Нашла очень содержательную статью Иена Томсона, написанную и опубликованную в Стэнфордской энциклопедии философии

Эстетика Хайдеггера

…первое, что можно сказать об «эстетике Хайдеггера», — это то, что сам Хайдеггер счел бы эту тему оксюмороном, противоречием в терминах, подобным идеям «квадратного круга», «деревянного железа» или «христианского философа» (три любимых примера оксюморонов Хайдеггера). Отношение Хайдеггера к искусству как к «эстетике» показалось бы ему неуместным и неуместным, поскольку он последовательно настаивал на том, что «эстетический» подход привёл западное человечество к такому пониманию и восприятию произведений искусства, которое скрывает их истинное историческое значение. Мышление Хайдеггера также нельзя с симпатией отнести к «антиэстетическому», поскольку он предполагает, что любая такая антиэстетика будет слепо связана с эстетикой (так же, как, например, атеизм связан с логикой теизма — оба они претендуют на знание непознаваемого). По его мнению, любое просто оппозиционное движение остаётся в ловушке логики того, чему оно противостоит. Для Хайдеггера, как мы увидим, единственный способ выйти за пределы эстетики — это сначала понять, как она влияет на нас, а затем попытаться преодолеть это влияние, то есть «выздороветь» от него, как от серьёзной болезни…

…великое искусство работает за счёт того, что выборочно фокусирует неявное представление исторического сообщества о том, что есть и что важно, и отражает его обратно этому сообществу, которое таким образом начинает неявно понимать себя в свете этого произведения искусства. Таким образом, произведения искусства функционируют как онтологические парадигмы, служа своим сообществам и «моделями» реальности, и «моделями для» реальности. Это означает (как изящно выразился Дрейфус), что произведения искусства могут по-разному «проявлять», «выражать» или даже «перестраивать» исторические онтологии, лежащие в основе их культурных миров. Другими словами, Хайдеггер предполагает, что искусство может выполнять свою работу по раскрытию мира, по крайней мере, на трех различных порядках величины:
(1) микропарадигмы, которые он позже назовет “things thinging”, которые помогают нам осознать то, что для нас наиболее важно;
(2) парадигматические произведения искусства, такие как живопись Ван Гога и поэзия Гельдерлина, которые раскрывают, как работает само искусство;
(3) макропарадигматические “великие” произведения искусства, такие как греческий храм и трагическая драма (работы, которые Хайдеггер также иногда называет “богами”), которые преуспевают в фундаментальном трансформация “понимания бытия” исторического сообщества, его самого базового и окончательного понимания того, что есть и что имеет значение…

…Другими словами, современная эстетика формирует своё понимание искусства, исходя из дихотомии «субъект/объект»: эстетика предполагает фундаментальное разделение между «объектом» искусства и воспринимающим «субъектом», разделение, которое впоследствии преодолевается с помощью обмена ощущениями или чувствами. Конечно, дихотомия «субъект/объект» лежит в основе современного мировоззрения, поэтому мы бы удивились, если бы современная эстетика не предполагала её. Итак, что именно не устраивает Хайдеггера в эстетическом подходе к искусству, предполагающем наличие субъекта, который стоит перед каким-либо произведением искусства и наслаждается (или не наслаждается) своим чувственным восприятием этого произведения?…

…Как можно заметить, конечная цель размышлений Хайдеггера об искусстве состоит в том, чтобы показать, что значит перейти от современного эстетического восприятия художественного объекта к подлинно постмодернистскому восприятию произведения искусства, чтобы мы могли научиться у искусства тому, как преодолеть современность изнутри. Как позже заявит Хайдеггер, когда мы сталкиваемся с настоящим произведением искусства,

присутствие того, что предстаёт перед нашим взором... отличается от положения того, что находится напротив [нас] в смысле объекта…

Чтобы лучше понимать Хайдеггера:

🔹 Оксюморон — сочетание противоречивых слов для создания выразительного эффекта.

🔹 Дихотомия — разделение чего-либо на два противоположных, взаимоисключающих понятия.

🔹 Парадигма — общепринятая модель, система взглядов или принципов.

#proreview

P.S. Вы же поняли, что сегодня картинок не будет )

Подход Альфреда Барра к изучению искусства был ориентирован на формальный анализ и систематизацию модернизма. Барр, первый директор Музея современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке, заложил основы концепции и организационной структуры музея, а также предложил новые принципы организации выставок и формирования коллекций. 

Подход Барра включал методологию, работу с коллекцией, организацию выставок и создание публикаций. 

Методология

➡️ Анализ формы и категоризация стилей. Барр использовал методы теоретиков искусства XIX века при анализе формы и категоризации стилей. 
➡️ Систематизация признаков модернизма. Барр ориентировался на постимпрессионизм, а также работы Пикассо и Матисса сороковых годов, и подготовил почву для абстрактного экспрессионизма пятидесятых. 
➡️ Избегание идеологизации или отвлечённого толкования искусства. Барр верил в эмпирический метод определения художественной ценности независимо от вида искусств и возражал против отвлечённого восприятия отдельно взятого произведения. 
➡️ Интерес к творческому процессу, технологиям и повседневным вещам. В глазах Барра обычный постер или тостер подчинялся тем же законам формальной логики, что и живописное полотно или скульптура. 

Коллекция

➡️ Фокус на коллекционировании новаторских произведений. Барр считал, что музей должен быть ориентирован на коллекционирование только новаторского искусства, отвергающего традицию.
➡️ Расширение понимания границ современного искусства. Музей с самого начала был ориентирован на создание международной коллекции.
➡️ Отказ от «вечного» хранения произведений. Барр полагал, что музей не должен хранить работы дольше 50–60 лет после их создания.

Статья об Альфреде Барре

Книга «Альфред Барр и интеллектуальные истоки современного музея»

#proreview

Подход Мейера Шапиро к изучению искусства включал междисциплинарный анализ произведений и учёт исторического, социального и экономического контекста.

Учёный разработал новые методологии истории искусства, которые отличались от традиционных подходов, основанных на формальном анализе. 

Методология

Некоторые особенности подхода Шапиро:

➡️ Изучение стиля как системы форм, наделённых качеством и смысловой выразительностью. Стиль, по Шапиро, отражает индивидуальность художника и общее мировосприятие круга, а также передаёт религиозные, общественные и нравственные ценности силой эмоционального воздействия форм. 
➡️ Сопоставление изменчивости стиля с историческими событиями и меняющимися чертами других областей культуры. Учёный пытался понять изменения стиля или его отдельных свойств с помощью психологии и социальной теории. 
➡️ Выявление немиметических элементов произведения, которые определяют смысл: рамы, поверхности, места фигуры в композиции, размера. Эффект от изображения, по Шапиро, зависит не только от того, что на нём нарисовано, но и от качества материала и других факторов. 
➡️ Диалектический подход к искусству, который предполагает существование противоположных сил (тезиса и антитезиса), которые вместе образуют синтез. Учёный признавал, что в искусстве есть противоречия, и их нужно принимать за достоинства, а не за недостатки. 

Тематика

Шапиро исследовал, например:
📝 Искусство Средневековья и Нового времени. Учёный анализировал периоды и течения, обращая внимание на социальные, политические и материальные конструкции их произведений. 
📝 Современное искусство. Шапиро рассматривал работы Курбе, Поля Сезанна, Ван Гога, Жоржа Сёра, Пабло Пикассо, Аршила Горки, Мондриана, абстрактных экспрессионистов в конкретном контексте борьбы и стилистических нововведений. 
📝 Абстрактное искусство. Учёный утверждал, что абстрактное искусство по сути не является «абстрактным» в смысле «чистого», «универсального» и «внеисторического», а скорее наоборот, прочно укоренено в конкретном историческом, социальном и даже экономическом контексте. 

Труды

Некоторые работы Мейера Шапиро, посвящённые вопросам искусства:

«Природа абстрактного искусства» (1937) — эссе, где Шапиро сформулировал парадоксальное заключение, согласно которому абстрактное искусство не является «абстрактным» в смысле «чистого», а, наоборот, прочно укоренено в конкретном контексте.

«Новейшая абстрактная живопись» (1957) — эссе, где Шапиро выступал в защиту кажущейся «бесформенности» и «бессмысленности» передового искусства того времени.
 
Влияние

Идеи Мейера Шапиро повлияли на искусствоведческую дисциплину, например:
📍Критическое переосмысление практики истории искусства в американской академии благодаря попыткам Шапиро разработать исторически основанный, систематический анализ стиля.
📍Понимание модернизма как утверждения личной свободы перед лицом растущего угнетения и деперсонализации индивидуальной жизни, порождённых капиталистическими институтами.

#proreview

Чтобы лучше понимать Шапиро:

📍Немиметические элементы — это художественные средства или детали произведения, которые не стремятся к реалистичному воспроизведению внешнего мира (природы, людей, объектов).

Откуда берётся термин?

Слово «мимесис» (от греч. *mīmēsis*) — значит подражание реальности. В классическом искусстве мимесис был важным принципом: художник старался максимально правдоподобно передать фигуру человека, пейзаж, свет и т. д.

Немиметическое искусство, соответственно, отходит от этого принципа.

📍Диалектика —
это метод философского мышления, изучающий развитие явлений через противоречия и их разрешение. В основе диалектики лежит идея, что всё находится в движении и изменении, а прогресс происходит через столкновение противоположных сторон.

📍 Диалектический подход — это способ анализа или познания, при котором явление рассматривается во взаимодействии противоположностей, в постоянном развитии и связи с другими процессами, а не изолированно и статично.