Rubato
17 members
5 photos
43 links
rubato — ритмически свободно. о музыке
Download Telegram
to view and join the conversation
С годик назад я уже писал про альбом Дайаны Кролл Wallflower. Каюсь, тогда я его отслушал недостаточно внимательно, и многое от меня ускользнуло.

Хотя при повторном прослушивании (многократном я бы сказал) немного утомил саунд - стандартненький американский classical pop song вроде поздней Барбры Стрейзанд, подбор песен ну чрезвычайно хорош.

Залип я сейчас на несколько композиций. Одна из них - Operator (That's Not the Way It Feels) Джима Кроче (Jim Croce). Трогательная баллада, чувак потерял номер бывшей и звонит оператору, чтобы он дал номер и соединил. Попутно парень вываливает всю историю любви (ушла к лучшему другу, теперь, разумеется бывшему), рассказывает, как хочет позвонить и сказать, что все с ним окей, что "пережил он взрыв" и все такое - конечно же хочет убедить в этом самого себя. В конце концов лирический герой от звонка отказывается, оставляя набежавшие центы оператору.

Но еще больше мне понравилась песня If I Take You Home Tonight - единственная из трек-листа, на которую нет статьи в "Википедии". Потому что эта песня единственная с пластинки, которая - не кавер. То есть, это не джаз-стандарт и не творение самой Кролл, это новая песня. Песню написал сам сэр Пол Маккартни к своему альбому, который он выпустил совместно с Кролл. Композиция в альбом не вошла - у нее даже не было записи. И вот Кролл в 2015 году ее и умыкнула.

Что меня тронуло? Ну простота (но не банальность) гармоний и текст, конечно. "Если бы я забрал тебя сегодня вечером домой, я бы думал о песнях, что тебе спеть. Они были бы радостными. Если бы ты разрешил(а) забрать тебя домой..."

Ну как-то так.

https://www.youtube.com/watch?v=0oJ5SyIj5BY
Жила-была женщина. С детства любила музыку. Подавала большие надежды. Окончила ленинградскую консерваторию. Училась в том числе у Шостаковича.

От ярлыка "ученицы Шостаковича" отпиралась всю оставшуюся жизнь. Конечно, она не была его ученицей в том смысле, что не была последовательницей. Она вообще не считала, что чья-либо последовательница. Критиков посылала - писать про других, свою музыку не классифицировала никак.

Нюанс, однако в том, что кто-то её творчество не классифицировал как музыку. То, что она писала "для себя", исполняли не так часто - это нечто не просто атональное, но и аритмичное. Учения о сочетаниях тембров разных по природе инструментов, об их регистрах её тоже не интересовали. Ну и всякое такое.

Пора сказать, что я пишу о Галине Уствольской, столетие которой отмечают в этом году.

Чтобы прокормиться, Галина преподавала в училище. Талантов среди своих учеников не видела. Да и собственно на занятиях она не то чтобы их учила. Ей что-то играли, она слушала и говорила, внимание, "суть" это или не "суть" - это вот термин для хорошей музыки. Если "не суть", то не приноси больше! И не носили. Постепенно вокруг Уствольской сформировался узкий кружок сектантов, а большего ей и не надо было.

Правда, уже после распада СССР её музыкой заинтересовались на Западе. Про Уствольскую сняли несколько документальных фильмов. Не знаю уж, интересовала она их как композитор или как городской феномен. Её и сейчас там исполняют, ноты продаются по $40, а то и по $80. Статья в англоязычной "Википедии" есть.

Интервью Уствольской "Радио Свобода", которое мне довелось слушать, оставило неприятное впечатление. Можно, конечно писать не всем понятную музыку, и можно даже списывать непонимание на узколобость, но если по мнению автора узки лбом все, то не вероятнее ли, что узколоб как раз он?

Вот фортепианная соната #6, проверяйте лбы, товарищи.

https://www.youtube.com/watch?v=RpJ-tVnsiFg

Ну ладно. Сегодня вот наткнулся на интересные воспоминания о Галине Уствольской. Весьма занятно в плане понимания того, как возникает культурное сектанство. Очень, очень познавательно:

"У Металлиди мне писалось легко, свободно и радостно. И музыку свою в процессе сочинения я ощущал так же, как ту, которую играл с листа – в виде бегущей вперёд дороги с интересными, сменяющими друг друга ландшафтами. Уствольская, непонятно каким образом, но довольно быстро, сумела внушить мне идею, что сочинение музыки – процесс чрезвычайно трудоёмкий нервный и даже мучительный. И очень, очень медленный.

Каждый такт – это самостоятельный шаг, который требуется тщательно обдумать, прежде чем сделать. Каждая нота должна быть выстрадана, и лёгкое перо – не достоинство, а недостаток, говорящий об отсутствии глубины и полной непригодности к серьёзному творчеству. Бах с Моцартом у Галины Ивановны, думаю, зачахли бы довольно быстро, не говоря уже о Бетховене".

Читать полностью: https://www.classicalmusicnews.ru/tikhomirov/galina-ustvolskaya-1/
Песня «Одиночество» прозвучала в финальном концерте конкурса композиторов им. А.Петрова. Исполнил Игорь Кроль. Песня приза не получила — ну да ладно).

Естественно, «Одиночество» войдет в новый альбом, материал для которого собирается. А пока — видео с исполнением Игоря Кроля и моя демка (для альбома в аранжировку добавлю мяска). Enjoy if you can.

https://youtu.be/6cpSqu78Vuo

https://soundcloud.com/romanoff1987/vasiliy-romanov-odinochestvo
Конечно, за всю историю музыки создано огромное количество музыкальных инструментов. Ещё, наверное, столько же уже забыто. После того как Бетховен заложил основы оркестра, принципиально уже ничего не менялось. Уже при Бетховене скрипичная группа устоялась, а "конкуренты" скрипки, альта, виолончели и контрабаса спустя 50 лет были совсем забыты.

Хорошо известно, что альтернативой нынешним струнным были виолы. А вот арпеджионе известно совсем мало. Сконструированный в 1823 году, по сути этот инструмент был "оскрипиченной" гитарой - с шестью струнами, но выгнутым корпусом. Играть можно было и смычком, и щипком, на грифе были размечены лады (удобно). Практически идеальный инструмент!

Но, идея, почему-то не зашла. На инструменте поиграли лет десять и забыли.

Почему о нём помнят сейчас? Потому что Франция Шуберт в 1824 году написал сонату для фортепиано и арпеджионе. Играют её уже давно на виолончели или альте, но играют весьма часто - найдёте без труда множество интерпретаций.

Я же предложу вам такую: за роялем Бенджамин Бриттен, виолончель - Мстислав Ростропович.

https://www.youtube.com/watch?v=AonBUbPkthc
Арпеджионе
Джаз это ушедшая эпоха, давайте говорить честно. Ну, в массовом сознании. Да, в мире есть барочная музыка (и даже аутентичная!), но так не пишут (хорошо, практически не пишут). И на этом не строят карьеру.

На джазе, если вы не хотите быть джазовым исполнителем, а хотите быть "для всех" - тоже. Обратный ход же закономерен - как, пардон, от низкого искусства к более высокому. Леди Гага (слава богам!) сейчас тяготеет к джазу. Обратный же ход немыслим.

Тем не менее, в 1995 года одна исландская особа "выстрелила" абсолютно джазовым хитом. Песня 1950-х. Но она её не осовременила, нет. Во всяком случае - не в аранжировке. Абсолютный биг-бэнд, ну, может, пару шероховатостей (не играли тогда так деревянные), но в остальном он самый, старый-добрый джаз.

Это, конечно, Бьорк (много вы знаете исландских певиц?). Надо сказать, что резонанс имел сам клип. Половина его, а то и две трети сняты в замедленной съемке. Это, по меркам, 1990-х годов было бы не так уж и сложно, но есть нюанс - склейки между обычным временем и замедленным не видны. Видео получило кучу номинаций - еще раз напомню, абсолютно биг-бэндовская аранжировка. Что касается вокала, то он, конечно, бьорковский, но немножко и холидеевский (типа, похоже на Билли Холидей). Вот почему я С УДИВЛЕНИЕМ понял, что LIVE - лучше - редко бывает.

Посмотрите live, если хочется хорошего джаза, живой артикуляции, немножко кривляний и обесценивания собственного любовного опыта.

Да, песня-то о том, что всё тишь и благодать, пока хуяк! (извините) - ты не втюрился.

https://www.youtube.com/watch?v=V-58I81gySE
Я могу точно сказать, когда был счастлив за последние две недели - на мюзикле «Чикаго» на Бродвее. Я просто физически ощущал это счастье (боже, это лучше чем секс было!) от сочетания кандеровского джаза, танца и эмоций актёров. Пожалуй, я в первый раз увидел театральное представление, в котором совершенно всё. При этом в каких-то сценографических моментах можно не соглашаться с замыслом постановщиков, но уже выбранная ими концепция дошлифована до абсолюта, в её реализации изъянов нет.

Это надо видеть, отмечу лишь несколько моментов. Конечно, постановщики постарались уйти от фильма. «Конечно» - потому что это у нас в сознании есть фильм «Чикаго», и типа на Бродвее идёт такой мюзикл. Для американцев «Чикаго» - часть культурного кода нации (и даже возможное выражение устройства американского суда и общества, той самой «американской мечты»), а фильм с Зельвегер и Гиром это лишь одна из интерпретаций этой знаменитой истории, не более того.

Основные отличия от фильма (видите, я-то ставлю за точку отсчёта фильм!):

Во-первых, героини не похожи на киношных, и тут лично я симпатизировал Вельме Келли, а не Рокси Харт: в истории высвечено безудержное тщеславие и гордыня Рокси в момент «успеха». В кино это тоже есть, но там Рокси мила и глупа, и жажда паблисити не так режет глаз, списываешь ей это, в театре по-другому. Ещё бродвейская Рокси… немолода. Тут актрисе явно за 45. Хотя может она просто повзрослела - на нынешнем месте в Ambassador Theatre представление идёт с 2003 года.

Во-вторых, постановщики не стали выкидывать из мюзикла те номера, которые изъяли создатели фильма. И зря: на мой взгляд, эти композиции действительно снижают динамику спектакля.

В-третьих, тут должно быть еще что-то важное и большое, но нет. Просто в театре гораздо более выпуклы адвокат и муж Рокси. Вообще, все персонажи объемнее. Я только на Бродвее узнал, что главная журналистка Мэри Саншайн это не просто колоритный персонаж, нет - у неё тут своя ария с жизненным кредо. В конце, когда адвокат говорит, что часто в жизни всё нет, как кажется, выясняется, что эта журналистка - кросс-дрессер (или вообще т*персона, не знаю).

Но самое главное, что в центре истории здесь поставлена (боже, наконец-то) - музыка. Сегодняшнее «Чикаго» это дань уважения эпохе джаза. Частично это изначально заложено в либретто - и в виде номера And All That Jazz и в том, что тут почти нет номеров-действия, есть арии, которые любят не за эффектность, а за джазовую мелодику и фактуру. Но в Ambassador Theatre пошли ещё дальше и в буквальном смысле поставили музыку в центр. Примерно 80% сцены занимает оркестр, музыканты которого сидят амфитеатром. А из ниш постамента уже появляются герои, взаимодействуют с дирижером (который не только дирижирует, но и объявляет выход некоторых персонажей), уходят обратно.

Музыка в центре, что может быть прекраснее? И я могу точно сказать, когда был счастлив за последние две недели.
Привет!

На всех возможных площадках вышел мой сингл "Колыма-мама". Работа, вдохновлённая книгой Евгении Гинзбург "Крутой маршрут", а также архивными документами о репрессиях в нашей семье, с которыми я ознакомился год назад. Сложно сказать насколько сильно для меня важна эта работа, поэтому просто скажу: очень важна.

Youtube: https://youtu.be/F0TpN-NGQAw

Яндекс.Музыка: https://music.yandex.ru/album/9345193/track/60472901

Itunes: http://itunes.apple.com/album/id1489908331?ls=1&app=itunes

Apple Music: http://itunes.apple.com/album/id/1489908331

Google Play: https://play.google.com/music/preview/Bgln5e5nnd25htk35fdwbdbcg3y
Наткнулся на замечательное видео. В конце января 1960 года Леонард Бернстайн и Нью-Йоркская филармония выпустили серию программ "Креативный исполнитель", гостями который были Фаррелл, Стравинский и Гулд. Основное внимание в ней дирижёр уделил исполнителю как союзнику по работе с композитором в интерпретации музыкальных партитур. Можно посмотреть, а я и перевёл, чтоб в рунете было в тексте. На видео после пятиминутного вступительного слова - первая часть клавирного концерта Баха ре-минор.
***

Совсем скоро выдающийся молодой пианист Гленн Гульд исполнит для нас одну из частей клавирного концерта Баха. Гульд и Бах - [уже] сродни легендарному сочетанию, хотя Гульд юн, а Бах - чрезвычайно стар. Конечно, Гульд столкнулся с теми же исполнительскими проблемами в музыке Баха, что наши друзья дирижеры, все - от А до Я. И даже сверх того.

Потому что Бах творил в начале 18 века, и принадлежит к тому времени, когда композиторы не были так уж щедры на сведения, как же исполнять их музыку. Просто посмотрите на первую страницу клавирного концерта D moll. Там указано, какие инструменты должны исполнять эту музыку и какие ноты они должны играть. Кроме этого нет ничего, разве что ничтожно малые указания - allegro и piano. И несколько знаков, которые означают, что ноты должны быть короткими или исполняться плавно.

Теперь взгляните на следующую страницу. Тут вообще нет ничего кроме нот! Ни единого слова о характере исполнения, ни одного знака, слова о динамике или акцентах. Но означает ли, что весь этот пассаж должен быть исполнен без изменения динамики вовсе, например вот так? [Садится за рояль, показывает]

Это же ужасно скучно! С другой стороны, насколько далеко может зайти пианист в поисках динамического разнообразия? Возможно, он мог бы "повылепливать" эту музыку, отзеркаливая взлёты и падения самой музыки соответствующими изменениями громкости. Например, так. [Показывает]

Это один из способов решения этой задачи. Но есть бесчисленное число других, и я уверен, что господин Гульд без сомнения предложит что-то другое - на основе своих собственных суждений, инстинктов и выраженной индивидуальности.

Проблема сродни интерпретации пьес Шекспира, неинформативность текстов которого ровно такая же, как и у Баха. Просто взгляните на текст "Гамлета", и вы увидите перечисление персонажей, а затем -

"Эльсинор. Площадка перед замком.

Полночь. Франциско на своем посту. Часы бьют двенадцать. К нему подходит Бернардо.

Бернардо
Кто здесь?..."

И всё. Никакого описания обстановки, времени, костюмов, персонажей. Ничего. Бернардо, велик он или мал? 20 лет ему или 40? Холодная ли ночь, ветреная ли, облачно, идёт ли дождь? Ни единого слова об этом. Просто "Эльсинор", и кто там.

И если вы ставите "Гамлета", как вы будете решать, [проблему] первой реплики Бернардо? Он - уверенный парень, который зычно рявкает "Кто здесь?!" Или же пугливый типчик, который трясётся и шепчет "К-кто здесь?..." Или он парень, который просто задает обычный вопрос "Кто здесь"? И он его уже задавал его этой ночью? Ответы можно найти только читая всю пьесу, изучая её, изучая персонажей через все их диалоги через те события, что они инициируют.

Вот также и с Бахом. Чтобы понять, как браться за эти страницы, исписанные чёрными нотами, вы должны изучить всё произведение, проникнуть внутрь его и затем сделать выводы. Так что Гленн Гульд должен решить, и я, как его аккомпаниатор, должен определить вместе с ним все темпы, и всё остальное, что мы считаем необходимым, чтобы донести все смыслы музыки Баха до слушателя.

Например, надо ли исполнять начало этого концерта звучно, плавно, величаво, вроде того? [Показывает с оркестром]

Или это должна быть весьма очерченная последовательность отдельных небольших фраз, которые вместе могут создать более разнообразное и интересное предложение, например так? [Показывает с оркестром]

Как бы там ни было, возможно это не будет один из этих "экстремальных стилей", которые мы только что проиллюстрировали, а будет что-то между ними, содержащее и богатство звука, и четкость. И в любом случае, это не будет скучное буквальное прочтение нот, уж насколько я знаю господина Гульда.

https://www.youtube.com/watch?v=9ZX_XCYokQo
Когда я только увлёкся джазом, я узнал, что есть они - "джазовые стандарты". Когда я углубился в изучение джазовой гармонии и формы, мне открылась бездна - этих стандартов сотни. Осилить все мне не под силу, да и зачем? Но внутри меня всегда жили две мелодии, два "стандарта", которые я считал "самыми главными". Вряд ли так можно говорить, а я скажу. Потому что обе мелодии известны абсолютно всем, кто с джазом незнаком, и при этом идентифицирубтся как джазовые. Ну, мне так кажутся.

Что за стандарты? Первый Summertime, второй - Lullaby of Birdland. Вторая мелодия меня приводила в такой восторг, что многие годы своего отрочества и юности я пребывал в уверенности, что такую крутую штуку мог сочинить только Гершвин. Но нет.

Lullaby написал джазовый пианист Джордж Ширинг в 1952 году, первоначально это была заставка к радиошоу. Права на эту музыку Ширинг даже как-то не очень удачно разделил с хозяином шоу (и, собственно, клуба Birdland) Моррисом Леви (Morris Levy) - тот получил все права на издание, а Ширингу досталась слава композитора. Ширинг не особо унывал: "Я потратил на сочинение целых 10 минут", - иронизировал он потом в своей автобиографии.

Вообще Ширинг внёс большой вклад в джаз именно своей фортепианной техникой. Поскольку большую часть своей карьеры он играл в сопровождении комбо, а то и большего ансамбля, он освободил левую руку от басовой функции, отдав ей гармонию, изложенную на границе первой и малой октав. Если же гармонию постоянно проводила, например, гитара, то мелодию в правой руке Ширинг излагал мелко - восьмыми нотам и при этом блок-аккордами. Их часто и называют блок-аккордами Ширинга. Причем в максимальном случае мелодию проводят обеими руками - четыре ноты блока в правой руке и дублирующая мелодию левая.

После того, как джаз ушёл с менйстрима, играл Ширинг и камерно - конец 80-х, начало 90-х как раз период таких активных гастролей. Сохранилось много видео, и аудио (в хорошем качестве). Вот, собственно, Lullaby с одного из таких выступлений. Как бы оправдываясь, Ширинг всегда в начале исполнения говорил: "Хотите или нет, но мы с Нилом Свэйнсоном (канадский басист, ныне здравствующий), не можем уйти с этой сцены, не исполнив Lullaby of Birdland".

На этом видео Ширингу под 70. Когда ему хочется почесать нос, он чешет его без ущерба для перфоманса)

https://www.youtube.com/watch?v=tyS1FsUV__8
Леонид Агутин - один из самых мною уважаемых российских музыкантов "попсовиков" (собственно, уважаемых мало; подумал - наверное, он единственный). Он хорошо образован, очень хорошо. Таинства гармонии и аранжировки джазовой постиг. Руководит джазовым отделением в музыкальной школе имени Лядова. Как-то он сказал, что дескать, в музыкальной школе надо давать классические основы, а потом давать свободу - хочешь, выбирай джаз и плюй на классику.

Я считаю по-другому. Мне кажется, в музыкальной школе надо досконально изучить классику, чтобы получить аппарат исследования. А в свободное время - джазуй, и получится гораздо лучше. Как говорила моя учительница - "можно отрицать классику, но хорошо бы знать, а что ты отрицаешь".

Даниил Крамер сначала выучился на классического пианиста. А потом стал джазовым. Замечательный пианист, мирового уровня, но недооцененный.

"Вы можете делать всё, что Вам угодно, главное, чтобы это было убедительно. Убедительность — есть один из самых главных секретов искусства. Но слово убедительность является вершиной пирамиды, добраться до которой можно лишь пройдя фундаментальные структуры, представляющие собой ремесленное мастерство: технику, владение звуком, форму и туше.

Анализ, гармония, сольфеджио — это гигантские пирамидальные пласты, которые сужаются кверху и ведут к ремесленному совершенству. Лишь тогда приходит понимание — что такое искусство".

Вот. Это вот - убедительно (и очень видна классическая школа, трели, стаккато и всё такое).

https://youtu.be/3xxsIcco3HM
Памятка от петербургской филармонии =)
Рекомендую эту замечательную книгу.

"В чем состоял педагогический метод Годовского? Как известно, он слыл «волшебником техники» («ein Hexenmeister der Technik» — таково было единодушное мнение немецкой и мировой критики), а потому многочисленные молодые пианисты всех стран стремились к нему главным образом в надежде получить рецепт для достижения «виртуозной техники». Но увы! Годовский почти ни слова не говорил о технике в том смысле, как ее понимали эти молодые люди; все его замечания во время урока были исключительно направлены на музыку, на исправление музыкальных недочетов исполнения, на достижение максимальной логики, точности слуха, ясности, пластики на основе точнейшего соблюдения нотного текста и пространного толкования его. Больше всего он уважал в своем классе настоящих музыкантов и относился с явной иронией к пианистам, у которых пальцы работали быстро и ловко, а мозги медленно и туго (таких было несколько человек в мое время). Он терял моментально всякий интерес к ученику, который обнаруживал слуховые недочеты, заучивал грубо неверные ноты и проявлял дурной вкус. Так, однажды на первом же уроке «провалилась» одна уже концертирующая пианистка только потому, что в предпоследнем такте седьмого (до-мажорного) этюда ор. 10 Шопена брала лишнюю ноту (терцию) в левой руке. На повторные просьбы Годовского сыграть верный аккорд она никак не могла понять, что от нее требуется. N удивленно пожимала плечами и уверяла, что играет «чисто». После урока Годовский уже в коридоре спросил меня с убийственно-иронической усмешкой: «Как вам нравится известная пианистка N ?» (Как и следовало ожидать, N впоследствии оказалась довольнотаки слабой пианисткой, но сильной истеричкой.)"

Г.Нейгауз, "Об искусстве фортепианной игры"

https://youtu.be/ka2lrfp5C-g
Совершенно душераздирающий фильм о Святославе Рихтере.

"Я себе не нравлюсь. Всё". И взгляд затравленного зверя.

https://youtu.be/iVhxqEN9j7k
Концерт для двух фортепиано Пуленка

Одно из моих самых любимых произведений академической музыки XX века – Концерт для двух фортепиано с оркестром ре минор Франсиса Пуленка. В нём внезапные модуляции и смены темпов сочетаются с яркой оркестровкой (при довольно скромном составе оркестра) и французским шармом. Особенно мне нравится яркое начало финальной части, «колокольный звон» в финале финала (тут очень похоже на перекличку с Мусоргским, которого хорошо знал и любил Пуленк), мелодичная вторая часть концерта, и первая тема в первой части. Ну то есть, я люблю этот концерт целиком =)

Работу, которая позже стала Концертом для двух фортепиано Пуленку в 1932 году заказала графиня де Полиньяк – известная покровительница искусств. К тому моменту она уже много лет знала композитора, но до этого ничего написать его не просила. Как пишет американский искусство вед Бенджамин Иври (Benjamin Ivry), чтобы добиться её расположения, Пуленк часами играл в её салоне концерты Моцарта, Листа и Равеля, а также работы не слишком известного русского композитора Маркевича – последней пассии Сергея Дягилева.

Концерт состоит из трёх частей: Allegro ma non troppo, Larghetto и Allegro molto. Впрочем, с точки зрения формы, в классический концерт произведение Пуленка не вписывается, и представляет собой скорее фантазию. Например, первая часть заканчивается в спокойном темпе, а не в начальном allegro.

Иври: «Пуленк уводит слушателя в приключение в духе немого кино, в котором нагнетается симфонический шторм, в котором двое пианистов отважно продолжают играть. В качестве дополнительного всплеска экзотики в конце первой части Пуленк добавил причудливый и звонкий пассаж, который, по его словам, был вдохновлен балийской гамеланской музыкой, услышанной им на Колониальной выставке 1931 года в Париже де Шайо».

Автор книги «История концерта» Майкл Томас Рёдер (Michael Thomas Roeder): «Присущий Пуленка лёгкий стиль отмечен целым рядом черт: короткие, простые мелодичные мелодические линии в узком диапазоне, живое ритмическое содержание с использованием остинато и текучим, меняющимся метром; ясная, прозрачная фактура, в которой мало контрапунктического письма; по существу тональный диатонический язык приправленный некоторым количеством диссонансов; и ясные формы, иногда включающие циклическое повторение тематического материала».

Сам Пуленк о концерте говорил так: «Причина успеха Концерта в Америке очень проста. Там обожают музыку для двух фортепиано, и ансамбли-дуэты там так же многочисленны, как струнные квартеты в Европе. Популярности Концерта значительно способствовала его запись на пластинке с Нью-Йоркским филармоническим оркестром под управлением Митропулоса. К тому же это произведение блестящее и хорошо звучит».

Премьера концерта состоялась в Венеции, 5 сентября 1932 года. Играли Пуленк, французский пианист Жак Феврие и оркестр Ла Скала, которым руководил в то время Тосканини. Сам маэстро, правда не дирижировал в тот вечер и вообще никогда не дирижировал музыку Пуленка. Но композитор всё равно был в восторге от качества музыкантов. Кстати, позже, в 1945 году Пуленк играл этот концерт в британской Альберт-холле, а вторым пианистом был Бенджамин Бритттен.

Я же предлагаю послушать концерт в исполнении Марты Аргерих и Николаса Ангелича. Дирижирует Чон Мён Хун. Античный театр в Араузионе, 2016 год.

https://www.youtube.com/watch?v=QPjXfU42gR0
Когда говорят об Антонио Жобине, то говорят о босса нове, ну, в музыкальном плане, прежде всего разбирают ритмические штуки - партию гитары со свободными акцентами и side stick каждые три восьмые. Но все, конечно, шире. И шире боссы, и шире ритма. Вот в такой штуке меня привлекает модальность и большие септаккорды, как средство "обнуления" (да, в тренде) тональности. Как здесь https://www.youtube.com/watch?v=1xtH7wXS0TA

Жобин поёт свою песню Dindi