Современное искусство - это, в первую очередь, анализ, эксперимент и критика, а не чувственное переживание образа. В эпоху где культурная индустрия (кино, популярная музыка, иммерсивные шоу) справляется с удовлетворением человеческой потребности в сильном переживании гораздо лучше, чем современное искусство, последнее занимает гораздо более скромное место, чем в классическую эпоху. Наследуя высокому модернизму (художникам авангарда) современное искусство работает с экспериментом в самых разных областях, оставаясь в рамках более или менее художественного высказывания. Встретить сегодня непосредственное чувственное переживание в современном искусстве сложно, но можно. Однако чаще уже сам зритель смотрит на то как сделано, гораздо пристальнее, чем на эмоциональную составляющую произведения.
На фото: Барнетт Ньюман. Чёрный огонь, 1958-1966
На фото: Барнетт Ньюман. Чёрный огонь, 1958-1966
Жан-Франсуа Лиотар, размышляя об абстрактной живописи Барнетта Ньюмана, находит истоки нашего восприятия искусства в категории невыразимого, указывающей на само событие присутствия, которое состоит из взаимопревращений пространства и времени.
По‑настоящему невыразим сам факт коммуницируемости эстетического опыта. Чтобы заметить его, чтобы сделать слышимым этот шепот красочных слоёв, искусство должно было редуцировать весь контент и пластическую форму,сведя себя к положению физического тела в социальном пространстве — таком, как монохромные холсты Ньюмана.
Источник:
Lyotard, J.-F. The Sublime and the Avant‑Garde // J.-F.Lyotard. The Inhuman: Reflections on Time. Stanford,CA: Stanford University Press, 1992. P. 92.
Из книги Станислава Шурипы. Действие и смысл в искусстве второй половины XX века. М. ИПСИ, 2017. С. 134
На фото: Barnett Newman. Yellow Painting, 1949.
По‑настоящему невыразим сам факт коммуницируемости эстетического опыта. Чтобы заметить его, чтобы сделать слышимым этот шепот красочных слоёв, искусство должно было редуцировать весь контент и пластическую форму,сведя себя к положению физического тела в социальном пространстве — таком, как монохромные холсты Ньюмана.
Источник:
Lyotard, J.-F. The Sublime and the Avant‑Garde // J.-F.Lyotard. The Inhuman: Reflections on Time. Stanford,CA: Stanford University Press, 1992. P. 92.
Из книги Станислава Шурипы. Действие и смысл в искусстве второй половины XX века. М. ИПСИ, 2017. С. 134
На фото: Barnett Newman. Yellow Painting, 1949.
Противоположность между чувственно конкретным, пластическим с одной стороны и абстрактно-рациональным, концептуальным с другой - есть та граница по которой изначально проходит различение большинства произведений искусства.
Символическую реальность можно постигать не только с помощью рацио, но и с помощью снов. В живописи лучше всех об этом знали художники сюрреалисты, а в литературе “магические реалисты”.
На фото: Max Ernst. Castor and Pollution, 1923
Символическую реальность можно постигать не только с помощью рацио, но и с помощью снов. В живописи лучше всех об этом знали художники сюрреалисты, а в литературе “магические реалисты”.
На фото: Max Ernst. Castor and Pollution, 1923
Чтобы смотреть в будущее требуется нон-конформизм. А сейчас мы живем в обществе тотального конформизма. Отчего произведения современных художников навевают скуку и пробуждают только одно желание - зевнуть. В будущее же возьмут не всех. Если ты хочешь остаться в будущем, то придется выйти из зоны комфорта.
Хороший художник всегда рефлексирует. И рефлексия бывает разной. Если вам нравится художник, значит, его рефлексия совпала с вашей.
Если вам понравился современный художник — остроумный, ироничный или, напротив, серьёзный до невозможности, — не важно. Если рефлексия совпала, значит, вы на одной волне с художником.Это именно тот, с кем вы хотите пообщаться. Или,напротив, он уже всё сказал, и вам необязательно что‑то друг другу говорить: вам достаточно самого факта присутствия — художника в жизни зрителя изрителя в жизни художника.
Впрочем, когда художник серьёзно кому‑то хочет что‑то сказать, это может выйти очень скучно. Мухи дохнут от скуки порою, когда художник начинает глубокомысленно погружаться в те или иные проблемы повестки дня (возьмите любой топик:гендер, экология, социальное неравенство и такдалее…).
Джорджо де Кирико. «Автопортрет», 1922.
Если вам понравился современный художник — остроумный, ироничный или, напротив, серьёзный до невозможности, — не важно. Если рефлексия совпала, значит, вы на одной волне с художником.Это именно тот, с кем вы хотите пообщаться. Или,напротив, он уже всё сказал, и вам необязательно что‑то друг другу говорить: вам достаточно самого факта присутствия — художника в жизни зрителя изрителя в жизни художника.
Впрочем, когда художник серьёзно кому‑то хочет что‑то сказать, это может выйти очень скучно. Мухи дохнут от скуки порою, когда художник начинает глубокомысленно погружаться в те или иные проблемы повестки дня (возьмите любой топик:гендер, экология, социальное неравенство и такдалее…).
Джорджо де Кирико. «Автопортрет», 1922.
Самый дурацкий вопрос об искусстве звучит так: «Ваш самый любимый художник?»
Вообще, люди, которые любят искусство (или кино, музыку, литературу), никогда не ответят на вопрос, кого они любят больше всего. Если вы, конечно, по‑настоящему влюблены в искусство, а не периодически что‑то там потребляете с переменным успехом, заглядывая на те или иные мероприятия.
Один молодой человек случайно зашёл на выставку и по телефону, по всей видимости, отвечая родным, говорит: «Я не знаю, где я, но я должен сначала понять, где я, кто я и зачем я?» Это неплохое начало для вхождения в проблематику — начать хоть как‑то шевелиться в окружающем тебя пространстве.
А изобразительное искусство даёт такую возможность: начать активнее существовать, ощущать себя и искусство как что‑то не само собой разумеющееся, как что‑то, что сподвигнет тебя на размышления, в конце концов, о себе самом.
Вообще, люди, которые любят искусство (или кино, музыку, литературу), никогда не ответят на вопрос, кого они любят больше всего. Если вы, конечно, по‑настоящему влюблены в искусство, а не периодически что‑то там потребляете с переменным успехом, заглядывая на те или иные мероприятия.
Один молодой человек случайно зашёл на выставку и по телефону, по всей видимости, отвечая родным, говорит: «Я не знаю, где я, но я должен сначала понять, где я, кто я и зачем я?» Это неплохое начало для вхождения в проблематику — начать хоть как‑то шевелиться в окружающем тебя пространстве.
А изобразительное искусство даёт такую возможность: начать активнее существовать, ощущать себя и искусство как что‑то не само собой разумеющееся, как что‑то, что сподвигнет тебя на размышления, в конце концов, о себе самом.
Какие переживания современного человека должны задевать другого современного человека? Вот вопрос.
Сейчас кризис смыслов, а не сюжетов. Сюжетов полно, вот только то, что за ними должно стоять, отсутствует.
Если в первой половине XX века происходил активный поиск новых форм в искусстве и смена этих форм ощущалась художниками с высокой степенью интенсивности, то во второй половине века современное искусство поставило перед собой цель работать со смыслами (в чём‑то замещая философию, как в концептуализме).
Сейчас же острейшим образом мы переживаем именно кризис смыслов, а не форм и сюжетов. Отсюда — активное обращение к актуальной повестке дня, которая собой прикрывает зияющую дыру отсутствия в произведении чего‑то большего.
Сейчас кризис смыслов, а не сюжетов. Сюжетов полно, вот только то, что за ними должно стоять, отсутствует.
Если в первой половине XX века происходил активный поиск новых форм в искусстве и смена этих форм ощущалась художниками с высокой степенью интенсивности, то во второй половине века современное искусство поставило перед собой цель работать со смыслами (в чём‑то замещая философию, как в концептуализме).
Сейчас же острейшим образом мы переживаем именно кризис смыслов, а не форм и сюжетов. Отсюда — активное обращение к актуальной повестке дня, которая собой прикрывает зияющую дыру отсутствия в произведении чего‑то большего.
Как и во всём искусстве в целом, так и в перформансе происходит процесс размывания границ. Если раньше определить, что такое перформанс, было сложно, потому что он считался маргинальным и недостаточно изученным, то в XXI веке перформанс стал вездесущим элементом не только современного искусства, но и культурной индустрии. От театра до рекламных кампаний — перформанс может быть обнаружен практически везде.
К примеру, на этом концерте академической музыки.
Поговорим о перформансе 8 мая в Сочи — заглядывайте!
К примеру, на этом концерте академической музыки.
Поговорим о перформансе 8 мая в Сочи — заглядывайте!
dkrassvet.space
Euphoria in C
Перформанс для танцовщика, вокалистки и камерного оркестра
Надо сделать прямо противоположный вывод — это классическая ситуация. «Опять какая‑то мазня, да мой ребёнок так нарисует!» Дело не в том, что художник бездарен, а в том, что ваш ребёнок гениален.
Если кто‑то сомневается, что живёт в абсурдном мире, пусть посмотрит на стоимость работ некоторых современных художников. Чтобы купить картину Марка Брэдфорда или Питера Дойга человеку со средней зарплатой в условную тысячу долларов, придётся работать тысячу лет. А чтобы приобрести работу художников начала XX века — Матисса или Пикассо — придётся работать 10 тысяч лет.
Никогда ещё современное искусство так не любили, как сейчас.
Если кто‑то сомневается, что живёт в абсурдном мире, пусть посмотрит на стоимость работ некоторых современных художников. Чтобы купить картину Марка Брэдфорда или Питера Дойга человеку со средней зарплатой в условную тысячу долларов, придётся работать тысячу лет. А чтобы приобрести работу художников начала XX века — Матисса или Пикассо — придётся работать 10 тысяч лет.
Никогда ещё современное искусство так не любили, как сейчас.
Forwarded from Школа искусств «Ренессанс» | Сочи
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
Вчера прошла первая лекция цикла от Константина Плотникова о современном искусстве .
На ней обсуждали вопрос – как понимать современное искусство?
Делимся отзывом Анны одной из участниц лекции:
Действительно искусство требует нашего любопытства и готовности к восприятию, особенно современное, ведь оно еще не подкреплено авторитетом времени.
Ну что? Будем любопытными?
Впереди две лекции цикла:
8 мая в 18:00
тема: «Искусство действия. Перформанс и акционизм»
9 мая 18:00
тема: «Живопись в современном искусстве»
🎟️ 2200₽
Бронирование @sea_ev
Школа искусств «Renaissance» Курортный пр-т, 21
На ней обсуждали вопрос – как понимать современное искусство?
Делимся отзывом Анны одной из участниц лекции:
Мне понравился формат лекции. Константин нестандартно строит ход мысли, прям закручивает его и это запускает сложные умственные процессы) такой формат позволяет не просто в моменте получить информацию, а именно проанализировать всё, что было сказано и пропустить этот опыт через себя!
Это лекция была не сколько про общее понятие «современное искусство» с красочными примерами-картинками и тп, а больше про восприятие этого явления, и с последующей саморефлексией👍
Действительно искусство требует нашего любопытства и готовности к восприятию, особенно современное, ведь оно еще не подкреплено авторитетом времени.
Ну что? Будем любопытными?
Впереди две лекции цикла:
8 мая в 18:00
тема: «Искусство действия. Перформанс и акционизм»
9 мая 18:00
тема: «Живопись в современном искусстве»
🎟️ 2200₽
Бронирование @sea_ev
Школа искусств «Renaissance» Курортный пр-т, 21
Начнём этот день с возражения…
Умение возразить. Для начала это уже очень неплохо. С одной стороны, есть потребность в искусстве, с другой — есть нежелание соглашаться.Потворствовать всеобщему соглашательству и рукоплесканию.
Воспитательная роль искусства — очень сомнительная вещь. Это хорошо для отчета чиновников от культуры, а для реального зрителя речь идёт о мечте. Искусство каким‑то образом показывает мне то, что могло бы случиться, но по каким‑то причинам не случилось. Оно может погрузить в мечту, в детство или в сон. Но может, и напротив, пробудить, высвободить от оков банальностей и самоочевидностей. Впрочем, такое случается нечасто.
На фото: Йиржи Кованда. «Я набираю немножко воды в сложенные ладони и выливаю эту воду ниже по реке», Прага, Стрелецкий остров, 19 мая 1977
Умение возразить. Для начала это уже очень неплохо. С одной стороны, есть потребность в искусстве, с другой — есть нежелание соглашаться.Потворствовать всеобщему соглашательству и рукоплесканию.
Воспитательная роль искусства — очень сомнительная вещь. Это хорошо для отчета чиновников от культуры, а для реального зрителя речь идёт о мечте. Искусство каким‑то образом показывает мне то, что могло бы случиться, но по каким‑то причинам не случилось. Оно может погрузить в мечту, в детство или в сон. Но может, и напротив, пробудить, высвободить от оков банальностей и самоочевидностей. Впрочем, такое случается нечасто.
На фото: Йиржи Кованда. «Я набираю немножко воды в сложенные ладони и выливаю эту воду ниже по реке», Прага, Стрелецкий остров, 19 мая 1977
В «Сумерках идолов» Ницше формулирует три задачи, для которых нужны воспитатели: надо научиться смотреть, надо научиться мыслить и надо научиться говорить и писать.
Целью этого обучения, согласно Ницше, является «аристократическая культура».
Научиться смотреть — значит «приучить глаз к спокойствию, к терпению, приучить его заставлять приближаться к себе», то есть сделать глаз способным к глубокому и созерцательному вниманию, к долгому и медленному взгляду. Это обучение зрению есть «первая подготовка к духовному развитию».
Нужно научиться «не реагировать тотчас же на раздражение, а приобрести тормозящие,запирающие инстинкты».
Духовная неразвитость, пошлость зиждутся на «неспособности сопротивляться раздражению»,ответить ему «нет». Реагировать сразу и следовать каждому импульсу — это уже болезнь, гибель,симптом истощения.
Сегодня будем смотреть и обсуждать современную живопись. Начало в 18.00, присоединяйтесь!
На фото: Матиас Вайшер. Офорты IV, 2011.zв
Целью этого обучения, согласно Ницше, является «аристократическая культура».
Научиться смотреть — значит «приучить глаз к спокойствию, к терпению, приучить его заставлять приближаться к себе», то есть сделать глаз способным к глубокому и созерцательному вниманию, к долгому и медленному взгляду. Это обучение зрению есть «первая подготовка к духовному развитию».
Нужно научиться «не реагировать тотчас же на раздражение, а приобрести тормозящие,запирающие инстинкты».
Духовная неразвитость, пошлость зиждутся на «неспособности сопротивляться раздражению»,ответить ему «нет». Реагировать сразу и следовать каждому импульсу — это уже болезнь, гибель,симптом истощения.
Сегодня будем смотреть и обсуждать современную живопись. Начало в 18.00, присоединяйтесь!
На фото: Матиас Вайшер. Офорты IV, 2011.zв
Forwarded from Moe Okno
Милый кружок 🤗
В июне также поговорим об очень интересной теме с Константином Плотниковым, искусствоведом, кандидатом филологических наук, доцентом кафедры философии ОАФ РАНХиГС.
Ждём вас!
Репост приветствуется 💫
🎨 29.06 пнд в 19:30
«Нью-йоркская школа живописи»
Лекция Константина Плотникова
«Произведение искусства ни в коем случае не может подражать жизни; напротив, оно может лишь порождать жизнь».
Ханс Хофман
«Поиск молодыми американскими художниками собственной идентичности совпал со временем Великой депрессии, начавшейся в 1929 году. То вдохновляясь Парижской школой, то впадая «в безнадежный провинциализм», уже в начале 1930-х будущие звезды «ясно осознавали эту дилемму и начали объединяться» (Дори Эштон). Большим подспорьем в этом процессе стала господдержка в виде так называемого Федерального художественного проекта. Однако основные условия, приведшие к формированию гетерогенного, но все же во многом цельного явления, были заданы самими участниками процесса.И если в 1930-е они совместно только нащупывали самобытный художественный язык, то с началом Второй мировой войны и переездом в США звезд европейского модернизма (сюрреалистов, основателей Баухауса и отдельных художников, дизайнеров, архитекторов, мыслителей) совпало становление оригинального феномена Нью-Йоркской школы. Его расцвету, который пришелся на 1940-е и 1950-е годы, а также скоротечному закату в 1960-е будет посвящена лекция», - пишет Константин.
Участие за донат от 4000₽ и выше на Ваше усмотрение.
Студентам от 2000₽.
Присоединяйтесь очно и онлайн!🙌
Инфо и запись любым удобным способом
•ТГ @moe_okno_bot
или @Moe_Okno_Aliya
•в вотсапе / по телефону +79213069808
📍 Гостиная на Большой Никитской рядом с ЦДЛ
(Точный адрес после подтверждения брони)
Вся афиша по ссылке (и в закрепленном сообщении)
#лекция #искусство #история #лекторий #moeokno
В июне также поговорим об очень интересной теме с Константином Плотниковым, искусствоведом, кандидатом филологических наук, доцентом кафедры философии ОАФ РАНХиГС.
Ждём вас!
Репост приветствуется 💫
🎨 29.06 пнд в 19:30
«Нью-йоркская школа живописи»
Лекция Константина Плотникова
«Произведение искусства ни в коем случае не может подражать жизни; напротив, оно может лишь порождать жизнь».
Ханс Хофман
«Поиск молодыми американскими художниками собственной идентичности совпал со временем Великой депрессии, начавшейся в 1929 году. То вдохновляясь Парижской школой, то впадая «в безнадежный провинциализм», уже в начале 1930-х будущие звезды «ясно осознавали эту дилемму и начали объединяться» (Дори Эштон). Большим подспорьем в этом процессе стала господдержка в виде так называемого Федерального художественного проекта. Однако основные условия, приведшие к формированию гетерогенного, но все же во многом цельного явления, были заданы самими участниками процесса.И если в 1930-е они совместно только нащупывали самобытный художественный язык, то с началом Второй мировой войны и переездом в США звезд европейского модернизма (сюрреалистов, основателей Баухауса и отдельных художников, дизайнеров, архитекторов, мыслителей) совпало становление оригинального феномена Нью-Йоркской школы. Его расцвету, который пришелся на 1940-е и 1950-е годы, а также скоротечному закату в 1960-е будет посвящена лекция», - пишет Константин.
Участие за донат от 4000₽ и выше на Ваше усмотрение.
Студентам от 2000₽.
Присоединяйтесь очно и онлайн!
Инфо и запись любым удобным способом
•ТГ @moe_okno_bot
или @Moe_Okno_Aliya
•в вотсапе / по телефону +79213069808
(Точный адрес после подтверждения брони)
Вся афиша по ссылке (и в закрепленном сообщении)
#лекция #искусство #история #лекторий #moeokno
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
О кураторе
Активность зрителя — необходимое условие полноценного восприятия искусства. Кураторская деятельность, в известном смысле, представляет собой элитарную часть художественного общества.
Как отмечал Харольд Зееман, куратор выполняет функцию официанта: он сервирует и подаёт зрителю «блюдо». Однако именно куратор определяет содержание зрительского опыта.
Профессиональные качества куратора включают способность мыслить в рамках общекультурных контекстов и проявлять гибкость мышления, а не исключительно глубину познаний. В отличие от философа, куратор не призван к теоретизированию; его роль — противостоять поверхностности культуры мемов и демонстрировать возможности нестандартного осмысления.
Эффективность кураторской деятельности обусловлена наличием группы сложившихся художников и тесной связи между ними и куратором. Иными словами, куратор должен быть интегрирован в художественную среду.
Концепция «кабинетного» куратора несостоятельна. Подобный подход применим к научной деятельности, но не к кураторству — это принципиально разные профессии.
Активность зрителя — необходимое условие полноценного восприятия искусства. Кураторская деятельность, в известном смысле, представляет собой элитарную часть художественного общества.
Как отмечал Харольд Зееман, куратор выполняет функцию официанта: он сервирует и подаёт зрителю «блюдо». Однако именно куратор определяет содержание зрительского опыта.
Профессиональные качества куратора включают способность мыслить в рамках общекультурных контекстов и проявлять гибкость мышления, а не исключительно глубину познаний. В отличие от философа, куратор не призван к теоретизированию; его роль — противостоять поверхностности культуры мемов и демонстрировать возможности нестандартного осмысления.
Эффективность кураторской деятельности обусловлена наличием группы сложившихся художников и тесной связи между ними и куратором. Иными словами, куратор должен быть интегрирован в художественную среду.
Концепция «кабинетного» куратора несостоятельна. Подобный подход применим к научной деятельности, но не к кураторству — это принципиально разные профессии.
Приглашаю всех на свою лекцию по теории современного искусства 19 мая, которая пройдет в галерее «Открытый клуб».
Регистрация здесь.
На фото:
Tim Eitel, Architect, 2012. Huile sur toile, 210 x 250 cm. © Uwe Walter
Регистрация здесь.
На фото:
Tim Eitel, Architect, 2012. Huile sur toile, 210 x 250 cm. © Uwe Walter
19 мая поговорим в том числе и о современной живописи, вот отрывок из интервью Тима Эйтеля - представителя новой лейпцигской школы.
Вопрос: В вашей работе видны отсылки к Мондриану, Каспару Давиду Фридриху, Хопперу...
Ответ: Да, я писал картины по мотивам Мондриана, превращая его линии и цветовые плоскости в пространственные координаты. Но для меня это был способ найти свой путь через диалог с великими предшественниками. Сейчас я считаю, что определил свой объект и метод, и каждая картина должна отвечать только сама за себя.
Вопрос: Что именно показывают ваши картины?
Ответ: Часто говорят об одиночестве и меланхолии, но я не согласен. Мои персонажи взаимодействуют с окружением: они смотрят на картину, идут по пространству, делают жест. Они присутствуют в моменте. Меня завораживает магия того, как незнакомец вдруг обретает важность. В своей живописи я пытаюсь уловить эту значимость Другого в сиюминутности.
Полностью текст интервью здесь
Вопрос: В вашей работе видны отсылки к Мондриану, Каспару Давиду Фридриху, Хопперу...
Ответ: Да, я писал картины по мотивам Мондриана, превращая его линии и цветовые плоскости в пространственные координаты. Но для меня это был способ найти свой путь через диалог с великими предшественниками. Сейчас я считаю, что определил свой объект и метод, и каждая картина должна отвечать только сама за себя.
Вопрос: Что именно показывают ваши картины?
Ответ: Часто говорят об одиночестве и меланхолии, но я не согласен. Мои персонажи взаимодействуют с окружением: они смотрят на картину, идут по пространству, делают жест. Они присутствуют в моменте. Меня завораживает магия того, как незнакомец вдруг обретает важность. В своей живописи я пытаюсь уловить эту значимость Другого в сиюминутности.
Полностью текст интервью здесь
Для определения любого художественного произведения как произведения, относящегося к искусству, требуется соответствие целому порядку условий. Во-первых, у каждого, даже самого продвинутого современного произведения искусства, есть автор. Как бы Ролан Барт не старался «убить» автора, даже если перед нами работа художника концептуалиста, например, Лоуренса Вайнера «Метр на метр», где, собственно, сама работа представляет собой инструкцию по проявлению на стене квадрата размером метр на метр. По разрешению автора вы можете воспроизвести «Метр на метр», сама работа представляет собой идею. Здесь мы подходим ко второму обязательному условию осуществления художественного произведения – это его фактическое существование. Для осуществления чего-то, что мы называем произведением искусства – это что-то должно существовать в физическом виде. Даже если речь идет о концептуальной инструкции или эфемерном перфомансе, мы всегда можем отделить автора от художественного произведения и можем провести четкие границы осуществления того или иного произведения искусства.
Подробнее о судьбах автора и художественных произведений в эпоху современности поговорим 19 мая в галерее «Открытый клуб».
Подробнее о судьбах автора и художественных произведений в эпоху современности поговорим 19 мая в галерее «Открытый клуб».
openklub.timepad.ru
Лекция Константина Плотникова «О смыслах и понимании в современном искусстве» / События на TimePad.ru
LAWRENCE WEINER “36x36”REMOVAL TO THE LATHING OR SUPPORT WALL OF PLASTER OR WALLBOARD FROM A WALL, 1968, Works & Reconstructions, Kunsthalle, Berne, Switzerland, 1983. © 2021 Lawrence Weiner / DACS, London.