Искусство это наркотик?

Почему мы смотрим на визуальный объект и он сразу у нас вызывает определенное чувство

- Ах! как «красиво» или
- Фу! «какая гадость».

Дело в тонких взаимоотношениях головного мозга с визуальным восприятием. Человеческий мозг по природе - исследователь он постоянно анализирует и классифицирует объекты которые мы имеем удовольствие или не удовольствие лицезреть. Наш мозг выносит суждение, он сопоставляет, анализирует сравнивает с прошлым опытом и в конечном итоге определяет насколько полезен тот или иной опыт для нашего вида, для выживания, для социализации. В зависимости от полезности опыта, мы получаем дозу (DOSE - аббревиатура для обозначения основных нейромедиаторов счастья: дофамин, окситоцин, серотонин и эндорфины).
Люди искусства еще со времен древнейших цивилизаций нащупали связь между
визуальным восприятием и счастьем. Художники буквально «на ощупь» пытались создавать объекты оказывающие сильное эмоциональное влияние на зрителя. Они по крупице, методом проб и ошибок обнаруживали законы визуального воздействия на зрителя. А спустя столетия появилась наука нейроэстетика которая смогла подтвердить все в научных исследованиях.
У художников в руках оказался мощнейший инструмент влияния на зрителя. Ему дали название композиция.
Как говорил отец спайдермена «Большая сила, требует большой ответственности».
И сразу же обладатели этого тайного знания разделились на два лагеря - одни создавали образы - вдохновляющие, созидающие, другие же быстро поняли как использовать визуал в своих корыстных целях - для обмана и манипуляции. Подобно морфию, который спасает тяжело больных и убивает здоровых, искусство стало мощным инструментом в руках создателя.

Меня зовут Ксения Альтенталлер - я искусствовед, культуролог и педагог. Я хочу поделиться с вами этим знанием. Провести вас по тайному миру красоты. Научить вас как читать искусство, рассказать о его секретах и как получить максимальный кайф от взаимодействия с арт объектами, добро пожаловать в нашу нАРТкоманию.

Шалун Иероним. Часть I

Трудно сейчас найти человека не знающего Иеронима Босха, чьи работы даже спустя 500 лет провоцируют жаркие споры.

Этот бог кринжа и прародитель сюрреализма - Еру́н Анто́нисон ван А́кен родился в 1453 году в крошечном городке Хертогенбос, в Нидерландах.

Примерный семьянин и член братства Богоматери, на своих средневековых диптихах и триптихах вытворял такое… что у правоверных просто глаза на лоб вылезали от увиденного.
Сюрреалисты в XX веке нарекли его «профессором ночных кошмаров».

Почти вся его биография - тайна покрытая мраком. Неизвестно ни как он жил, ни как избежал костра инквизиции.
Мы знаем только то, что он был потомственным художником и удачно женился - вот пожалуй и все, о чем сохранились записи.

Главная загадка Босха это то, как он при жизни снискал себе огромную славу, ни разу не покидая пределы родного захолустного города.
Его картины были востребованы в Италии, Франции и даже украшали стены дворца Филлипа II - короля Испании.

Как же ему это удалось и какие тайны знал этот господин? Давайте разбираться.

Главный прием используемый Босхом - это «скрытый смысл».
Художник знал, что зритель получает удовольствие от анализа непонятных ему образов.
Языком нейроэстетики - мозг, в награду за поиск смысла, выделяет дофамин в орбитофронтальную кору.
Как он пришел к этому открытию без томографа, - нам неизвестно. Мы знаем лишь то, что в попытках овладеть вниманием зрителя, он создал новый язык сумасшедших образов. В последствии получивший название - сюрреализм.

Какие он только картины ада не создавал и какие только предметы в зады своих страдающих грешников, не вставлял… Словами это не описать это нужно видеть…
Вообщем, малыш Иероним знал толк в порицании. И это все…очень деликатно…церковь подавала как пример грехопадения.

А теперь попробуйте представить ту бурю эмоций которую переживал мозг не искушенного интернетами средневекового зрителя 🤯 при виде такого искусства? Не мудрено, что молва о нем разносилась со скоростью света. Забавно, не правда ли?. Продолжение завтра…

Шалун Иероним. Часть II

…Время шло и молва разносила славу о художнике
из Хертогенбоса по всей средневековой Европе. Испания, Португалия, Франция и Италия восхищались его необычайным талантом. Он даже решил сократить свое имя до просто Босх, ведь это проще запомнить чем Ерун Антониссон. Этот парень явно знал толк в НЛП.
Следующая его выходка, настолько впечатляет, что в это даже верится с трудом. На своем триптихе «Сад Земных Наслаждений», в той части, которая отведена аду, помимо прочих занимательных орудий пыток, он решил разместить большие ножи. Ну ножи и ножи, что тут такого, скажете вы? И действительно, на первый взгляд ничего необычного, если бы не одна маленькая деталь. Отчетливое клеймо мастера на лезвии. Это клеймо - «бренд» принадлежащий местной гильдии оружейников. А это значит не много не мало, что это первый в истории продактплейсмент. 🤯 В 1500 году! Когда на улицу не каждый спокойно мог выйти, Босх додумался до такого!
До недавнего времени, это была все-го лишь странная картинка на ноже, пока несколько лет назад при раскопках в Хертогенбоссе не был найден сохранившийся нож времен Босха с вышеупомянутым клеймом гильдии. Находка ошеломила археологов и искусствоведов. Выходит, что этот прозорливый черт, зная, что его картины увидят в других городах и странах, делал международное имя своим соотечественникам. Интересно какой процент ему за это платили? :))) Представляю тексты вывесок этой мастерской т«Лучшие ножи прямиком из ада». Хотели бы такой? 🌚

Считаю, что за такое он как минимум должен быть удостоен пятой черепашки ниндзя, как непризнанный гений возрождения.

Вот такой интересный персонаж был наш Иероним. Забытый на века, порицаемый, потом вновь открытый в XIX веке как вдохновитель Сюрреализма. Он был не таким уж примитивным, каким его принято считать. Кто знает, возможно время подкинет нам больше ключей к его загадкам.

Мастер и Маргарита: хороший или плохой фильм?

В последнее время очень много разговоров ведется на тему того, хорошая или плохая экранизация Мастера и Маргариты Майкла Локшина.
Что только не говорят… Режиссер американец, Воланд немец, Пилат датчанин… и вообще - все не то и все не так. Сюжет другой, смысл другой, Булгаков не мастер, Маргарита слишком костлявая. Согласитесь, в пылу таких жарких споров нельзя оставаться в стороне.

Фильм вызывает действительно очень противоречивые эмоции.
Начнем с хорошего: Потрясающе передана атмосфера Москвы 30-х. Стройка, ажиотаж и экзальтация со стороны пролетариата вокруг идеи мирового коммунизма - просто супер. Берлога писателя - изумительна. И антураж и освещение и садик с беседкой и розами. Очень вдохновляюще. Нельзя в хвалебных одах не коснуться фигуры Маргариты. Юлия Викторовна чудесна в своих экстравагантных винтажных нарядах и туфельках. А что говорить об образе на балу у сатаны! Ох, тут слов просто нет. Костюмерам отдельную награду!
Немалую роль кстати сыграло то, что актеры главных ролей и в жизни являются парой. Так, что чувства между героями на 100% настоящие, это добавляет некоторую изюминку. Здесь кастинг превзошел сам себя. Но как говорится… нет добра без худа. Образы и кастинг свиты Воланда меня лично очень сильно озадачили. Коровьев как-будто под наркотиками все время орет, прыгает мельтешит. Сюда же можно отнести Бездомного. Несчастный разочарованный в режиме поэт переживающий одну из главных трансформаций в книге, в фильме просто бездарный, эпатажный идиот. Гелла как будто из немецко-нацистского порно. Вероятно потому, что Воланд немец? 🤔 Ну и конечно Воланд. С одной стороны внешность у Августа на пятерочку. И улыбка кривая и взгляд зловещий - немного с прищуром и в целом он конечно внушает трепет. Но с другой стороны ему явно не хватает плавности и размеренности. Он слишком истеричен в своей пластике для существа прожившего столько тысяч лет. Возможно это авторское допущение, ведь в новой экранизации все фантазия Мастера-Булгакова, поэтому тут все на откуп ему. Но это вызывает некоторый диссонанс.
Самое главное растройство помимо сцены бала у Сатаны…это потеря сатирической двусмысленности романа. Меткий и колкий юмор в пику режиму заменен на довольно плоские и легко читаемые образы советского патриотизма. Не доведена до конца линия с варьете, нет шикарной сцены с пением и костюмом. Это же самое вкусное в романе! 🤦‍♀️
Хотя по словам сценариста, ее отсняли но не включили в финальную версию. Просто не хватило места. Отдельное расстройство - все сцены с Пилатом. Начиная от лопоухого, плешивого Иешуа и до самого прокуратора который из за своих резких дерганых движений смотрится как самозванец. Ну не выглядели так римские патриции… ну чес слово. Да и сцены эти как будто лишние вставлены как-то хаотично и не понятно зачем. 🥹
В целом…очень сложно сформировать финальное мнение. С одной стороны красиво, динамично, вкусно в духе Голивуда, с другой стороны это конечно к роману имеет очень опосредованное отношение. Больно уж авторская трактовка, да и без сатиры и финальной сцены с Левием Матвеем выглядит как что-то бесхребетное и слабенькое. Ежели не ассоциировать с книгой, очень даже не дурно. Но сходить однозначно рекомендую…
p.s. Автор сценария Роман Кантор утверждает, что со второго раза фильм смотрится лучше. Вот интересно, пиар ход это или действительно стоит взглянуть дважды…?

Формула кино: 👍 или 💩

Пока фанаты Булгакова и хейтеры Локшина строят в комментариях баррикады из экскрементов, поговорим о том, как понять хорошее или плохое кино в целом.

У кино, как и у любого вида искусства, есть свои основополагающие элементы.
Это сценарий, это режиссура, каст, операторская работа и бюджет. Конечно есть еще огромный пласт работы композиторов, художников по костюмам, по гриму, дизайнера, продюсера и других специалистов без которых выход фильма на экраны невозможен. Но мы будем давать поверхностную оценку, поэтому договоримся, что все зависит от режиссера. Далее я предлагаю вам воспользоваться простой формулой которую я вывела для себя.

(Оператор+Каст)*0,2Режиссер*Сюжет*Бюджет = ❤️ %

Устанавливайте значение по системе от 1 до 5.
Свыше 100 % это кино вошедшее в историю. 80-90% это просто хорошее кино и так далее.
На, что стоит обратить внимание при выставлении оценки?

Операторская работа: Это история рассказанная визуальными образами. Совокупность эстетики, психологии восприятия и техники. Правильно выставленный кадр рассказывает историю без слов - с помощью ритма, диагоналей, угла зрения, цвета и контраста. Гениальные операторские работы к примеру у Дариуша Вольски. Его умение раскрыть кадр обладает почти магическими свойствами он умеет заставить кадр говорить.

Каст: Актеры должны соответствовать типажам героев и Станиславскому с его знаменитыми репликами не должно найтись места в зале. Конечно есть еще гениальная актерская игра - когда актеру удается дополнить и развить образ героя, так, что зритель полностью вживается в образ и буквально до «мурашек» чувствует происходящее. Такими актерами для меня являются Робин Уильямс, Джони Депп, Райф Файнс, Тильда Суинтон.

Бюджет: Здесь важно учитывать не количество, а качество. Имеется ввиду - достаточно ли денег режиссеру для раскрытия основной идеи и реализации жизненно-важных элементов истории.

Сюжет: Здесь важно учитывать два момента: саму историю - Текст и мастерство создания сценария. Сценарий и Текст работают
в разных плоскостях восприятия зрителя. У них разная подача, динамика, темпо-ритм и правила раскрытия сюжета.
Подобно ремеслу переводчика автор сценария адаптирует текст под экранизацию. Здесь важно умение сохранить идею, динамику и образы героев, не потеряв по дороге смыслы и значимые детали заложенные автором. Гениальный сценарий это фильм который получился даже лучше чем текст. Таким к примеру, является «Бойцовский Клуб», по мнению Чака Паланика.
Исключение составляют тексты написанные сразу как сценарии. В этом случае, благодаря своему опыту, автор адаптирует историю под формат кино еще до написания.

Режиссура: - самое сложное. Это умение в первую очередь создать язык состоящий из всех вышеперечисленных элементов, не лишая их индивидуальности. Актеры, локации, костюмы грим, спецэффекты - все это должно заговорить со зрителем одним голосом в едином ритме и стиле. Гениальный режиссер создает свой уникальный язык. Он взаимодействует с каждым зрителем через свою картину, он говорит с ним…
Для меня таковыми являются - Микеланджело Антониони, Андрей Тарковский, Уэс Андерсон, Дерен Аронофски и многие другие.

При установке значений будьте объективны. 5 на Бюджетт это значит, что выделили больше чем нужно режиссеру для реализации его видения и он буквально не может освоить бюджет. А 5 режиссеру ставим если он действительно новатор, обладает уникальным языком и все подобрано идеально - костюмы, саундреки, графика. Тоесть максимальные значения в 250% в реальном мире маловероятны.

Попробуйте, а завтра разберем на примере культового фильма «Матрица» серстро-братьев Вачовски.

Матрица: формула успеха

Давайте протестируем нашу формулу на культовом фильме Матрица.

Мало кто знает, что за год до ее премьеры, на экраны вышел - «Темный город» Алекса Прояса.

Фильм провалился в прокате и был бы забыт, если бы его не посмотрели Вачовски удачно «подметив» успешные визуальные решения и сюжетные завязки, реализовав их потенциал в своем фильме.

Но почему при 70% идентичности «Темный город», провалился, а «Матрица» стала хитом?

На первый взгляд у «Города» есть все: режиссер- новатор выпустивший суперхит «Ворон» с Брендоном Ли, гений-оператор Дариуш Вольски, отличный звездный каст - Кифер Сазерленд и Дженифер Конелли. Но его убивают Сюжет и Бюджет.
Лихо закрученная детективная история, которая поначалу приковывает внимание зрителя, но уже к первой трети, становится скучно, заметны серьезные дыры, персонажи регулярно совершают абсолютно нелогичные действия. Экшн ради Экшена без намека на глубину.

Бюджет 27 млн - слишком мал для такой идеи… Это обстоятельство породило совершенно нелепых инопланетян в меховых пальто в духе носферату которые спустя 25 лет смотрятся комично.

По формуле получается (О5+К5)*(0,2*5Р)*3С*2Б = всего 60% - провал.

Вачовски же работали над прототипом «Симулякров» Бодрийяра. И им жестко не везло.
Студия выделила им всего 10 млн на сьемки. От главных ролей отказались: Джонни Депп, Брэд Питт, Уилл Смит, Ди Каприо, Морган Фриман, Гари Олдман, а Расселл Кроу заявил, что «не смог понять сценарий».
Но они не сдались. Взяв у студии 10 млн, они отсняли 10 минут фильма и пришли в студию просить еще 50 😂. И это сработало! Скопировав у Прояса 50% визуальных решений и сюжетную завязку они доработали сценарий Симулякров наполнив его глубиной и скрытыми смыслами. Так и появилась Матрица которую мы знаем.

Итог такой:
(5Оператор+4Каст)*(0,2*4Реж)*5Сценарий*5Бюджет = 180% - 💣💥

Ну а в завершение предлагаю вам альтернативную реальность. Если бы Вачовски сняли свою матрицу с минимальным бюджетом.

https://youtu.be/sddmtHCyRC4?si=cySPhXO5R2EZb6KC

Гений абстракционизма оказался обезьяной…

Однажды двое шведских парней журналист Эке Аксельсон вместе с художником Игве Функегардом решили пранкануть. Их жестко достали шведские критики искусства и они устроили им роковую подставу.
На выставке в Гетеборге в 1964 году они презентовали никому неизвестные работы французского авангардиста Пьера Брассо. Шведские критики и искусствоведы признали эти работы лучшими на выставке. Картины вызвали небывалый ажиотаж. Искусствовед Рольф Анденберг написал в своей рецензии : «Пьер Брассо пишет мощными мазками, его кисть извивается на холсте с яростной утонченностью… Пьер — художник, выступающий с деликатностью балетного танцора…».

Но как только фанаты попытались найти какие-либо сведения о неизвестном таланте, путь привел их в городской зоопарк. Пранкеры сознались во всем и продемонстрировали всем 4-х летнюю обезьяну по кличке Питер. Они рассказали, как уговорили смотрителя на этот шутливый эксперимент. Питер не сразу понял, что от него требуется, поначалу он просто поедал краски… Но после некоторых стараний со стороны наставников, все таки стал возить кистью по листу оставляя следы краски. Лучшие работы после этого сеанса живописи отправились на выставку.
Один из "шедевров" был куплен на этой выставке шведским коллекционером за 90$ (в эквиваленте $500 - сегодня). Интересен тот факт, что после раскрытия подставы искусствовед Анденберг продолжал утверждать, что картины Брассо все равно были лучшими на выставке.

Эта забавная история об интересном феномене. Я называю его «экспертная близорукость». Когда у специалиста появляется насмотренность в области оценки произведений искусства, при встрече с чем то откровенно примитивным, он может «достраивать» произведение, наделяя его теми свойствами, которыми оно изначально не обладает. Просто потому, что все предидущие работы были ими наделены. Это работает и в обратную сторону, если все время смотреть на плохое искусство можно утратить вкус к хорошему :)))
Что не грозит вам если вы читаете nARTcomania 😌!

Тайна картины “Старый рыбак”

Загадку главной картины венгерского художника Тивадора Костки Чонтвари никто не смог разгадать при жизни, она была открыта только после его смерти. Он создал эту картину в 1902г. и никогда не выставлял ее.
У него была очень интересная судьба, странным образом перекликавшаяся с Винсентом ван Гогом. Оба были из многодетных семей, родились в один день, были самоучками, много путешествовали и бесспорно были гениями. Есть только одно ключевое различие, Винсент был гением-безумцем, а Тивадор напротив, был рационалом-философом. Его интересовала природа человека и глубинный смысл вещей.
Он несколько раз выставлялся в Париже, писал книги, пропагандировал вегетарианство. Для своей эпохи и родной Венгрии он был непонятым чудаком. Он умер в 1919 году в голоде и нищете. Более 100 полотен достались его сестре. Когда она обратилась в музей, ее заверили, что это мазня сумасшедшего и она продала полотна цыганам за бесценок, как циновки для лачуг. По счастливой случайности их увидел архитектор Гедеон Герлоци и выкупил для своей коллекции. Только в 1970-м году Венгерское правительство обратилось к Герлоци с просьбой организовать постоянную экспозицию и он согласился. 128 картин Тивадора Костки попали в музей. Более полувека понадобилось, чтобы разглядеть в нем гения. В 2006 году полотно «Встреча влюбленных» было куплено неизвестным коллекционером более чем за миллион евро.
До недавнего времени, на картине «Старый Рыбак» все видели лишь пожилого мужчину, лицо которого испещрено странными морщинами. Но однажды одному из музейных работников пришло в голову приставить к картине зеркало… и то, что он увидел поразило и глубоко тронуло служителя.
В картине был скрытый смысл, который можно было увидеть только таким способом. Левая часть картины скрывает изображение бога, умиротворенно сложившего руки в молитве, а правая - дьявола хищно смотрящего на зрителя.
Картина о природе человеческой двойственности, о том что нет добра или зла в чистом виде и каждый скрывает свои тайны. Интересно какие были у него?

Тайна квадрата Малевича

Он не черный, не квадратный и не единственный в своем роде… Но главный вопрос который не дает покоя зрителю, это: «Что скрывается под верхним слоем и слегка проглядывает сквозь многочисленные трещинки? Сотрудники Третьяковки провели рентгенофлуоресцентный анализ, и обнаружили два размещенных друг поверх друга изображения и авторскую надпись, которая всех шокировала…Но давайте обо всем по-порядку.

⁃ Как это не черный?
Малевич не использовал черную краску для этой картины. Он сам смешал черную охру, жженую кость и мел. Сочетанию этих трех пигментов квадрат обязан своим красивым матовым оттенком. Ну и конечно полихромности ей добавляют розовый, зеленый и желтый которые так загадочно проглядывают сквозь верхний слой примерно с 1929 года, когда картина начала впервые трескаться….

⁃ Не квадратный?
У этой фигуры на холсте нет ни одного прямого угла и это было сделано намерено, для оптической иллюзии формы. А значит это и не квадрат вовсе…

⁃ Не единственный?
Малевич создал 3 квадрата… правда ни одному из них, не удалось снискать себе такую славу как первенцу…

Так, что же за надпись была обнаружена под слоями краски?

«Битва негров в темной пещере».

Вот так тривиально.
Эта фраза отсылает к названию картины 1882 г французского журналиста, писателя и художника Альфонса Алле «Битва негров в темной пещере глубокой ночью» - абсолютно черный прямоугольник.

Изящная и дерзкая отсылка или просто плагиат? У Алее из той же оперы, была аналогичная красная картина «Уборка урожая помидоров на берегу Красного моря апоплексическими кардиналами». А у Малевича появился красный квадрат или «Живописный реализм крестьянки в двух измерениях". Кто знает, толи Малевич вел на своих холстах глубокомысленный диалог с предшественником и учителем, толи это был бессовестный копипаст, толи просто шутка которая слишком далеко зашла? Тема довольно спорная. Бесспорно только одно - его гениальность. Ведь он создал шедевр, который не теряет свою актуальность уже более 100 лет. А это мало кому удавалось…

Градус отклонения Уэса Андерсона

Андерсон странный. По его собственным словам, он «на 5 градусов отклоненный от реальности».

Можете представить себе другого человека, который смог бы получить Оскар с помощью ансамбля Людмилы Зыкиной?

Да, именно песни «Ludmila Zykina Russian Balalaika Ensemble», записанные в Париже под руководством Александра Деспла, принесли Оскар в 2015 «Гранд Отель Будапешт».
Но это не единственное чудо в его арсенале. К примеру актеры всегда очень тепло отзываются о работе с Уэсом и рады сотрудничать даже с урезанным финансированием. Так Билл Мюррей согласился на «Подводный мир» всего за 10к $. По его словам, все эти деньги ушли на переезды и личные расходы во время съемок. Но он совершенно не пожалел об этом.

У Андерсона есть муза - Ливанская художница Джуман Малуф с которой они вместе уже 20 лет. В своих винтажных нарядах с кружевными воротничками, и пышным начесом 60-х - она живая иллюстрация к фильмам Андерсона.
Истории их любви посвящен фильм «Королевство полной луны».
Джуман помогает ему в работе над фильмами - озвучивает роли, придумывает декорации и персонажей. Мсье Гюстава и Зеро придумала она. Вместе они создают цветовое решение и композицию, уделяя этому огромное внимание.
С особой тщательностью и вкусом они работают над кадром. Он имеет свой вес, направленность, драматизм. Он как картина- способен рассказать историю, даже без помощи персонажей и сюжета.

Как ему удается балансировать на грани вычурной картонности кадра и глубокой человеческой драмы? - Загадка.
Он вроде-бы рисует сказку, но в ней герои проходят сквозь совсем не детские испытания… Наверное этот контраст и формирует его уникальный стиль - гротескную искренность.
Умышленно стирая границы формата, он ведет зрителя через иронию, подчеркнуто фальшивые декорации и мишуру к единственно важному - человеческим чувствам.
Это уже не кино и не мультик и не вполне спектакль…это что-то абсолютно новое. Мне лично это напоминает театр кабуки с налетом греческой драмы снятый на кинокамеру. А вы как считаете?

Нешуточные страсти Репина с «Монахиней»

1873 год, исполненный надежд и никому неизвестный Илья приезжает в Петербург поступать в академию художеств. Он знакомится с архитектором А. Шевцовым, в доме которого становиться завсегдатаем. Друзья архитектора, перешептываются. Невооруженным взглядом видно, что белокурая Софья, старшая дочь архитектора, пленила воображение юноши. Он часто рисует ее, они много времени проводят вместе. Все домочадцы с нетерпением ожидают предложения. Время идет, а Репин все никак не решается. Напряжение нарастает… Наконец он все-таки объявляет, что готов сделать предложение. Но ко всеобщему удивлению, он предлагает руку не Софье, а ее младшей сестре Вере. Суматоха, все в растерянности…Вера принимает предложение. А Софья спешно удаляется. Спустя два года, она выйдет замуж за Василия Репина, брата художника.

Что предрешило такой странный исход между влюбленными?
История умалчивает… Но недавно опубликованные мемуары родственницы Репина - г-жи Споре проливают свет на эту загадочную историю и разоблачают тайну картины «Монахиня».

Брак Репина не был счастливым. Вера была замкнутой и застенчивой. Она не интересовалась искусством, ограничиваясь заботой о доме и детях. Друзья видели в ней бледную тень Репина.
Он часто изменял ей, супруги ссорились.
В 1876 Репин пишет чувственный и глубокий портрет Софьи. Светлое лицо, мягкие контуры, грустный и одновременно нежный взгляд.
Спустя два года он будет писать ее снова. В бальном платье, с высокой прической и веером.
Во время сеанса, Софья пулей выбежит из кабинета и они окончательно разругаются. Репин выместит зло на портрете. Наряд Софьи он перекроет черной краской и превратит ее в «Монахиню». Вскоре последует развод с Верой и переезд к любовнице Наталье Нордман в Финляндию. Убежденная вегетарианка, писательница, борец за права прислуги в XIX веке рядом с Репиным выглядела странно и глупо. Над ним смеялись, ему было все равно…
Софья тоже разведется с Василием. Дальнейшая ее судьба будет неизвестна.

Как Дюрер придумал личный бренд

Эгоцентризм этого парня был исключительным. Никто ни до него, ни после…не осмеливался бросить вызов главному авторитету средневековья - богу.
До Дюрера считалось, что художник некое подобие принтера который по божественному wi-fi переносит видение всевышнего на холст.
Альбрехт был с этим категорически не согласен. «Какого черта, — думал он, — пишу я, а лавры все богу?»
И решил он, ни много ни мало, потягаться с всевышним.
Он обозначил личные границы, первой в истории искусства подписью на холсте, тем самым, основав личный бренд и написал совершенно дичайший по меркам того времени автопортрет. Искусствовед Томас Ховинг назвал его - «Самым надменным, раздражающим и великолепным в истории искусства».
Портрет в анфас, - так в то время изображали только святых. (Светские портреты были в 3/4) Руки сложил в молитвенном жесте, подобном благословению и максимально приблизив свой облик к божественному написал на холсте: - «Таким изобразил себя я, Альбрехт Дюрер...». Занавес, аплодисменты, духовенство в обмороке.
Он подписывал своей монограммой AD еще и гравюры. Ездил по Европе со своими произведениями и пиарился. Особенно полюбился он итальянцам. Красивый, кудрявый амбициозный немец с потрясающей техникой письма. Даже Джорджо Вазари (первый искусствовед эпохи возрождения), не признававший существование искусства за границами Италии, публично восхищался Дюрером.
Он стал настолько популярен, что его начали подделывать. Дюрер подал в суд и тем самым, создал первый в истории прецедент защиты авторского права.
Спустя 9 лет после автопортрета он решился на еще более эксцентричную выходку. Обнаженный автопортрет со всеми подробностями. Не только же прекрасное лицо увековечивать… не менее прекрасные чресла тоже заслуживают внимания!
И даже во время тяжелой болезни он слабым голосом просил не воды, а зеркало… Близкие решили, что Альбрехт окончательно тронулся, а он изобретал первый в истории аналитический автопортрет, традицию которого продолжат Рафаэль, Караваджо, Рембрандт, и многие другие…

Торговля телом на картинах Дега

Изящные позы, струящиеся ткани, хрупкие балерины, невинность и красота - вы думаете это изображал Эдгара Дега?
Рассмотрим поближе картину «Звезда».
На первом плане у нас юная балерина в пышной пачке украшенной цветами и черной лентой на шее. Композиция намеренно смещена вправо, чтобы акцентировать наше внимание на черном силуэте. Кто этот загадочный господин во фраке, пристально следящий за девушкой из-за кулис? Его лицо скрыто тенью, поза выражает уверенность, руки сложены за спиной… он явно не молод.
Это так называемый «подписчик». Полотно рассказывает о трагической жизни молодых танцовщиц парижской оперы в начале 19-го века.
Большинство танцовщиц были из малообеспеченных семей. Их называли «маленькие крыски». Плохо одетые и вечно голодные ученицы после 10-12 часовых репетиций выпрашивали у театра несколько су на конфеты. Газета «Les Nouvelles à la main» писала о них: «крыска» — это девочка 7-14 лет. Она ходит в поношенных туфлях, носит шаль и серую шляпку. У неё в карманах кусочки хлеба…
Нищенского жалования едва хватало на еду и кров. Тут на сцену выходили «подписчики» престарелые господа с толстыми кошельками и знатными фамилиями. Они ежемесячно платили определенную сумму директору театра, за возможность бывать за кулисами и любоваться на полуобнаженных девочек. Понравившимся, они предлагали покровительство: дорогие наряды, украшения и выходы в свет. Руководство театра поощряло эту торговлю людьми. У «подписчиков» был отдельный вход, а фойе называли «мясным рынком».
Одну из таких историй вы сможете найти у Бальзака в «Утраченных иллюзиях» в линии Люсьена и Кароли.
«Молодая балерина была одновременно испорчена, как старый дипломат, и наивна, как благородный дикарь…» - писал французский журналист, друг Бальзака, Теофиль Готье, - «…хрупкие создания, принесённые в жертву парижскому Минотавру. Он пожирает девственниц сотнями каждый год, а Тесей никогда не приходит им на помощь…»

Идеологическая эротика Александра Дайнеки

Александр Дайнека крайне противоречивый художник. С одной стороны он играл по правилам, создавал агитки и плакаты, восхваляя колхозниц, доярок и токарей. А с другой умудрялся писать весьма откровенные картины, приоткрывая пытливому зрителю щелочку в замочной скважине советской сексуальности.
Когда его коллеги по цеху создавали бездушную пропаганду, за которую хорошо платили тогда, и которая не стоит ничего сейчас.
Дейнека поступал более мудро, он разворачивал авторскую мысль в рамках позволительного. Постоянно балансируя на грани, он воспевал античные идеалы красоты человеческого тела, любил писать обнаженное женское тело. Если конъюнктура была против, значит он набрасывал на фигуру полупрозрачную маечку и шортики в обтяжку - вот уже и не эротика, а советский романтизм. Который не теряет актуальности.
В 2015-м одна из таких хулиганских картин «За занавеской» была продана на лондонском аукционе MacDougall's за 2 млн 248 тыс £ (3,5 млн $)
Он дружил с Маяковским и во многом их взгляды были похожи. Их объединяла вера в человека и социализм.
Преданность идеалам открыла Дайнека возможности, о которых сограждане могли только мечтать. Он ездил по миру представляя СССР на всемирных выставках и часто получал награды.
Во время подготовки к выставке в Нью Йорке в 1938 году, произошел крайне неприятный инцидент. Дайнека работал над картиной «На пути Сталина». Эскиз показали вождю и он произнес: - «А это, что за фашистские молодчики маршируют?»
Вероятно, Сталин узнал в одном из персонажей Николая Вавилова, фигуранта дела «генетика». Его работы очень высоко ценили за границей, но в СССР, вплоть до 50-х генетика считалась лженаукой загнивающего запада. В 1939 Вавилова отправили в тюрьму, где великий ученый скончался.
Дайнека отстранили, работу упрятали в запасники. Художник впал в немилость. Правда ненадолго. В 1939 он создал создал «Сутки советского неба» для плафонов станции метро Маяковская. Они были удостоены Гран При на выставке в Нью Йорке и художник был реабилитирован.

Как убивали красоту…

На фото справа как Было и как Стало. Королевский дворец Кенигсберга снесли чтобы построить этот великолепный Дом советов…

Где-то в начале 60-х мы свернули не туда…
Весь 19 век мы изучали, создавали, строили и преумножали красоту… От Пушкина до Шехтеля. Красота и эстетика вокруг закладывала мощную интеллектуальную базу для развития сознания и мышления. Екатерина Великая вела переписку с Дидро, который советовал произведения искусства для царской коллекции. Благодаря ему, у нас потрясающая коллекция Рембрандта в Эрмитаже. Поездка в Европу становится обязательной частью хорошего образования.
Архитектура, музыка, живопись, театр все развивается невероятными темпами. В Европе наступает “бель эпок”- прекрасная эпоха. Человечество стремится к созиданию.
Промышленники, банкиры, купцы инвестируют в новый облик городов, скупают произведения искусства и создают частные галереи. На смену Романтизму приходит Модерн с девизом: красота, спасет мир.
Но внезапно, к власти приходят большевики со своим видением будущего… Буржуазния должна
быть низвергнута, а пролетариат возвышен. Сталин еще какое-то время будет поддерживать эстетическую планку в угоду имперскому величию. Но спустя несколько десятилетий, Хрущев возьмет курс к полному дну. Он объявит любой декор фасадов украшательством, а архитекторов расточителями. Начнется порицание лауреатов сталинской премии и оскопление созданных ими фасадов.
Профессия архитектора на многие годы будет зажата рамками декретов и безумных требований, что превратит архитектуру в строительство, а красоту в функционал. Города покроются, целыми кварталами бородавок - безликих, серых коробок возведенных в рекордные сроки.
Новый формат жилья выдвинет свои требования к обустройству жилищ: узкие стенки и стеллажи, раскладные диваны и столы не занимающие много места и такие же компактные мозги убежденные в том, что красота это излишество и побочный эффект чревоугодия…

Изнасилованная готика

В продолжение нашего разговора о красоте, расскажу вам историю одного маленького архитектурного шедевра, редкого представителя нео готики в Москве. Здания табачной фабрики «Катык» арх. Фон Дессина. Заказчик был предпринимателем и славился своей агрессивной рекламой. Он решил построить здание в готическом стиле и выпустить рекламки со скромной надписью «Величайшая гильзовая фабрика в Мире».
В последствии, был даже снят рекламный ролик, что по тем временам было супер дорого и эпатажно.
Партнером Катыка был промышленник Пигит, построивший дом с «нехорошей квартирой»Булгакова.
В 1917 фабрику «Катык» национализировали, а в 1930-и превратили в часовой завод. Линию производства закупали в Америке и даже привезли гастарбайтеров из США. Были времена Великой Депрессии в США, и многие специалисты с охотой ехали в СССР за заработком. Завод выпускал наручные часы «Победа» и «Штурманские», с которыми Гагарин летал в космос.
Сейчас здесь пивной ресторан. И нынешний облик фасада без слов рассказывает историю деградации эстетики.
Если в конце 19 в. считалось что «Красота спасет мир» и все стремились окружать себя прекрасным, то в 60-е, красота получила статус чревоугодия. Активно пропагандировалась функциональность. Хрущевки были новым символом светлого пролетарского будущего. Быстро, дешево и не красиво. Потому, что это лишнее!
А дореволюционная архитектура клеймленая «буржуазным излишеством» разваливалась без реставрации.
В итоге мы получили огромное количество людей с детства лишенных чувства прекрасного.
А откуда им было взяться, если в среде десятилетиями господствовал функционал? Если только в старшем поколении в семье, не было эстетов сызмальства прививавших детям чувство вкуса на осколках прекрасного…
Здание фабрики «Катык» выкрасили пошло желтым цветом, видимо по причине той же функциональности - экономия на подсветке. И если ночью, действительно эта жесть заметна не так сильно, то днем это ужасающе грустное зрелище… Фото в коментах.