучаствовал Rhymefest, выделяются New Slaves и Praise God.
Вообще, вместе с GLC, Rhymefest из этой отдельной чикагской группы исполнителей, которые были знакомы с Канье Уэстом задолго до College Dropout. По его участию можно увидеть вот этот социальный и религиозный контекст творчества Канье Уэста, уклон в сознательный хип-хоп, с которым он ассоциировался в начале своего творчества.
Tony Williams
На самом деле он The WRLDFMS Tony Williams - дело в том, что был популярный джазовый барабанщик Тони Уильямс, и, чтобы не возникало путаницы, добавилась вот эта часть WRLDFMS (довольно амбициозная). Это кузен Канье Уэста, голос которого появляется почти что на каждом альбоме. А еще Тони Уильямс (так зовут Тони Уильямса, родители его в честь Че Гевары не называли) - соавтор некоторых песен, среди них Spaceship, Street Lights и Blood On The Leaves.
На предстоящем BULLY он тоже появится. В контексте дискографии Уэста Тони Уильямс немножко перекликается с Dwele - он поучаствовал в Power и Flashing Lights, стопроцентно хитовых песнях, но вот сольное творчество не привлекло столько внимания. А еще, на удивление, у Канье Уэста такой образ визионера-творца с большим эго, но вот эта тема товарищества и братства, может, не такая явная, как брак и развод с Ким, но важная, и поэтому есть Real Friends, Brothers, Big Brother, много вышедших и невышедших совместных альбомов.
Malik Yusef
Как и Rhymefest, Malik Yusef тоже из Чикаго, у него тоже есть Грэмми как у соавтора (только у него - за All Of The Lights), тоже он такой весь сознательный продуманный, но это потому что он поэт и spoken word исполнитель, а это как будто не очень подходящий жанр, чтобы там тачки клубы деньги. Малик Юсеф сотрудничал с Канье Уэстом еще со времен Late Registration, но более заметно он появляется на 808’s & Heartbreak как соавтор нескольких песен (Say You Will, Heartless, Love Lockdown, RoboCop).
Это будет больше обобщением (он очень много где указан в кредитсах как сонграйтер и дальше на каждом альбоме), но его участие - в самой эмоциональной и искренней стороне творчества Канье Уэста с такими вкраплениями рефлексии о культуре и религии - вот сам по себе 808’s & Heartbreak весь рефлексирующий, а дальше были Runaway, Black Skinhead (там, кстати, в первой строчке еще голос Lupe Fiasco), Ultralight Beam, Life Of The Party. Примечательный факт: Малик Юсеф - один из авторов Donda Chant, где просто повторяется Donda с разными интонациями почти минуту.
❤11👍6🔥4💘1
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
CyHi the Prynce
CyHi - постоянный соавтор Канье Уэста, начиная с My Beautiful Dark Twisted Fantasy. Например, CyHi - автор припева в So Appalled, а потом он появился в кредитсах большого списка знаковых песен, среди них New Slaves, All Day, Father Stretch My Hands, Off The Grid (к тому же он - соавтор Sicko Mode и Stargazing Трэвиса Скотта).
В начале десятых CyHi был одним из ростера лейбла G.O.O.D. Music, в 2011 году он попал в XXL Freshman (для контекста - в тот год фрешменами были Kendrick Lamar, Mac Miller и, конечно же, Lil Twist). Но со временем собственная карьера отошла на второй план, и он выпустил всего один альбом. И не выпустил совместный альбом с Канье: совместный альбом Канье с Ченсом тоже не вышел, с Карти не вышел, с Дрейком не вышел, зато вот с Таем два.
KIRBY
В хронологии творчества Канье Уэста Kirby Lauryen (сейчас просто KIRBY) появляется вместе с Полом Маккартни после шумного Yeezus. Кирби участвовала в написании Only One и FourFiveSeconds, а на The Life Of Pablo она указана в кредитсах Wolves. Самое последнее ее появление - это вокал в Can U Be, но на самом деле это запись как раз времен The Life Of Pablo.
По названиям песен можно заметить, что Кирби - это больше про мелодичное и акустическое звучание. Сейчас ее творчество немножко отличается - в прошлом году вышел альбом Miss Black America, и это очень красивое сочетание блюза, соула, r&b и госпела. Наверное, самое нетипичное имя в этом списке, потому что Кирби не воспринимается так же сильно, как все остальные, как часть вот этой минивселенной - она слегка вне контекста, но у нее знаковое участие, подчеркивающее конкретный период творчества Уэста.
Ant Clemons
Его голос впервые появляется в припеве All Mine с альбома ye, и с этого момента он активно работал с Канье Уэстом, просто большинство песен либо переделались в другие (например, Chakras стала Selah), либо же не вышли (как и совместный альбом Канье с Джеймсом Блейком). Затем Клемонс появился на Jesus Is King и на обеих частях Vultures (там он соавтор Talking, где куплет у Норт).
Ant Clemons - это больше про очень много демок, референсов, поиск звучания, очень много приглашенных исполнителей, очень много версий одной песни, и одновременно с этим это более поздний период, где появляется больше артистов, которых открыли артисты, которых вдохновил Канье, вот такое следующее поколение.
Sean Leon
Sean Leon поучаствовал в создании не такого большого количества песен: он отметился на Jesus Is King как соавтор Selah и Use This Gospel, Up From The Ashes на Donda, Stars на Vultures 1 и поучаствовал в записи SciFi и Burn Everything на Donda 2, и пока это весь список. Тем не менее, это интересная фигура в контексте творчества Канье.
В каком-то смысле Шон Лион подчеркивает важность Канье в творчестве Канье, потому что он похожим образом подходит к творчеству в плане концепта и определенной эстетики. У Шона Лиона есть проект God’s Algorithm - такая смесь музыки, визуала и технологий, а почти каждый из последних альбомов Канье Уэста - это событие (где, правда, событие иногда важнее музыки).
Этот список, конечно, мог быть шире, но вот какая штука: Канье Уэст - настолько большая фигура, что когда смотришь на всю картину целиком, то можно не заметить детали, а влияние соавторов как раз и раскрывается в деталях. Но это не односторонний процесс, в обратную сторону он работает тоже, и не только творчески, но и с точки зрения индустрии: вот ты танцуешь в клипе, а вот у тебя уже “Золотой глобус” (а вообще-то ты певица). Вот в этом кроется вся магия, в гармонии личного и команды: чтобы записывать столько альбомов, нужно много и идей, и людей, и это выстраивается вокруг одного человека. И время идет, деталей становится все больше, но скрытая гармония лучше явной (это Гераклит про Graduation сказал).
У Билла Расселла, легендарного центрового НБА с рекордом по титулам, был период, когда он уже начал тренировать, но не закончил играть, и в те три сезона “Бостон Селтикс” дважды выиграли чемпионство. Вот Канье Уэст - это Билл Расселл: он играет по 40 минут на площадке, но еще рисует комбинации и направляет всех.
CyHi - постоянный соавтор Канье Уэста, начиная с My Beautiful Dark Twisted Fantasy. Например, CyHi - автор припева в So Appalled, а потом он появился в кредитсах большого списка знаковых песен, среди них New Slaves, All Day, Father Stretch My Hands, Off The Grid (к тому же он - соавтор Sicko Mode и Stargazing Трэвиса Скотта).
В начале десятых CyHi был одним из ростера лейбла G.O.O.D. Music, в 2011 году он попал в XXL Freshman (для контекста - в тот год фрешменами были Kendrick Lamar, Mac Miller и, конечно же, Lil Twist). Но со временем собственная карьера отошла на второй план, и он выпустил всего один альбом. И не выпустил совместный альбом с Канье: совместный альбом Канье с Ченсом тоже не вышел, с Карти не вышел, с Дрейком не вышел, зато вот с Таем два.
KIRBY
В хронологии творчества Канье Уэста Kirby Lauryen (сейчас просто KIRBY) появляется вместе с Полом Маккартни после шумного Yeezus. Кирби участвовала в написании Only One и FourFiveSeconds, а на The Life Of Pablo она указана в кредитсах Wolves. Самое последнее ее появление - это вокал в Can U Be, но на самом деле это запись как раз времен The Life Of Pablo.
По названиям песен можно заметить, что Кирби - это больше про мелодичное и акустическое звучание. Сейчас ее творчество немножко отличается - в прошлом году вышел альбом Miss Black America, и это очень красивое сочетание блюза, соула, r&b и госпела. Наверное, самое нетипичное имя в этом списке, потому что Кирби не воспринимается так же сильно, как все остальные, как часть вот этой минивселенной - она слегка вне контекста, но у нее знаковое участие, подчеркивающее конкретный период творчества Уэста.
Ant Clemons
Его голос впервые появляется в припеве All Mine с альбома ye, и с этого момента он активно работал с Канье Уэстом, просто большинство песен либо переделались в другие (например, Chakras стала Selah), либо же не вышли (как и совместный альбом Канье с Джеймсом Блейком). Затем Клемонс появился на Jesus Is King и на обеих частях Vultures (там он соавтор Talking, где куплет у Норт).
Ant Clemons - это больше про очень много демок, референсов, поиск звучания, очень много приглашенных исполнителей, очень много версий одной песни, и одновременно с этим это более поздний период, где появляется больше артистов, которых открыли артисты, которых вдохновил Канье, вот такое следующее поколение.
Sean Leon
Sean Leon поучаствовал в создании не такого большого количества песен: он отметился на Jesus Is King как соавтор Selah и Use This Gospel, Up From The Ashes на Donda, Stars на Vultures 1 и поучаствовал в записи SciFi и Burn Everything на Donda 2, и пока это весь список. Тем не менее, это интересная фигура в контексте творчества Канье.
В каком-то смысле Шон Лион подчеркивает важность Канье в творчестве Канье, потому что он похожим образом подходит к творчеству в плане концепта и определенной эстетики. У Шона Лиона есть проект God’s Algorithm - такая смесь музыки, визуала и технологий, а почти каждый из последних альбомов Канье Уэста - это событие (где, правда, событие иногда важнее музыки).
Этот список, конечно, мог быть шире, но вот какая штука: Канье Уэст - настолько большая фигура, что когда смотришь на всю картину целиком, то можно не заметить детали, а влияние соавторов как раз и раскрывается в деталях. Но это не односторонний процесс, в обратную сторону он работает тоже, и не только творчески, но и с точки зрения индустрии: вот ты танцуешь в клипе, а вот у тебя уже “Золотой глобус” (а вообще-то ты певица). Вот в этом кроется вся магия, в гармонии личного и команды: чтобы записывать столько альбомов, нужно много и идей, и людей, и это выстраивается вокруг одного человека. И время идет, деталей становится все больше, но скрытая гармония лучше явной (это Гераклит про Graduation сказал).
У Билла Расселла, легендарного центрового НБА с рекордом по титулам, был период, когда он уже начал тренировать, но не закончил играть, и в те три сезона “Бостон Селтикс” дважды выиграли чемпионство. Вот Канье Уэст - это Билл Расселл: он играет по 40 минут на площадке, но еще рисует комбинации и направляет всех.
❤10🔥1
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
Может ли актер быть известным, но не прямо чтобы классным актером? Вин Дизель подсказывает, что неважно, что у машины под капотом как будто да. А может ли актер быть потрясающим как актер, но не таким известным? Как будто тоже да, но только не прямо неизвестным, иначе так совсем бы никто не узнал.
Наверное, это всегда связано с тем, что это сфера творчества, где больше субъективного и можно ориентироваться на “нравится” и “не нравится”, а успех зависит не только от таланта. Поэтому можно придумывать новые способы измерить творчество, заводить телеграм-каналы, записывать подкасты, говорить “да почему опять Билли Айлиш выиграла” - это все пространство для размышлений и обсуждений и всякого такого.
Был такой боксер Джимми Янг, он был претендентом на титул чемпиона мира в тяжелом весе, ровно одна попытка у него была, а чемпионом тогда был Мухаммед Али. Так что Джимми Янг не стал чемпионом, он проиграл решением, но это было очень спорное и сомнительное решение. Из-за образа Али в культуре это решение зафиксировалось просто как результат, что вот, еще одна защита титула величайшего боксера в истории. Получается, что даже там, где уже можно измерить и сравнить, можно сказать “вот он лучше”, все равно можно остаться крутым, но не добраться до вершины, потому что Джимми Янг фактически чемпион, который не стал чемпионом. По крайней мере, он остался в истории бокса как один из самых недооцененных боксеров, хотя обычно этот бой с Али не мелькает в топах боксерских ограблений (это, кстати, тоже ограбление, получается, как будто недооценили в недооценке).
Вот так устроена культура в целом - она не так хорошо хранит второй план. То есть он существует, но нужно узнать, совершить шаг в эту сторону: вот Мухаммеда Али знает как будто любой, кто это прочитает, а Джимми Янга - не любой. Скорее всего, это не хорошо и не плохо, просто так это работает. Как с Канье Уэстом: есть масштаб личности и есть много деталей, но к ним надо приглядываться.
У Ремарка есть роман “Триумфальная арка”, опубликованный в 1945 году, и он про врача (не еврейского, но очень близко), который помогает семьям, но делает это без бумажек, кстати (если вы задавались вопросом, как сделать это без бумажек, вот у Ремарка есть история): в романе главный герой бежал из Германии в Париж, где не может работать официально хирургом, хотя он в этом прямо хорош, поэтому он работает подпольно. И в конце непонятно, что будет с героем, но еще у Ремарка есть недописанный роман “Земля обетованная” (над ним он начал работать спустя пять лет после выхода “Триумфальной арки”) - он не успел его дописать, потому что умер, и это роман тоже про эмигранта, только в Америке. В один момент в романе упоминается и даже появляется главный герой “Триумфальной арки”, значит, что он все-таки уехал от войны и смог пересечь океан, с ним все в порядке. Это не единственный пример камео персонажей одного романа Ремарка в другом, и это такая, собственная вселенная у него.
В начале года умер Джон Форте, он известен, в основном, тем, что поучаствовал на единственном альбоме The Fugees (а они придумали это название от слова refugees, типа беженцы, типа как у Ремарка, такие подводки в этом году). У Форте были свои собственные релизы, не такие заметные, хотя там были классные приглашенные исполнители - когда-то он даже ездил в тур по России и выступал с разными русскоязычными исполнителями. В этой культуре - в данном случае культуре жанра - у него была какая-то своя арка, но он останется на втором плане. Ну, и его можно знать, можно не знать, можно оценивать, можно не оценивать - как мы выяснили, можно быть крутым в творчестве и в спорте, но не таким известным и признанным (как Вин Дизель). Это куплет Джона Форте из песни Rumble In The Jungle (там The Fugees, A Tribe Called Quest и Busta Rhymes), и это саундтрек к документалке как раз про Али, про его бой с Форманом.
Наверное, это всегда связано с тем, что это сфера творчества, где больше субъективного и можно ориентироваться на “нравится” и “не нравится”, а успех зависит не только от таланта. Поэтому можно придумывать новые способы измерить творчество, заводить телеграм-каналы, записывать подкасты, говорить “да почему опять Билли Айлиш выиграла” - это все пространство для размышлений и обсуждений и всякого такого.
Был такой боксер Джимми Янг, он был претендентом на титул чемпиона мира в тяжелом весе, ровно одна попытка у него была, а чемпионом тогда был Мухаммед Али. Так что Джимми Янг не стал чемпионом, он проиграл решением, но это было очень спорное и сомнительное решение. Из-за образа Али в культуре это решение зафиксировалось просто как результат, что вот, еще одна защита титула величайшего боксера в истории. Получается, что даже там, где уже можно измерить и сравнить, можно сказать “вот он лучше”, все равно можно остаться крутым, но не добраться до вершины, потому что Джимми Янг фактически чемпион, который не стал чемпионом. По крайней мере, он остался в истории бокса как один из самых недооцененных боксеров, хотя обычно этот бой с Али не мелькает в топах боксерских ограблений (это, кстати, тоже ограбление, получается, как будто недооценили в недооценке).
Вот так устроена культура в целом - она не так хорошо хранит второй план. То есть он существует, но нужно узнать, совершить шаг в эту сторону: вот Мухаммеда Али знает как будто любой, кто это прочитает, а Джимми Янга - не любой. Скорее всего, это не хорошо и не плохо, просто так это работает. Как с Канье Уэстом: есть масштаб личности и есть много деталей, но к ним надо приглядываться.
У Ремарка есть роман “Триумфальная арка”, опубликованный в 1945 году, и он про врача (не еврейского, но очень близко), который помогает семьям, но делает это без бумажек, кстати (если вы задавались вопросом, как сделать это без бумажек, вот у Ремарка есть история): в романе главный герой бежал из Германии в Париж, где не может работать официально хирургом, хотя он в этом прямо хорош, поэтому он работает подпольно. И в конце непонятно, что будет с героем, но еще у Ремарка есть недописанный роман “Земля обетованная” (над ним он начал работать спустя пять лет после выхода “Триумфальной арки”) - он не успел его дописать, потому что умер, и это роман тоже про эмигранта, только в Америке. В один момент в романе упоминается и даже появляется главный герой “Триумфальной арки”, значит, что он все-таки уехал от войны и смог пересечь океан, с ним все в порядке. Это не единственный пример камео персонажей одного романа Ремарка в другом, и это такая, собственная вселенная у него.
В начале года умер Джон Форте, он известен, в основном, тем, что поучаствовал на единственном альбоме The Fugees (а они придумали это название от слова refugees, типа беженцы, типа как у Ремарка, такие подводки в этом году). У Форте были свои собственные релизы, не такие заметные, хотя там были классные приглашенные исполнители - когда-то он даже ездил в тур по России и выступал с разными русскоязычными исполнителями. В этой культуре - в данном случае культуре жанра - у него была какая-то своя арка, но он останется на втором плане. Ну, и его можно знать, можно не знать, можно оценивать, можно не оценивать - как мы выяснили, можно быть крутым в творчестве и в спорте, но не таким известным и признанным (как Вин Дизель). Это куплет Джона Форте из песни Rumble In The Jungle (там The Fugees, A Tribe Called Quest и Busta Rhymes), и это саундтрек к документалке как раз про Али, про его бой с Форманом.
❤7❤🔥4🔥1
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
Первоначальная обложка альбома Schoolboy Q Blank Face - это заблюренное лицо Майкла Джордана из мема Crying Jordan: в 2009 году его включили в Зал славы баскетбола, и ему так сильно хлопали, что он растрогался, и кадр с лицом плачущего Джордана стал мемом. Мемы - это, наверное, самый наглядный пример, как трогательное может превратиться в смешное (смешное, Карл). В целом, это очень человеческая история, когда что-то приобретает совсем противоположное значение в новом контексте.
Вот здесь был пост про каверы на Eleanor Rigby - песню об одиноких людях. Среди каверов на эту песню - а их очень много - есть джазовый в исполнении Wes Montgomery. И, как оказалось, можно было на основе струнных из начала этого кавера сделать песню о стрингах. Дааа, о стрингах - типа что, что, что? (это, кстати, прямая цитата из этой песни)
R&B-музыка нулевых - очень классная, но о ней как будто сложно рассказывать, потому что все исполнители похожи друг на друга, и музыка у них похожа, а в плане текста она кажется еще более клишированной, чем рэп нулевых: если упростить, то это обязательно обращение к девушке что-то вроде “вау ты красотка люблю тебя” либо “вау ты красотка давай потанцуем и/или переспим”. Например, Usher выступал на Супербоуле, но у него есть только одна песня, которую все-все знают - это Yeah! - и больше таких песен нет (хотя он же не мог только с одной песней выступать, это было бы странно). При этом он даже не автор этой песни: изначально Yeah! ему не понравилась, и он не хотел ее выпускать - на этом настоял лейбл, поэтому к моменту записи и выхода оригинальный бит уже оказался в другой песне, и Lil Jon написал похожий.
Thong Song (это песня о стрингах, у ЧиЖа вот песня о любви, а у Sisqó - о стрингах) не относится к r&b-музыке нулевых, потому что была выпущена в 1999 году, но это идеальное сочетание всех стереотипов, связанных с r&b. Во-первых, она называется Thong Song (thong - это как раз стринги), и это тоже, естественно, обращение к девушке. Во-вторых, там один куплет, который повторяется три раза, просто по-разному и немного меняются слова: that dress so scandalous в первом куплете становится that girl so scandalous во втором куплете. В-третьих, Sisqó очень легко потерять среди других r&b-исполнителей того времени (например, среди Марио Уайнанса, Марио и Омариона). Ну, и еще припев там начинается вот так:
При этом у Thong Song очень классная история создания: продюсерский дуэт Tim & Bob изначально хотели отдать песню Майклу Джексону, но Sisqó работал над своим дебютным альбомом, и ему так сильно понравилась эта мелодия из семпла, что до Майкла Джексона музыка не добралась. А еще его так сильно впечатлили стринги, когда он их впервые увидел, что текст был именно об этом: он всем своим друзьям рассказал, что есть вот такая новая штука у девушек, и все так впечатлились, что были как Братство Кольца (это его сравнение). С братом они придумали вот это thong-th-thong-thong-thong, и за это Sisqó отдает брату какой-то процент роялти.
Перезаписать струнные позвали Брюса Дюкова - скрипача и концертмейстера, который работал с Фрэнком Синатрой и над невероятно большим количеством фильмов (где-то от Рокки 4 до Оппенгеймера). Он переиграл мелодию и добавил переход, и это очень крутая деталь (вот тут я не особенно разбираюсь, спасибо посту с реддита): песня исполняется в тональности фа-диез мажор и переходит в тональность соль мажор (на английском это G major). Из-за того, что это струнные, это G major strings, а G-strings - это и есть стринги, вот так буквально музыкально это заложено.
Thong Song удивительным образом совмещает в себе воплощение всех вот этих стереотипных представлений о r&b-музыке того времени (в песне есть момент в начале четвертой минуты, когда Sisqó кричит I don’t think you heard me, ну, спустя три повтора одного куплета) и очень продуманного музыкального подхода. С одной стороны, все это можно услышать и в любой другой песне жанра, но, с другой стороны, все это вместе не звучит как любая другая песня жанра, вот такое сочетание.
Вот здесь был пост про каверы на Eleanor Rigby - песню об одиноких людях. Среди каверов на эту песню - а их очень много - есть джазовый в исполнении Wes Montgomery. И, как оказалось, можно было на основе струнных из начала этого кавера сделать песню о стрингах. Дааа, о стрингах - типа что, что, что? (это, кстати, прямая цитата из этой песни)
R&B-музыка нулевых - очень классная, но о ней как будто сложно рассказывать, потому что все исполнители похожи друг на друга, и музыка у них похожа, а в плане текста она кажется еще более клишированной, чем рэп нулевых: если упростить, то это обязательно обращение к девушке что-то вроде “вау ты красотка люблю тебя” либо “вау ты красотка давай потанцуем и/или переспим”. Например, Usher выступал на Супербоуле, но у него есть только одна песня, которую все-все знают - это Yeah! - и больше таких песен нет (хотя он же не мог только с одной песней выступать, это было бы странно). При этом он даже не автор этой песни: изначально Yeah! ему не понравилась, и он не хотел ее выпускать - на этом настоял лейбл, поэтому к моменту записи и выхода оригинальный бит уже оказался в другой песне, и Lil Jon написал похожий.
Thong Song (это песня о стрингах, у ЧиЖа вот песня о любви, а у Sisqó - о стрингах) не относится к r&b-музыке нулевых, потому что была выпущена в 1999 году, но это идеальное сочетание всех стереотипов, связанных с r&b. Во-первых, она называется Thong Song (thong - это как раз стринги), и это тоже, естественно, обращение к девушке. Во-вторых, там один куплет, который повторяется три раза, просто по-разному и немного меняются слова: that dress so scandalous в первом куплете становится that girl so scandalous во втором куплете. В-третьих, Sisqó очень легко потерять среди других r&b-исполнителей того времени (например, среди Марио Уайнанса, Марио и Омариона). Ну, и еще припев там начинается вот так:
I like it when the beat goes da-na, da-na
Baby, make your booty go da-na, da-na
При этом у Thong Song очень классная история создания: продюсерский дуэт Tim & Bob изначально хотели отдать песню Майклу Джексону, но Sisqó работал над своим дебютным альбомом, и ему так сильно понравилась эта мелодия из семпла, что до Майкла Джексона музыка не добралась. А еще его так сильно впечатлили стринги, когда он их впервые увидел, что текст был именно об этом: он всем своим друзьям рассказал, что есть вот такая новая штука у девушек, и все так впечатлились, что были как Братство Кольца (это его сравнение). С братом они придумали вот это thong-th-thong-thong-thong, и за это Sisqó отдает брату какой-то процент роялти.
Перезаписать струнные позвали Брюса Дюкова - скрипача и концертмейстера, который работал с Фрэнком Синатрой и над невероятно большим количеством фильмов (где-то от Рокки 4 до Оппенгеймера). Он переиграл мелодию и добавил переход, и это очень крутая деталь (вот тут я не особенно разбираюсь, спасибо посту с реддита): песня исполняется в тональности фа-диез мажор и переходит в тональность соль мажор (на английском это G major). Из-за того, что это струнные, это G major strings, а G-strings - это и есть стринги, вот так буквально музыкально это заложено.
Thong Song удивительным образом совмещает в себе воплощение всех вот этих стереотипных представлений о r&b-музыке того времени (в песне есть момент в начале четвертой минуты, когда Sisqó кричит I don’t think you heard me, ну, спустя три повтора одного куплета) и очень продуманного музыкального подхода. С одной стороны, все это можно услышать и в любой другой песне жанра, но, с другой стороны, все это вместе не звучит как любая другая песня жанра, вот такое сочетание.
❤9
Из всего на планете у вулканов как будто самые необычные названия: например, в мире есть вулканы Блуп-Блуп и Кастрюля. Недалеко от Мехико есть два вулкана Истаксиуатль и Попокатепетль, и существует легенда о том, как они возникли.
Как у настоящей легенды, у нее есть разные версии, одна из распространенных звучит так: Истаксиуатль была принцессой, а Попока был воином, и они любили друг друга. Ее отец, как правитель, отправил Попоку на войну, пообещав за победу руку дочери (кажется, это во всех культурах популярный заход). У него все получилось, но перед тем, как он вернулся, Истаксиуатль сообщили, что ее возлюбленный погиб. Это известие повергло ее в горе, из-за чего она скончалась. Когда воин узнал об этом, то отнес ее тело на вершину горы с факелом, чтобы охранять, и пообещал, что его огонь никогда не погаснет. И тогда боги, впечатленные такой жертвенностью, превратили их в вулканы, которые всегда будут рядом: на языке науатль Истаксиуатль означает “белая женщина”, а Попокатепетль - “дымящийся холм”.
У культового мексиканского художника Сатурнино Эррана есть триптих La leyenda de los volcanes, посвященный этой легенде. Только у Эррана фокус в этой легенде смещается на трагедию, поэтому в центральной части изображение, где Истаксиуатль сообщают о гибели Попоки. Левая часть - это единственное счастливое изображение, поэтому оно расположено в начале, а правая часть - это тоска по утраченной любви. В этом триптихе нет превращения в вулканы и нет изображения смерти, это все как бы остается за рамками. То есть вот это горе утраты усиливается тем, что на картине нет самого утраченного: это можно было показать, но отсутствие в этом случае говорит сильнее, чем присутствие.
Этот триптих обрел вторую жизнь из-за первого сезона Narcos: Mexico, где он появляется несколько раз и вплетен в повествование. Первый сезон сериала - это история Кики Камарены: Камарена был агентом УБН в Гвадалахаре, боролся с преступностью, пока не пропал в один день. Оказалось, что его похитили, пытали и убили, потому что он узнал слишком много. Второй главный герой - Мигель Анхель Феликс Гальярдо: он объединил небольшие картели из нескольких штатов и организовал самую крупную контрабанду в Мексике. Гальярдо покупает себе в офис отдельно правую часть триптиха, а центральная часть появляется, когда ее покупает жена Гальярдо в подарок мужу, узнав о его изменах. Левая часть, единственная счастливая, так и остается в галерее без владельца.
Мотив одиночества и мотив утраты из триптиха отдельно раскрывают Гальярдо: когда-то, когда он был молод, у него была первая жена, которая умерла от лейкемии. Поэтому он решил контролировать жизнь, иначе она будет контролировать его - такой историей он ответил Пабло Эскобару на вопрос, почему он этим занимается. Это первая и самая близкая к легенде параллель сериала и триптиха: настоящей любовью героя является первая жена, утрата которой приводит его к созданию своей преступной организации, и измены второй жене только подчеркивают, что он уже один. Интересная деталь в том, что сцен этих измен в сериале нет, и зритель сам может сделать вывод из диалога Гальярдо с женой и из развития этого героя. То есть отсутствие говорит сильнее, чем присутствие.
Менее очевидная, но не менее важная связь триптиха и сюжета сериала - это структура. Первый сезон тоже можно поделить на три части: это становление Гальярдо как такого крестного отца, затем расцвет его организации, а потом трагедия, и каждая часть подчеркивается смертью какого-либо героя сериала: в финале это Кики Камарена. Весь сезон истории Гальярдо и Камарены развиваются параллельно: например, сцены приезда в Гвадалахару показываются попеременно, а когда Гальярдо становится крестным отцом, у Камарены рождается второй сын. Когда они наконец встречаются, случается трагедия. Последний эпизод сериала называется Leyenda - и это название операции, которую провела УБН после убийства Камарены, а еще название триптиха, который рассказывает о трагедии утраты. И как в триптихе, в истории первого сезона сильнее влияет не то, что осталось, а то, чего больше нет, и в этом ее трагедия.
Как у настоящей легенды, у нее есть разные версии, одна из распространенных звучит так: Истаксиуатль была принцессой, а Попока был воином, и они любили друг друга. Ее отец, как правитель, отправил Попоку на войну, пообещав за победу руку дочери (кажется, это во всех культурах популярный заход). У него все получилось, но перед тем, как он вернулся, Истаксиуатль сообщили, что ее возлюбленный погиб. Это известие повергло ее в горе, из-за чего она скончалась. Когда воин узнал об этом, то отнес ее тело на вершину горы с факелом, чтобы охранять, и пообещал, что его огонь никогда не погаснет. И тогда боги, впечатленные такой жертвенностью, превратили их в вулканы, которые всегда будут рядом: на языке науатль Истаксиуатль означает “белая женщина”, а Попокатепетль - “дымящийся холм”.
У культового мексиканского художника Сатурнино Эррана есть триптих La leyenda de los volcanes, посвященный этой легенде. Только у Эррана фокус в этой легенде смещается на трагедию, поэтому в центральной части изображение, где Истаксиуатль сообщают о гибели Попоки. Левая часть - это единственное счастливое изображение, поэтому оно расположено в начале, а правая часть - это тоска по утраченной любви. В этом триптихе нет превращения в вулканы и нет изображения смерти, это все как бы остается за рамками. То есть вот это горе утраты усиливается тем, что на картине нет самого утраченного: это можно было показать, но отсутствие в этом случае говорит сильнее, чем присутствие.
Этот триптих обрел вторую жизнь из-за первого сезона Narcos: Mexico, где он появляется несколько раз и вплетен в повествование. Первый сезон сериала - это история Кики Камарены: Камарена был агентом УБН в Гвадалахаре, боролся с преступностью, пока не пропал в один день. Оказалось, что его похитили, пытали и убили, потому что он узнал слишком много. Второй главный герой - Мигель Анхель Феликс Гальярдо: он объединил небольшие картели из нескольких штатов и организовал самую крупную контрабанду в Мексике. Гальярдо покупает себе в офис отдельно правую часть триптиха, а центральная часть появляется, когда ее покупает жена Гальярдо в подарок мужу, узнав о его изменах. Левая часть, единственная счастливая, так и остается в галерее без владельца.
Мотив одиночества и мотив утраты из триптиха отдельно раскрывают Гальярдо: когда-то, когда он был молод, у него была первая жена, которая умерла от лейкемии. Поэтому он решил контролировать жизнь, иначе она будет контролировать его - такой историей он ответил Пабло Эскобару на вопрос, почему он этим занимается. Это первая и самая близкая к легенде параллель сериала и триптиха: настоящей любовью героя является первая жена, утрата которой приводит его к созданию своей преступной организации, и измены второй жене только подчеркивают, что он уже один. Интересная деталь в том, что сцен этих измен в сериале нет, и зритель сам может сделать вывод из диалога Гальярдо с женой и из развития этого героя. То есть отсутствие говорит сильнее, чем присутствие.
Менее очевидная, но не менее важная связь триптиха и сюжета сериала - это структура. Первый сезон тоже можно поделить на три части: это становление Гальярдо как такого крестного отца, затем расцвет его организации, а потом трагедия, и каждая часть подчеркивается смертью какого-либо героя сериала: в финале это Кики Камарена. Весь сезон истории Гальярдо и Камарены развиваются параллельно: например, сцены приезда в Гвадалахару показываются попеременно, а когда Гальярдо становится крестным отцом, у Камарены рождается второй сын. Когда они наконец встречаются, случается трагедия. Последний эпизод сериала называется Leyenda - и это название операции, которую провела УБН после убийства Камарены, а еще название триптиха, который рассказывает о трагедии утраты. И как в триптихе, в истории первого сезона сильнее влияет не то, что осталось, а то, чего больше нет, и в этом ее трагедия.
❤7🔥2
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
Даже то, что нравится человеку, может приедаться: вот есть утверждение, что человек привыкает ко всему, и в этом как будто одновременно и дар, и проклятие. C музыкой это работает точно так же: здесь уже были посты с разбором строчек и панчлайнов (Jay-Z, Joyner Lucas), но со временем даже сильные, но похожие друг на друга строчки тоже перестают удивлять.
Проблема панчлайнов с двойным смыслом в том, что они зачастую строятся на втором смысле одного слова из всей строки, и сначала это впечатляет, а потом этот прием становится слишком знакомым. Но все-таки это все еще творчество, и добавлять второй слой можно по-разному.
Wretch 32 - один из британских исполнителей, у которых в прошлом году вышел шикарный альбом. В песне Девлина Off With Their Heads у него есть вот такой отрывок:
Первые две строчки про то, что он не собирается возвращаться в музыку, потому что и не планирует уходить из нее: немножко слишком (отличное сочетание) любит награды (plaques - это сертификация и статус релиза как золотого и платинового в зависимости от продаж).
Эта мысль перетекает в следующие две строки: награды и их достижение - это фактически переезд в зал славы, а перед входом надо протирать ноги. Двойной смысл здесь возникает благодаря слову tracks - это и дорожка перед входом в зал, и музыка, это как раз пример панчлайна с двойным смыслом на основе одного слова.
Второй смысл логически развивается дальше - это вот это стандартное хвастовство "убийством" битов. Оно будничное и для слушателя, и для исполнителя, потому что для него это как протирать ноги перед входом. Все шесть строк плавно переходят друг в друга и выстроены по одной логике, а в последней строке она раскрывается лучше всего.
Последняя строка означает, что, если Wretch 32 в одной перчатке, это триллер. С одной стороны, это логическое продолжение предыдущей строки: “убийство” битов - это триллер, как жанр в кино или литературе, а одна перчатка нужна, чтобы держать оружие. Второй смысл возникает благодаря песне Майкла Джексона Thriller и его знаменитому образу с одной перчаткой (по его словам, он носил одну перчатку, а не две, потому что думал, что это круто). Одноименный альбом - самый продаваемый в истории музыки, и это такое замыкание мысли про plaques.
Строка про Майкла Джексона, в которой не упоминается напрямую Майкл Джексон, как раз создает второй слой и ставит точку в контексте амбиций Wretch 32 как исполнителя, потому что Майкл Джексон возникает как такой ориентир, вот он, король поп-музыки, который точно в зале славы. Интересно, а в порядке ли Энни.
Проблема панчлайнов с двойным смыслом в том, что они зачастую строятся на втором смысле одного слова из всей строки, и сначала это впечатляет, а потом этот прием становится слишком знакомым. Но все-таки это все еще творчество, и добавлять второй слой можно по-разному.
Wretch 32 - один из британских исполнителей, у которых в прошлом году вышел шикарный альбом. В песне Девлина Off With Their Heads у него есть вот такой отрывок:
I’m never gonna say I’m back
I’m a little too in love with plaques
I moved in to the hall of fame
So I wipe my feet on tracks
Imma kill it, I’m a killer
See me with one glove, it’s a thriller
Первые две строчки про то, что он не собирается возвращаться в музыку, потому что и не планирует уходить из нее: немножко слишком (отличное сочетание) любит награды (plaques - это сертификация и статус релиза как золотого и платинового в зависимости от продаж).
Эта мысль перетекает в следующие две строки: награды и их достижение - это фактически переезд в зал славы, а перед входом надо протирать ноги. Двойной смысл здесь возникает благодаря слову tracks - это и дорожка перед входом в зал, и музыка, это как раз пример панчлайна с двойным смыслом на основе одного слова.
Второй смысл логически развивается дальше - это вот это стандартное хвастовство "убийством" битов. Оно будничное и для слушателя, и для исполнителя, потому что для него это как протирать ноги перед входом. Все шесть строк плавно переходят друг в друга и выстроены по одной логике, а в последней строке она раскрывается лучше всего.
Последняя строка означает, что, если Wretch 32 в одной перчатке, это триллер. С одной стороны, это логическое продолжение предыдущей строки: “убийство” битов - это триллер, как жанр в кино или литературе, а одна перчатка нужна, чтобы держать оружие. Второй смысл возникает благодаря песне Майкла Джексона Thriller и его знаменитому образу с одной перчаткой (по его словам, он носил одну перчатку, а не две, потому что думал, что это круто). Одноименный альбом - самый продаваемый в истории музыки, и это такое замыкание мысли про plaques.
Строка про Майкла Джексона, в которой не упоминается напрямую Майкл Джексон, как раз создает второй слой и ставит точку в контексте амбиций Wretch 32 как исполнителя, потому что Майкл Джексон возникает как такой ориентир, вот он, король поп-музыки, который точно в зале славы. Интересно, а в порядке ли Энни.
❤6❤🔥4🔥4
Подписывайтесь на папку с новостями о независимой музыке и авторскими обзорами, вот что внутри:
@lakrica_hhep: канал о хип-хопе, ведущая которого написала диссертацию с разбором этого стиля
@stereoalchemy: о музыке, в основном о хип-хопе - через контекст, связи и историю
@raresongs666: архив песен в стиле нью-вейв, синти-поп, фолк и этнические редкости
@rarewave: нью-вейв и прочие радости 80-х, находки и истории неизвестных групп
@report_from_the_madhouse контркультура, альтернатива, винил, видеоигры, кино
@castelul_bran: о музыке и культуре с уклоном в готику
@vnoir: здесь про музыку, кино, schwarze szene
@music_female: канал с собранием композиторок, исполнительниц и их трудов
@music_huntr: авторские обзоры и рецензии на независимую и популярную музыку
@sbilassritma: личные заметки о новинках, старинках и всём, что попадает в ритм и откликается в сердце - инди, пост-панк, электроника
@musicisrubbish: глубокие статьи-разборы творчества разных исполнителей без жанровых, географических и иных границ
@idreview: критические заметки о известной и не очень музыке
@albumsoftheday: новый музыкальный альбом каждый будний день в 10:00
@album_du_jour: без выходных и праздников тут рассказывается о заслуживающих упоминания альбомах
@chanson_du_jour: просто по одной достойной песне каждый день, не больше и не меньше
@lakrica_hhep: канал о хип-хопе, ведущая которого написала диссертацию с разбором этого стиля
@stereoalchemy: о музыке, в основном о хип-хопе - через контекст, связи и историю
@raresongs666: архив песен в стиле нью-вейв, синти-поп, фолк и этнические редкости
@rarewave: нью-вейв и прочие радости 80-х, находки и истории неизвестных групп
@report_from_the_madhouse контркультура, альтернатива, винил, видеоигры, кино
@castelul_bran: о музыке и культуре с уклоном в готику
@vnoir: здесь про музыку, кино, schwarze szene
@music_female: канал с собранием композиторок, исполнительниц и их трудов
@music_huntr: авторские обзоры и рецензии на независимую и популярную музыку
@sbilassritma: личные заметки о новинках, старинках и всём, что попадает в ритм и откликается в сердце - инди, пост-панк, электроника
@musicisrubbish: глубокие статьи-разборы творчества разных исполнителей без жанровых, географических и иных границ
@idreview: критические заметки о известной и не очень музыке
@albumsoftheday: новый музыкальный альбом каждый будний день в 10:00
@album_du_jour: без выходных и праздников тут рассказывается о заслуживающих упоминания альбомах
@chanson_du_jour: просто по одной достойной песне каждый день, не больше и не меньше
❤6🔥4👏2
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
Мечта обычно сфокусирована на цели, но не на пути к ней. В этом и скрывается ее хрупкость: когда мечта существует в голове, она кажется красивой и понятной, но стоит ей столкнуться с реальностью, как восприятие мечты меняется.
В американской мечте самой по себе нет ничего плохого, потому что все хотят жить лучше и быть успешными. Но прийти к этому можно разными способами, и тогда очень важным становится контекст, который способен менять даже самые добрые образы.
Например, снеговик - что-то зимнее, детское, праздничное. Но если поместить образ снеговика на футболку парня из Атланты, снеговик станет символом хасла.
Атланта - это Мекка, и большая троица трэпа в ней - это T.I., Gucci Mane и Young (тогда еще, но сейчас уже не Young) Jeezy. Из всех троих как будто меньше всего импакта у Jeezy, но так может показаться только на первый взгляд.
На альбоме 808’s & Heartbreak Канье Уэста было указано четыре приглашенных исполнителя, и один из них - Young Jeezy. На альбоме Рианны Rated R, вышедшем год спустя, тоже четыре приглашенных исполнителя, и один из них - снова Young Jeezy. На альбоме, который повлиял на звучание r&b, и на большом поп-альбоме оказался рэп-исполнитель, которого вряд ли можно назвать самым техничным или самым ярким: это даже не самый влиятельный рэпер из Атланты.
Если погружаться в куплеты Jeezy, там действительно нет какой-то выдающейся игры слов или закрученных строк с несколькими смыслами. Нет новаторской подачи, которой он мог задать направление жанру, как это сделал Lil Wayne, например. Но в чем тогда секрет Jeezy?
Когда-то Уильям Кристофер Хэнди, которого прозвали “отцом блюза”, написал, что афроамериканцы на Юге поют обо всем на свете, а в качестве инструментов используют все, что может создать музыкальный звук: “Таким образом, из любого подручного материала создается настроение, которое мы теперь называем блюзом”. И трэп - с поправкой на технологии времени - воспроизводит этот тезис: все, что есть вокруг, становится музыкой, а реализм возводится в абсолют как такое продолжение вектора N.W.A. (сама группа называла свою музыку reality rap).
Атланта - родина социального жилья в США: первые проджекты появились там в 1932 году. А еще Атланта - первый город, где социальное жилье снесли. Но жилищный кризис из-за совокупности бедности, преступности и последствий долгой расовой сегрегации только усугубился, и так возникла идеальная среда для появления трэп хаусов. И, конечно, это не могло не отражаться в музыке.
Важная деталь, что вот этот реализм проявляется не только как успех и деньги (как раз американская мечта) - в нем имеет значение точка старта, но не просто как история преодоления, а в социальном плане. Например, вот как появилась та самая футболка с лого снеговика: в 2005 году у Young Jeezy вышел дебютный альбом Let’s Get It: Thug Motivation 101, и перед выходом альбома команда придумала идею с футболками, а сам Jeezy объяснял ее важность тем, что не все могут позволить себе Gucci. Это такое удивительное сочетание материальной приземленности и социального подтекста. А именно снеговик был выбран, потому что before rap Young really seen snow.
Когда хип-хоп стал частью индустрии, тезис keep it real был одним из основных принципов этой музыки. Потому что как тогда рассказать о жизни, если не живешь этой жизнью? Со временем и появлением все новых поджанров это стало восприниматься исключительно в уличном контексте, параллельно на это накладывались нюансы музыки как бизнеса, но в итоге - особенно с успехом Дрейка, Кида Кади, - принцип keep it real стал восприниматься как верность самому себе. В этом главная особенность Jeezy как исполнителя - аутентичность, которая превращает его в архетип уличного героя.
Иногда необязательно проделывать какую-то выдающуюся работу со словом, усложнять метафоры, достаточно просто рассказать как есть, и это уже оставит культурный след. Весь вот этот хасл до рэпа научил Jeezy выживать, а музыка помогла трансформировать этот опыт в мотивацию уличного героя. Для этого не нужно придумывать образ или пытаться понравиться, поэтому Jeezy и still realest in this.
В американской мечте самой по себе нет ничего плохого, потому что все хотят жить лучше и быть успешными. Но прийти к этому можно разными способами, и тогда очень важным становится контекст, который способен менять даже самые добрые образы.
Например, снеговик - что-то зимнее, детское, праздничное. Но если поместить образ снеговика на футболку парня из Атланты, снеговик станет символом хасла.
Атланта - это Мекка, и большая троица трэпа в ней - это T.I., Gucci Mane и Young (тогда еще, но сейчас уже не Young) Jeezy. Из всех троих как будто меньше всего импакта у Jeezy, но так может показаться только на первый взгляд.
На альбоме 808’s & Heartbreak Канье Уэста было указано четыре приглашенных исполнителя, и один из них - Young Jeezy. На альбоме Рианны Rated R, вышедшем год спустя, тоже четыре приглашенных исполнителя, и один из них - снова Young Jeezy. На альбоме, который повлиял на звучание r&b, и на большом поп-альбоме оказался рэп-исполнитель, которого вряд ли можно назвать самым техничным или самым ярким: это даже не самый влиятельный рэпер из Атланты.
Если погружаться в куплеты Jeezy, там действительно нет какой-то выдающейся игры слов или закрученных строк с несколькими смыслами. Нет новаторской подачи, которой он мог задать направление жанру, как это сделал Lil Wayne, например. Но в чем тогда секрет Jeezy?
Когда-то Уильям Кристофер Хэнди, которого прозвали “отцом блюза”, написал, что афроамериканцы на Юге поют обо всем на свете, а в качестве инструментов используют все, что может создать музыкальный звук: “Таким образом, из любого подручного материала создается настроение, которое мы теперь называем блюзом”. И трэп - с поправкой на технологии времени - воспроизводит этот тезис: все, что есть вокруг, становится музыкой, а реализм возводится в абсолют как такое продолжение вектора N.W.A. (сама группа называла свою музыку reality rap).
Атланта - родина социального жилья в США: первые проджекты появились там в 1932 году. А еще Атланта - первый город, где социальное жилье снесли. Но жилищный кризис из-за совокупности бедности, преступности и последствий долгой расовой сегрегации только усугубился, и так возникла идеальная среда для появления трэп хаусов. И, конечно, это не могло не отражаться в музыке.
Важная деталь, что вот этот реализм проявляется не только как успех и деньги (как раз американская мечта) - в нем имеет значение точка старта, но не просто как история преодоления, а в социальном плане. Например, вот как появилась та самая футболка с лого снеговика: в 2005 году у Young Jeezy вышел дебютный альбом Let’s Get It: Thug Motivation 101, и перед выходом альбома команда придумала идею с футболками, а сам Jeezy объяснял ее важность тем, что не все могут позволить себе Gucci. Это такое удивительное сочетание материальной приземленности и социального подтекста. А именно снеговик был выбран, потому что before rap Young really seen snow.
Когда хип-хоп стал частью индустрии, тезис keep it real был одним из основных принципов этой музыки. Потому что как тогда рассказать о жизни, если не живешь этой жизнью? Со временем и появлением все новых поджанров это стало восприниматься исключительно в уличном контексте, параллельно на это накладывались нюансы музыки как бизнеса, но в итоге - особенно с успехом Дрейка, Кида Кади, - принцип keep it real стал восприниматься как верность самому себе. В этом главная особенность Jeezy как исполнителя - аутентичность, которая превращает его в архетип уличного героя.
Иногда необязательно проделывать какую-то выдающуюся работу со словом, усложнять метафоры, достаточно просто рассказать как есть, и это уже оставит культурный след. Весь вот этот хасл до рэпа научил Jeezy выживать, а музыка помогла трансформировать этот опыт в мотивацию уличного героя. Для этого не нужно придумывать образ или пытаться понравиться, поэтому Jeezy и still realest in this.
❤10👏2👍1