Из жизни замечательных людей
#интересное_от_марка
Был такой британский актер, Оливер Рид.
Больше всего нам он знаменит ролью Проксимо, учителя гладиаторов из «Гладиатора».
Так вот, его роль в фильме должна была быть сильно больше, но во время съемочного периода, ночью 2 мая 1999 года Рид неожиданно скончался от сердечного приступа.
Что же довело бедного 61-летнего актера до инфаркта?
А, сущий пустяк — накануне в местном баре проводилось соревнование по армрестлингу. Рид в нем поучаствовал, выиграл первый приз, победив несколько американских моряков, а еще параллельно выпил 4 литра пива, полтора литра рома и литр виски.
Понятно, что сейчас история уже обросла легендами, и в некоторых заметках речь доходит о ящиках выпитого рома, дюжине моряков, избитых лично Ридом и десятке девиц, соблазненных им же — однако то, что имело место что-то несусветное в ту ночь в баре — это точно.
Бар потом, кстати, переименовало в «Ollie's Last Pub» из уважения к актеру.
Как говорится — жил без страха и умер без страха.
P.S. Ридли Скотту, режиссеру «Гладиатора», не удалось полностью вырезать Проксимо из остального фильма, поэтому дальше персонажа оживляли с помощью компьютерной графики — и это в далеком 1999 году!
Говорят, полученный Оскар за лучшие визуальные эффекты многим обязан именно воспроизведенному Риду.
#интересное_от_марка
Был такой британский актер, Оливер Рид.
Больше всего нам он знаменит ролью Проксимо, учителя гладиаторов из «Гладиатора».
Так вот, его роль в фильме должна была быть сильно больше, но во время съемочного периода, ночью 2 мая 1999 года Рид неожиданно скончался от сердечного приступа.
Что же довело бедного 61-летнего актера до инфаркта?
А, сущий пустяк — накануне в местном баре проводилось соревнование по армрестлингу. Рид в нем поучаствовал, выиграл первый приз, победив несколько американских моряков, а еще параллельно выпил 4 литра пива, полтора литра рома и литр виски.
Понятно, что сейчас история уже обросла легендами, и в некоторых заметках речь доходит о ящиках выпитого рома, дюжине моряков, избитых лично Ридом и десятке девиц, соблазненных им же — однако то, что имело место что-то несусветное в ту ночь в баре — это точно.
Бар потом, кстати, переименовало в «Ollie's Last Pub» из уважения к актеру.
Как говорится — жил без страха и умер без страха.
P.S. Ридли Скотту, режиссеру «Гладиатора», не удалось полностью вырезать Проксимо из остального фильма, поэтому дальше персонажа оживляли с помощью компьютерной графики — и это в далеком 1999 году!
Говорят, полученный Оскар за лучшие визуальные эффекты многим обязан именно воспроизведенному Риду.
Про рычащего льва
#интересное_от_марка
Сегодня поговорим про знаменитого льва с заставки, которая идет перед фильмами "Metro-Goldwyn-Mayer".
Заставка примечательна тем, что это вообще первый случай, когда перед фильмами показывали не просто титр, а что-то вроде заставки.
Universal с Землей, Columbia c леди Факел и прочие подтянутся позже.
Придумал этот элемент Говард Дитц для студии Goldwyin Pictures в 1916 году.
Лев там кстати, не рычал, а сидел и поглядывал на зрителя со значением (кино-то немое):
https://www.youtube.com/watch?v=Lo7_NEUuHJk
На кольце написаны слова "Ars Gratia Artis", то есть "Искусство ради искусства", что было девизом компании Голдвина.
В 1924 году Goldwyn Pictures сначала слилась с Metro Pictures, а потом и с Mayer Pictures, образовав собой "Metro-Goldwyn-Mayer" - самую большую киностудию Голливуда и почти монополиста кинорынка на протяжении 30 лет (задолго до этих ваших поглощений Disney).
Любопытно, что слияние организовал Маркус Лов, владелец сети кинотеатров!
Да, в 20-ые годы прошлого века самыми большими воротилами кинорынка были те, кому принадлежали площадки для просмотра фильмов.
Льва в качестве решили оставить, но уже переснять его рычащим.
Его, кстати, по традиции зовут Лео (хотя его роль за последние 103 года его роль сыграли больше 12 царей зверей.
#интересное_от_марка
Сегодня поговорим про знаменитого льва с заставки, которая идет перед фильмами "Metro-Goldwyn-Mayer".
Заставка примечательна тем, что это вообще первый случай, когда перед фильмами показывали не просто титр, а что-то вроде заставки.
Universal с Землей, Columbia c леди Факел и прочие подтянутся позже.
Придумал этот элемент Говард Дитц для студии Goldwyin Pictures в 1916 году.
Лев там кстати, не рычал, а сидел и поглядывал на зрителя со значением (кино-то немое):
https://www.youtube.com/watch?v=Lo7_NEUuHJk
На кольце написаны слова "Ars Gratia Artis", то есть "Искусство ради искусства", что было девизом компании Голдвина.
В 1924 году Goldwyn Pictures сначала слилась с Metro Pictures, а потом и с Mayer Pictures, образовав собой "Metro-Goldwyn-Mayer" - самую большую киностудию Голливуда и почти монополиста кинорынка на протяжении 30 лет (задолго до этих ваших поглощений Disney).
Любопытно, что слияние организовал Маркус Лов, владелец сети кинотеатров!
Да, в 20-ые годы прошлого века самыми большими воротилами кинорынка были те, кому принадлежали площадки для просмотра фильмов.
Льва в качестве решили оставить, но уже переснять его рычащим.
Его, кстати, по традиции зовут Лео (хотя его роль за последние 103 года его роль сыграли больше 12 царей зверей.
YouTube
Goldwyn Pictures - Lion #1
На этой неделе не успел #кинотрилогии(
Но сегодня есть кое-что другое!
Хочу порадовать вас своей статьёй на Лайфхакере, которая вышла буквально на днях
https://lifehacker.ru/nazvaniya-filmov-v-perevode/
Но сегодня есть кое-что другое!
Хочу порадовать вас своей статьёй на Лайфхакере, которая вышла буквально на днях
https://lifehacker.ru/nazvaniya-filmov-v-perevode/
Лайфхакер
12 фильмов, названия которых поменяли смысл в переводе - Лайфхакер
Изначальные названия фильмов удивят многих российских зрителей. «Усопшие», «Ящик боли» и «Глазеющие на поезда» — догадаетесь, о чём речь?
Как ребенок из «Малыша» законодательство в США поменял
#интересное_от_марка
Был такой ребенок-актер, Джеки Куган. Наиболее известен он за роль ребенка в фильме «Малыш» вместе с Чарли Чаплином. Ребенок был настолько матерым актером, что к возрасту 12 лет, он суммарно заработал больше 4 миллионов долларов (что в то время вообще безумие).
Ну и разумеется, в те времена не предполагалось законодательно, что у ребенка может оказаться такая сумма денег, которую он вполне честно и легально заработал. Поэтому всем, что есть у ребенка, управляли родители (просто родители соседских детей управляли ящиком с игрушками и зимней курткой ребенка, а родители Джеки управляли четырьмя миллионами долларов).
Изначально деньгами управлял отец Джеки, Джон, через специально организованный фонд, «Jackie Coogan Production». В 1933 году, произошла трагедия — автомобиль, которым управлял отец, вместе с Джеки и его другом, попал в автокатострофу, в которой погибли все, кроме Джеки. После этого мать вышла замуж за другого человека, Артура Бернштейна, который был одним из управленцев «Jacke Coogan Production».
Именно после этого, отношение к деньгам Джеки ухудшилось в неприятную для мальчика сторону.
По мере взросления интерес к Джеки падал, и в итоге он почти перестал сниматься, около 16-ти лет — такое почти всегда случается с детьми-актерами. Его мать с отчимом, отказываясь признавать угасания карьеры сына, все также жили на широкую ногу и в итоге прокутили все деньги (тут и Великая депрессия не очень кстати наступила).
Мистер Куган, когда ему стукнуло совершеннолетие, честно потребовал у семьи всех денег. Денег, понятно, не было, и тогда Джеки обратился в суд — который обещал быть интересным. Он длился 18 месяцев и все понимали парадоксальность ситуации — очевидно, что Джеки, заработав свои деньги тяжелым трудом (а сниматься в фильмах для него было отнюдь не веселой игрой), должен иметь на них полное право. Однако по всем законам и прецедентам, существующим на то время, полными владельцами капитала признавались родители. В итоге, суд все таки встал на сторону актера, правда лишь заставив родителей отдать все, что осталось (несколько тысяч долларов).
После этого суда, был разработан и принят закон, получивший имя Джеки — закон Кугана. Согласно нему, при начале творческой карьеры (не только актерской, но и музыкальной, танцевальной и любой другой), на имя ребенка открывается специальный счет в банке (так называемый, счет Кугана), на который в обязательном порядке перечисляется определенный процент от всех гонораров (процент не может быть ниже 15).
Доступ ко снятию денег со счета имеет только ребенок, после наступления совершеннолетия.
P.S. После 40-х актер почти не снимался в хороших фильмах. Единственное более-менее заметное появление — это роль дяди Фестера в сериале «Семейка Аддамс».
#интересное_от_марка
Был такой ребенок-актер, Джеки Куган. Наиболее известен он за роль ребенка в фильме «Малыш» вместе с Чарли Чаплином. Ребенок был настолько матерым актером, что к возрасту 12 лет, он суммарно заработал больше 4 миллионов долларов (что в то время вообще безумие).
Ну и разумеется, в те времена не предполагалось законодательно, что у ребенка может оказаться такая сумма денег, которую он вполне честно и легально заработал. Поэтому всем, что есть у ребенка, управляли родители (просто родители соседских детей управляли ящиком с игрушками и зимней курткой ребенка, а родители Джеки управляли четырьмя миллионами долларов).
Изначально деньгами управлял отец Джеки, Джон, через специально организованный фонд, «Jackie Coogan Production». В 1933 году, произошла трагедия — автомобиль, которым управлял отец, вместе с Джеки и его другом, попал в автокатострофу, в которой погибли все, кроме Джеки. После этого мать вышла замуж за другого человека, Артура Бернштейна, который был одним из управленцев «Jacke Coogan Production».
Именно после этого, отношение к деньгам Джеки ухудшилось в неприятную для мальчика сторону.
По мере взросления интерес к Джеки падал, и в итоге он почти перестал сниматься, около 16-ти лет — такое почти всегда случается с детьми-актерами. Его мать с отчимом, отказываясь признавать угасания карьеры сына, все также жили на широкую ногу и в итоге прокутили все деньги (тут и Великая депрессия не очень кстати наступила).
Мистер Куган, когда ему стукнуло совершеннолетие, честно потребовал у семьи всех денег. Денег, понятно, не было, и тогда Джеки обратился в суд — который обещал быть интересным. Он длился 18 месяцев и все понимали парадоксальность ситуации — очевидно, что Джеки, заработав свои деньги тяжелым трудом (а сниматься в фильмах для него было отнюдь не веселой игрой), должен иметь на них полное право. Однако по всем законам и прецедентам, существующим на то время, полными владельцами капитала признавались родители. В итоге, суд все таки встал на сторону актера, правда лишь заставив родителей отдать все, что осталось (несколько тысяч долларов).
После этого суда, был разработан и принят закон, получивший имя Джеки — закон Кугана. Согласно нему, при начале творческой карьеры (не только актерской, но и музыкальной, танцевальной и любой другой), на имя ребенка открывается специальный счет в банке (так называемый, счет Кугана), на который в обязательном порядке перечисляется определенный процент от всех гонораров (процент не может быть ниже 15).
Доступ ко снятию денег со счета имеет только ребенок, после наступления совершеннолетия.
P.S. После 40-х актер почти не снимался в хороших фильмах. Единственное более-менее заметное появление — это роль дяди Фестера в сериале «Семейка Аддамс».
Про чудесный мультик «Ограбление по…»
#интересное_от_марка
Есть такой отличный советский мультфильм «Ограбление по …».
Помимо отличного юмора, мультик полностью состоит из пародии и обыгрывания мирового кинематографа того времени.
Разобрал все отсылки в статье: https://zen.yandex.ru/media/id/5ba0adb502886f00ab76c4b5/prototipy-i-parodii-v-ograblenii-po--5d6fd7306f5f6f00ae9f1020
#интересное_от_марка
Есть такой отличный советский мультфильм «Ограбление по …».
Помимо отличного юмора, мультик полностью состоит из пародии и обыгрывания мирового кинематографа того времени.
Разобрал все отсылки в статье: https://zen.yandex.ru/media/id/5ba0adb502886f00ab76c4b5/prototipy-i-parodii-v-ograblenii-po--5d6fd7306f5f6f00ae9f1020
Яндекс Дзен
Прототипы и пародии в "Ограблении по ..."
Есть такой чудесный советский мультик, "Ограбление по ...", состоящей из 4 частей -- по-американски, по-французски, по-итальянски и по-русски. Мультфильм является пародией как на кинематограф соответстующих стран, так и на менталитет. Почти все персонажи…
Гангстерская трилогия Скорсезе
#кинотрилогии
Опять будем про трилогию, которую я люблю и много раз пересматривал!
Сегодня мы поговорим про моего любимца Скорсезе, и его «гангстерский» триптих.
Про то, как обожаю Мартина Скорсезе, как боготворю его чувство ритма, потому что он снимает самые увлекательные 3-х часовые фильмы в мире я уже много раз говорил.
Поэтому сегодня чуток разберем его жизненный путь — ведь гангстерская трилогия покрывает его самую важную часть.
Злые улицы
Давным-давно, молодой итальянец Скорсезе, отслужив на флоте, вернулся домой, с четким желанием снимать кино. Он поступил в Нью-Йоркский университет, снял пару коротких метров, а потом пару полных метров (но все — под жестким контролем более опытных кинодельцов).
На пресс-показе второго фильма Мартина, «Берта по прозвищу Товарный Вагон» присутствовал культовый режиссер авторского кино, Джон Кассаветис. Он ленту отсмотрел и честно сказал Скорсезе, что это полное дерьмо, и ему следует снимать на темы, которые лично ему — Скорсезе — близки и понятны. А не про Великую депрессию и профсоюзные стачки.
Мартин серьезно задумался над советом маэстро. Близкие ему темы он осознал сразу — это проблемы католической морали (Скорсезе вырос в набожной католической семье) и уличная преступность итальянских районо (Скорсезе вырос в Маленькой Италии).
Так на свет появились «Злые улицы» (Mean Streets, 1973), снятые почти за гроши. Фильм повествует о молодом мафиози Чарли, который разрывается между четырьмя вещами: своими католическими идеалами, желанием подняться по карьере в мафии, дружбой с саморазрушающим себя Джонни и любовью к его кузине, Терезе. Очевидно, что такое переплетение ни к чему хорошему не приведет, тем более что улицы, на которых разворачивается фильм, действительно злые. Лента была высоко оценена критикой и сделала Скорсезе одним из самых многообещающих режиссеров Голливуда.
Зенит славы
Через три года, в 1976, случился «Таксист», эффект от него был громче разорвавшейся бомбы, Скорсезе стал мастодонтом и локомотивом Нового Голливуда (наряду с Полански, Олтменом, Копполой и Алленом), а сам фильм ознаменовало собой начало 20-летнего «золотого периода» Скорсезе — именно тогда выходили «Бешеный бык», «Король комедии», «Мыс страха» и другие шедевры.
Кстати, одним из символом этого периода было сотрудничество режиссера с Робертом Де Ниро — актер был в 8 лентах из 11 этого периода.
«Славные парни» и «Казино»
И финальной вишенкой этого периода были второй и третий фильмы гангстерской трилогии, оба из которых стали нетленной классикой.
«Славные парни» (Goodellas, 1990) рассказывают историю Генри Хилла, который всю жизнь хотел стал гангстером, стал им, а потом стал свидетелем в программе ФБР (классическая история головокружения от успеха и впадения в азарт вместо рационального рассчёта под мафиозным соусом)
«Казино» (Casino, 1995) повествует о Сэме Ротштейне, управляющем в казино. Опять переплетение (как в «Злых улицах») — с одной стороны, на Сэма наседает мафия, в лице неуправляемого Ники, с другой — Сэм влюблен в элитную проститутку Джинджер, ну а с третьей — вокруг да около постоянно бродит ФБР со своим пониманием того, как не стоит вести дела местным бандитам.
«Казино», на мой взгляд, завершает 20 век для Скорсезе, как одного из самых влиятельных творцов реализма в Голливуде.
Но в 21 веке осуществилось возрождение Мартина, с «Бандами Нью-Йорка» и «Авиатором». С тех пор, на этом новом дыхании, режиссер раз за разом делает шедевры — «Остров проклятых», «Отступники», «Волк с Уолл-стрит» — все фильмы стабильно входят в список лучших фильмов нашего века.
P.S. Ближайший фильм Скорсезе, который вот-вот должен выйти в ноябре на Netflix, полностью отсылает нас к той самой, великой «гангстерской» трилогии — и актерами, и местом действия, и историей, и контекстом. Будем ждать!
(На фотке Скорсезе — с бородой, второй справа)
#кинотрилогии
Опять будем про трилогию, которую я люблю и много раз пересматривал!
Сегодня мы поговорим про моего любимца Скорсезе, и его «гангстерский» триптих.
Про то, как обожаю Мартина Скорсезе, как боготворю его чувство ритма, потому что он снимает самые увлекательные 3-х часовые фильмы в мире я уже много раз говорил.
Поэтому сегодня чуток разберем его жизненный путь — ведь гангстерская трилогия покрывает его самую важную часть.
Злые улицы
Давным-давно, молодой итальянец Скорсезе, отслужив на флоте, вернулся домой, с четким желанием снимать кино. Он поступил в Нью-Йоркский университет, снял пару коротких метров, а потом пару полных метров (но все — под жестким контролем более опытных кинодельцов).
На пресс-показе второго фильма Мартина, «Берта по прозвищу Товарный Вагон» присутствовал культовый режиссер авторского кино, Джон Кассаветис. Он ленту отсмотрел и честно сказал Скорсезе, что это полное дерьмо, и ему следует снимать на темы, которые лично ему — Скорсезе — близки и понятны. А не про Великую депрессию и профсоюзные стачки.
Мартин серьезно задумался над советом маэстро. Близкие ему темы он осознал сразу — это проблемы католической морали (Скорсезе вырос в набожной католической семье) и уличная преступность итальянских районо (Скорсезе вырос в Маленькой Италии).
Так на свет появились «Злые улицы» (Mean Streets, 1973), снятые почти за гроши. Фильм повествует о молодом мафиози Чарли, который разрывается между четырьмя вещами: своими католическими идеалами, желанием подняться по карьере в мафии, дружбой с саморазрушающим себя Джонни и любовью к его кузине, Терезе. Очевидно, что такое переплетение ни к чему хорошему не приведет, тем более что улицы, на которых разворачивается фильм, действительно злые. Лента была высоко оценена критикой и сделала Скорсезе одним из самых многообещающих режиссеров Голливуда.
Зенит славы
Через три года, в 1976, случился «Таксист», эффект от него был громче разорвавшейся бомбы, Скорсезе стал мастодонтом и локомотивом Нового Голливуда (наряду с Полански, Олтменом, Копполой и Алленом), а сам фильм ознаменовало собой начало 20-летнего «золотого периода» Скорсезе — именно тогда выходили «Бешеный бык», «Король комедии», «Мыс страха» и другие шедевры.
Кстати, одним из символом этого периода было сотрудничество режиссера с Робертом Де Ниро — актер был в 8 лентах из 11 этого периода.
«Славные парни» и «Казино»
И финальной вишенкой этого периода были второй и третий фильмы гангстерской трилогии, оба из которых стали нетленной классикой.
«Славные парни» (Goodellas, 1990) рассказывают историю Генри Хилла, который всю жизнь хотел стал гангстером, стал им, а потом стал свидетелем в программе ФБР (классическая история головокружения от успеха и впадения в азарт вместо рационального рассчёта под мафиозным соусом)
«Казино» (Casino, 1995) повествует о Сэме Ротштейне, управляющем в казино. Опять переплетение (как в «Злых улицах») — с одной стороны, на Сэма наседает мафия, в лице неуправляемого Ники, с другой — Сэм влюблен в элитную проститутку Джинджер, ну а с третьей — вокруг да около постоянно бродит ФБР со своим пониманием того, как не стоит вести дела местным бандитам.
«Казино», на мой взгляд, завершает 20 век для Скорсезе, как одного из самых влиятельных творцов реализма в Голливуде.
Но в 21 веке осуществилось возрождение Мартина, с «Бандами Нью-Йорка» и «Авиатором». С тех пор, на этом новом дыхании, режиссер раз за разом делает шедевры — «Остров проклятых», «Отступники», «Волк с Уолл-стрит» — все фильмы стабильно входят в список лучших фильмов нашего века.
P.S. Ближайший фильм Скорсезе, который вот-вот должен выйти в ноябре на Netflix, полностью отсылает нас к той самой, великой «гангстерской» трилогии — и актерами, и местом действия, и историей, и контекстом. Будем ждать!
(На фотке Скорсезе — с бородой, второй справа)
Про «Военные игры», хакеров и Рейгана
#интересное_от_марка
Опять чуток про то, как киноиндустрия влияет на законодательство.
Теплым летом 1983 года, президент Рейган посмотрел у себя дома недавно вышедший фильм «Военные игры».
(Кстати, тут отдельная забавность, что у президента США вполне себе оформлен на бумаге честный отдельный кинотеатр, куда прокатная студия поставляет премьерные фильмы, чтобы глава государства мог насладиться новинками кинематографа не отходя от управления государством)
Фильм «Военные игры» рассказывает про молодого хакера, который взломал Пентагон, случайно запустил программу термоядерной войны с СССР и все такое — кстати, на Западе это культовый фильм, нежно любимый в IT-среде.
Рейган в шутку спросил у своего военного советника, могло ли такое случиться в реальности. Через неделю пришел ответ из Пентагона: «Все гораздо хуже, чем вы думаете».
Президент всполошился, и инициировал создание хрестоматийного «Закона о компьютерном мошенничестве и злоупотреблениях» — первого в мире юридического акта, по которому можно было судить за киберпреступления.
Это, повторюсь, 1983 год, тогда слова хакер-то использовалось совсем в другом значении, до появления Интернета еще несколько месяцев, а о краже денег в виртуальном пространстве знали только из фантастических книжек.
Однако закон оказался крайне актуальным через некоторое время, и жив до сих пор.
По нему, например, судили Роберта Морриса (создателя червя Морриса, первого вируса в мире), россиянина Сергея Алейникова и Аарона Шварца.
#интересное_от_марка
Опять чуток про то, как киноиндустрия влияет на законодательство.
Теплым летом 1983 года, президент Рейган посмотрел у себя дома недавно вышедший фильм «Военные игры».
(Кстати, тут отдельная забавность, что у президента США вполне себе оформлен на бумаге честный отдельный кинотеатр, куда прокатная студия поставляет премьерные фильмы, чтобы глава государства мог насладиться новинками кинематографа не отходя от управления государством)
Фильм «Военные игры» рассказывает про молодого хакера, который взломал Пентагон, случайно запустил программу термоядерной войны с СССР и все такое — кстати, на Западе это культовый фильм, нежно любимый в IT-среде.
Рейган в шутку спросил у своего военного советника, могло ли такое случиться в реальности. Через неделю пришел ответ из Пентагона: «Все гораздо хуже, чем вы думаете».
Президент всполошился, и инициировал создание хрестоматийного «Закона о компьютерном мошенничестве и злоупотреблениях» — первого в мире юридического акта, по которому можно было судить за киберпреступления.
Это, повторюсь, 1983 год, тогда слова хакер-то использовалось совсем в другом значении, до появления Интернета еще несколько месяцев, а о краже денег в виртуальном пространстве знали только из фантастических книжек.
Однако закон оказался крайне актуальным через некоторое время, и жив до сих пор.
По нему, например, судили Роберта Морриса (создателя червя Морриса, первого вируса в мире), россиянина Сергея Алейникова и Аарона Шварца.
Деталь из «Американского психопата»
#интересное_от_марка
«Американский психопат» — очень умное и клевое кино.
В первую очередь оно обязано этим литературному первоисточнику — одноименному роману Эллиса.
Брет Истон Эллис является одним из символом Поколения Х, а также он был пионером второй волны контркультуры, за несколько лет до Паланика, Бегбедера и прочих Минаевых.
Но, вернемся к фильму!
Заметил в нем недавно забавную деталь — когда Бейтман вытаскивает очередное тело из своей квартиры и волочет по коридору, сначала мы видим за ним кровавый след, а в следующем кадре — след исчезает.
До финала, это один из редких моментов (других пока не нашел), когда мы можем усомниться в реальности происходящего насилия. Этим фильм сильно отличается от книги, где двусмысленность видна с первых страниц, начиная с описания костюмов главных героев.
(На всякий случай, основная тема фильма — это метафоричная нереальность/пустота жизни человека корпоративной культуры, начиная с его друзей, работы, невесты и заканчивая убийствами)
P.S. И еще интересный момент, вот в этой сцене: https://www.youtube.com/watch?v=8o7AhE1dphU
Режиссер Мэри Херрон попросила Уильяма Дефо сыграть эту сцену три раза — как будто он уверен, что Бейтман убийца, как будто уверен, что не убийца и как будто сомневается.
А то, что мы видим в итоге в фильме, нарезано из разных кусков этих дублей, поэтому мы сами не понимаем, что на уме у следователя.
#интересное_от_марка
«Американский психопат» — очень умное и клевое кино.
В первую очередь оно обязано этим литературному первоисточнику — одноименному роману Эллиса.
Брет Истон Эллис является одним из символом Поколения Х, а также он был пионером второй волны контркультуры, за несколько лет до Паланика, Бегбедера и прочих Минаевых.
Но, вернемся к фильму!
Заметил в нем недавно забавную деталь — когда Бейтман вытаскивает очередное тело из своей квартиры и волочет по коридору, сначала мы видим за ним кровавый след, а в следующем кадре — след исчезает.
До финала, это один из редких моментов (других пока не нашел), когда мы можем усомниться в реальности происходящего насилия. Этим фильм сильно отличается от книги, где двусмысленность видна с первых страниц, начиная с описания костюмов главных героев.
(На всякий случай, основная тема фильма — это метафоричная нереальность/пустота жизни человека корпоративной культуры, начиная с его друзей, работы, невесты и заканчивая убийствами)
P.S. И еще интересный момент, вот в этой сцене: https://www.youtube.com/watch?v=8o7AhE1dphU
Режиссер Мэри Херрон попросила Уильяма Дефо сыграть эту сцену три раза — как будто он уверен, что Бейтман убийца, как будто уверен, что не убийца и как будто сомневается.
А то, что мы видим в итоге в фильме, нарезано из разных кусков этих дублей, поэтому мы сами не понимаем, что на уме у следователя.
День рождения!
Ого-го, а оказывается сегодня первый день рождения у канала!
Именно сегодня, 13 сентября, «Одно Кино» исполняется один год!
365 дней назад я завел канал, первым постом был текст про «Старикам тут не место» (логично, что Чигур с тех пор прочно обосновался на аватарке).
Я все еще не отступаю от идеи переименования канала, но муки выбора затянулись на почти полгода уже 🙁
Я особо не занимался рекламой и прочими маркетинговыми штуками, но канал как-то сам вырос до почти пяти с половиной тысяч — до сих пор не верится!
Огромное вам всем спасибо, любимые читатели ❤️
Очень круто осознавать, что то, что я пишу кому-то интересно — это действительно мотивирует и заряжает силами.
Буду продолжать в том же духе, столько фильмов еще не просмотрено, не разобрано и не обсуждено 🙂
🎊🎉🌟
Ого-го, а оказывается сегодня первый день рождения у канала!
Именно сегодня, 13 сентября, «Одно Кино» исполняется один год!
365 дней назад я завел канал, первым постом был текст про «Старикам тут не место» (логично, что Чигур с тех пор прочно обосновался на аватарке).
Я все еще не отступаю от идеи переименования канала, но муки выбора затянулись на почти полгода уже 🙁
Я особо не занимался рекламой и прочими маркетинговыми штуками, но канал как-то сам вырос до почти пяти с половиной тысяч — до сих пор не верится!
Огромное вам всем спасибо, любимые читатели ❤️
Очень круто осознавать, что то, что я пишу кому-то интересно — это действительно мотивирует и заряжает силами.
Буду продолжать в том же духе, столько фильмов еще не просмотрено, не разобрано и не обсуждено 🙂
🎊🎉🌟
Новогодняя трилогия Эльдара Рязанова
#кинотрилогия
Конечно, этот пост хорошо было бы сделать в декабре, но сердцу не прикажешь!
По моему мнению, Эльдар Рязанов — самый народный советский режиссер.
За его фантастически долгую 50-летнюю карьеру, ему удавалось снимать кино, которое находило отголосок в душе каждого жителя СССР (а некоторые фильмы стали по-настоящему народными).
Однако, то, что поднимает Рязанова на высочайший уровень — это его талант настоящей сатиры, указание на больные места и здоровую иронию над происходящим в стране в собственных фильмах.
Можно было быть неуемным борцом, как Герман-старший или Муратова, раз за разом снимая фильмы, идущие на полку. Можно было быть полностью аполитичным и добрым Гайдаем, никогда не уходя вглубь персонажей.
Но из всех шестидесятников именно Эльдару Александровичу удалось шагнуть наиболее далеко в критике насущных проблем, балансируя при этом на тонком ноже советской цензуры.
И так получилось, что каждые 10 лет он снимал фильм, подводящий итоги эпохе, сюжет которого был тесно связан с Новым годом — а этот праздник как нельзя лучше подходит для финального мнения.
Его новогодняя трилогия состоит из:
- Карнавальная ночь, 1956 — в одном Доме Культуры готовят новогоднюю программу, но неожиданно появившийся исполняющий обязанности директора Огурцов, который принимает решение поменять программу на более идейно-выдержанную. Однако художественная группа хочет во чтобы то ни стало исполнить заранее намеченные номера. Кстати, именно этот фильм вдохновил на создание «Голубого огонька».
- Зигзаг удачи, 1968 — фотограф в исполнении Евгения Леонова, выигрывает в лотерею 10 000 рублей, на которые он собирается купить фотоаппарат и умотать в отдых с подругой. Однако, загвоздка в том, что деньги, на которые он купил билет, принадлежали профкомовской кассе ателье в котором он работает, то есть, были общими — следовательно и выигрыш надо делить со всем коллегами!
- Ирония судьбы, или с легким паром!, 1975 — в новогоднюю ночь, Женя Лукашин выпивает с друзьями, его по ошибке сажают в самолет до Ленинграда, … — ну в общем не будем кокетничать, сюжет вы наверняка знаете. Добавлю лишь то, что это был первый телефильм Рязанова (телефильм — это кино, которое показывается по телевидению, а не в кинотеатрах), после его ухода с Мосфильма.
Все эти фильмы символизируют собой свое десятилетие, передавая настроение как эпохи, так и лично Рязанова к ней.
В «Карнавальной ночи» чувствуется наивность и неуемная энергия 50-ых, вера в будущее и начало оттепели, в «Зигзаге удачи» — задумчивость и противоречивость 60-ых, ну а в «Иронии судьбы» — грусть и тоска застойных 70-ых.
В первой ленте основная социальная проблема — это отсутствие грамотного руководства при энтузиазме подчиненных, во второй — неумолимый переход от коллективного социализма к индивидуальному мещанству (позже похожую идею Рязанов еще раз обыграет в «Гараже»), ну а в «Иронии» — это окончательный тупик социалистических идеалов, расслоение общества (как классовое, так и личностное), при общем гнетущем типовом знаменателе — одинаковые дома, одинаковая мебель и одинаковые замки.
Такой перепад настроения в трилогии совпадает и с общей сменой настроения в творчестве Рязанова — от веселых и жизнерадостных «Карнавальной ночи» и «Гусарской баллады» — к трагикомичным «Гаражу» и «Вокзалу для двоих» с нотками безнадежности.
#кинотрилогия
Конечно, этот пост хорошо было бы сделать в декабре, но сердцу не прикажешь!
По моему мнению, Эльдар Рязанов — самый народный советский режиссер.
За его фантастически долгую 50-летнюю карьеру, ему удавалось снимать кино, которое находило отголосок в душе каждого жителя СССР (а некоторые фильмы стали по-настоящему народными).
Однако, то, что поднимает Рязанова на высочайший уровень — это его талант настоящей сатиры, указание на больные места и здоровую иронию над происходящим в стране в собственных фильмах.
Можно было быть неуемным борцом, как Герман-старший или Муратова, раз за разом снимая фильмы, идущие на полку. Можно было быть полностью аполитичным и добрым Гайдаем, никогда не уходя вглубь персонажей.
Но из всех шестидесятников именно Эльдару Александровичу удалось шагнуть наиболее далеко в критике насущных проблем, балансируя при этом на тонком ноже советской цензуры.
И так получилось, что каждые 10 лет он снимал фильм, подводящий итоги эпохе, сюжет которого был тесно связан с Новым годом — а этот праздник как нельзя лучше подходит для финального мнения.
Его новогодняя трилогия состоит из:
- Карнавальная ночь, 1956 — в одном Доме Культуры готовят новогоднюю программу, но неожиданно появившийся исполняющий обязанности директора Огурцов, который принимает решение поменять программу на более идейно-выдержанную. Однако художественная группа хочет во чтобы то ни стало исполнить заранее намеченные номера. Кстати, именно этот фильм вдохновил на создание «Голубого огонька».
- Зигзаг удачи, 1968 — фотограф в исполнении Евгения Леонова, выигрывает в лотерею 10 000 рублей, на которые он собирается купить фотоаппарат и умотать в отдых с подругой. Однако, загвоздка в том, что деньги, на которые он купил билет, принадлежали профкомовской кассе ателье в котором он работает, то есть, были общими — следовательно и выигрыш надо делить со всем коллегами!
- Ирония судьбы, или с легким паром!, 1975 — в новогоднюю ночь, Женя Лукашин выпивает с друзьями, его по ошибке сажают в самолет до Ленинграда, … — ну в общем не будем кокетничать, сюжет вы наверняка знаете. Добавлю лишь то, что это был первый телефильм Рязанова (телефильм — это кино, которое показывается по телевидению, а не в кинотеатрах), после его ухода с Мосфильма.
Все эти фильмы символизируют собой свое десятилетие, передавая настроение как эпохи, так и лично Рязанова к ней.
В «Карнавальной ночи» чувствуется наивность и неуемная энергия 50-ых, вера в будущее и начало оттепели, в «Зигзаге удачи» — задумчивость и противоречивость 60-ых, ну а в «Иронии судьбы» — грусть и тоска застойных 70-ых.
В первой ленте основная социальная проблема — это отсутствие грамотного руководства при энтузиазме подчиненных, во второй — неумолимый переход от коллективного социализма к индивидуальному мещанству (позже похожую идею Рязанов еще раз обыграет в «Гараже»), ну а в «Иронии» — это окончательный тупик социалистических идеалов, расслоение общества (как классовое, так и личностное), при общем гнетущем типовом знаменателе — одинаковые дома, одинаковая мебель и одинаковые замки.
Такой перепад настроения в трилогии совпадает и с общей сменой настроения в творчестве Рязанова — от веселых и жизнерадостных «Карнавальной ночи» и «Гусарской баллады» — к трагикомичным «Гаражу» и «Вокзалу для двоих» с нотками безнадежности.
Великая сцена про потерянное поколение
#великие_сцены
Давненько не было этой рубрики, пора наверстывать!
Многие помнят «Страх и ненависть в Лас Вегасе», как прикольный фильм о том, как Джонни Депп и Бенисио Дель Торо бегают в наркоманском угаре, творят всякую дичь, ну и еще «У нас было 2 пакета травы, 75 капсулы мескалина ..» и вот это все.
Но вообще-то, фильм — очень грустное высказывание потерянного поколения. Люди, выросшие на свободной любви и идеалах движения хиппи внезапно оказались не готовы к хищным 70-ым, к эпохе лейблов и рассвета Уолл Стрита.
И, по факту, оказались выброшенными на берег, так и не сумев адаптироваться, но оставшиеся в плену идеи поиска заветной американской мечты.
Если адекватно воспринимать все проходящее в фильме, то всю паранойю, все безумие придумывают себе сами герои, находясь в плену иллюзий, остальному миру до них просто нет дела.
Все эти «дикие мутанты, слишком дикие, чтобы жить и слишком редкие, чтобы сдохнуть» — это они сами, и это совсем не комплимент.
Ну и главная сцена фильма, проговаривающая эти мысли — это финальная сцена (две последних сцены, если быть точным).
В первой, персонаж Рауля Дюка буквально проговаривает эту мораль, печатая ее на машинке вместо требуемого очерка.
https://youtu.be/xD5j_OEsApM?t=88
А во второй — несмотря на все выше сказанное — Рауль Дюк все равно мчит на своей Большой Красной Акуле, в никуда из ниоткуда, с безумной улыбкой на лице и американским флагом на машине (аллюзия, думаю, понятна). Разумеется, под Rolling Stones, почти гимн того поклонения — которое никогда не смогло принять KISS и Motley Crue.
https://www.youtube.com/watch?v=BhVsmq9mNtA
P.S. Пользуясь случаем, отдельно хочется сказать, про Хантера С Томпсона — автора оригинального произведения, и создателя направления гонзо-журналиситики как таковой (это когда все субъективно, автор является частью описываемого события, не скрывая своего отношения и не пытаясь быть корректным).
Хантер всю жизнь был отдельной глыбой в мировой журналистике, одновременно являясь милитаристом и пацифистом, глобалистом и анархистом, атеистом и фаталистом.
Как и свой кумир, Хэмингуэй, Томпсон застрелился после 60-ти, написав одну из самых пронзительных, на мой взгляд, предсмертных записок, «Футбольный сезон закончен».
#великие_сцены
Давненько не было этой рубрики, пора наверстывать!
Многие помнят «Страх и ненависть в Лас Вегасе», как прикольный фильм о том, как Джонни Депп и Бенисио Дель Торо бегают в наркоманском угаре, творят всякую дичь, ну и еще «У нас было 2 пакета травы, 75 капсулы мескалина ..» и вот это все.
Но вообще-то, фильм — очень грустное высказывание потерянного поколения. Люди, выросшие на свободной любви и идеалах движения хиппи внезапно оказались не готовы к хищным 70-ым, к эпохе лейблов и рассвета Уолл Стрита.
И, по факту, оказались выброшенными на берег, так и не сумев адаптироваться, но оставшиеся в плену идеи поиска заветной американской мечты.
Если адекватно воспринимать все проходящее в фильме, то всю паранойю, все безумие придумывают себе сами герои, находясь в плену иллюзий, остальному миру до них просто нет дела.
Все эти «дикие мутанты, слишком дикие, чтобы жить и слишком редкие, чтобы сдохнуть» — это они сами, и это совсем не комплимент.
Ну и главная сцена фильма, проговаривающая эти мысли — это финальная сцена (две последних сцены, если быть точным).
В первой, персонаж Рауля Дюка буквально проговаривает эту мораль, печатая ее на машинке вместо требуемого очерка.
https://youtu.be/xD5j_OEsApM?t=88
А во второй — несмотря на все выше сказанное — Рауль Дюк все равно мчит на своей Большой Красной Акуле, в никуда из ниоткуда, с безумной улыбкой на лице и американским флагом на машине (аллюзия, думаю, понятна). Разумеется, под Rolling Stones, почти гимн того поклонения — которое никогда не смогло принять KISS и Motley Crue.
https://www.youtube.com/watch?v=BhVsmq9mNtA
P.S. Пользуясь случаем, отдельно хочется сказать, про Хантера С Томпсона — автора оригинального произведения, и создателя направления гонзо-журналиситики как таковой (это когда все субъективно, автор является частью описываемого события, не скрывая своего отношения и не пытаясь быть корректным).
Хантер всю жизнь был отдельной глыбой в мировой журналистике, одновременно являясь милитаристом и пацифистом, глобалистом и анархистом, атеистом и фаталистом.
Как и свой кумир, Хэмингуэй, Томпсон застрелился после 60-ти, написав одну из самых пронзительных, на мой взгляд, предсмертных записок, «Футбольный сезон закончен».
Про Финскую трилогию
#кинотрилогии
Знаете ли вы что нибудь про финское кино? А оно есть, и сегодня мы разберем самого знаменитого представителя киноиндустрии из соседней страны.
Речь сегодня пойдет про Аки Каурисмяки (признаюсь честно, до сих пор путаюсь когда говорю его фамилию вслух, не подглядывая).
Внешне похожий на смесь Ларса Фон Триера и Антона Долина, финн является ярчайшим воплощением своей родины, снимая ироничные простые истории, полные одновременно и реализма, и романтизма — почти всегда про своих земляков и Финляндию.
В его лентах удивительным образом сочетается быт пролетариев, их нищета, недалекость, простота и злоупотребление алкоголя с романтикой и красотой жизни, высокими чувствами и моралью.
Именно поэтому кто-то из кинокритиков назвал Аки «последним киноромантиком» — и это довольно емкое описание.
Отдельной строчкой хочется отметить юмор, прекрасный своей неловкостью. Сейчас это модно называть «в стиле Коэнов», но у финна юмор абсолютно свой, самобытный.
Чтобы далеко не ходить за примером, можно посмотреть вступительную сцену из «Вдоль проплывают облака»: https://youtu.be/QsINH0D7oZc?t=211 (где-то начиная с 3:30).
Ну и сегодня мы разберем финскую кинотрилогию, она же вторая пролетарская трилогия. Почему вторая?
Аки уже снимал трилогию про своих любимых работников низов, но, на мой взгляд, она слабее второй (хотя все равно отличная).
Финский триптих состоит из:
- «Вдаль уплывают облака», 1996 — супружеская пара (старший официант и водитель трамвая) теряют работу в пик финского кризиса, с огромным уровнем безработицы. Пытаясь устроиться на разные работы, и везде получая отказ, в итоге они решают открыть ресторан.
- «Человек без прошлого», 2002 — безработного, который приехал в Хельсинки искать работу, жестоко избивают, из-за чего он теряет память. Вернуться к нормальной жизни ему помогают жители местных трущоб.
- «Огни городской окраины», 2006 — охранника магазина обводит вокруг пальца красивая девушка, друзья которой обворовывают магазин, который охранял главный герой.
Если подводить некую общую черту между фильмами, то их главная мысль — это то, как обстоятельства и условия планомерно несут главных героев к пропасти, но на самом краю они отказываются плыть без борьбы дальше и начинают сражаться с предначертанной судьбой.
Отдельно хочется сказать большое спасибо хронометражу ленты — все фильмы идут не дольше 100 минут, из-за чего такой плавный и минималистичный темп смотрится очень органично.
Вообще, темп, это одно из главных оружий финна. При таких немногословых героях, почти не остается времени на лишние сцены, поэтому каждый эпизод снабжен яркой эмоцией, не оставляя зрителя равнодушным — как будто смотришь учебник по режиссерскому мастерству.
Для меня Каурисмяки также является эталоном юмора диалогов. Я могу их смотреть бесконечно, на этих невозмутимых финских работяг, уборщиц и официанток, так хорошо понимающих друг друга и так невозмутимо подтрунивающих друг над другом.
— Как мне с тобой расплатиться?
— Увидишь, что лежу лицом в луже, переверни.
Сейчас Аки немножко просел на последних фильмах, так как новый мир, с беженцами, толерантностью и лицемерием так непохож на тот мир, из которого режиссер — старых ресторанов, ночных парков и небольших квартир.
Будем надеяться, финн еще найдет свое вдохновение в современном и мы увидим еще одну прекрасную трилогию, про его любимых уборщиков, водителей, охранников и слесарей.
#кинотрилогии
Знаете ли вы что нибудь про финское кино? А оно есть, и сегодня мы разберем самого знаменитого представителя киноиндустрии из соседней страны.
Речь сегодня пойдет про Аки Каурисмяки (признаюсь честно, до сих пор путаюсь когда говорю его фамилию вслух, не подглядывая).
Внешне похожий на смесь Ларса Фон Триера и Антона Долина, финн является ярчайшим воплощением своей родины, снимая ироничные простые истории, полные одновременно и реализма, и романтизма — почти всегда про своих земляков и Финляндию.
В его лентах удивительным образом сочетается быт пролетариев, их нищета, недалекость, простота и злоупотребление алкоголя с романтикой и красотой жизни, высокими чувствами и моралью.
Именно поэтому кто-то из кинокритиков назвал Аки «последним киноромантиком» — и это довольно емкое описание.
Отдельной строчкой хочется отметить юмор, прекрасный своей неловкостью. Сейчас это модно называть «в стиле Коэнов», но у финна юмор абсолютно свой, самобытный.
Чтобы далеко не ходить за примером, можно посмотреть вступительную сцену из «Вдоль проплывают облака»: https://youtu.be/QsINH0D7oZc?t=211 (где-то начиная с 3:30).
Ну и сегодня мы разберем финскую кинотрилогию, она же вторая пролетарская трилогия. Почему вторая?
Аки уже снимал трилогию про своих любимых работников низов, но, на мой взгляд, она слабее второй (хотя все равно отличная).
Финский триптих состоит из:
- «Вдаль уплывают облака», 1996 — супружеская пара (старший официант и водитель трамвая) теряют работу в пик финского кризиса, с огромным уровнем безработицы. Пытаясь устроиться на разные работы, и везде получая отказ, в итоге они решают открыть ресторан.
- «Человек без прошлого», 2002 — безработного, который приехал в Хельсинки искать работу, жестоко избивают, из-за чего он теряет память. Вернуться к нормальной жизни ему помогают жители местных трущоб.
- «Огни городской окраины», 2006 — охранника магазина обводит вокруг пальца красивая девушка, друзья которой обворовывают магазин, который охранял главный герой.
Если подводить некую общую черту между фильмами, то их главная мысль — это то, как обстоятельства и условия планомерно несут главных героев к пропасти, но на самом краю они отказываются плыть без борьбы дальше и начинают сражаться с предначертанной судьбой.
Отдельно хочется сказать большое спасибо хронометражу ленты — все фильмы идут не дольше 100 минут, из-за чего такой плавный и минималистичный темп смотрится очень органично.
Вообще, темп, это одно из главных оружий финна. При таких немногословых героях, почти не остается времени на лишние сцены, поэтому каждый эпизод снабжен яркой эмоцией, не оставляя зрителя равнодушным — как будто смотришь учебник по режиссерскому мастерству.
Для меня Каурисмяки также является эталоном юмора диалогов. Я могу их смотреть бесконечно, на этих невозмутимых финских работяг, уборщиц и официанток, так хорошо понимающих друг друга и так невозмутимо подтрунивающих друг над другом.
— Как мне с тобой расплатиться?
— Увидишь, что лежу лицом в луже, переверни.
Сейчас Аки немножко просел на последних фильмах, так как новый мир, с беженцами, толерантностью и лицемерием так непохож на тот мир, из которого режиссер — старых ресторанов, ночных парков и небольших квартир.
Будем надеяться, финн еще найдет свое вдохновение в современном и мы увидим еще одну прекрасную трилогию, про его любимых уборщиков, водителей, охранников и слесарей.
Стена звезд из «Ла-Ла Ленда»
#интересное_от_марка
Недавно пересматривал «Ла-Ла Ленд», заметил интересный фон в одной из сцен — когда Мия, героиня Эммы Стоун идет домой, она проходит мимо одной стены.
Беглым взглядом на нее можно заметить кучу звезд классического Голливуда (у меня взгляд зацепился за Чаплина, потом заметил Монро, ну и дальше стало понятно, что там все такие).
Стало интересно, решил узнать, что это такое-то?
Оказывается, это действительно существующая стена дома, находится на пересечении Уилкос-авеню и бульвара Голливуд (на котором и расположена знаменитая Аллея звезд).
Вот тут ее даже в Гугл-панорамах увидеть: https://www.google.ru/maps/@34.1013413,-118.3310235,3a,75y,86.83h,78.08t/data=!3m6!1e1!3m4!1sMMNpQo2-_iMBnxDILa_EAA!2e0!7i13312!8i6656 (забавно, что из-за политики конфиденциальности гугла, у некоторых нарисованных артистов заблюрены лица).
Буквально в метре от нее находится вход в бар Lipton’s, где Мия впервые увидела Себастьяна играющего на пианино (в реальности там находиться кинотеатр Muse).
Найти хорошее разрешение стены я не смог, а ведь было бы интересно всех рассмотреть!
Пока можно отчетливо рассмотреть нижний ряд (слева-направо): Лорен Бэколл, Хамфри Богарт, Мэрилин Монро, Чарли Чаплин, Ширли Темпл, Уильям Филдс, Джеймс Дин, Элизабет Тейлор и Кирк Дуглас.
Особо внимательные читатели могут заметить в зале кучу других звезд, вроде Клинта Иствуда, Вуди Аллена, Кристофера Рива в образе Супермена, Роберт Редфорда и даже Вуди Вудпекера.
Замысел полотна понятен — перспектива сделана таким образом, что все звезды смотрят на зрителя, как будто он на сцене — отсюда и название стены, «You are the star».
#интересное_от_марка
Недавно пересматривал «Ла-Ла Ленд», заметил интересный фон в одной из сцен — когда Мия, героиня Эммы Стоун идет домой, она проходит мимо одной стены.
Беглым взглядом на нее можно заметить кучу звезд классического Голливуда (у меня взгляд зацепился за Чаплина, потом заметил Монро, ну и дальше стало понятно, что там все такие).
Стало интересно, решил узнать, что это такое-то?
Оказывается, это действительно существующая стена дома, находится на пересечении Уилкос-авеню и бульвара Голливуд (на котором и расположена знаменитая Аллея звезд).
Вот тут ее даже в Гугл-панорамах увидеть: https://www.google.ru/maps/@34.1013413,-118.3310235,3a,75y,86.83h,78.08t/data=!3m6!1e1!3m4!1sMMNpQo2-_iMBnxDILa_EAA!2e0!7i13312!8i6656 (забавно, что из-за политики конфиденциальности гугла, у некоторых нарисованных артистов заблюрены лица).
Буквально в метре от нее находится вход в бар Lipton’s, где Мия впервые увидела Себастьяна играющего на пианино (в реальности там находиться кинотеатр Muse).
Найти хорошее разрешение стены я не смог, а ведь было бы интересно всех рассмотреть!
Пока можно отчетливо рассмотреть нижний ряд (слева-направо): Лорен Бэколл, Хамфри Богарт, Мэрилин Монро, Чарли Чаплин, Ширли Темпл, Уильям Филдс, Джеймс Дин, Элизабет Тейлор и Кирк Дуглас.
Особо внимательные читатели могут заметить в зале кучу других звезд, вроде Клинта Иствуда, Вуди Аллена, Кристофера Рива в образе Супермена, Роберт Редфорда и даже Вуди Вудпекера.
Замысел полотна понятен — перспектива сделана таким образом, что все звезды смотрят на зрителя, как будто он на сцене — отсюда и название стены, «You are the star».
Про Битлов и Властелин Колец
#интересное_от_марка
В начале 60-ых, группа The Beatles была на диком подъеме, началась повальная битоломания.
На волне успеха, четверка из Ливерпуля заключила контракт со студией United Artists на съемки трёх фильмов с ними.
Первым фильмом стал культовый «Вечер трудного дня», вторым — «Help!».
А вот третьему фильму так и не суждено было случиться.
Битлы хотели экранизацию «Властелина Колец», с собой в главных ролях!
Причем, по задумке группы, снимать фильм должен был не абы кто, а лично Стэнли Кубрик (Леннону очень понравились «Лолита» и «Доктор Стрейнджлав»)!
На дворе 1966 год, Битлы популярнее Иисуса и не получали отказов уже лет 5, поэтому в их головах фильм уже давно готов — осталось только его снять.
Реальность
Сначала от идеи охерел Стэнли Кубрик (который не особо любил «Властелина Колец»), отказавшись снимать это чудо, а затем охерел и сам Джон Рональд Толкиен (который никогда особо не любил Beatles), который отказался отдавать права на съемки.
Тут вообще было забавно, Битлы лично приехали к Толкину в полном составе и начали описывать, как они видят фильм — все в кислотных тонах, хоббиты напевают «Yellow Submarine», деревья психоделических цветов, ну вот это все. Профессор сидел и молча охреневал по-толкиенски от того, что эти длинноволосые хиппи собирались сделать с произведением его жизни. В итоге он категорически отверг эту идею и даже отказался подписать им книги.
Кстати, ходят слухи, что именно после этого случая Толкин стал очень опасаться экранизаций, а потом такую же позицию занял его сын, Кристофер. Из-за этого с правами на фильмы по вселенной Средиземья всегда были огромные сложности — можем сказать за это спасибо битлам 🙂
P.S. Отдельно стоит отметить факт, кого именно хотели играть музыканты в фильме. Я когда впервые про это узнал, сразу подумал что имеется в виду роль хоббитов — их четверо, битлов четверо, все вроде сходится.
Ан нет!
Пол Маккартни и Ринго Старр действительно хотели играть хоббитов, Фродо и Сэма.
Джордж Харрисон собирался воплотить образ старика Гэндальфа, а Джон Леннон видел себя только в роли … Голлума!
К битлам отношусь спокойно-положительно, но иногда хорошо, что некоторые фильмы так и не случились.
#интересное_от_марка
В начале 60-ых, группа The Beatles была на диком подъеме, началась повальная битоломания.
На волне успеха, четверка из Ливерпуля заключила контракт со студией United Artists на съемки трёх фильмов с ними.
Первым фильмом стал культовый «Вечер трудного дня», вторым — «Help!».
А вот третьему фильму так и не суждено было случиться.
Битлы хотели экранизацию «Властелина Колец», с собой в главных ролях!
Причем, по задумке группы, снимать фильм должен был не абы кто, а лично Стэнли Кубрик (Леннону очень понравились «Лолита» и «Доктор Стрейнджлав»)!
На дворе 1966 год, Битлы популярнее Иисуса и не получали отказов уже лет 5, поэтому в их головах фильм уже давно готов — осталось только его снять.
Реальность
Сначала от идеи охерел Стэнли Кубрик (который не особо любил «Властелина Колец»), отказавшись снимать это чудо, а затем охерел и сам Джон Рональд Толкиен (который никогда особо не любил Beatles), который отказался отдавать права на съемки.
Тут вообще было забавно, Битлы лично приехали к Толкину в полном составе и начали описывать, как они видят фильм — все в кислотных тонах, хоббиты напевают «Yellow Submarine», деревья психоделических цветов, ну вот это все. Профессор сидел и молча охреневал по-толкиенски от того, что эти длинноволосые хиппи собирались сделать с произведением его жизни. В итоге он категорически отверг эту идею и даже отказался подписать им книги.
Кстати, ходят слухи, что именно после этого случая Толкин стал очень опасаться экранизаций, а потом такую же позицию занял его сын, Кристофер. Из-за этого с правами на фильмы по вселенной Средиземья всегда были огромные сложности — можем сказать за это спасибо битлам 🙂
P.S. Отдельно стоит отметить факт, кого именно хотели играть музыканты в фильме. Я когда впервые про это узнал, сразу подумал что имеется в виду роль хоббитов — их четверо, битлов четверо, все вроде сходится.
Ан нет!
Пол Маккартни и Ринго Старр действительно хотели играть хоббитов, Фродо и Сэма.
Джордж Харрисон собирался воплотить образ старика Гэндальфа, а Джон Леннон видел себя только в роли … Голлума!
К битлам отношусь спокойно-положительно, но иногда хорошо, что некоторые фильмы так и не случились.
Отказы от Оскара
#интересное_от_марка
За всю долгую историю Оскара (а это 90 лет!), официально от награды отказывались три человека.
1935 год, Дадли Николс
Первый случай отказа от премии, от сценариста Дадли Николса за фильм «Осведомитель». В те времена киноиндустрия США только формировалась, шли ожесточенные споры — Американская киноакадемия отказывалась признавать Гильдию сценаристов как профсоюз, из-за чего Дадли в качестве волевого жеста отказался от премии Академии.
Кстати, немногим очевидно, но Оскар награждают с 1929 года, а телетрансляция впервые появилась в 1953 году. Раньше номинантов просто объявляли на закрытом банкете кинодельцов, а победители забирали свои награды после.
И только с появлением трансляции звезды начали приезжать на церемонию награждения, где выходили и забирали призы со сцены.
1971 год, Джордж К. Скотт
Джордж Кэмпбелл Скотт — один из мощнейших актеров США 20 века (причем как и в кино, так и в театре). При этом, Джордж отличался крайней эксцентричностью, закрытостью и интровертностью. Не удивительно, что получив Оскар за роль генерала Паттона в одноименном фильме, актер послал академию куда подальше, назвав всю церемонию «двухчасовым парадом мяса» и отказался забирать приз.
1973 год, Марлон Брандо
В 1973, триумфатором премии стал «Крестный отец», взяв Оскар за лучший фильм, актёра и сценарий.
Однако, Марлон Брандо (который тогда уже мягко говоря, зазвездился) решил и тут выкинуть очередной фокус — и послал вместо себя 20-летнюю девушку в индейском наряде, которая объявила, что «Марлон сожалеет, что не смог присутствовать здесь, однако он отказывается от награды из-за ужасного отношения к коренным американцам в США». Что это было, учитывая что ни до ни после Брандо никак не комментировал дела индейцев — понять невозможно.
Остальное
Было несколько моментов, когда человек не присутствовал на церемонии, когда выигрывал премию (например, Орсон Уэллс утверждал, что просто проспал её, когда выиграл статуэтку за сценарий «Гражданина Кейна»).
Или, например, Роман Полански — из-за уголовного преследования он эмигрировал во Францию, поэтому приехать за статуэткой за «Пианиста», понятное дело, не мог. От его имени её получил Харрисон Форд (я вообще без понятия, что может связывать Форда и Полански).
Еще был смешной случай с Жан Люком Годаром, ему вручили почетный Оскар в 2011, на что 81-летний мэтр сказал что ему банально лень ехать в Лос-Анджелес ради этого.
#интересное_от_марка
За всю долгую историю Оскара (а это 90 лет!), официально от награды отказывались три человека.
1935 год, Дадли Николс
Первый случай отказа от премии, от сценариста Дадли Николса за фильм «Осведомитель». В те времена киноиндустрия США только формировалась, шли ожесточенные споры — Американская киноакадемия отказывалась признавать Гильдию сценаристов как профсоюз, из-за чего Дадли в качестве волевого жеста отказался от премии Академии.
Кстати, немногим очевидно, но Оскар награждают с 1929 года, а телетрансляция впервые появилась в 1953 году. Раньше номинантов просто объявляли на закрытом банкете кинодельцов, а победители забирали свои награды после.
И только с появлением трансляции звезды начали приезжать на церемонию награждения, где выходили и забирали призы со сцены.
1971 год, Джордж К. Скотт
Джордж Кэмпбелл Скотт — один из мощнейших актеров США 20 века (причем как и в кино, так и в театре). При этом, Джордж отличался крайней эксцентричностью, закрытостью и интровертностью. Не удивительно, что получив Оскар за роль генерала Паттона в одноименном фильме, актер послал академию куда подальше, назвав всю церемонию «двухчасовым парадом мяса» и отказался забирать приз.
1973 год, Марлон Брандо
В 1973, триумфатором премии стал «Крестный отец», взяв Оскар за лучший фильм, актёра и сценарий.
Однако, Марлон Брандо (который тогда уже мягко говоря, зазвездился) решил и тут выкинуть очередной фокус — и послал вместо себя 20-летнюю девушку в индейском наряде, которая объявила, что «Марлон сожалеет, что не смог присутствовать здесь, однако он отказывается от награды из-за ужасного отношения к коренным американцам в США». Что это было, учитывая что ни до ни после Брандо никак не комментировал дела индейцев — понять невозможно.
Остальное
Было несколько моментов, когда человек не присутствовал на церемонии, когда выигрывал премию (например, Орсон Уэллс утверждал, что просто проспал её, когда выиграл статуэтку за сценарий «Гражданина Кейна»).
Или, например, Роман Полански — из-за уголовного преследования он эмигрировал во Францию, поэтому приехать за статуэткой за «Пианиста», понятное дело, не мог. От его имени её получил Харрисон Форд (я вообще без понятия, что может связывать Форда и Полански).
Еще был смешной случай с Жан Люком Годаром, ему вручили почетный Оскар в 2011, на что 81-летний мэтр сказал что ему банально лень ехать в Лос-Анджелес ради этого.
Джерсийская трилогия
#кинотрилогии
Сегодня мы поговорим про одного из самых самобытных голливудских режиссеров — про Кевина Смита!
Возможно, я проведу странную параллель, но Кевин Смит мне всегда напоминал Юрия Быкова — это режиссер со своим стилем, любимыми актерами, у которого были как отличные фильмы, так и ужасные, но его продолжают народно любить за то, что он приятный дядька.
Больше всего Смит знаменит «Догмой» и «Джеем и Молчаливым Бобом наносящим ответный удар». Однако эти фильмы не смогли бы случиться без его первых трех фильмов, которые называются «Джерсийской трилогией»:
- Клерки, 1994 — черно-белый разговорный фильм, повествующий про один день из жизни двух приятелей, работающих продавцами в магазине продуктов. Есть фильмы которые удаются и которые нет — «Клерки» удались на 200 %. Смит вложил в него свои деньги, снимал ночью в том же магазине, где днем работал, а играть позвал своих друзей — в итоге фильм считается одним из лучших независимых фильмов 90-ых, он собрал больше 3 миллионов долларов и даже вошел в отдельную номинацию на Каннском кинофестивале.
- Тусовщики из супермаркета, 1995 — второй фильм, определивший вектор направления творчества Смита. Все гадали, в какую сторону пойдет режиссер, после «Клерков», которые, с одной стороны, мастерски и концептуально сняты — единство пространства и времени, ч/б, раскрытие персонажей через других персонажей, а с другой — тонны юмора, подколок и масс-культуры. Тусовщики из супермаркета (романтическая комедия, рассказывающая про ребят, праздно шатающихся по большому моллу, таким образом убивая время), явно показали, что Смит будет двигаться именно в сторону юмора и забавных персонажей, попадающих в абсурдные ситуации. А еще в нем есть камео Стэна Ли!!
- В погоне за Эми, 1996 — молодой человек влюбляется в девушку, которая оказывается лесбиянкой, и, предсказуемо, начинает переживать. Один из самых высокооцененных критиками фильмов Смита, а также первая большая роль Бена Аффлека, которая проложила ему дорогу в большой Голливуд. В России почему-то этот фильм воспринимается прохладно, но мне очень нравится.
Происхождение названии трилогии, думаю, понятно — действие всех лент происходит в Нью-Джерси, пригороде Нью-Йорка — родине Кевина Смита.
В каждом его фильме есть отсылки к гик культуре … да блин, нет!
Это в фильмах Спилберга есть отсылки к гик культуре — ленты же Смита состоят из массовой культуры чуть более чем полностью! Если его герои ведут разговор больше двух предложений, они гарантировано упомянут Стартрек, Бэтмана, Микки Мауса или еще кого-нибудь.
Так как все его персонажи яркие эксцентрики, то почти все упоминания преподносятся с необычных углов — то герои спорят, в каком павильоне Universal романтичнее сделать предложение (и сходятся на «Челюстях»), то обсуждают гомосексуальность Фродо и Сэма, то харизматичный черный парень доказывает, что вся сага Звездных Войнов это метафора борьбы белокурых фашистов-джедаев с одиноким бедным негром (Дарт Вейдер), который к тому же белый внутри.
Все три фильма входят в придуманную Смитом вселенную View Askewniverse — из фильма в фильм кочуют персонажи, истории и локации (те же Джей и Молчаливый Боб есть в каждом фильме).
Если так можно, я бы назвал Смита Тарантино от мира гик-культуры.
Кстати, также всем советую его выступления перед студентами в формате вопрос-ответ — Смит потрясающий рассказчик, я могу часами слушать его байки.
Введу тут нововведение, буду в конце расставлять фильмы трилогии по моей любви к ним (сначала самый любимый): Клерки > В погоне за Эми >Тусовщики из супермаркета.
#кинотрилогии
Сегодня мы поговорим про одного из самых самобытных голливудских режиссеров — про Кевина Смита!
Возможно, я проведу странную параллель, но Кевин Смит мне всегда напоминал Юрия Быкова — это режиссер со своим стилем, любимыми актерами, у которого были как отличные фильмы, так и ужасные, но его продолжают народно любить за то, что он приятный дядька.
Больше всего Смит знаменит «Догмой» и «Джеем и Молчаливым Бобом наносящим ответный удар». Однако эти фильмы не смогли бы случиться без его первых трех фильмов, которые называются «Джерсийской трилогией»:
- Клерки, 1994 — черно-белый разговорный фильм, повествующий про один день из жизни двух приятелей, работающих продавцами в магазине продуктов. Есть фильмы которые удаются и которые нет — «Клерки» удались на 200 %. Смит вложил в него свои деньги, снимал ночью в том же магазине, где днем работал, а играть позвал своих друзей — в итоге фильм считается одним из лучших независимых фильмов 90-ых, он собрал больше 3 миллионов долларов и даже вошел в отдельную номинацию на Каннском кинофестивале.
- Тусовщики из супермаркета, 1995 — второй фильм, определивший вектор направления творчества Смита. Все гадали, в какую сторону пойдет режиссер, после «Клерков», которые, с одной стороны, мастерски и концептуально сняты — единство пространства и времени, ч/б, раскрытие персонажей через других персонажей, а с другой — тонны юмора, подколок и масс-культуры. Тусовщики из супермаркета (романтическая комедия, рассказывающая про ребят, праздно шатающихся по большому моллу, таким образом убивая время), явно показали, что Смит будет двигаться именно в сторону юмора и забавных персонажей, попадающих в абсурдные ситуации. А еще в нем есть камео Стэна Ли!!
- В погоне за Эми, 1996 — молодой человек влюбляется в девушку, которая оказывается лесбиянкой, и, предсказуемо, начинает переживать. Один из самых высокооцененных критиками фильмов Смита, а также первая большая роль Бена Аффлека, которая проложила ему дорогу в большой Голливуд. В России почему-то этот фильм воспринимается прохладно, но мне очень нравится.
Происхождение названии трилогии, думаю, понятно — действие всех лент происходит в Нью-Джерси, пригороде Нью-Йорка — родине Кевина Смита.
В каждом его фильме есть отсылки к гик культуре … да блин, нет!
Это в фильмах Спилберга есть отсылки к гик культуре — ленты же Смита состоят из массовой культуры чуть более чем полностью! Если его герои ведут разговор больше двух предложений, они гарантировано упомянут Стартрек, Бэтмана, Микки Мауса или еще кого-нибудь.
Так как все его персонажи яркие эксцентрики, то почти все упоминания преподносятся с необычных углов — то герои спорят, в каком павильоне Universal романтичнее сделать предложение (и сходятся на «Челюстях»), то обсуждают гомосексуальность Фродо и Сэма, то харизматичный черный парень доказывает, что вся сага Звездных Войнов это метафора борьбы белокурых фашистов-джедаев с одиноким бедным негром (Дарт Вейдер), который к тому же белый внутри.
Все три фильма входят в придуманную Смитом вселенную View Askewniverse — из фильма в фильм кочуют персонажи, истории и локации (те же Джей и Молчаливый Боб есть в каждом фильме).
Если так можно, я бы назвал Смита Тарантино от мира гик-культуры.
Кстати, также всем советую его выступления перед студентами в формате вопрос-ответ — Смит потрясающий рассказчик, я могу часами слушать его байки.
Введу тут нововведение, буду в конце расставлять фильмы трилогии по моей любви к ним (сначала самый любимый): Клерки > В погоне за Эми >Тусовщики из супермаркета.
P.S. Кстати, последним фильмом Смита должен был стать фильм «Лосиные челюсти», который таким образом заканчивал бы трилогию «Настоящего севера», куда также входят «Бивень» и «Йоганутые». Но абсолютный провал «Йоганутых», как и по деньгам, так и по оценкам, поставил крест на заключительной части трилогии — вместо нее Смит вернулся ко вселенной View Askerview, сняв ребут «Джея и Молчаливого Боба» (ждем в октябре в кино).
Как правильно читать титры
#интереное_от_марка
Как-то давно я писал про бест боев, кей грипов и прочие таинственные слова из титров.
Наконец созрела вторая часть, где разберем оставшиеся непонятные вещи из титров — при этом как финальных, так и вступительных.
Различия продюсеров
Разберем на примере «Криминального чтива».
Есть обычный продюсер (Producer) — это человек, следящий за производством фильма, ответственный за грамотное расходование бюджета, улаживание проблем с другими структурами (полиция/власти/профсоюзы) и так далее. В общем, как говорил классик, «Барри Креститель следил за тем, чтобы административная часть бизнеса протекала в полной гармонии» (кто угадал отсылку, тот молодец).
Для «Криминального чтива» таким человеком был Лоуренс Бендер, давний друг Тарантино и продюсер множества его фильмов.
Есть исполнительный продюсер (Executive Producer) — обычно это один из топов студии, на чьи деньги банкет. Он может спорить с режиссером о сценарии, пропихивать своих актеров, принимать решение о увеличении/урезании бюджета, он ответственен за прокат и за пропихивание фильма во всякие фестивали и награды.
Для «Криминального чтива» таким человеком был Харви Вайнштейн.
Есть сопродюсер (Co-producer) — это также один из спонсоров фильма (но не основной), который отчитывается перед исполнительным продюсером и де-факто, диктует его непреклонную волю на площадке.
Для «Криминального чтива» таким человеком был (сюрприз!) Дэнни Де Вито.
Это три основные категории продюсеров, на крупных проектах их может быть человек 20.
Аббревиатуры
В титрах также есть куча аббревиатур, которые ставятся после фамилий, остановимся на самых распространенных:
- A.S.C. – American Society of Cinematographers – «американское сообщество кинооператоров», элитный клуб лучших мастеров камеры в Голливуде. Непрофсоюз! (Это важно).
- A.C.E. – сокращение от American Cinema Editors – «американская ассоциация монтажеров», аналогично операторам.
- C.S.A. – сокращение от Casting Society of America – «американское общество кастинг-директоров», аналогично операторам и монтажерам.
- P.G.A. – сокращение от Producer's Guild of America – «Гильдия продюсеров Америки».
Гильдия — это официальный профсоюз, там платят членские взносы, а сама гильдия впрягается за своих членов. Если продюсер является частью профсоюза, то есть требование, по которому необходимо это указывать в титрах.
А вот остальные ассоциации являются скорее престижным званием, в них можно попасть только по приглашению другого члена — их ставят с целью понта, как регалию (и вполне могут и не ставить). Но обычно ставят 🙂
Логотип MPAA
Каждый фильм, выходящий в прокат в США, должен иметь сертификат Американской ассоциации кинокомпаний («Motion Picture Association of America»). Этот сертификат определят рейтинг фильма, для какой аудитории он предназначен (PG/R/NC) — вот тут все подробно описано.
Все сертификаты имеют порядковый номер, по которому можно определить фильм, для которого он выдан. Кто угадает, для какого фильма выдан сертификат на скрине — тот умница.
#интереное_от_марка
Как-то давно я писал про бест боев, кей грипов и прочие таинственные слова из титров.
Наконец созрела вторая часть, где разберем оставшиеся непонятные вещи из титров — при этом как финальных, так и вступительных.
Различия продюсеров
Разберем на примере «Криминального чтива».
Есть обычный продюсер (Producer) — это человек, следящий за производством фильма, ответственный за грамотное расходование бюджета, улаживание проблем с другими структурами (полиция/власти/профсоюзы) и так далее. В общем, как говорил классик, «Барри Креститель следил за тем, чтобы административная часть бизнеса протекала в полной гармонии» (кто угадал отсылку, тот молодец).
Для «Криминального чтива» таким человеком был Лоуренс Бендер, давний друг Тарантино и продюсер множества его фильмов.
Есть исполнительный продюсер (Executive Producer) — обычно это один из топов студии, на чьи деньги банкет. Он может спорить с режиссером о сценарии, пропихивать своих актеров, принимать решение о увеличении/урезании бюджета, он ответственен за прокат и за пропихивание фильма во всякие фестивали и награды.
Для «Криминального чтива» таким человеком был Харви Вайнштейн.
Есть сопродюсер (Co-producer) — это также один из спонсоров фильма (но не основной), который отчитывается перед исполнительным продюсером и де-факто, диктует его непреклонную волю на площадке.
Для «Криминального чтива» таким человеком был (сюрприз!) Дэнни Де Вито.
Это три основные категории продюсеров, на крупных проектах их может быть человек 20.
Аббревиатуры
В титрах также есть куча аббревиатур, которые ставятся после фамилий, остановимся на самых распространенных:
- A.S.C. – American Society of Cinematographers – «американское сообщество кинооператоров», элитный клуб лучших мастеров камеры в Голливуде. Непрофсоюз! (Это важно).
- A.C.E. – сокращение от American Cinema Editors – «американская ассоциация монтажеров», аналогично операторам.
- C.S.A. – сокращение от Casting Society of America – «американское общество кастинг-директоров», аналогично операторам и монтажерам.
- P.G.A. – сокращение от Producer's Guild of America – «Гильдия продюсеров Америки».
Гильдия — это официальный профсоюз, там платят членские взносы, а сама гильдия впрягается за своих членов. Если продюсер является частью профсоюза, то есть требование, по которому необходимо это указывать в титрах.
А вот остальные ассоциации являются скорее престижным званием, в них можно попасть только по приглашению другого члена — их ставят с целью понта, как регалию (и вполне могут и не ставить). Но обычно ставят 🙂
Логотип MPAA
Каждый фильм, выходящий в прокат в США, должен иметь сертификат Американской ассоциации кинокомпаний («Motion Picture Association of America»). Этот сертификат определят рейтинг фильма, для какой аудитории он предназначен (PG/R/NC) — вот тут все подробно описано.
Все сертификаты имеют порядковый номер, по которому можно определить фильм, для которого он выдан. Кто угадает, для какого фильма выдан сертификат на скрине — тот умница.
Ну и чтобы два раза не вставать, добавлю еще про очередность (не влезло в предыдущее сообщение):
Очередность во вступительных титрах
Сейчас у нас век пост-модерна, где каждый второй творец хочет переосмыслить стандартные концепты — поэтому титры у нас сейчас всех сортов, форм и содержаний.
Но по классической схеме Голливуда, порядок появления в титрах был следующим:
- Студия-дистрибьютор
- Студия-производитель
- Притяжательный титр (редкая штука, если создатель фильма настолько матёр, что имеет свой бренд, то иногда это вставляют в качестве титра, примеры: «A film by Quentin Tarantino» или «Steven Spielberg presents Back to the Future»).
- Название фильма
- Главные актеры
- Кастинг-директор
- Композитор
- Директор по костюмам
- Монтажер
- Оператор
- Продюсеры
- Первоисточник идеи (если применимо) , например «По роману Брэма Стокера» или «Основано на персонажах Hasbro».
- Сценарист
- Режиссер (по правилам гилдьии, у фильма может быть указан только один режиссер, исключение — сформировавшиеся режиссёрские группы, например, братья Коэны или Цукер-Абрахамс-Цукер ).
Очередность во вступительных титрах
Сейчас у нас век пост-модерна, где каждый второй творец хочет переосмыслить стандартные концепты — поэтому титры у нас сейчас всех сортов, форм и содержаний.
Но по классической схеме Голливуда, порядок появления в титрах был следующим:
- Студия-дистрибьютор
- Студия-производитель
- Притяжательный титр (редкая штука, если создатель фильма настолько матёр, что имеет свой бренд, то иногда это вставляют в качестве титра, примеры: «A film by Quentin Tarantino» или «Steven Spielberg presents Back to the Future»).
- Название фильма
- Главные актеры
- Кастинг-директор
- Композитор
- Директор по костюмам
- Монтажер
- Оператор
- Продюсеры
- Первоисточник идеи (если применимо) , например «По роману Брэма Стокера» или «Основано на персонажах Hasbro».
- Сценарист
- Режиссер (по правилам гилдьии, у фильма может быть указан только один режиссер, исключение — сформировавшиеся режиссёрские группы, например, братья Коэны или Цукер-Абрахамс-Цукер ).
Про ругательства в кино
#интересное_от_марка
Сегодня будет пост про нецензурную брань в кинематографе.
Во времена немого кино все было прекрасно — все ругались как хотели, иногда даже на титрах писали всякое — в общем, никакой цензуры.
Когда Голливуд окончательно погряз в грехопадении и аморальности, боссы студий позвали христианского старейшину Уильяма Хейса (это не шутка) на должность президента Американской ассоциации кинокомпаний (MPAA, которая до сих пор выдает возрастной рейтинг фильмам, я недавно об этом писал).
И в 1930 году был принят так называемый «Колес Хейса», который устанавливал очень жесткие требования к картинам — никакой ругани, наркотиков, высмеивания религии и обнаженки (в общем всего, что мы любим в кино).
В 1939 году выходит монументальные «Унесенные ветром», где самая яркая фраза принадлежит Ретту Батлеру в исполнении Кларка Гейбла — «Frankly, my dear, I don't give a damn» («Честно говоря, дорогая, мне наплевать»).
Фраза, кстати, до сих пор №1в списке киноцитат по версии Американского института кино
Зрители были шокированы такой «отъявленной» бранью!
Действительно, слово «damn» было под запретом по кодексу. По совпадению или нет, буквально за месяц до выхода фильма, MPAA принимает очередную поправку к кодексу, где разрешает некоторые бранные слова, но только если они служат искусству и являются необходимой чертой в дополнении образа. Быстрый нырок под эту поправку спас создателей фильма от огромных штрафов.
Примерно также все были поражены, когда в 1967 году (через пару месяцев после официальной отмены кодекса Хейса) в кинотеатрах впервые прозвучало слово «fuck» с экрана, в фильме «Улисс», экранизации романа Джойса.
А закрепил успех фильм «M.A.S.H.», в котором «fuck» прозвучало в футбольном матче. Фильм отхватил главный приз в Каннах, чем сразу доказал, что фильм с ругательствами не обязательно будет маргинальным.
Сейчас в Голливуде все просто — делай фильм как хочешь, MPAA потом даст ему возрастной рейтинг. Ругаешься пару раз (и ради искусства) — то рейтинг PG или PG-13 (зависит от настроения комиссии). Ругаешься много и не по делу — рейтинг R.
Это все влияет на то, смогут ли дети (и какого именно возраста) попасть на просмотр фильма.
В нашем прокате все было целомудренно, по понятным причинам. Впервые мат проскользнул в перестроечном кино, считается что первопроходцем был фильм «Маленькая Вера» (1988), в котором помимо мата еще и впервые показали секс на экране.
В 2014 году в РФ был принят закон, по которому мат в кинотеатрах запрещен, что, если честно, очень напоминает голивудскую спираль — от вседозволенности до жесткой цензуры. Будем надеяться, что мы еще доживем до нашего «M.A.S.H.»
#интересное_от_марка
Сегодня будет пост про нецензурную брань в кинематографе.
Во времена немого кино все было прекрасно — все ругались как хотели, иногда даже на титрах писали всякое — в общем, никакой цензуры.
Когда Голливуд окончательно погряз в грехопадении и аморальности, боссы студий позвали христианского старейшину Уильяма Хейса (это не шутка) на должность президента Американской ассоциации кинокомпаний (MPAA, которая до сих пор выдает возрастной рейтинг фильмам, я недавно об этом писал).
И в 1930 году был принят так называемый «Колес Хейса», который устанавливал очень жесткие требования к картинам — никакой ругани, наркотиков, высмеивания религии и обнаженки (в общем всего, что мы любим в кино).
В 1939 году выходит монументальные «Унесенные ветром», где самая яркая фраза принадлежит Ретту Батлеру в исполнении Кларка Гейбла — «Frankly, my dear, I don't give a damn» («Честно говоря, дорогая, мне наплевать»).
Фраза, кстати, до сих пор №1в списке киноцитат по версии Американского института кино
Зрители были шокированы такой «отъявленной» бранью!
Действительно, слово «damn» было под запретом по кодексу. По совпадению или нет, буквально за месяц до выхода фильма, MPAA принимает очередную поправку к кодексу, где разрешает некоторые бранные слова, но только если они служат искусству и являются необходимой чертой в дополнении образа. Быстрый нырок под эту поправку спас создателей фильма от огромных штрафов.
Примерно также все были поражены, когда в 1967 году (через пару месяцев после официальной отмены кодекса Хейса) в кинотеатрах впервые прозвучало слово «fuck» с экрана, в фильме «Улисс», экранизации романа Джойса.
А закрепил успех фильм «M.A.S.H.», в котором «fuck» прозвучало в футбольном матче. Фильм отхватил главный приз в Каннах, чем сразу доказал, что фильм с ругательствами не обязательно будет маргинальным.
Сейчас в Голливуде все просто — делай фильм как хочешь, MPAA потом даст ему возрастной рейтинг. Ругаешься пару раз (и ради искусства) — то рейтинг PG или PG-13 (зависит от настроения комиссии). Ругаешься много и не по делу — рейтинг R.
Это все влияет на то, смогут ли дети (и какого именно возраста) попасть на просмотр фильма.
В нашем прокате все было целомудренно, по понятным причинам. Впервые мат проскользнул в перестроечном кино, считается что первопроходцем был фильм «Маленькая Вера» (1988), в котором помимо мата еще и впервые показали секс на экране.
В 2014 году в РФ был принят закон, по которому мат в кинотеатрах запрещен, что, если честно, очень напоминает голивудскую спираль — от вседозволенности до жесткой цензуры. Будем надеяться, что мы еще доживем до нашего «M.A.S.H.»
Telegram
Одно кино
Как правильно читать титры
#интереное_от_марка
Как-то давно я писал про бест боев, кей грипов и прочие таинственные слова из титров.
Наконец созрела вторая часть, где разберем оставшиеся непонятные вещи из титров — при этом как финальных, так и вступительных.…
#интереное_от_марка
Как-то давно я писал про бест боев, кей грипов и прочие таинственные слова из титров.
Наконец созрела вторая часть, где разберем оставшиеся непонятные вещи из титров — при этом как финальных, так и вступительных.…