Сергей Леднев-Щукин. «Лунная ночь. Звенигород (Саввино-Сторожевский монастырь)», 1922 г.

Завораживающая зимняя лунная ночь.

Сергей Евграфович Леднев-Щукин (1875-1961) — русский живописец, пейзажист 1-й половины XX века. Окончил Центральное Строгановское училище. Жил и работал в Москве. Участвовал в выставках Санкт-Петербургского общества художников, МОЛХ, «Мира искусства», группы «Независимые» (1907—1912). Участник московского кружка «Среда». После революции принимал участие во 2-й Государственной выставке картин в Москве (1918—1919), выставках группы «Объединенное искусство» (ОБИС, 1925), обществ «Ассамблея» («Группа московских художников», 1924—1929), «Искусство трудящимся» (1925—1928). Его картины демонстрировались в Государственной Третьяковской Галерее, (1989) (ГТК); Химкинской картинной галереи (1990). Работы художника находятся во многих музеях России. В том числе УИХМ (Углич), Приморская государственная картинная галерея (Владивосток), Новокузнецкий Художественный музей, Химкинская картинная галерея. А также в частных коллекциях и музеях за рубежом, Художественном музее Метрополитен (Нью-Йорк).

#Искусство

Алексей Саврасов. «Хижина в зимнем лесу», 1888 г.
Частная коллекция

Эта картина изображает прекрасный зимний пейзаж с избушкой, стоящей в глухой чаще. Полотно словно переносит зрителя в морозную сказку, где пушистый снег окутал ветки огромных вековых елей и замёл дорожку к маленькому лесному домику.

Саврасов очень любил писать зимние пейзажи, создавая их в романтическом стиле. Глядя на картину сразу вспоминаешь уральские сказки Бажова, особенно «Серебряное копытце». Кажется, что вот-вот на крыше избушки появится волшебный олень, и будет выбивать своей ножкой драгоценные камни.
Всё в картине - от её композиции до техники и цветовой конструкции - подчинено романтике. Раннее вечернее небо, сочетающееся искусным использованием света и цвета с белыми, покрытыми инеем деревьями вдали, тающими в снежной дымке, передает ощущение замкнутости небольшой лесной поляны, усиливая эмоциональное воздействие картины.

Саврасов очень тщательно и реалистично передал состояние природы, впавшей в зимнюю спячку. На переднем плане он изобразил свои любимые густые ели, которые грозно возвышаются над маленькой избушкой. Тонкие, покрытые инеем ветки, подчёркивают хрупкую прозрачность зимнего морозного воздуха.
Глядя на это чарующее полотно Саврасова, не перестаёшь удивляться, как широко можно изобразить однообразный белый цвет, который и предусматривает зима, и как реалистично можно создать на полотне морозный воздух.

#Саврасов #Искусство

Исаак Батюков. «У приезжей подруги» / «Разговор у сундука», 1893 г.

На этой картине мы видим двух девушек, которые сидят у сундука и разбирают вещи из него. Лица героинь довольно грустные. Возможно, они похоронили близкого родственника или просто переживают трудную жизненную ситуацию. Что же здесь происходит?
Одна из девушек в зимней верхней одежде, значит, недавно вошла в дом. Другая одета в светло-розовое платье, которое совсем не похоже на деревенское.
На лавке можно увидеть флакончики с лекарствами. Возможно, мать одной из девушек болела, после чего умерла, а они теперь разбирают её сундук.

Художник сделал девушек очень похожими между собой, поэтому легко можно было предположить, что они сёстры. Однако образ одной из девушек никак не вяжется с деревенским домом, уж больно она похожа на городскую. Да и содержимое сундука резко контрастирует с бедной обстановкой жилища.
Сюжет картины довольно запутан и оставляет много домыслов. Но оказалось, что изначальное название картины вовсе не «Разговор у сундука». Оригинальное название картины – «У приезжей подруги».

Название картины почему-то было утеряно, а на каком-то аукционе работу переименовали в «Разговор у сундука». Именно это название и разошлось по интернету.
Оригинальное название «У приезжей подруги» многое объясняет. Девушка в розовом платье только что приехала из города и разбирает свой сундук, который оттуда же и привезла. К ней зашла подруга, которая, не раздеваясь, присела послушать истории о городской жизни.

Фотокарточка в руках девушек, вероятно, изображает поклонника приезжей, и все эти дорогие подарки (духи, ткани, чай, браслет) тоже от него.
Однако всё ещё остаётся открытым вопрос о том, зачем же при такой хорошей городской жизни героиня сюжета вернулась в деревню. Вероятно, поклонник был из благородной семьи, поэтому родители не разрешили ему жениться на простушке и подобрали более подходящую партию для брака.
А может покровитель и вовсе был женат. Интрижка раскрылась, и молодая красавица была вынуждена вернуться на родину.

#Батюков

Фредерик Базиль. «Маленький садовник», около 1866-1867 гг.
Музей изящных искусств, Хьюстон

Сдержанный лиризм, романтика, мастерское владение цветом – вот основные черты стиля одного из родоначальников импрессионизма Фредерика Базиля. Представленная работа как нельзя лучше показывает пристальный интерес живописца к пейзажу, и не просто к природе, а гармоничного нахождения на её фоне человека. Для этого живописец, поклонник барбизонской школы, всегда работал на пленэре.

Картину Базиль начал писать в 1867 году. В это время мастер вместе со своей семьёй отдыхал в загородном доме родителей в местечке Мерик. Это была традиционная поездка в летний отпуск, где художник помимо отдыха продолжал работать и экспериментировать. По левому нижнему углу можно заметить, что произведение так и не было закончено.

На полотне мы видим большой ухоженный сад. Кульминационным центром композиции является цветущий алыми цветами куст олеандра, несмотря на то, что этот элемент физически смещён от самого центра в левую сторону. Разлапистая ель, тяжёлые кроны деревьев на заднем плане гармонируют с идеально ровно постриженной травой. А над всей этой рукотворной красотой раскинулась яркое голубое небо с редкими островками облаков. Зритель не видит самого солнца, однако, явственно его ощущает по залитому его светом саду, который буквально светится изнутри.

Картина очень гармонично решена и в цветовом плане – богатство колорита, контрасты ярких растений и глубоких непроницаемых теней от солнца, объём и динамика, созданная именно цветом, а не линией. Базиль уверенно пробовал «на вкус» только-только созданную им и его друзьями (Моне, Ренуаром) эстетику нового течения в изобразительном искусстве.

#Базиль #Искусство

Фредерик Базиль. «Гадалка», 1869 г.
Частное собрание

Фредерик Базиль относился к молодёжи импрессионизма. Именно он стоял у истоков новой эстетики, пробуя новые средства выразительности и трактовку красок.
Картина «Гадалка» или как её ещё именуют «У гадалки» была написана в 1869 году, ровно за год до трагической гибели живописца на поле брани, коим для Базиля оказался Бургундский лес под Бон-ла-Роланд.
Работа затрагивает одну из интригующих тем – гадание. Умение некоторыми людьми предсказывать будущее интересовало художников разных поколений, достаточно вспомнить работы Врубеля, Караваджо, Маковского и др.

Однако мастер удивляет своей трактовкой этого сюжета. Обычно гадание на картах связывают либо с неким мистицизмом, либо с шарлатанством, цыганами, но живописец показывает нам совершенно обычную молодую женщину, которая задумчиво глядит в карты, разложенные на столе.
Одета она в однотонное глухое платье, на котором Базиль мастерски передал игру света. Кажется, что перед героиней находится окно, из которого и льётся не яркий спокойный свет. Филигранно переданы складки ткани и тени, которые они оставляют.

От фона художник намеренно отказался: за спиной девушки серо-белая стена с неясными кругами в левой стороне фона, которые можно принять за тюль.
Очень выразительно изображено лицо гадалки – плотно сжатые губы, опущенные веки, гладкий лоб. Она задумчива и, кажется, полностью погружена в свои мысли. Даже сложно сказать героиня сама по себе раскладывает гадальные карты, или всё же перед ней сидит клиент, который просто не попал в композицию картины.
В цветовом плане работа решена спокойна и гармонично. Доминантными цветами здесь выступают коричневый и серый, и лишь красный цвет на картах слегка отвлекает внимание.

Предельная внимательность к герою и его действу при очень точных личностных характеристиках, воспроизведённых смелыми размашистыми мазками – вот основные черты данной работы, которые свидетельствуют о большом потенциале молодого художника, который он так и не успел до конца раскрыть

#Базиль #Искусство

Камиль Коро. «Читающая женщина в пейзаже», 1869 г.
Метрополитен музей

Как и многие другие художники, автор очень любил образ женщины за книгой, который часто олицетворял музу. Позже он напишет еще несколько работ с похожей задумкой, однако, все они отличаются друг от друга по цвету, позам и эмоциям, которые передает девушка и картина в целом.
«Читающая женщина в пейзаже» - это олицетворение спокойствия, умиротворенности и нежности. С годами Камиль Коро уходит от своего конкретного и четкого написания портретов. Художник приходит к воплощению вечного покоя и свободы.

Девушка на полотне изображена в простой, непринужденной позе, видна полная заинтересованность книгой. Модель хорошо одета по меркам того времени: яркое, пышное платье и необычное украшение в волосах. На фоне виднеется простой пейзаж, выполненный в грязно-зеленом, желтом и коричневых цветах. В небольшой лодке на берегу озера сидит рыбак. Все изображенное на картине дает зрителю ощущение покоя, умиротворения, безопасности и уюта.
На этой картине интересным цветом изображено небо - неаккуратное смешивание голубого и бежевого цветов. Позже такой прием будет, слегка утрировано, повторяться в картинах многих импрессионистов. К слову, все работы мастера, хоть и выполнены в стиле абсолютного, четкого реализма, дают начало будущим импрессионистам играть со светом, цветом, необычными ракурсами и изменениями пространства.

Уже будучи престарелым, Камиль Коро отнесся довольно плохо к развивающейся в конце 19 века тенденции на изменение естественного и добавление красок на полотна. Например, работы Огюста Ренуара ему совсем не нравились. Однако, удивительно, что его полотна стали одними из тех, что привнесли новое в течение импрессионизма и позднего импрессионизма.

#Коро #Искусство

Анри Матисс. «Семейный портрет», 1911 г.
Эрмитаж

На картине изображена гостиная, где и располагаются персонажи.
В центре, за шахматной доской, сидят два мальчика-подростка: один задумался над партией, другой делает ход. Мальчики одеты в одинаковые, ярко-красные летние пижама. Это сыновья Матисса - Пьер и Жан. Позади них раскрывается обстановка комнаты: посредине - белый камин с цветочными вазами и маленькой декоративной фигуркой на парапете. Вазочки заполнены разноцветными букетами, слева диван с красочной обивкой.
На диване сидит женщина в оранжевом с желтыми цветочками платье. Это жена художника - Амели. Она сосредоточена на рукоделии.
Справа от камина - открытые этажерки с книгами. Перед ними на пестром, красочном ковре стоит во весь рост, облаченная в длинное, черное платье с белыми манжетами и воротником, девушка - дочь художника - Маргерит. Она просто стоит и держит в одной руке крохотную желтую книгу.

В картине цвет создает атмосферу, вызывает впечатление, строит композицию. Преобладает красный, синий, желтый. Отдельный акцент создает черный цвет платья. Подобные акценты приходятся на красные одежды мальчиков, синий в контрасте с белым камином, черно-белые квадраты шахматной доски. В перечисленных деталях, цвета читаются по отдельности.
Те же цвета разбросаны по всей картине так, что создается впечатление яркого, красочного ковра. Цвет наделяет одинаковой характеристикой людей и предметы. Зритель со схожим желанием рассматривает на картине групповой портрет членов семьи художника, шпальер на стене, ковер на полу, одежду и все остальные предметы, тем более, что все написано на одной, сплошной плоскости.

#Матисс #Искусство

Эдгар Дега. «Коляска на скачках», 1872 г.
Музей изящных искусств, Бостон

Картина была представлена на первой выставке импрессионистов в 1874 году в Париже. Несмотря на относительно небольшие размеры картина достаточно сложная. Пейзажная и жанровая живопись, а также семейный портрет слились в одну композицию.

На фоне небесной лазури и зелени нормандских лугов Дега изобразил сцену досуга высшего общества. Семья близкого друга художника П. Вальпинсона прибыла на скачки в полном составе. Сидящий на козлах кареты, безупречно одетый глава семейства, кажется, совсем позабыл о забеге и ставках. С нежностью он наклонил голову в сторону своей супруги и младенца, спящего на руках у кормилицы. Заботливая мать бережно укрывает свое дитя кружевным зонтиком от яркого солнца.
Атмосферу знойного летнего дня и размеренности светского мероприятия передает нежная теплая гамма цветов, использованная в этой картине. Эдгар Дега, как яркий представитель импрессионизма, соединяя цвет и форму, играя на перспективе, отсылает зрителя к мимолетному впечатлению о неповторимом жизненном моменте.

Скачки - одна из излюбленных тем художника. Задний план картины отображает всю динамику этих соревнований: жокеи на лошадях буквально пролетают мимо увлеченных зрителей. Однако, смысловым центром композиции все же является сцена тихого семейного счастья, которой вторят безмятежно плывущие облака.
На переднем плане картины время остановилось: все внимание семьи, включая даже верного пса, приковано к румяному задремавшему младенцу. Огромное небо, занимающее значительную часть картины, завораживает своим величием и красотой. Тем самым Дега как бы подчеркивает житейскую непосредственность человека независимо от его класса, когда речь заходит о вечных ценностях.

#Дега #Искусство

Иван Айвазовский. «Буря над Евпаторией», 1861 г.
Государственный художественно-архитектурный дворцово-парковый музей-заповедник «Царское Село», Пушкин

«...Он был, о море, твой певец.
Твой образ был на нем означен,
Он духом создан был твоим...»

Его, послушная замыслу, кисть воспела покой и буйство природы, гордую красу моря, неба, воздуха, мужество и волю человека в неравной борьбе со стихией — художник и патриот, добрый, честный, широкий человек и гражданин своего Отечества, прославил Россию и свой родной город Феодосию.

Искусство изображения моря принесло Айвазовскому всемирную известность. И не случайно на могиле мариниста, которого хоронили со всеми воинскими почестями - явление по тем временам небывалое,- написано:
"Рожденный смертным, оставил о себе бессмертную славу!"

#Айвазовский #Искусство

Сергей Дорофеев. «Родина», 2022 г.
Частная коллекция

Вот и 1 декабря на дворе. Всего-ничего остаётся до Нового Года!

Снег лежит перинами,
Шапками идет.
Пахнет мандаринами,
Скоро - Новый год

В. Коркин

Русский пейзаж, с его тишиной, покоем, скромностью красок, милыми каждому сердцу видами. Да, Родина, она такая – прекрасная, с берёзками, церквями, бурьяном.

#Дорофеев #Искусство

Алексей Саврасов. «Печерский монастырь близ Нижнего Новгорода», 1871 г.
Нижегородский государственный художественный музей

Живописец восхищался величием волжских пейзажей и стремился перенести своё любование на полотно. Данная работа – самая большая по размеру из серии посвящённых Волге. Многие искусствоведы сходятся в том, что эту картину можно назвать предвестником волжских пейзажей Левитана.

У подножия холма открывается прекрасный вид на небольшой провинциальный город — широко разлилась водная гладь, быстро бегут облака, стройные деревья качаются на ветру, и во всём этом природном великолепии виднеются крыши домов. Взгляд зрителя непременно устремляется к горизонту, где видны очертания белого монастыря, нарочно высветленного рукой художника. Смена цветовой палитры видна и в изображении неба – оно светлее и чище.

На картине изображён вид на Печерский Вознесенский монастырь, расположенный у Волги, недалеко от места впадения в неё Оки.
Монастырь величественно возвышается на заднем плане картины. Храм и колокольня монастыря словно озарены светом. Святая обитель выделяется светлым пятном на темноватом фоне картины.

Данная картина — одно из первых полотен Алексея Саврасова, посвящённых Волге. Художнику очень хорошо удалось передать спокойствие и величественность волжского пейзажа.

Искусствовед Николай Новоуспенский писал об этой картине так:
«Композиционное построение в ней основано на сложном взаимодействии противоречивых, но тесно связанных между собой элементов, как это и бывает в реальной природе. Диагональное движение, намеченное рядами ракит от крыш береговых домиков к монастырю, постепенно затихает в усложнённой линии берега, уже близкой к горизонтали, и в двух совсем горизонтальных полосах земли и неба. Над бесконечным течением реки и уходящей вдаль равниной возвышается белый храм. Здесь уже присутствует как бы предчувствие того образа Волги, который почти двадцать лет спустя будет создан И. Левитаном в замечательной картине "Вечер. Золотой Плёс"».

#Саврасов #Искусство

Василий Верещагин. «Японка», 1903 г.
Севастопольский художественный музей им. М. П. Крошицкого

Одна из самых поэтичных работ Верещагина — «Японка», которая знакомит с менее известной стороной его творчества. В ней ярко проявилась увлеченность этнографией, особенностями быта, нравами и костюмами Японии. Даже колорит настраивает зрителя на восточный лад: тонкое сочетание красного, черного, фиолетового...

Написана работа во время путешествия художника по Японии. За три месяца Верещагин создал более 20 этюдов, на основе которых собирался позднее в Сухуми написать большие тематические картины, так как считал световоздушные климатические условия в этом районе наиболее близкими японским.
Многие этюды из этой серии были не только подготовительным материалом, но и имели самостоятельную художественную ценность. И в первую очередь севастопольская «Японка». Она композиционно продумана, даже рама для нее выполнена специально по заказу самого художника. На ней вырезан восточный орнамент: стилизованные цветы и львицы в сложном переплетении.

Навестить Японию художник мечтал долгие годы, но все как-то не складывалось.
Он едва успел сделать это накануне Русско-японской войны, той самой войны, которая сведет его самого в могилу. Ведь, напомним, погибнет Верещагин во время взрыва броненосца «Петропавловск» в Желтом море, в 1904 году.

Японская серия могла стать переломной в творчестве художника. Во-первых, в ней он впервые отказался от холодного, отстраненного взгляда европейца-этнографа, вступив в непривычный для себя диалог с чужеземной культурой. Японская цивилизация, ее древность, сложность и продуманность поразили его.
В этих этюдах меняется техническая манера Верещагина: он стал сразу, импрессионистически, наносить краску на холст, отказавшись от предварительной мелкой прорисовки.

#Верещагин #Искусство

Рене Магритт. «Неожиданный ответ», 1933 г.
Королевский музей изящных искусств, Брюссель

Творчеству Магритта свойственна двойственность: на одной картине он часто изображает одинаковые предметы, вырезанные силуэты и похожие фигуры.

В двери большая дыра, похожая на пятно. Неизвестно, что находится за дверью — сквозь дыру видно только дощатый пол. «Неожиданный ответ» на показанную ситуацию остается на совести зрителя.

Главная особенность Магритта — атмосфера таинственности в его произведениях. Ощущение тайны, как известно, присуще настоящему искусству. "Я всегда считал Магритта художником воображаемого, мастером, стоящим где-то на уровне Джорджоне", — писал Герберт Рид. В этих словах — ключ к поэтике Магритта.

Магритт вел тихую и спокойную жизнь бельгийского обывателя, далекого от богемной суеты – человек, которого трудно выделить из толпы. Мечты, парадоксы, страхи, таинственные опасности переполняли лишь его картины, а не жизнь. Художник боролся со скукой только в творчестве. Размеренность каждого дня его вполне устраивала, он даже большинство из своих картин написал в столовой и до конца жизни предпочитал трамвай остальным видам транспорта.
Как-то незадолго до своей смерти Магритт, этот изощренный мастер, произнес: «Я так и не понял причины, по которой мы живем и умираем».

#Магритт #Искусство