За что мы вообще любим мерч?
Формально это ОЧЕНЬ бесполезная трата, одна из самых бесполезных в нашей короткой жизни. Ты берёшь товар, который, как правило, чуть (или не чуть) дороже обычного... чтобы что? Чтобы иметь сопричастие к любимым историям? Да ты не сопричастен, ты просто тратишь деньги на вещи, которые в основном не нужны. Да, ты финансируешь создателей любимых историй, это так, но - сколько денег уходит им, а сколько - ритейлерам, сетям распространения и прочим составляющим товарной цепи?

Мне кажется, мерч - это просто вещь, которая переносит часть волшебства из абстрактной среды кино в жизнь реальную.
Мы любим кино (или анимацию, без разницы). Мы любим истории, связанные с ними. Создавать мерч по книгам сложно - у них нет визуализации (хотя порой случается - и кейс к УЖАСНОЙ книге про секси-Питер Пэна действительно выдающийся: к литературе такого рода и нужны секс-игрушки). Но кино - совсем другое дело: это вещь с уже существующей визуализацией, которую значительно проще воспроизводить. Особенно это касается анимации: рисунки просто смотрятся намного лучше, чем мясные люди, и их проще воспроизводить на принтах любого типа. Это в том числе касается и живописи - и я не имею в виду радикальные примеры, вроде Энди Уорхола или прямо коммерциализировавшего своё творчество Сальвадора Дали; но - репринты известных картин, копии статуй... Да разве заказ полотен по книгам, в том числе и Библии (и не для сакральных мест, а для меценатов), это не мерч в каком-то своём роде?

И - мы, так или иначе, общество консьюмеризма. Даже Нина Палей, которая ратует за отказ от потребительства, выпускает мерч (очень прикольный, кстати). Мы любим объекты материальной культуры, мы не можем без них жить. Отказаться от лишнего - хороший выбор, очень благородный, но большинство людей очень предметны. Им важно прикасаться к любимым историям в том числе и буквально - это как бы подтверждение, что они реальны, что они часть твоего существования. А уж какую функцию будут исполнять это чувство сопричастности - брелоков, игрушек, кружек, книжек-новеллизаций - это уже другая история...

Пользуясь (сравнительно) свежим инфоповодом:

мой любимый мерч у "Руслана и Людмилы" - это форма для пряника в виде самого лучшего персонажа мультфильма.

Автор: Арсений Плиев

Я думала написать пост про VIRAI... но потом передумала, потому что, несмотря на то, что это продукция Rikani, "Альтушка для скуфа" играет малозначимую роль именно для анимации. Это визуальная новелла; да, там рисованные персонажи с яркими дизайнами, но это, ну, не то, что делает анимацию анимацией. И даже авторские клипы используют анимацию в самом бедном анимешном смысле; ну то есть фактически она есть, без вопросов, но...

На самом деле куда интереснее тема - насколько вообще перспективно экранизировать мемы.
Это вообще не авторская история, если честно. Ну то есть можно придумать какой-то сюжет под это, да, но сама задача носит скорее маркетинговый характер. Это не про то, чтобы превратить мем в историю (зачастую она уже в нём есть), это для того, чтобы монетизировать массовое увлечение. Нормальная задача, в 90-е так делали - правда, не с мемами, с кэтч-фразами, но тем не менее. А в нулевые в России были экранизации анекдотов - тоже, в общем, странная затея (хотя, кмк, более перспективная именно для актёрского отыгрыша).

Тем не менее. Можно ли экранизировать мемы?
Можно-то можно, но я не уверена, что это игра в долгую. Не в том плане, что ох, фильм/мультик/игра войдёт на века - очевидно, никто так не думает. Но будут ли обращаться к этой штуке вне выбранного временного отрезка? Я не уверена, как ответить на этот вопрос; мне кажется, что нет.

Просто мемы в основном сиюминутная история. В отличие от анекдотов, которые могут вообще спокойно жить отдельно от своих персонажей (ну, как правило), мемы связаны либо с сетевыми ритуалами (традиции, челленджи, вот это всё), либо с конкретной ситуацией (геополитической, информационной, какой угодно), либо просто воспроизводят маски - как персонажей и как какие-то эмоции. Последние ещё хоть как-то перспективны - и Гомофобная Собака, и Филосораптор, и Гарольд, который чувствует боль, могут быть персонажами помимо своего топоса, а вот как построить историю вокруг остального...

И, мне кажется, история с навариться здесь и сейчас даже не так перспективна. Потому что надо очень чётко понимать свою ЦА, а она может быть ОЧЕНЬ нишевой. Есть вещи, которые распространились более-менее везде, но уже к концу производственного цикла они наверняка устареют, и эффект узнавания будет работать в обратную сторону.

Хотя вроде Терлецкий и Рикани на доход с "Альтушек" не жалуются, так что, может, это всё предвзятость.

P. S.: пока что единственный фильм-мем, который меня завораживает, это "Ждун". Его анонсировали пять лет назад, ровно столько же мем лежит мёртвый, и только в конце 2024 - 2025-ом гг. он должен выйти. Если это не метаирония, то я вообще не знаю, что это.

Вот мы (я) хотели поговорить о художниках - в широком смысле - из фэндомов, их отличия от типовых специалистов.

Отличия... минимальные. Но есть.

Если говорить о преимуществах, фэндомные режиссёры, сценаристы и художники ВЕЛИКОЛЕПНО знают свою ЦА. Они знают, каких людей радуют, они тонко чувствуют своего читателя/зрителя (как правило, подростка или молодых людей), они хорошо понимают, какие потребности закрывает их искусство - и как то, что они хотят делать, резонирует с аудиторией. Они редко отказываются от художественного я (хотя бывает, они могут быть неплохими имитаторами), и умеют построить неформальное взаимодействие персонажей, чтобы это было красиво/смешно/трогательно - в общем, цепляюще.

Проблема в нюансах.

Как правило (хотя не всегда), крэйторами становятся люди, рисовавшие/ писавшие ОСов (original characters) или развивавших АУ (alternative universe) версии. Из хорошего - у них есть авторский взгляд, и они не тупо эпигонят.
Но редко кто из этих ребят действительно заморачивается над историей как цельным сюжетом.

Они не всегда ПЛОХИЕ, но есть сильный акцент на филлеры или взаимодействия персонажей сильно перевешивают когерентное повествование. Иногда это приводит к забавным решениям (Гамбит в мейдо-костюме!), но сильно вредит собственно сюжету. Примеров масса: Vivziepop, Ноэль Стивенсон, Фёдор Комикс в какой-то степени, художница Фобс (она особенно ярко это иллюстрирует: у неё ДИКАЯ фанбаза, отчасти построенная за счёт того, что она переинтерпретирует персонажей из более взрослых по духу историй в нечто более расхлябанное и молодёжное - восплачем над Ярхом). Эти люди безусловно популярны, они офигенно знают своих зрителей и способны показать клёвые шутки и яркое взаимодействие героев...

...но, братья и сёстры из фэндомов, всё-таки ЛЮБОМУ продукту нужна история. Не копипаста наиболее популярных тропов, а нормальная, крутая история, в которой ваши персонажи станут просто незабываемыми. А уж прикольные сценки общения приложатся.

(Да, "Ши-Ре" удалось, но характерно, что лучшие эпизоды и не Стивенсон писали)

Вообще если кто-то говорит, что главное в произведении персонажи, не верьте им.

Ну, точнее, верьте. Но с оговорками и исключением.

Важное открытие состоит в том, что персонажи не продуцируют историю. Персонажи ставятся в контекст истории. Один и тот же персонаж очень по-разному звучит в разных произведениях. Более того, один и тот же персонаж может генерировать и разные истории, и это тоже важно. И если вы забиваете на историю или отводите ей второе значение, тогда как ярким образам первое... ну, дай бог, получится "Отель Хазбин". А может весь Gobelins прошлого года. Или второсортные аниме.

Тут важно ещё понимать, что и истории очень разные, и некоторым не нужны ни персонажи, ни сами истории. Блэйк Снайдер может фыркать на "Чёрный квадрат", что масс-культуре он не нужен, и это будет смешно, поскольку "Чёрный квадрат" УЖЕ пережил Снайдера (и явно нужен больше, чем "Стой! Или моя мама будет стрелять"). И вот почему Пропп и Леви-Стросс НАМНОГО предпочтительнее Кэмпбелла или Воглера: они дают структуры разных мифов, которые внутри себя по-разному же комбинируются, и делят мифологический и фольклорный корпуса на космогонические, плутовские сказки, ритуальные, в общем, самые-самые разные.

И с анимацией ровно та же история.

Да, если понимаешь, что хочешь заниматься именно коммерцией в популярном стиле, воспроизводить Шванкмайера или Руттмана бессмысленно (хотя знать обязательно надо, как и любую, самую дедовскую классику). Но тогда история нужна абсолютно точно, если только не занимаешься енкомами и аниматиками на 15 секунд.

Иногда формулировка истории и жанра дают персонажам намного больше осознанности и глубины, чем у них есть на первый взгляд.

У меня каждый раз сердце кровью обливается, когда молодые студентики-аниматоры говорят, что вот, скучные пары, заставляют их, бедных, изучать иконопись/архитектуру/абстрактное кино, а уж могли бы УХ!..

Ребят. Я вас очень люблю, но вы такие дураки, ей-богу.

Не всё, что дают в вузах, действительно важно, факт. (вьетнамские флэшбеки о парах ОБЖ не где-нибудь на первых курсах, а прям перед защитой дипломов, чтоб точно никто не ходил)
Но, если вы занимаетесь визуальным искусством, вы всё-таки ОБЯЗАНЫ знать свой предмет.

Окей, не обязаны, громкое слово. Но хорошо бы разбираться в нём как боженька.

Да, ты рисуешь чувачков в стиле Nikelodeon, и тебе не оч интересны готические витражи. Но это даёт охренительный простор для креатива, для вдохновения, для синтеза, в конце концов. Тот же "Дом Совы" в себе и аниме, и Босха, и Брейгеля аккумулирует просто на раз-два.
Да, ты хочешь делать ютуб-анимацию про смерть и разложение с чёрным юмором, новый "Атомный лес", допустим. Так выучи, блин, предшественников, которые идут с Krazy Kat и братьев Флейшеров ещё, и расцветают перед флэш-анимацией ещё в восьмидесятые, с появлением MTV! (а ещё хорошо б экспрессионизм подолбить, посмотреть на то, как с пространство работает Гойя, и как из "Андалузского пса" и уки-э появилось японское гуро)
Ты хочешь просто быть аниматором, без авторских проектов? ТОГДА ЧТО ТЫ ВООБЩЕ ВОЗМУЩАЕШЬСЯ А НУ ПШЁЛ АРХИТЕКТУРУ ДРОЧИТЬ НЕЙРОСЕТИ И ОБМАЗКА ТЕБЕ ВСЕГО НЕ ЗАМЕНЯТ

Ребят, вы занимаетесь лучшим искусством на свете. Я правда профдеформирована и считаю, что всё, что существует, существует только потому, что не смогло быть анимацией. (шутка, конечно! но выдающая любовь) Если вам кажется, что появляются клёвые ребята без образования и выдают на-гора бэнгер, то углубитесь в вопрос поглубже: со стопроцентной вероятностью их незнание очччччень относительная штука.

Да, есть проблема, что ты либо работаешь, либо смотришь вещи. Увы, так бывает. Но повышение квалификации идёт именно от насмотренности, в том числе в сфере искусства. И, правда, вам потом это очень поможет.

Наверное, о продукции советского аниматографа очень хорошо говорит тот факт, что одним из слабых её мультфильмов оказывается «Капля» – вещь по-своему талантливая и уж точно вдохновенная. Она намного более интересная, творческая и самобытная, чем бесчисленные кукольные мультфильмы, в которых нет вообще никакого проблеска авторского начала и которые были просто экранизациями спектаклей. «Капля» совсем не такая…

Обычно я оставляю обсуждение рисунок на потом, но в этот раз хотелось бы начать именно с него. Рисунок ужасен – и это поразительно, поскольку режиссёром картины выступила Розалия Зельма. Я в упор не понимаю, что случилось в 1984-ом, когда от своего нежных, едва заметных карандашных линий она перешла к очевидно более мультяшному стилю с заметным лайном и блёклыми неинтересными цветами.

Причём именно с анимацией проблем нет. Она непохожа на то, что Зельма делала раньше: у неё периодически встречалось плавное движение, но в основном это были стоп-кадры. Здесь же анимация постоянно трансформируются, она делает объекты на экране очень пластичными – а это важно в истории, рассказывающей о текучей и переменчивой воде. Некоторые образы фантастически прекрасны, и их губит как раз рисунок – он просто недостаточно хороший для того, чтобы передавать такие довольно сложные образы. И получается очень странная картина: концептуально то, что происходит на экране, очень здорово и круто (Река-женщина течёт сквозь берега! Океан обрушивает свою мощь на материк! Кораблик теряется среди волн!), но то, как это нарисовано, не выдерживает ни малейшей критики. Особенно сама Капля, господи боже.

Сценарий Роберта Рождественского поэтичный, это так; более того, тот стиль, который в итоге выбран для мультфильма, полностью обоснован его историей. Идея «Капли» понятна: это анимационная притча, которая, освободившись в 80-х от довлеющего диктата партии позволяет создавать сюжеты не в парадигме соцреализма, где капли – это метафоры народа, а просто рассказывает красивую (предположительно) сказку. Ну вот жила-была такая капелька, которая спросила не у ясеня, не у тополя, а у Реки, Моря и Океана, сильные ли они. А в итоге получается, что сила не должна быть злой, а должна быть доброй. Одушевлённые аллегории поняли свою ошибку и признали правоту Капли – вот и весь рассказ. Он занимает ровно столько времени, сколько должен, действительно мотивирует использовать переход цветов от одного типа воды к другому (блистательная находка), ведёт линии волн за собой, заставляя их превращаться в пену и обрушиваться на каменные громады. Может быть, кому-то эта история покажется занудной, но это лишь вопрос о том, воспринимает ли человек жанр притчи или страшно его не любит. У притч есть очевидная проблема в чрезмерной назидательности, но это просто особенности жанра, чего их критиковать.

Раньше я истово ненавидела «Каплю», но теперь я смотрю на неё с долей жалости. В этом мультфильме есть больший, огромнейший потенциал, он созвучен с любимыми темами режиссёрки, он очень… искренний – как и почти всё творчество Розалии Борисовны. Но его просто тяжело смотреть, буквально – рисунок уничтожает всё то прекрасное, что пытается сделать анимация, превращая в итоге Реку, Море и Океан в набор динамично движущихся линий, которые лишь имитируют воду, но не могут ею быть.

Наверное, для мультфильма и хорошо, что его не помнят. Но всё равно это вызывает грусть, которую не решит ни одна маленькая мудрая капелька. Разве что она окажется слезой.

Если что-то и можно сделать полезного из отвратительного скандала, где медиа-персона, певшая песни про АУФ и Наруто, унизила маленькую девочку, то это анимационные клипы. Вернее, урок, как их делать НЕ надо.

Использовать нейросети - ок, в том числе использовать их пока несовершенные технологии - это даже можно креативно обыграть. Кто бы не хотел посмотреть хоррор или сюрреалистическое приключение, в котором предметы неуловимо меняются с каждым кадром? Какое тревожное или какое волшебное ощущение может передать использование нейросети, чьи образы переливаются, меняются во что-то кардинально другое!
Но Миа Бойко явно добивалась не этой цели. Это должно было быть романтическое морское приключение, и в таком случае... вау, как это плохо.

(украду комментарий коллеги: она Врангеля с Врунгелем не перепутала чай?)

Думаю сделать подборку крипи-историй, связанных с Микки-Маусом и Диснейлендом (кто-то переслушал тру-краймов про семью Тёрпинов, ага), и тут случайно наткнулась на религиоведческий термин, о котором раньше не слышала:

проблема Микки-Мауса (она же проблема Санта-Клауса, она же проблема Зевса) -

"Если Микки Маус представляет собой вымышленного персонажа по образцу Христа, то почему Микки Маус не получает в обществе того же почитания, которое получает Христос?"

Вот про это крутая статья нашлась.
Надо будет внимательнее почитать, это правда ужасно интересно!

Вообще про проблему Микки-Мауса получилось смешно: кто помнит ужасный (мой любимый) фильм "Поле битвы Земля", тот, вероятно, проассоциирует эту находку с интересной сценой, где инопланетяне находят "ритуальные капища" землян, и это тупо Диснейленд. Очень... хорошо рифмуется.

Надо будет потом посмотреть, было ли нечто подобное в книге Хаббарда. С него станется поиздеваться над археологами (мем про абсолютно любой предмет, называемый "ритуальным")