Я периодически буду делиться своими мыслями по поводу фильмов о музыке и музыкантах. Сегодня расскажу про фильм «Одержимость» (Whiplash) Дэмьена Шазелла.

Основная мысль фильма: человек, который ломается на полпути к своей мечте — слабый человек. Кино сняли годное, авторы передали дух и настроение музыкальной жизни — трудного, тернистого пути, через который может пройти далеко не каждый.

Тернистый путь главному герою-барабанщику Эндрю Ниману устраивает его наставник, Флетчер. Весь фильм строится вокруг отношений ученика и учителя, который ни разу не одуванчик. Его предыдущий протеже совершил [роскомнадзор].

Истории с наставниками-диктаторами встречаются и в жизни. Например, дирижер Артуро Тосканини (Ла Скала и Метрополитен-опера) тоже дико харрасил музыкантов и семью. На репетициях он ломал смычки, рвал струны, топтал собственные наручные часы и колотил рояли, а после неудачных выступлений запрещал семье ужинать. Могущественный дирижер, он держал в страхе весь музыкальный мир и одним взмахом палочки он мог лишить музыканта карьеры. Прямо как “авада кедавра”, только без зеленых искр и в реальности.

Сейчас так не работают. Наставники и дирижеры не гнобят, а вдохновляют музыкантов. И знаете что? Современные музыканты ничем не хуже своих предшественников, которых держали в ежовых рукавицах. Я считаю, что умный педагог и голоса повышать на способного студента не будет.

В фильме есть один странный момент. Когда главный герой бросает музыку и не занимается где-то год, ему ничего не стоит повторить все за неделю до концерта и сыграть там так круто, как он не играл никогда до этого. Это невозможно. Как невозможно в спорте после года без тренировок завоевать золотую медаль.

Вот единственный нюанс, а остальное мне понравилось, особенно конец. Но спойлерить не буду, посмотрите фильм, если еще не.

Кстати, Дж. К. Симонс (Флетчер) получил Оскар за лучшую мужскую роль второго плана, а парой лет позже режиссер «Одержимости» снимет «Ла-Ла-Ленд» и возьмёт шесть Оскаров #нотыиблокноты

https://www.instagram.com/p/BknRfv8gbzz/?taken-by=pianiste.da

На фото: Артуро Тосканини

Я уже писал, что обучение профессии музыканта занимает 18 лет. Решить, хочешь ты связать себя с миром профессиональной музыки или нет, надо в 15. После 9 класса ты бросаешь школу и идешь в музыкальное училище. Дальше всю жизнь будет так: твои ровесники играют в PlayStation, ты – на рояле.

Для тех, кто решился поступать, расскажу, как готовился и что было на экзаменах.

Подготовка занимает год. Выучи программу досконально, занимайся каждый день по 3 часа, отыграй ее как можно больше раз на концертах и конкурсах. Обычно со специальностью все нормально, но за это время надо подтянуть сольфеджио, теорию и наработать хороший слух.

За месяц до вступительных ты только играешь и спишь (иногда).

Экзамен №1. Специальность
Требования: играть полифонию Баха (прелюдии и фуги), два этюда (не концертных, инструктивных): Черни, Клименти, Машковский. Запрещено играть инвенции, этюды на двойные ноты и октавную технику.
Экзамен проходит в концертном зале. Комиссия из 3–5 человек. Ты сидишь в классе для разыгрывания, потом выходишь на сцену, тебе говорят, что играть. У меня прелюдию спросили целиком, а фугу – первые две строчки. Комиссия все понимает с полуслова.
На что обращает внимание комиссия:
– чистота. Попадание в клавиши
– техничность. Скорость передвижения пальцев по клавиатуре
– соблюдение программы. Не бери простую программу, тут все лучшие.
При поступлении не так сильно смотрят на музыкальность. Ее будут требовать позже от более зрелых музыкантов

Специальность сильно влияет на поступление. После нее отсеивается половина людей. Если ты отыграл отлично, тебя не будут так сильно резать на сольфеджио. Директор старается присутствовать на экзаменах, это единственный человек, который может обратить внимание на потенциал абитуриента.

Экзамен №2. Сольфеджио
а) письменный диктант: запиши ноты на слух
б) слуховой анализ: играют два предложения, тебе нужно сказать за два проигрывания, сколько аккордов, какие их функции и на каких ступенях они строятся.


За день до экзамена
Завтра важный день, но не надо грызть себя и говорить: “Все, если я завтра не облажаюсь, то пойду в дворники”.
Предконцертное волнение – это нормально, но нельзя дать ему завладеть твоими руками. Непосредственно перед выступлением хорошо разыграйся. Чем больше вспотеешь – тем лучше сыграешь. Руки будут слушаться.

Желаю удачи!

https://www.instagram.com/p/Bksga5igjpg/?taken-by=pianiste.da

Каждому рейнджеру нужен верный конь, шляпа и надежный пистолет. Каждому маляру нужна парочка валиков для разных видов стен и краски. Каждому гольфисту нужен целый портфель клюшек для разных целей.

Также каждому клавишнику (тот, кто играет на клавишных инструментах – более широкое понятие, чем пианист) в идеале нужен арсенал инструментов для разных целей. Ниже моё видение идеальной коллекции инструментов для клавишника 80-го левела.

1. Рояль Steinway&Sons 188 см (6 млн руб.) – идеал. Ближайшие два соседа по размеру субоптимальны. Вариант 180 см маловат, что дает недостаточно глубокое звучание в басах. 211 см великоват и слишком громкий, особенно для квартиры:) Ну а ближайших соседей по марке рояля у Steinway&Sons просто нет – это проверенный веками, лучший производитель в мире. Просто must have в арсенале профессионального классического пианиста.

2. Hammond B3 (от 3 млн руб.) – полуаналоговый электроорган с динамиком для вибрато (reverb), Leslie. Это мечта клавишника, который играет махровый виниловый блюз или классический рок (аля deep purple). Несмотря на то, что орган придумали еще в 1935 году, до сих пор его активно юзают крутые музыканты. Послушайте, например, Joey DeFrancesco – лучший современный блюз на хамонде, который я слышал.

3. Rhodes (1 млн руб.) – полуаналоговое электропианино – звук диско и соула 70-х. Prince, Lionel Richie, вообщем любой исполнитель, вызывающий ассоциации “лунный свет”, “озеро”, “звезды”, “леггинсы”, использовал в своих записях этот инструмент. Идеально на нем играть также funk или другой стиль с качающим грувом.

4. Yamaha avant grand (300 тыс. руб.) – цифровое электропианино. На случай, если захочется поиграть классику ночью в наушниках, чтобы не бесить соседей. Единственный цифровой клавишный инструмент в мире, где механика клавиш абсолютно такая же как в фортепиано, но молоточки бьют не по струне, а по металлической пластинке.

5. Kurzweil (150 тыс. руб.) – лучший производитель синтезаторов из всех, что я знаю. На случай, если захочется сыграть хоровую кантату Баха на клавишах или какой-нибудь электротреш со звуком электрогитары.

Вот фотографии инструментов https://instagram.com/p/Bkxq3EAAfQ0/

Как вы видите чем выше “цифровизация” звука тем дешевле инструмент. Можно вообще делать электронную музыку в браузере и бесплатно https://learningmusic.ableton.com/ #нотыиблокноты

Сегодня я расскажу про Сергея Прокофьева (1891–1953), его любовь к шахматам, попытки покорить Америку и непростые отношения с вождями СССР.

1. Любовь к музыке Прокофьеву привила мать. Она играла ему произведения Бетховена и Шопена. Взрослый Прокофьев невзлюбит Шопена и будет насмехаться над теми, кому он нравится. Любимым его композитором станет Бетховен. Правда от Бетховена и Шопена в музыке Прокофьева ровным счетом ничего нет, но об этом в следующих постах.

2. Первым талант Прокофьева отметил Сергей Иванович Танеев – один из самых любимых учеников Чайковского.

3. Прокофьева не взяли в армию во время Первой мировой, поскольку он был единственным ребёнком в семье.

4. Прокофьев был прекрасным шахматистом, участвовал в любительских и профессиональных чемпионатах, даже занимался шахматной журналистикой.
В 1937 году Прокофьев и скрипач Давид Ойстрах устроили шахматный турнир, проигравший давал концерт в Центральном доме работников искусств. Смотрели турнир всей тусовкой культурных работников. Скрипач выиграл с минимальным перевесом 4:3. Пришлось сдувать пыль с рояля.
Сын Ойстраха вспоминал: «Прокофьев и Ойстрах были, вероятно, сильнейшими шахматистами среди музыкантов, не говоря уже, конечно, о том, что навсегда останутся лучшими музыкантами среди шахматистов».

5. После Революции Прокофьев дал два концерта в Японии (не зашли), а потом уехал в Америку. Он думал, что он сможет покорить местную публику, но у них уже был любимец – Рахманинов. П. вернулся в СССР лишь в 1936 году, поэтому счастливо пропустил первую волну террора.

6. П. - лауреат ленинской премии (посмертно) и шести (!) сталинских премий той или иной степени за 7-ю сонату, за 5-ю симфонию и 8-ю сонату, за музыку к 1-й серии фильма «Иван Грозный», за балет «Золушка», за сонату для скрипки и фортепиано, за вокально-симфоническую сюиту «Зимний костёр» и ораторию «На страже мира» на стихи Маршака. Но ему это не сильно помогло.

7. В 1948 году вышло постановление об опере «Великая дружба» Мурадели, в котором формалистическое направление в советской музыке назвали антинародным и ведущим к ликвидации музыки. «Формалистские» произведения Шостаковича, Хачатуряна, Прокофьева, Шебалина, Попова, Мясковского и других запретили исполнять. Через год указ слил Сталин, объявив «перегибом на местах», с 1949 года Прокофьев почти не выезжал с дачи, где писал музыку до самой смерти.

8. Он умер в один день со Сталиным 5 марта 1953 года. Из-за похорон вождя родным было сложно организовать прощание с Прокофьевым, на его могилу не хватило даже цветов. Гроб композитора провожала пара человек.

https://instagram.com/p/Bk2x-wRgvFj/

Здорово, что сохранились видеозаписи с Прокофьевым. В этом архивном видео он рассказывает о произведениях, над которыми работает, и об успешной премьере оперы «Война и мир» в Ленинграде в 1946 году https://arzamas.academy/special/idealtv?v=48

Сергей Прокофьев. 7 соната.

Яркий пример интеллектуального произведения Прокофьева. Соната написана в ритме ⅞. 95% музыки в мире (не только классической) написано в ритме 4/4, еще 3% написано в ритме ¾. Именно поэтому, когда вы слушаете 7 сонату в ритме ⅞, вам кажется, что это и не музыка вовсе. Ваши уши к такому совсем не привыкли, потому что они все время слушали те самые 95% музыки в ритме 4/4 🙂 Про то, как отличить 4/4 от ⅞ обещаю рассказать в одном из следующих постов.

7 соната написана во время Сталинградской битвы. Одно из самых технически сложных произведений Сергея Сергеевича. Он вложил в нее ощущение невероятного наваждения и приближения немыслимого зла – фашистской Германии.

Больше всего мне нравится финал сонаты (3 часть) – кульминация всей сонаты. На последних минутах будто происходит сражение на исходе сил, которое заканчивается триумфальной победой добра над злом.

Третью часть можно послушать по ссылке https://www.youtube.com/watch?v=r3Mo5UE6cNM&t=48s

У музыкантов, как у людей всех профессий, есть свои словечки, истинное значение которых понимают только они.

1. Абсолютник – музыкант с абсолютным слухом, т.е. чувак, который услышав (с закрытыми глазами предположим) какую-то ноту или аккорд, сможет их назвать

2. Переиграть руки – это когда рука получила передоз от количества занятий и репетиций. С переигранными руками ты уже не так крут. Так, например, Александр Скрябин переиграл свою правую руку играя "Исламей" Балакирева.

3. Комкать – это когда играешь очень быстрый пассаж, зажевывая при этом некоторые звуки. Чаще всего эта проблема возникает, когда недостаточно много репетировал.

4. Гармошка – урок Гармонии. Гармония это предмет (или даже наука) о логических взаимосвязях между различными звуками или сочетаниями звуков. Знаешь гармонию – понимаешь, почему то или иное звучит хорошо / плохо.

5. Пропеть мелодию – сыграть мелодию так, чтобы последовательные ноты, из которых она состоит, как бы “соединились” в единую фразу. Больше всего просят пропеть произведения короля мелодий, Шопена.

Больше музыкальных терминов и сленга ждет вас в следующих постах 🙂

https://instagram.com/p/BlDrshTALQn/

Сегодня мы с помощью двух пластиковых бутылок, карандаша, ластика и нот покажем, как разучивать музыкальное произведение.

Если коротко, разучивание ты учишь ноты, разбираешь все пальцы и ключевые знаки. Любое музыкальное произведение учится по одной и той же схеме.

I. Пробегаешься глазами по тексту, смотришь на насыщенность фактуры (количество нот в одном такте) и оцениваешь сложность произведения.

В школе я хотел выучить какие-то заоблачные произведения, но когда открывал ноты, желание сразу пропадало, потому что такое количество дикостей и такое количество нот, ты не можешь обуздать. Поэтому ты говоришь себе: «ну ладно, время придет», спускаешься на ступеньку ниже и учишь произведения полегче.

II. Пытаешься прочитать произведение. Смотришь в ноты и в медленном темпе, соблюдая ключевые знаки, медленно продвигаешься по произведению. Можно учить кусками. Я карандашом себе отмечаю куски, которые за день должен нормально разобрать. Если на следующий день я играю его более-менее, иду дальше. И так потихоньку до конца.

Есть два способа читать произведение.
1. Можно учить каждую руку по отдельности: сначала партию правой руки, потом левой, потом объединяешь, но это слишком долго. Учебе с отдельных рук учат в музыкальной школе. Я этим способом почти не пользуюсь, потому что хочу выучить произведение как можно скорее.
2. Я сажусь и сразу двумя руками пытаюсь сыграть. Этот скил понадобится в училище на концертмейстерском классе, когда надо будет сразу читать трудные произведения.

III. После всего этого начинается этап средней скорости. Я люблю, конечно, погонять на еще сырых произведениях, но делать этого, конечно же, не стоит. Если ты не второй Мацуев или Березовский, то есть большая вероятность зажать / переиграть руку.

IV. Выучил произведение – молодец. Теперь начинается миллион загонов насчет звука, содержания, акцентов, штрихов, крещендо, динамики. Ты понимаешь, что скрупулезно разбирать текст было в сто раз интереснее и легче.

Лайфхак.
У тебя при разборе обязательно должны быть карандаш и ластик. Записывай, какие ноты играешь какими пальцами, чтобы потом не было никакой бесовщины с пальцами.

В чем суть пальцев? Бывает, что перед концертом у тебя заплетаются руки и ты не можешь сыграть какой-то пассаж. Это происходит, потому что ты каждый раз меняешь пальцы: один раз так взял, другой – по-другому. В итоге руки функционируют как попало. Так нельзя. Особенно это касается крышесносных произведений, таких как Мефисто вальс Листа. Там только пальцы и надо соблюдать, чтобы выжить. Лучше выучить один раз, чтобы потом на сцене не волноваться.

Также надо обозначать ключевые знаки. Если ты где-то не берешь диез или бемоль и каждый раз, играя одно и то же место, продолжаешь его не брать, то снова берешь карандаш и рядом с этой нотой пишешь ее же жирно. И говоришь себе, что теперь, если ты не будешь брать эту ля бемоль, ты придурок.

Самые трудные композиторы по разбору – современные. Например, Родион Щедрин с его концертами. Это же невозможно выучить. Как это Екатерина Мечетина учит, я не знаю. Даже Мацуев его по нотам играет. Это невозможно играть наизусть. Там понапихано черт знает что. Самые легкие композиторы – романтики и классики. Барокко с полифонией очень трудно учится. Человеку нужно иметь очень хорошую память.

Музыкальная школа развивает память очень хорошо. В училище ты дальше ее развиваешь. Нас обязательно заставляют учить и сдавать стихотворения.

Дальше, если произведение входит в твою программу, ты выступаешь с ним перед аудиторией. Это нужно для психологического спокойствия, чтобы ты понимал, что ты это произведение уже много раз играл и чувствовал себя как рыба в воде #нотыиблокноты

https://instagram.com/p/BlJDgNjA8sL/

Я бы назвал Прокофьева математиком в музыке, потому что его произведения трудны для восприятия широкой аудитории, однако являются бесконечной кладезью для тех, кто наконец разобрался, как нужно их слушать. Если хочешь научиться слушать П. и получать при этом бурю эмоций, мой совет – просто слушай много и часто:)

П. – композитор, относящийся наполовину к эпохе романтизма, и наполовину к эпохе советской классики/модернизму. Хотя принято считать Рахманинова последним романтиком, романтический очерк (аля мелодичность музыки) у Прокофьева присутствует аж до 5 сонаты.

Перелом прокофьевского звука начался с 6 фортепианной сонаты. С этого момента он начал относится к фортепиано не как к клавишно-струнному инструменту, а как к клавишно-ударному: во всех его поздних сонатах присутствует стучащий звук. В 6 сонате даже есть удар кулаком :)

Несмотря на сложность и интеллектуальность музыки, П. был достаточно производителен в своей работе. Написал 11 опер, 7 балетов, 7 симфоний, 8 инструментальных концертов (5 из которых написано для фортепиано), 9 фортепианных сонат, оратории, кантаты, камерные, вокальные сочинения и др.

https://instagram.com/p/BlNuGhpAyAf/

Ну и fan fact: именно этой сонатой с ударом кулаком Святослав Рихтер дебютировал 26 ноября 1940 года в Малом зале Московской консерватории. Прям как с ноги открыл. Видео нет, но вот запись 1956 года, на которой Рихтер играет Шестую сонату и к ней очень подходящая фотография. Кулак на 4:17 и дальше

https://www.youtube.com/watch?v=h--n70brr80&t=593s

Я уже пару месяцев пишу о композиторах. Сегодня настало время рассказать, что же общего между музыкой этих композиторов. А общее в их музыке ровно то, что ее можно отнести к романтической, а композиторов к романтикам. Давайте разберемся, что значит романтизм в музыке. В основе романтизма лежат, на мой взгляд, 2 составляющие:

1. Отрицание любых принятых норм. Композиторы-романтики стали впервые “забивать” на гармонические и структурные требования к музыке, сформированные в период классицизма.

– Они стали игнорить правила “стандартных форм”. Например, стали называть сонатой чуть ли не любое произведение для фортепиано длиннее 15 минут :) При том что требования к сонатной форме были четко “зарегламентированы” в период Моцарта и Гайдна, но об этом поговорим позже.

– У ребят романтиков считалось, что собственные произведения не могут даже близко напоминать друг-друга. Каждое произведение должно быть абсолютно уникальным. Приведу пару примеров. Классик Гайдн написал 104 симфонии (для меня почти все они одинаковые), а Романтик Чайковский – 6 симфоний, каждая из которых совершенно “новая”. Моцарт написал 27 концертов для фортепиано с оркестром (на мой взгляд, поддаются осмысленному восприятию только концерты начиная с 20го), Рахманинов – 4 (каждый из которых – шедевр, максимально узнаваемый в мире)

2. Программность музыки. Впервые музыка стала использоваться для изображения конкретных сюжетов, чувств, событий. То есть музыка стала программироваться, отсюда и название – программная музыка. В период классицизма музыка носила абсолютный характер, т.е. автор в явном виде не закладывал, во что именно слушателю надо вслушиваться. В период романтизма музыка стала считаться инструментом, способным передать суть любого сюжета зачастую лучше чем изобразительное искусство или литература. Ярким примером программной музыки являются “Ромео и Джульетта” Чайковского, “Фантастическая симфония” Берлиоза, “Времена года” Чайковского.

Отдельно про виды программности поговорим в следующих постах

https://instagram.com/p/BlVrrPtFDr4/

Помимо веселых и не очень фактов из жизни композиторов, я буду иногда рассказывать про теорию музыки. Начнём с простого теоретического объяснения сонатной формы на мишках харибо.
⠀
В сонатах может быть и четыре части, а может две (как в 27 сонате Бетховена). Но я беру обычный трёхчастный строй сонаты, мудрить пока не будем 🙂 Каждая часть уникальна и важна по-своему, пройдемся сначала по ним, а потом я объясню, как соната эволюционировала из классицизма в романтизм.
⠀
I. Первая часть сонаты (самая "зарегламентированная" из всех) состоит из трёх частей: экспозиции, разработки и репризы (первая, вторая и третья пары мишек, соответственно). Экспозиция. Она передает характер и дух всей первой части через знакомство слушателя с основной мелодией в "базовой" тональности.
Разработка. В ней может содержаться противоположный экспозиции смысл произведения. Например, он может быть более лирический или более пламенный.
Реприза. В ней смысл сонаты возвращается к экспозиции, но, композитор может специально уйти в другое тональное русло, например, в 7 сонате Бетховена в экспозиции побочная партия в си миноре, а в разработке в ми миноре.
⠀
II. Вторая часть.
Обычно противопоставляется первой и третьей части. Как говорил Генрих Нейгауз про вторую часть 14 сонаты Бетховена "цветок меж двух бездн".
⠀
III. Третья часть.
Финал композиторы обычно делают быстрым и эффектным, но и тут есть исключения, вспомним финал 17 сонаты Бетховена.
⠀
Сонатная форма в четких своих границах и правилах существовала в период венских классиков (Бетховен, Гайдн, Моцарт), но Бетховен начал развивать сонатную форму и добавил туда романтический окрас и изобретательность. Он открыл ворота в эпоху романтизма: начал писать более свободно, более страстно и более темпераментно (вспоминайте прошлый пост про музыку романтиков) #нотыиблокноты

https://instagram.com/p/BlbBRwqlLpM/

Фридерик Шопен – еще один композитор трудной судьбы. Вот пара фактов из биографии, за которые его можно считать польским Дэвидом Боуи XIX века.

1. Шопена считают поляком. Это, конечно, правильно, но у него были и французские корни. Его отец Николя Шопен, учитель французского языка, в юности переехал в Польшу.

2. Шопен был очень ранимой натурой (прям как Скрябин). Ранимость и чувствительность оставила большой отпечаток на его творчестве. Он писал музыку лишь в переизбытке ЧУВСТВ. И передать эти чувства – самая трудная задача во время исполнения его произведений.

3. В 1837 Шопен начал чувствовать боль в лёгких. Не сразу было понятно что с ним, но потом выяснилось, что туберкулёз.

4. Помните Жорж Санд и ее отношения с Листом? Так вот, Шопен женился на ней. За 10 лет совместной жизни болезнь Шопена и количество стервозных выходок писательницы прогрессировали. В 1847 году они расстались.

5. А с Листом Шопен дружил до конца жизни. Лист даже написал книгу о друге. Из всего написанного творческими людьми о творческих людях вряд ли найдется еще книга, в которой бы с такой любовью, преданностью, проницательностью и откровенностью один гений высказался о другом.

6. В 1848 году Ш. “уедет жить в Лондон”, где будет давать концерты и уроки. Эта поездка станет для него последним туром.

7. Вскоре после возвращения в Париж осенью 1849 года Шопен умирает. В завещании он просит похоронить его сердце в Польше и заказывает плейлист на свои похороны: «Реквием» Моцарта и его собственную прелюдию № 4 (ми-минор).

Несмотря на то, что последние пункты списка в целом выглядят как: гроб, гроб кладбище, Шопен, давайте закончим на хорошей ноте. Ну, попытаемся.

8. Последний концерт Шопена состоялся 16 ноября 1848 года и имел успех. Так что умер он молодым, но знаменитым. Настоящая рок-звезда. Проводить Шопена съехалась вся культурная тусовка Европы #нотыиблокноты

https://www.instagram.com/p/Blf-QKWlJsq/?utm_source=ig_share_sheet&igshid=18pad10rg5eza

Фредерик Шопен. Этюд 10 оp. 25

По характеру этюд отличается от других своим мраком. Мой учитель даже сравнивает его с “Сонатой по прочтении Данте” Листа.

Начинается этюд сразу с хроматических интонаций октав и идёт по возрастающей, пока не доходит до драматического тонического аккорда (про виды аккордов поговорим отдельно потом).

“Середину” каждый представляет себе как-то по-разному. По мне ее характеризуют 3 слова: мир, свет, любовь (вот щитъ, до чего ж банальщина, но это реально так). И вот кажется, что середина будет продолжаться и продолжаться, но неустойчивый соль бекар возвращает нас обратно в круговорот аккордов и в основную си-минорную тональность.

“Середина”, кстати, написана в си-мажоре. Минута теории: мажорные и минорные тональности одного и того же названия (как до-мажор и до-минор и тд.) называют одноименными.

Техническая сложность этюда в том, что он написан на крупную технику: то есть октавы очень трудно даются людям с маленькими ладонями и короткими пальцами. Если пианисту тяжело осилить такой вид техники, считайте, что в этом случае половину из возможного репертуара он просто не сыграет:(

https://youtu.be/2Z28Tfh3Nxc

В чем разница между консерваторией и филармонией?

С консерваторией все просто – это высшее музыкальное учебное заведение. Филармония – это экосистема/платформа, цель которой – просвещать общество.

Экосистема филармонии может состоять из 3 элементов: композиторы, исполнители, концертные залы. Объединяя эти элементы филармония добивается цели – просвещает слушателя.

Интересный факт. Большой зал Московской консерватории является одним из концертных залов Московской филармонии, несмотря на то, что фактически принадлежит Московской консерватории.

Все околомузыкальные термины теперь буду складывать по хештегу #словарь_да #нотыиблокноты

https://instagram.com/p/BlvbSo8lQpy/

Профессионалы выделяют двух самых трудных композиторов: это Шопен и Моцарт. О Моцарте мы поговорим позже, а пока разберёмся с шопеновским звуком и тем, как правильно исполнять его произведения.

Сложность шопеновского звука в том, что в нем нет страсти. От слова совсем. Некоторые поддаются ложной иллюзии того, что Шопен был композитором очень страстным. Это композитор исключительно чистых и благих помыслов 👼🏻

Вы в жизни не найдёте более трудного занятия, чем поиск того самого "шопеновского" звука. Даже если не брать в счёт техническую сложность. Когда я играл 1 балладу, я оказывался в совершенно тесных рамках возможностей в плане динамики. Слишком большой перебор звука — грубо. Game over. Слишком тихо — проваливаются клавиши. Game over. Золотую середину искать оооооочень долго и сложно.

Учителя и музыковеды не пришли к единому мнению насчет того, как должна звучать его музыка. Это как с окрошкой: на кефире или на квасе. Каждый будет считать, что его точка зрения более верная, более убедительная, более "шопеновская". Вы наверняка скажете, что с другими композиторами то же самое и будете частично правы: сколько музыкантов, столько же и мнений, но таких разногласий, какие возникнут при игре Шопена, вы не услышите больше ни у какого композитора.

Простой пример — 7 соната Прокофьева. Каждый может играть её совершенно по-своему, поскольку музыка это позволяет. Очень пламенно, темпераментно, жестко, местами грубо (да, в Прокофьеве это разрешено). Но любое произведение Шопена «жюри» разложит по косточкам. Я знаю только двух людей, к чьему исполнению Шопена не придираются — это Султанов и Рихтер, у них потрясающий дар.

С Шопеном, кажется, все. Дальше по алфавиту Шуман #нотыиблокноты

https://instagram.com/p/Bl0lHO0lwLe/

Топ-3 моих любимых исполнений Шопена:
Фредерик Шопен. Скерцо №2. Алексей Султанов https://youtu.be/DbhunEaFAAE
Фредерик Шопен. Скерцо №3. Алексей Султанов https://youtu.be/h_CRYA9c0OI
Фредерик Шопен. Баллада №4. Святослав Рихтер https://youtu.be/20R2y6VSxN4

Педали. В классическом рояле их обычно две: г̶а̶з̶ ̶и̶ ̶т̶о̶р̶м̶о̶з левая и правая.

Левая педаль. Нажимая ее, получаем звук тише и тоньше. Это происходит за счет сдвига клавиатуры и молоточков на несколько сантиметров вправо. В результате молоточки бьют по одной струне вместо 3-х (да, каждая нота в собирается из трех струн, кроме басов). Такой тип взятия педали в нотах обозначается как una corda (одна струна).

Правая педаль (sostenuto). Поднимает демпферы (мягкие подушечки) над струнами и удлиняет звук. Если очень сильно нажать на клавишу, он продлится аж 20-25 секунд. В нотном тексте обозначается надписью Ped.

Педаль обычно берётся на вкус исполнителя. В музыкальных школах, как правило, до четвертого класса не дают брать педали, чтобы ощущение музыкального вкуса не искажалось и не портилось.

Постепенно музыкант становится профессионалом и лучше чувствует, как брать педаль. В конечном итоге нога сама будет автоматически подстраиваться под ваши руки. Да, звучит мистически, но это так: во время исполнения мозгам вообще не до педали, и нога сама себе хозяин.

Когда вы разучиваете произведение, заниматься нужно без педали. Так пианист не будет «замазывать» произведение. Ведь, по сути, педаль служит украшением музыки, а не инструментом, маскирующим технические недочеты. Александр Зилоти (дядя Сергея Рахманинова) говорил, что педаль – душа рояля. Во время работы над сложными произведениями, например, 4 или 23 этюды Шопена, педаль может только усугубить ситуацию, так как вы «замазываете» трудные технические пассажи произвольным нажатием клавиш.

Еще есть третья педаль (посередине). Она служит для оглушения звука. Между молоточками и струнами располагается специальная ткань (на ощупь похожая на бархат): звук гасится, поскольку молоточки бьют по струнам через этот самый материал. Очень полезно, если у вас злые соседи 🙂 #нотыиблокноты

https://instagram.com/p/Bl5vhhuFacA/

Сегодня будет коротко, но красиво. Ловите мой личный рейтинг 10 лучших концертных залов со всего мира (фотографии расположены по возрастанию). Это залы, в которых мечтает играть каждый пианист. Если перейдете по ссылкам, сможете погулять по Google-панорамам залов. Они есть почти у всех мест, можно надолго залипнуть.

10. Rudolfinum. Концертный зал Рудольфинум (Прага, Чехия)
goo.gl/uymWLt

9. Royal Albert Hall. Альберт Холл (Лондон, Великобритания)
goo.gl/vDynkr

8. Концертный зал им. Арама Хачатуряна (Ереван, Армения)
goo.gl/2h6ua9

7. Koninklijk Conservatorium Brussel – Концертный зал Брюссельской консерватории (Брюссель, Бельгия)
goo.gl/L1GQPw

6. Gewandhaus — Гевардхаус (Лейпциг, Германия)
goo.gl/3dMU7W

5. Renée and Henry Segerstrom Concert Hall (Коста Месса, США)
goo.gl/FD2CDk

4. Sydney Opera House — Концертный зал Сиднейской оперы (Сидней, Австралия)
goo.gl/ZuiVm5

3. Warsaw Philharmonic. Концертный зал Варшавской консерватории. (Варшава, Польша)
Он считается одним из лучших потому что там проходит международный конкурс имени Фредерика Шопена
goo.gl/TYWzed

2. Большой зал Московской консерватории (Москва, Россия)
Большой зал консерватории считается одной из лучших по двум причинам: в зале 1737 мест и здесь проходит международный конкурс имени Чайковского.
goo.gl/G1t7A1

1. Ну и конечно же Carnegie Hall (Нью-Йорк, США)
Карнегги-холл считается легендарной сценой для исполнителей. Здесь проходит конкурс Вэна Клайберна. Зал вмещает 2804 гостя.
goo.gl/Kgy8iz

Фотографии можно посмотреть тут https://www.facebook.com/625747314425315/posts/675111989488847/

Кажется, композиторы с нормальными судьбами закончились. Сегодня мы в этом убедимся на примере пары фактов из биографии Роберта Шумана.

1. Родился 8 июня 1810 года в Цвиккау (современная Германия). Пока все нормально.

2. Учителем Шумана был Фридрих Вик. Он верил, что Шуман покорит все концертные залы Европы и станет потрясающим пианистом. А вот тут начинается.

3. С концертной жизнью у Шумана не сложилось, а вот покорить дочь учителя – пианистку Клару Вик – ему удалось. Ее талантом восхищался Иоганнес Брамс, который был младше на 14 лет, но до конца жизни обожал её. Также с ней кокетничал Ференц Лист. Куда же без Листа. В общем, все сложно было.

4. Но вернемся к музыке. Руки композитора не позволяли ему играть произведения с широкими аккордами и интервалами, поэтому он занимался биохакингом и к 20 годам заработал паралич среднего и указательного пальцев. Есть несколько версий, как он получил эти увечья.

5. Первая версия. Ш. переусердствовал с тренажером для расширения рук. Тренажёр представлял собой специальный механизм с веревкой, крепившийся к потолку. На конце верёвки было колечко, в него надо было совать палец и делать движения вверх и вниз.

6. Вторая версия. Шуман пытался увеличить себе руки и вырезал ножом перепонки на ладонях. Руки в итоге были изуродованы, но остались прежних размеров. Однако эту версию не подтверждает Клара Вик.

7. В 23 Шуман начинает страдать душевной болезнью, но некоторые считают, что ментальные проблемы у него с рождения.

8. Он лечился, но периоды просветления сменялись кризисами. В 44 Шуман пытался покончить жизнь самоубийством, сиганув в Рейн. Его спасли и посадили в психиатрическую лечебницу. Там он пробыл два года до своей смерти 29 июля 1856 года.

9. Клара Вик осталась одна с восемью детьми и содержала свою семью. Она стала одной из самых выдающихся пианисток эпохи романтизма, влиятельным учителем, композитором и дожила до 78 лет. Ее похоронил Брамс, который умер через 11 месяцев.

Надеюсь, Netflix когда-нибудь снимет сериал про запутанную жизнь европейской богемы XIX века, а пока я буду рассказывать вам эти истории в блоге #нотыиблокноты

https://instagram.com/p/BmDyqubF9ow/

Сегодня я расскажу об одном из двух моих любимых пианистов – Алексее Султанове.

1. Он родился 7 августа 1969 года в Ташкенте в узбекско-русской семье известных музыкантов.

2. Его отдали на струнное отделение, но очень скоро он сломал скрипку пополам, ударив об угол стола, и заявил, что хочет играть только на фортепиано.

3. Характер у Султанова был, как у Шелдона из Теории большого взрыва, – невозможный. Нежелание подчиняться кому-либо делало работу с ним сложной, но Алексею повезло с учителем. Он поступил в Московскую консерваторию в класс Льва Наумова – одного из лучших учеников Генриха Нейгауза (учителя Святослава Рихтера). Наумов понимал, что в Алексее кипит невероятная сила, которую не имел ни один пианист, эта сила иначе называется темпераментом.

4. В 16 лет Султанов принял участие в конкурсе Чайковского 1986 года, где прошел во второй тур. На репетиции он уронил крышку рояля на мизинец и сломал его. В день конкурса ему кололи обезболивающее, но его действия хватило всего на 20 минут. Султанова не пустили в финал, решив, что тот погубит палец.

5. Начался призывной возраст, С. ушел из консерватории и уехал в Америку, понимая, что армия погубит его талант. Там он выиграл конкурс имени Вана Клайберна 1989 года – это был старт его гастрольной жизни. Он дал 400 концертов за два года.

6. Особенную любовь С. питал к Шопену. В 1995 году он участвовал в конкурсе Шопена. В финале С. гениально сыграл второй концерт Шопена. Ему вручили II премию, а I премию не присудили никому. С. был в ярости от этого решения и отказался брать приз.

В этом же году у 26-летнего Султанова случился первый инсульт.

7. В 1998 году он участвовал в конкурсе Чайковского. Запись второго тура этого конкурса, где он играет 7 сонату Прокофьева, стала легендарной: зал аплодировал ему 20 минут, но жюри посчитало слишком вольной трактовку сонаты и не пустило С. в финал.

Как говорят, кое-кто из жюри специально поставил Султанову низкий бал. Этим кем-то был Сергей Доренский – учитель Дениса Мацуева. Мацуев играл на этом конкурсе вместе с С., вот только он прошёл в финал, а С. – нет. Поднялся жуткий скандал в СМИ: говорили, что конкурс Чайковского скурвился.

8. В 2001 году у Султанова случился второй инсульт и парализовал левую сторону тела. Партию левой руки ему помогала исполнять жена – виолончелистка Даце Абеле. Алексей шёл на поправку, левая часть вроде начинала работать, но в 2005 году Алексей скончался.

Умер Алексей Султанов в 35 лет. Я искренне жалею, что этого гения нет в живых.

https://instagram.com/p/BmLwNfrlSi7/

Алексей Султанов. Сергей Прокофьев. Соната №7 https://youtu.be/MafjPNmxeCo
Алексей Султанов. Фридерик Шопен. Концерт №2 https://youtu.be/MIbkAyp3ksY

Это должен был быть пост про Топ-5 лучших музыкальных заведений мира, но пяти я не насчитал, поэтому Топ-4 лучших музыкальных заведений мира. Поехали.

4. Парижская консерватория. Окончили её два ведущих представителя музыкального импрессионизма: Морис Равель и Клод Дебюсси, а также величайший пианист современности – Аркадий Володось.

3. Санкт-Петербургская консерватория. В число величайших выпускников входят Сергей Прокофьев и Дмитрий Шостакович. Ну и не стоит забывать про легендарную "Могучую кучку".

2. Джульярдская школа (США). Много пианистов-виртуозов прошло через эту школу, например, победитель первого международного конкурса Петра Чайковского - Ван Клайберн или современный пианист - Вазген Вартанян.

Aaaand 12 points goes to Московская консерватория. Объективно, она дала нам не только огромное количество гениев: Сергей Рахманинов, Александр Скрябин, Святослав Рихтер, Эмиль Гилельс, но и несколько величайших педагогов: Генрих Нейгауз, Константин Игумнов и Александр Гольденвейзер #нотыиблокноты

https://instagram.com/p/BmQ5pDuFc95/

Помимо Султанова на свете была еще парочка годных пианистов. Сегодня расскажу про Дьердя Цифру – венгерского пианиста цыганского происхождения.

1. Он родился 5 ноября 1921 года в Будапеште.

2. Такой техники, какую имел Дьердь Цифра, не имел никто из классических пианистов никогда кроме Рахманинова, Листа и Рихтера. Его даже наградили премией Ференца Листа за его виртуозность.

3. В 9 лет Цифра поступает в академию музыки Ференца Листа. Нормальных людей берут туда в 14–18, а Цифру взяли в 9 (!).

4. Теперь самая тяжёлая часть его жизни. В 1941 году начинается Великая Отечественная война. Цифра был призван в фашистскую армию. Немцы очень любили отправлять цыган и евреев на поле битвы с советскими солдатами и при этом держать в заложниках их семьи, чтобы они не бежали с поля боя.

5. Цифра был сначала пехотинцем, а потом танкистом. Он бежал оттуда, став единственным выжившим из своего батальона.

6. В 1947 году он возвращается в Венгрию. Подрабатывал в барах, чтобы содержать свою семью, но в 1950 году его арестовывают по политическим мотивам.

7. В тюрьме с Цифрой творили жестокие и кощунственные вещи. Ему ломали пальцы, давали тяжкую работу для рук, пытали.

8. В 1953 году его освободили и ему понадобилось немало времени, чтобы восстановить нормальную работу кистей и пальцев.

9. Все это не помешало ему выиграть международный конкурс Ференца Листа в 1955 году в Будапеште.

10. Сына Цифры тоже звали Дьердь. Он был дирижером, родился в 1941 и умер в 1981 году. Умер он во время пожара, Цифра был настолько потрясён смертью сына, что после его кончины больше никогда не не работал с оркестрами.

11. Умер Цифра в возрасте 72 лет (17 января 1994 года). Его мучал рак лёгких, но умер он от сердечного приступа.

Вот такая вот судьба была у этого пианиста. Мучительная.

https://instagram.com/p/BmWA8hoFRt_/

На фото два Дьердя Цифры: старший и младший