Как художник стал мясной закуской
Произошла эта забавная история примерно 70 лет назад когда шеф-повар венецианского ресторана Harry’s Джузеппе Чиприани, ждал к себе на ужин высшее итальянское общество.
Harry’s культовый ресторан, который с 30-х годов был излюбленным местом встречи творческой элиты. К ним любил ходить Эрнест Хемингуэй, Трумэн Капоте и Френсис Скотт Фицджеральд и другие…
В квартире Джузеппе раздался звонок… Звонила графиня Амалия Нани, она предупредила Джузеппе о том, что врач запретил ей есть термически обработанное красное мясо, у нее была диагностирована анемия. Она была очень расстроена.
Вечер грозил быть испорченным, графиня была заядлым мясоедом, и овощами её было не задобрить, а значит и другим прийдется не сладко…
Чтобы отвлечься от дурных мыслей, Джузеппе решил пойти гулять и случайно забрел на выставку средневековых полотен Витторе Карпаччо.
Это довольно интересный художник, которого даже при жизни, его сверстники считали устаревшим. А в наши дни его картины и вовсе напоминают мемы. Карпаччо плевать хотел на мнение окружающих и писал в своей «архаичной» манере, при этом умудряюсь находить покупателей и даже содержать мастерскую. Интересно, может он ориентировался на средневековых бабушек? Но вернемся к нашей истории…
Джузеппе бродил по залу и долго разглядывал замысловатые библейские сюжеты Карпаччо, пока внезапно не увидел…
…на одной из картин епископа завернутого в мясо!
Он потряс головой, протер глаза и наваждение исчезло…мясо оказалось красной мантией.
Тут его осенило, он четко понял, что должен сделать! Он стремглав побежал на кухню и достал из холодильника кусок отборный мраморной говядины, нарезал её тончайшими ломтиками, посыпал специями и стружкой сыра Грана Падано, украсил листочками рукколы и слегка сбрызнул соусом. Так на свет появилось, столь любимое многими кулинарное яство.
Графиня была в восторге и спросила как называется это блюдо? На тот Джузеппе с гордостью ответил, – это Карпаччо. Вдохновленное картинами одноименного Мастера.
P.S. Мемы-картины Витторе Карпаччо ищите в комментариях.
#гастроискусство #живопись
Произошла эта забавная история примерно 70 лет назад когда шеф-повар венецианского ресторана Harry’s Джузеппе Чиприани, ждал к себе на ужин высшее итальянское общество.
Harry’s культовый ресторан, который с 30-х годов был излюбленным местом встречи творческой элиты. К ним любил ходить Эрнест Хемингуэй, Трумэн Капоте и Френсис Скотт Фицджеральд и другие…
В квартире Джузеппе раздался звонок… Звонила графиня Амалия Нани, она предупредила Джузеппе о том, что врач запретил ей есть термически обработанное красное мясо, у нее была диагностирована анемия. Она была очень расстроена.
Вечер грозил быть испорченным, графиня была заядлым мясоедом, и овощами её было не задобрить, а значит и другим прийдется не сладко…
Чтобы отвлечься от дурных мыслей, Джузеппе решил пойти гулять и случайно забрел на выставку средневековых полотен Витторе Карпаччо.
Это довольно интересный художник, которого даже при жизни, его сверстники считали устаревшим. А в наши дни его картины и вовсе напоминают мемы. Карпаччо плевать хотел на мнение окружающих и писал в своей «архаичной» манере, при этом умудряюсь находить покупателей и даже содержать мастерскую. Интересно, может он ориентировался на средневековых бабушек? Но вернемся к нашей истории…
Джузеппе бродил по залу и долго разглядывал замысловатые библейские сюжеты Карпаччо, пока внезапно не увидел…
…на одной из картин епископа завернутого в мясо!
Он потряс головой, протер глаза и наваждение исчезло…мясо оказалось красной мантией.
Тут его осенило, он четко понял, что должен сделать! Он стремглав побежал на кухню и достал из холодильника кусок отборный мраморной говядины, нарезал её тончайшими ломтиками, посыпал специями и стружкой сыра Грана Падано, украсил листочками рукколы и слегка сбрызнул соусом. Так на свет появилось, столь любимое многими кулинарное яство.
Графиня была в восторге и спросила как называется это блюдо? На тот Джузеппе с гордостью ответил, – это Карпаччо. Вдохновленное картинами одноименного Мастера.
P.S. Мемы-картины Витторе Карпаччо ищите в комментариях.
#гастроискусство #живопись
❤37👍19🔥9🤣2😁1
Картина в картине… в картине
Сегодня расскажу вам секрет культовой картины советского времени Федора Решетникова - «Опять двойка».
Картина настолько идеологически выверенная и правильная, что она не только стала частью советской школьной программы но и превратилась в определенный символ. Художник был удостоен Сталинской премии второй степени, а школьники писали по ней сочинение. Но многие даже не подозревали о ее скрытом смысле.
Решетников был поклонником Гоголя и решил воссоздать идею из его повести «Портрет» на своем полотне. Он создал «картину, в картине в картине…»
Если внимательно приглядеться, на стене, на отрывном календаре вы увидите репродукцию картины «Прибыл на каникулы». А «Опять двойку» он в свою очередь запечатлел, на «Переэкзаменовке», таким образом формируя трилогию пагубных причинно-следственных связей в назидание юным пионерам.
Для усиления драматизма, он подчеркивает «скользкую дорожку» провинившегося мальчика, выглядывающими из помятого портфеля, коньками.
О существовании взаимосвязи между этими картинами узнали не сразу. В основном из-за отсутствия третей картины «Переэкзаменовка», где мальчик вынужден проводить летние каникулы за учебниками. Ее почти сразу после создания выкупил и увез во Флориду (США) частный коллекционер, и только спустя много лет, она была возвращена на родину фондом Art Russe.
#живопись #искусство
Сегодня расскажу вам секрет культовой картины советского времени Федора Решетникова - «Опять двойка».
Картина настолько идеологически выверенная и правильная, что она не только стала частью советской школьной программы но и превратилась в определенный символ. Художник был удостоен Сталинской премии второй степени, а школьники писали по ней сочинение. Но многие даже не подозревали о ее скрытом смысле.
Решетников был поклонником Гоголя и решил воссоздать идею из его повести «Портрет» на своем полотне. Он создал «картину, в картине в картине…»
Если внимательно приглядеться, на стене, на отрывном календаре вы увидите репродукцию картины «Прибыл на каникулы». А «Опять двойку» он в свою очередь запечатлел, на «Переэкзаменовке», таким образом формируя трилогию пагубных причинно-следственных связей в назидание юным пионерам.
Для усиления драматизма, он подчеркивает «скользкую дорожку» провинившегося мальчика, выглядывающими из помятого портфеля, коньками.
О существовании взаимосвязи между этими картинами узнали не сразу. В основном из-за отсутствия третей картины «Переэкзаменовка», где мальчик вынужден проводить летние каникулы за учебниками. Ее почти сразу после создания выкупил и увез во Флориду (США) частный коллекционер, и только спустя много лет, она была возвращена на родину фондом Art Russe.
#живопись #искусство
👍45❤17🔥8❤🔥2
Загадка странной Луны
Случалось ли вам, когда-нибудь обращать внимание, на форму луны на Японских и Китайских гравюрах?
Перед вами гравюра японского мастера укиё-э - Цукиока Ёситоси из его серии "100 видов луны".
Луна имеет действительно странную форму. И это не по тому, что мастер был невнимателен и допустил ошибку. Дело в том, что они действительно видят такую
луну.
В зависимости от того, с какого полушария вы будете смотреть на ночное небо, вы увидите ее по-разному.
Человек, стоящий на поверхности планеты в северном полушарии, в самом прямом смысле слова расположен вверх ногами по отношению к тем, кто находится в южном. И наоборот. Кроме очевидной шутки, что в Австралии все на головах ходят данный факт приводит и к другим интересным последствиям.
Луна в южном полушарии она перевернута, лежит на боку и иногда напоминает улыбку Чеширского кота. В комментариях расположу для вас иллюстрацию.
Я узнала об этом факте случайно, когда подруга делилась со мной своими впечатлениями от поездки в Китай.
Сразу захотелось поехать и посмотреть странную луну.
А вы знали об этом любопытном факте? Доводилось ли вам смотреть на луну с другого полушария?
#живопись #культура
Случалось ли вам, когда-нибудь обращать внимание, на форму луны на Японских и Китайских гравюрах?
Перед вами гравюра японского мастера укиё-э - Цукиока Ёситоси из его серии "100 видов луны".
Луна имеет действительно странную форму. И это не по тому, что мастер был невнимателен и допустил ошибку. Дело в том, что они действительно видят такую
луну.
В зависимости от того, с какого полушария вы будете смотреть на ночное небо, вы увидите ее по-разному.
Человек, стоящий на поверхности планеты в северном полушарии, в самом прямом смысле слова расположен вверх ногами по отношению к тем, кто находится в южном. И наоборот. Кроме очевидной шутки, что в Австралии все на головах ходят данный факт приводит и к другим интересным последствиям.
Луна в южном полушарии она перевернута, лежит на боку и иногда напоминает улыбку Чеширского кота. В комментариях расположу для вас иллюстрацию.
Я узнала об этом факте случайно, когда подруга делилась со мной своими впечатлениями от поездки в Китай.
Сразу захотелось поехать и посмотреть странную луну.
А вы знали об этом любопытном факте? Доводилось ли вам смотреть на луну с другого полушария?
#живопись #культура
❤🔥26👍20❤10🔥6👏1
Как писать стихи ногами?
Нижний своим пластилиново-серым небом навевает поэтическое и противоречивое настроение…
Поэтому сегодня говорим с вами о самом противоречивом и гениальном поэте - Владимире Маяковском.
Многие, кто поверхностно знаком с этой эпатажной фигурой, думают, что он бунтарь, дикарь яростно сражающийся за новое искусство, «грубый гунн», безжалостный оратор высмеивающий противников, ненавидевший музыку, Пушкина и детей.
Ели вы так думали, я вас поздравляю, - это все абсолютная ерунда.
У Маяковского был сценический, бунтарский образ. Он был ему необходим, что бы нести свои идеи, чтобы впечатлять и обращать внимание публики на себя. Это была всего-лишь игра. Уходя со сцены, он вешал на гвоздик свою высокомерную маску и становился собой…
Вот, что говорили о нем, его близкие друзья:
«Существовало мнение о том, что Маяковский резок, груб и высокомерен. Но те, кто знал его ближе, скажут, что он был учтив, даже застенчив. Не было хозяина радушнее, чем он. И одним из главных его свойств было чувство товарищества» .
«В эти домашние часы, наблюдая за Володей-сыном, таким совсем иным, неузнаваемым… я много думал о том, что в Володе живут два Маяковских.»
«Маяковский без маски — вдумчивый, стыдливо-сдержанный, осторожно — из предельной честности — выбиравший каждое выражение…»
Мне особенно нравиться сочетание в нем этих двух качеств - чувственности и предельной честности.
Он никогда не врал, ни себе ни другим. В этом была его великая сила.
Но на публике, он предпочитал это не афишировать.
«Хорошо, когда в желтую кофту
душа от осмотров укутана!»
Он глубоко чувствовал этот мир до мельчайших деталей. Он слышал, его ритм и музыку.
Он любил говорить, что «пишет стихи
ногами».
Сочиняет их под ритм собственных шагов. И что-бы передать это особое чувствование читателю, он и придумал свою «фирменную» лесенку. Ему было «тесно» в существующих грамматических рамках и формах.
«Наша обычная пунктуация с точками, с запятыми, вопросительными и восклицательными знаками чересчур бедна и маловыразительна по сравнению с оттенками эмоций, которые сейчас усложненный человек вкладывает в поэтическое произведение.»
И у него это великолепно получилось. Самая необычная, яркая и при этом чувственная, живая поэзия. Если вам кажется он слишком сложным, попробуйте пройтись по городу в ритме Маяковского. Вдруг вам удастся открыть для себя что-то абсолютно новое?
#поэзия #культура #искусство
Нижний своим пластилиново-серым небом навевает поэтическое и противоречивое настроение…
Поэтому сегодня говорим с вами о самом противоречивом и гениальном поэте - Владимире Маяковском.
Многие, кто поверхностно знаком с этой эпатажной фигурой, думают, что он бунтарь, дикарь яростно сражающийся за новое искусство, «грубый гунн», безжалостный оратор высмеивающий противников, ненавидевший музыку, Пушкина и детей.
Ели вы так думали, я вас поздравляю, - это все абсолютная ерунда.
У Маяковского был сценический, бунтарский образ. Он был ему необходим, что бы нести свои идеи, чтобы впечатлять и обращать внимание публики на себя. Это была всего-лишь игра. Уходя со сцены, он вешал на гвоздик свою высокомерную маску и становился собой…
Вот, что говорили о нем, его близкие друзья:
«Существовало мнение о том, что Маяковский резок, груб и высокомерен. Но те, кто знал его ближе, скажут, что он был учтив, даже застенчив. Не было хозяина радушнее, чем он. И одним из главных его свойств было чувство товарищества» .
«В эти домашние часы, наблюдая за Володей-сыном, таким совсем иным, неузнаваемым… я много думал о том, что в Володе живут два Маяковских.»
«Маяковский без маски — вдумчивый, стыдливо-сдержанный, осторожно — из предельной честности — выбиравший каждое выражение…»
Мне особенно нравиться сочетание в нем этих двух качеств - чувственности и предельной честности.
Он никогда не врал, ни себе ни другим. В этом была его великая сила.
Но на публике, он предпочитал это не афишировать.
«Хорошо, когда в желтую кофту
душа от осмотров укутана!»
Он глубоко чувствовал этот мир до мельчайших деталей. Он слышал, его ритм и музыку.
Он любил говорить, что «пишет стихи
ногами».
Сочиняет их под ритм собственных шагов. И что-бы передать это особое чувствование читателю, он и придумал свою «фирменную» лесенку. Ему было «тесно» в существующих грамматических рамках и формах.
«Наша обычная пунктуация с точками, с запятыми, вопросительными и восклицательными знаками чересчур бедна и маловыразительна по сравнению с оттенками эмоций, которые сейчас усложненный человек вкладывает в поэтическое произведение.»
И у него это великолепно получилось. Самая необычная, яркая и при этом чувственная, живая поэзия. Если вам кажется он слишком сложным, попробуйте пройтись по городу в ритме Маяковского. Вдруг вам удастся открыть для себя что-то абсолютно новое?
#поэзия #культура #искусство
👍31❤20🔥13
Скабрезный пиар в эпоху Рококо
Рококо это период в жизни мирового искусства в XVIII веке, когда логика и смысл уехали в кратковременный отпуск.
Их на это время заменяли легкомыслие, декоративность и беззаботность. Главная идея рококо - получение праздного наслаждения.
Знатные члены общества из кожи вон лезли, чтобы выставить на показ свою пустую, бессмысленную жизнь и это считалось очень престижным!
В это «нелегкое» время, барон Сен Жюльен, богатейший финансист и по-совместительству шутник, решил заказать скабрезный портрет своей любовницы для будуара. Обратился он за этим к достопочтенному художнику г-ну Франсуа Дуайену.
Он хотел, чтобы художник расположил его на картине так, чтобы его взору открывались все прелести игривой мадемуазели, а качели раскачивал епископ.
По меркам современности потрет выглядит довольно обычно. Но поверьте, в XVIII веке это было настоящее порно.
Когда Дуайен услышал сие непристойное предложение, то от возмущения побагровел и наотрез отказался. Но уходя, припомнил своего конкурента, г-на Фрагонара, которому, скорее всего, эта низменная работа пришлась бы по вкусу.
Таким образом он хотел унизить коллегу по цеху. Но судьбе было выгодно распорядиться иначе.
Фрагоннар действительно согласился на этот заказ, и в деталях изобразил все пожелания похотливого заказчика: и слетевшую с ноги туфельку, и ухмыляющегося купидона, и даже взбудораженную псину - как символ осуждения толпы.
Было лишь одно исключение. Качели раскачивал пожилой муж супруги, а не епископ. Чувства верующих решили поберечь. Вместо этого в дураках оставили супруга.
Картина была помещена в хозяйский будуар и произвела настоящий фурор. Публика краснела и бесновалась.
Многочисленные посетители прославляли Фрагоннара как талантливого художника обладающего мастерством и изящным чувством юмора. Это помогло снискать художнику славу и получить огромное количество заказов.
Дуайен был в ярости. То, что по его замыслу должно было похоронить репутацию художника, сделало его фантастически популярным. А он остался ни с чем.
Зависть сыграла с ним злую шутку, о нем все забыли, а его конкурент внес свое имя в историю, просто потому, что был более смелым и дальновидным.
Рококо это период в жизни мирового искусства в XVIII веке, когда логика и смысл уехали в кратковременный отпуск.
Их на это время заменяли легкомыслие, декоративность и беззаботность. Главная идея рококо - получение праздного наслаждения.
Знатные члены общества из кожи вон лезли, чтобы выставить на показ свою пустую, бессмысленную жизнь и это считалось очень престижным!
В это «нелегкое» время, барон Сен Жюльен, богатейший финансист и по-совместительству шутник, решил заказать скабрезный портрет своей любовницы для будуара. Обратился он за этим к достопочтенному художнику г-ну Франсуа Дуайену.
Он хотел, чтобы художник расположил его на картине так, чтобы его взору открывались все прелести игривой мадемуазели, а качели раскачивал епископ.
По меркам современности потрет выглядит довольно обычно. Но поверьте, в XVIII веке это было настоящее порно.
Когда Дуайен услышал сие непристойное предложение, то от возмущения побагровел и наотрез отказался. Но уходя, припомнил своего конкурента, г-на Фрагонара, которому, скорее всего, эта низменная работа пришлась бы по вкусу.
Таким образом он хотел унизить коллегу по цеху. Но судьбе было выгодно распорядиться иначе.
Фрагоннар действительно согласился на этот заказ, и в деталях изобразил все пожелания похотливого заказчика: и слетевшую с ноги туфельку, и ухмыляющегося купидона, и даже взбудораженную псину - как символ осуждения толпы.
Было лишь одно исключение. Качели раскачивал пожилой муж супруги, а не епископ. Чувства верующих решили поберечь. Вместо этого в дураках оставили супруга.
Картина была помещена в хозяйский будуар и произвела настоящий фурор. Публика краснела и бесновалась.
Многочисленные посетители прославляли Фрагоннара как талантливого художника обладающего мастерством и изящным чувством юмора. Это помогло снискать художнику славу и получить огромное количество заказов.
Дуайен был в ярости. То, что по его замыслу должно было похоронить репутацию художника, сделало его фантастически популярным. А он остался ни с чем.
Зависть сыграла с ним злую шутку, о нем все забыли, а его конкурент внес свое имя в историю, просто потому, что был более смелым и дальновидным.
👍39🔥9❤7😁6
Per aspera 💩 ad astra
Продолжаем наше знакомство с миром современных художников.
И сегодня хочу показать вам художника который начал свой творческий путь с перформансов в общественном туалете, а закончил Лувром, Эрмитажем и мировой славой.
Китайский художник Чжен Хуань настолько обезбашенный, что:
- Он бегал голый облившись красной краской и кромсал пластиковых пупсов, перед зданием правительства в Пекине, в качестве протеста против закона об одном ребенке.
- Натирался медом и сидел в общественном туалете час, пока его облепляли мухи, в знак протеста против антисанитарии в бедных районах Пекина.
- Еще до Леди Гаги одевался в сырое мясо и разгуливал по улицам Нью Йорка, чтобы акцентировать внимание на животной, бесчеловечной природе человека.
- Собирал добровольцев которые кидали в него публично черствым хлебом, чтобы показать нелегкий путь ассимиляции для иностранца в Америке.
А потом внезапно… видимо исчерпав свои идеи по публичному самоистязанию, решил уйти в буддийский монастырь и стать монахом. Жизнь его кардинально переменилась.
Там он впервые начал собирать пепел от сожженных благовоний и создавать из него картины.
3 года он работал над огромным, тональным 40-метровым портретом Мао Цзэдуна в окружении лидеров коммунистической партии Китая. Пепел как материал, был призван показать недолговечность феномена власти.
Сейчас он отошел от перформансов и сосредоточился на живописи и скульптуре. В своей мастерской под Шанхаем, вместе со 180-ю подмастерьями он создает гигантские статуи и картины из несочитаемых материалов. Пепла, мяса, металла…
В 2020-м году Эрмитаж выставил 30, его работ, затем последовала выставка в Гуме.
Художник создал в своей авторской манере ремейки эрмитажных шедевров и знаменитых русских картин, таких как «Иван Грозный и сын его Иван» Ильи Репина.
Уникальность его работ заключается в соединении восточного и западного миров. Столкновении философий и методов их выражений. Его работы, дерзкие, актуальные и наполненные смыслом.
В интервью он часто говорит о своей философии:
«Я считаю, что художник должен опираться на три основы. Первая — истина. Вы должны понимать, что вы делаете, для кого и зачем. Вторая — добро. Когда вы поймете, для чего вы что-то делаете, в вас должно пробудиться добро и милосердие, терпимость к людям и любовь. И третья — красота. Когда вы постигнете истину и добро, в вашей деятельности появляется красота. Без истины нет добра, без добра нет красоты.».
Вот такой интересный и противоречивый художник. А как вам его творчество? Видели его в Эрмитаже? Делитесь впечатлениями в комментариях.
P.S. работами любуемся в комментариях
#современноеискусство
Продолжаем наше знакомство с миром современных художников.
И сегодня хочу показать вам художника который начал свой творческий путь с перформансов в общественном туалете, а закончил Лувром, Эрмитажем и мировой славой.
Китайский художник Чжен Хуань настолько обезбашенный, что:
- Он бегал голый облившись красной краской и кромсал пластиковых пупсов, перед зданием правительства в Пекине, в качестве протеста против закона об одном ребенке.
- Натирался медом и сидел в общественном туалете час, пока его облепляли мухи, в знак протеста против антисанитарии в бедных районах Пекина.
- Еще до Леди Гаги одевался в сырое мясо и разгуливал по улицам Нью Йорка, чтобы акцентировать внимание на животной, бесчеловечной природе человека.
- Собирал добровольцев которые кидали в него публично черствым хлебом, чтобы показать нелегкий путь ассимиляции для иностранца в Америке.
А потом внезапно… видимо исчерпав свои идеи по публичному самоистязанию, решил уйти в буддийский монастырь и стать монахом. Жизнь его кардинально переменилась.
Там он впервые начал собирать пепел от сожженных благовоний и создавать из него картины.
3 года он работал над огромным, тональным 40-метровым портретом Мао Цзэдуна в окружении лидеров коммунистической партии Китая. Пепел как материал, был призван показать недолговечность феномена власти.
Сейчас он отошел от перформансов и сосредоточился на живописи и скульптуре. В своей мастерской под Шанхаем, вместе со 180-ю подмастерьями он создает гигантские статуи и картины из несочитаемых материалов. Пепла, мяса, металла…
В 2020-м году Эрмитаж выставил 30, его работ, затем последовала выставка в Гуме.
Художник создал в своей авторской манере ремейки эрмитажных шедевров и знаменитых русских картин, таких как «Иван Грозный и сын его Иван» Ильи Репина.
Уникальность его работ заключается в соединении восточного и западного миров. Столкновении философий и методов их выражений. Его работы, дерзкие, актуальные и наполненные смыслом.
В интервью он часто говорит о своей философии:
«Я считаю, что художник должен опираться на три основы. Первая — истина. Вы должны понимать, что вы делаете, для кого и зачем. Вторая — добро. Когда вы поймете, для чего вы что-то делаете, в вас должно пробудиться добро и милосердие, терпимость к людям и любовь. И третья — красота. Когда вы постигнете истину и добро, в вашей деятельности появляется красота. Без истины нет добра, без добра нет красоты.».
Вот такой интересный и противоречивый художник. А как вам его творчество? Видели его в Эрмитаже? Делитесь впечатлениями в комментариях.
P.S. работами любуемся в комментариях
#современноеискусство
👍24❤10🔥4🤯3😁1
Что такое Дегенеративное искусство?
Что происходит когда один человек, наделяет себя правом решать, что есть красиво, а что уродливо?
В 1937-м году в Мюнхене «целях оздоровления национальной культуры» открывается выставка «Дегенеративного искусства» "Entartete Kunst",
Хедлайнерами на ней выступают все авангардисты: Василий Кандинский, Пауль Клее, Оскар Кокошка, Казимир Малевич, Кете Кольвиц, Эль Лисицкий, Пит Мондриан, Марк Шагал, Макс Эрнст, Алексей фон Явленский и многие другие. На ней было собрано около 650 произведений изъятых нацистами из десятков немецких музеев.
Выставка открывалась словами:
"Мы видим эти порождения безумия, дерзости, импотенции и дегенерации. Все, что представлено на выставке, вызывает у нас гнев и отвращение".
Чтобы подчеркнуть "вырождение" представленных направлений, устроители добавили в экспозицию рисунки пациентов психиатрических клиник и фотографии калек, особо подчёркивая еврейские корни или коммунистические взгляды представленных художников.
Несовершеннолетним вход был запрещен, так как считалось, что выставленные работы оказывают вредное и развращающее действие.
Репрессии коснулись не только произведений, но и самих художников. Им запрещено было прикасаться к холстам. Макс Бекман в день открытия выставки бежал в Амстердам. Макс Эрнст эмигрировал в Америку. Эрнст Людвиг Кирхнер уехал в Швейцарию и там в 1938 году покончил с собой. Эмиль Нольде продолжал тайно писать, но только акварелью, чтобы масляные краски не выдали его своим запахом.
За время работы выставки ее посетило около 3 млн. посетителей, для сравнения на параллельно проходящей выставке «правильного» искусства, на которой были представлены идеологически выверенные работы немецких художников, включая фюрера, побывало лишь 400 тысяч.
Еще одним интересным фактом подчеркивающим фарс и лицемерие данного действия, было запланированное публичное сожжение всех работ на площади перед музеем. Вместо этого, работники музея развели небольшой демонстрационный костерчик, и сожгли для вида несколько наименее ценных картин.
А судьба основной экспозиции стала на долгое время тайной покрытой мраком. Пока спустя много лет, картины не начали появляться в частных коллекциях и собраниях музеев по всему миру. И судя по данным закупок приобретались они совсем не по стоимости рисунков душевнобольных.
Как говорится, идеология идеологией, а копеечка лишней не бывает.
Попытка контролировать свободу выражения мысли и диктовать стандарты красоты сыграла с пропагандистами злую шутку. Вместо того, чтобы вызвать отвращение и насмешки, выставка вызвала неподдельный интерес и привлекла внимание публики.
Думающее население прекрасно считало в этом кривом жесте страх партии перед великой силой искусства. Которую невозможно отменить, стандартизировать или ограничить.
Как писал американский искусствовед Брюс Альтшулер:
«…этот акт продемонстрировал глубокий страх перед искусством и интеллектом, лежащий в основе национал-социализма…».
#искусство #живопись
Что происходит когда один человек, наделяет себя правом решать, что есть красиво, а что уродливо?
В 1937-м году в Мюнхене «целях оздоровления национальной культуры» открывается выставка «Дегенеративного искусства» "Entartete Kunst",
Хедлайнерами на ней выступают все авангардисты: Василий Кандинский, Пауль Клее, Оскар Кокошка, Казимир Малевич, Кете Кольвиц, Эль Лисицкий, Пит Мондриан, Марк Шагал, Макс Эрнст, Алексей фон Явленский и многие другие. На ней было собрано около 650 произведений изъятых нацистами из десятков немецких музеев.
Выставка открывалась словами:
"Мы видим эти порождения безумия, дерзости, импотенции и дегенерации. Все, что представлено на выставке, вызывает у нас гнев и отвращение".
Чтобы подчеркнуть "вырождение" представленных направлений, устроители добавили в экспозицию рисунки пациентов психиатрических клиник и фотографии калек, особо подчёркивая еврейские корни или коммунистические взгляды представленных художников.
Несовершеннолетним вход был запрещен, так как считалось, что выставленные работы оказывают вредное и развращающее действие.
Репрессии коснулись не только произведений, но и самих художников. Им запрещено было прикасаться к холстам. Макс Бекман в день открытия выставки бежал в Амстердам. Макс Эрнст эмигрировал в Америку. Эрнст Людвиг Кирхнер уехал в Швейцарию и там в 1938 году покончил с собой. Эмиль Нольде продолжал тайно писать, но только акварелью, чтобы масляные краски не выдали его своим запахом.
За время работы выставки ее посетило около 3 млн. посетителей, для сравнения на параллельно проходящей выставке «правильного» искусства, на которой были представлены идеологически выверенные работы немецких художников, включая фюрера, побывало лишь 400 тысяч.
Еще одним интересным фактом подчеркивающим фарс и лицемерие данного действия, было запланированное публичное сожжение всех работ на площади перед музеем. Вместо этого, работники музея развели небольшой демонстрационный костерчик, и сожгли для вида несколько наименее ценных картин.
А судьба основной экспозиции стала на долгое время тайной покрытой мраком. Пока спустя много лет, картины не начали появляться в частных коллекциях и собраниях музеев по всему миру. И судя по данным закупок приобретались они совсем не по стоимости рисунков душевнобольных.
Как говорится, идеология идеологией, а копеечка лишней не бывает.
Попытка контролировать свободу выражения мысли и диктовать стандарты красоты сыграла с пропагандистами злую шутку. Вместо того, чтобы вызвать отвращение и насмешки, выставка вызвала неподдельный интерес и привлекла внимание публики.
Думающее население прекрасно считало в этом кривом жесте страх партии перед великой силой искусства. Которую невозможно отменить, стандартизировать или ограничить.
Как писал американский искусствовед Брюс Альтшулер:
«…этот акт продемонстрировал глубокий страх перед искусством и интеллектом, лежащий в основе национал-социализма…».
#искусство #живопись
👍27❤13🔥10🤔2
Почему искусство опасно?
Продолжим тему предыдущего поста и разберем более детально вопрос, почему нацисты так его боялись?
Дело в том, что человек лучше воспринимает и усваивает информацию в следствии пережитого жизненного опыта.
Мозг интерпретирует ее как результат жизнедеятельности и формирует новые нейронные связи.
Винсент Ван Гог говорил, что:
«Искусство это болезненная попытка передать то, что ты чувствуешь, с помощью того, что ты умеешь…»
Искусство - это форма передачи информации основанная на ощущениях и жизненном опыте. Оно состоит из личных переживаний, мировоззрений и чувств автора.
Зритель вступающий в «диалог» с произведением искусства интерпретирует идеи автора, получая в результате свой собственный уникальный опыт.
Поэтому пропаганда старается первым делом уничтожить гениальность и стандартизировать искусство, кастрировать и сделать его идеологически удобным.
Но тут вкрадывается нюанс.
Сила искусства прямо пропорциональна силе переживаний автора. Иными словами:
Невозможно создать сильное, а равно честное произведение искусства, если в его основе не лежит реальный опыт и переживания.
Таким способом можно сделать максимум симулякр*.
Поэтому идеологически выверенное искусство зачастую плоское, картонное и бледное… Оно не «цепляет» зрителя. Это просто демонстрация того, «как правильно». Иллюстрация из учебника, который надо прочитать.
Знаете почему французские пропагандисты так боготворили Жак Луи Давида?
За то, что он действительно проникся и верил в кровавые идеи революции. Он создавал на их основе настоящее искусство, которое будоражило и захватывало умы.
Поэтому он был чертовски опасен. Он умел заражать идеей… я об этом писала ранее, в серии постов об опасном искусстве - «Картина убившая сотни людей».
…Искусство как предельно острый нож, оно может быть смертельно опасным или приносить большую пользу, в зависимости от того, умеете ли вы с ним обращаться.
*- Отсылка к книге Жана Бодрийяра - «Симулякры и Симуляции»
#искусство #наподумать
Продолжим тему предыдущего поста и разберем более детально вопрос, почему нацисты так его боялись?
Дело в том, что человек лучше воспринимает и усваивает информацию в следствии пережитого жизненного опыта.
Мозг интерпретирует ее как результат жизнедеятельности и формирует новые нейронные связи.
Винсент Ван Гог говорил, что:
«Искусство это болезненная попытка передать то, что ты чувствуешь, с помощью того, что ты умеешь…»
Искусство - это форма передачи информации основанная на ощущениях и жизненном опыте. Оно состоит из личных переживаний, мировоззрений и чувств автора.
Зритель вступающий в «диалог» с произведением искусства интерпретирует идеи автора, получая в результате свой собственный уникальный опыт.
Поэтому пропаганда старается первым делом уничтожить гениальность и стандартизировать искусство, кастрировать и сделать его идеологически удобным.
Но тут вкрадывается нюанс.
Сила искусства прямо пропорциональна силе переживаний автора. Иными словами:
Невозможно создать сильное, а равно честное произведение искусства, если в его основе не лежит реальный опыт и переживания.
Таким способом можно сделать максимум симулякр*.
Поэтому идеологически выверенное искусство зачастую плоское, картонное и бледное… Оно не «цепляет» зрителя. Это просто демонстрация того, «как правильно». Иллюстрация из учебника, который надо прочитать.
Знаете почему французские пропагандисты так боготворили Жак Луи Давида?
За то, что он действительно проникся и верил в кровавые идеи революции. Он создавал на их основе настоящее искусство, которое будоражило и захватывало умы.
Поэтому он был чертовски опасен. Он умел заражать идеей… я об этом писала ранее, в серии постов об опасном искусстве - «Картина убившая сотни людей».
…Искусство как предельно острый нож, оно может быть смертельно опасным или приносить большую пользу, в зависимости от того, умеете ли вы с ним обращаться.
*- Отсылка к книге Жана Бодрийяра - «Симулякры и Симуляции»
#искусство #наподумать
❤26👍15🔥3❤🔥1🤔1
Шок контент: Джастин Сан съел арт-объект за 6,4 млн $
На днях, состоялись сенсационные торги Sotheby’s в Нью-Йорке где культовое произведение Маурицио Каттелана под названием «Комедиант» — банан, приклеенный к стене скотчем, — было продано за ошеломляющие 6,24 миллиона долларов. Банан стартовавший с цены 1,5 млн, спустя 10-минутных жарких торгов приобрел китайский крипто-миллионер, основатель сети TRON Джастин Сан.
Впервые эта провокация была представленна публике в 2019 году на Art Basel в Майами, работа Каттелана моментально стала сенсацией.
Тогда «Комедиант» был продан за $120,000, и даже эта сумма раждала бурные дискуссии среди публики.
«Комедиант» это не только символ абсурдности некоторых трендов в искусстве, но и мощный социальный комментарий. Он — отражение абсурдности, смешения границ искусства, технологий и маркетинга. Каттелан заставляет нас задуматься о том, что мы ценим больше — обьект или идею?
Это безусловно отсылка к культовому произведению дадаизма - «Фонтану» Марселя Дюшана — писсуар, выставленный как произведение искусства в 1917 году.
Но Джастин Сан пошел дальше. Он заявил, что намерен съесть это произведение искусства!
И больше того, сегодня он именно так и поступил!
Под квадратными взглядами ошеломленной публики и объективами камер, китайский миллиардер сожрал «Комедианта».
Этот жест олицетворил для него переход в новую цифровую реальность. Аукционный дом подыгрывая коллекцинеру, предложил рассчитаться за произведение искусства в крипте…
Как вам такой перфоманс?
На днях, состоялись сенсационные торги Sotheby’s в Нью-Йорке где культовое произведение Маурицио Каттелана под названием «Комедиант» — банан, приклеенный к стене скотчем, — было продано за ошеломляющие 6,24 миллиона долларов. Банан стартовавший с цены 1,5 млн, спустя 10-минутных жарких торгов приобрел китайский крипто-миллионер, основатель сети TRON Джастин Сан.
Впервые эта провокация была представленна публике в 2019 году на Art Basel в Майами, работа Каттелана моментально стала сенсацией.
Тогда «Комедиант» был продан за $120,000, и даже эта сумма раждала бурные дискуссии среди публики.
«Комедиант» это не только символ абсурдности некоторых трендов в искусстве, но и мощный социальный комментарий. Он — отражение абсурдности, смешения границ искусства, технологий и маркетинга. Каттелан заставляет нас задуматься о том, что мы ценим больше — обьект или идею?
Это безусловно отсылка к культовому произведению дадаизма - «Фонтану» Марселя Дюшана — писсуар, выставленный как произведение искусства в 1917 году.
Но Джастин Сан пошел дальше. Он заявил, что намерен съесть это произведение искусства!
И больше того, сегодня он именно так и поступил!
Под квадратными взглядами ошеломленной публики и объективами камер, китайский миллиардер сожрал «Комедианта».
Этот жест олицетворил для него переход в новую цифровую реальность. Аукционный дом подыгрывая коллекцинеру, предложил рассчитаться за произведение искусства в крипте…
Как вам такой перфоманс?
🤣19❤5🙈5👍3🔥3🙉2
Что случилось с фасадом «Москвы»?
Далеко не все жители столицы знают о том, что одна из главных достопримечательностей советского ампира - гостиница «Москва» на манежной площади, имеет маленькую странность.
Если обратить внимание на ее фасад, правая и левая ее части будут довольно сильно отличаться друг от друга.
Как же такое могло произойти? Ведь внешний вид и строительство курировал лично Сталин?
Существует интересная история по этому поводу.
Якобы архитекторы - Освальд Стапран и Леонид Савельев принесли вождю два варианта проекта на утверждение, а он ответил не совсем четко, да и на макете расписался по-середине, между двумя версиями… Вот такая незадача.
Архитекторы сочли не вполне безопасным переспрашивать и решили воспроизвести обе версии, одну слева, другую справа. Таким образом гостиница и обрела свой нестандартный фасад.
Но на самом деле, это не более чем, красивая городская легенда, хоть и довольно забавная. Дело в том, что на месте возведения «Москвы» уже стоял знаменитый «Гранд-Отель». Слишком сильна была популярность этой гостиницы. В ней любили бывать и Бунин и Чехов и Белоусов и Телешов. Вот что писала о ней местная пресса в 30-е годы:
„В самом центре города. Близ Кремля и Иверской часовни, Новых торговых рядов и театров. 100 заново отделанных номеров и семейных отделений. Отопление исключительно голландскими печами... Бильярды. Зал для чтения с русскими и иностранными газетами. Телефон. Ванны. Омнибусы на все вокзалы. Комиссионеры и переводчики для иностранных языков”.
Отель его решено было не сносить, а вписать в ансамбль новой «Москвы», для чего привлекли архитектурное бюро Щусева.
Но когда во время реконструкции стены отеля стали надстраивать, они быстро начали трескаться, так как оказались изнутри полыми и набитыми строительным мусором.
А вы думали в 19-м веке все строили качественно и стройматериалы не воровали? А вот и нет… время идет, а строители остаются неизменными.
Архитекторам пришлось перестраиваться на ходу и облегчать конструкцию. В итоге были заложены оконные проемы на первых четырех этажах и убран лишний декор на правом фасаде. Вот так гостиница «Москва» обрела свои асимметричные фасады и обросла небылицами.
В 2004-м году обветшалый символ советского величия решили реконструировать «старым и недобрым способом». Вместо бережного восстановления ее просто взорвали и на ее месте выстроили новую…немного непохожую и более коммерчески выгодную…Попутно по данным отчетов архитектурного бюро города Москвы недосчитались 87 млн. долларов выделенных средств. Но кто такие мелочи учитывает…утекли куда-то, бывает…
Обновленную гостиницу ввели в эксплуатацию осенью 2013 года, но уникальный объект архитектурного наследия с его индивидуальностью был утрачен. Символу эпохи предпочли экономию. В настоящее время там находится отель Four Seasons Moscow.
P.S. Если вам нравятся легенды и истории которые хранят дома, ставьте кота, чтобы их было больше.
#легендымосквы #прогулки #архитектура
Далеко не все жители столицы знают о том, что одна из главных достопримечательностей советского ампира - гостиница «Москва» на манежной площади, имеет маленькую странность.
Если обратить внимание на ее фасад, правая и левая ее части будут довольно сильно отличаться друг от друга.
Как же такое могло произойти? Ведь внешний вид и строительство курировал лично Сталин?
Существует интересная история по этому поводу.
Якобы архитекторы - Освальд Стапран и Леонид Савельев принесли вождю два варианта проекта на утверждение, а он ответил не совсем четко, да и на макете расписался по-середине, между двумя версиями… Вот такая незадача.
Архитекторы сочли не вполне безопасным переспрашивать и решили воспроизвести обе версии, одну слева, другую справа. Таким образом гостиница и обрела свой нестандартный фасад.
Но на самом деле, это не более чем, красивая городская легенда, хоть и довольно забавная. Дело в том, что на месте возведения «Москвы» уже стоял знаменитый «Гранд-Отель». Слишком сильна была популярность этой гостиницы. В ней любили бывать и Бунин и Чехов и Белоусов и Телешов. Вот что писала о ней местная пресса в 30-е годы:
„В самом центре города. Близ Кремля и Иверской часовни, Новых торговых рядов и театров. 100 заново отделанных номеров и семейных отделений. Отопление исключительно голландскими печами... Бильярды. Зал для чтения с русскими и иностранными газетами. Телефон. Ванны. Омнибусы на все вокзалы. Комиссионеры и переводчики для иностранных языков”.
Отель его решено было не сносить, а вписать в ансамбль новой «Москвы», для чего привлекли архитектурное бюро Щусева.
Но когда во время реконструкции стены отеля стали надстраивать, они быстро начали трескаться, так как оказались изнутри полыми и набитыми строительным мусором.
А вы думали в 19-м веке все строили качественно и стройматериалы не воровали? А вот и нет… время идет, а строители остаются неизменными.
Архитекторам пришлось перестраиваться на ходу и облегчать конструкцию. В итоге были заложены оконные проемы на первых четырех этажах и убран лишний декор на правом фасаде. Вот так гостиница «Москва» обрела свои асимметричные фасады и обросла небылицами.
В 2004-м году обветшалый символ советского величия решили реконструировать «старым и недобрым способом». Вместо бережного восстановления ее просто взорвали и на ее месте выстроили новую…немного непохожую и более коммерчески выгодную…Попутно по данным отчетов архитектурного бюро города Москвы недосчитались 87 млн. долларов выделенных средств. Но кто такие мелочи учитывает…утекли куда-то, бывает…
Обновленную гостиницу ввели в эксплуатацию осенью 2013 года, но уникальный объект архитектурного наследия с его индивидуальностью был утрачен. Символу эпохи предпочли экономию. В настоящее время там находится отель Four Seasons Moscow.
P.S. Если вам нравятся легенды и истории которые хранят дома, ставьте кота, чтобы их было больше.
#легендымосквы #прогулки #архитектура