Михаил — основатель артизанального проекта TCHUR (IG: @tchur1917).
Уже более года он работает над исследовательской практикой на стыке одежды, образа и культурной памяти.Через вещи и визуальные образы проект показывает, как современный человек мог бы представлять людей, живших в начале XX века, если бы потреблял иной информационный поток — отличный от привычного нам контента и нарратива.
Таким образом TCHUR поднимает вопрос о том, что визуальная память о прошлом неизбежно искажается современными интерпретациями. Восприятие истории часто строится на архетипах и стереотипах, формируемых нарративами и культурным багажом страны, в которой живёт человек. Продолжая воспроизводить эти схемы, общество рискует утратить связь с подлинностью прошлого.
Творческий метод проекта — исследование российского культурного кода через намеренно хаотичное смешение искусства, литературы, христианства, визуальной хроники, мифа, фольклора и особенностей одежды того времени с последующим преобразованием этих источников в единый эстетический и визуальный образ. Михаил не создаёт вещи изолированно: он сначала создаёт персонажа, чьи культурные характеристики определяют его наряд.
Хронотоп: Россия конца XIX века — первая половина XX века. Важную роль играет работа с материей. Тщательно подобранные ткани и способы обработки позволяют передать ощущение «покинутости» и «забытости» изделий — словно они пролежали нетронутыми десятки лет, но при этом сохраняют отблеск ушедшей эпохи.
При создании вещей используются натуральные старинные ткани, приобретённые на аукционах и блошиных рынках, а также deadstock-материалы и ткани от небольших кустарных ткацких мастерских. Все ткани проходят обработку: выстирывание, вытравливание цвета кислотами или солнцем, натуральное крашение, механическое воздействие, варку и т. д.
Отдельное место занимает ручной пошив. В начале XX века ещё не существовало унифицированных «промышленных» методов производства одежды: каждое портновское ателье имело собственный набор техник и методику сборки изделия.
Поэтому в TCHUR принципиально важно, как именно изготовлена вещь — проект опирается на поиск и переосмысление оригинальных приёмов ручной обработки и сборки. Наглядный пример — шерстяная ряса, которая на 70% пошита вручную.
Уже более года он работает над исследовательской практикой на стыке одежды, образа и культурной памяти.Через вещи и визуальные образы проект показывает, как современный человек мог бы представлять людей, живших в начале XX века, если бы потреблял иной информационный поток — отличный от привычного нам контента и нарратива.
Таким образом TCHUR поднимает вопрос о том, что визуальная память о прошлом неизбежно искажается современными интерпретациями. Восприятие истории часто строится на архетипах и стереотипах, формируемых нарративами и культурным багажом страны, в которой живёт человек. Продолжая воспроизводить эти схемы, общество рискует утратить связь с подлинностью прошлого.
Творческий метод проекта — исследование российского культурного кода через намеренно хаотичное смешение искусства, литературы, христианства, визуальной хроники, мифа, фольклора и особенностей одежды того времени с последующим преобразованием этих источников в единый эстетический и визуальный образ. Михаил не создаёт вещи изолированно: он сначала создаёт персонажа, чьи культурные характеристики определяют его наряд.
Хронотоп: Россия конца XIX века — первая половина XX века. Важную роль играет работа с материей. Тщательно подобранные ткани и способы обработки позволяют передать ощущение «покинутости» и «забытости» изделий — словно они пролежали нетронутыми десятки лет, но при этом сохраняют отблеск ушедшей эпохи.
При создании вещей используются натуральные старинные ткани, приобретённые на аукционах и блошиных рынках, а также deadstock-материалы и ткани от небольших кустарных ткацких мастерских. Все ткани проходят обработку: выстирывание, вытравливание цвета кислотами или солнцем, натуральное крашение, механическое воздействие, варку и т. д.
Отдельное место занимает ручной пошив. В начале XX века ещё не существовало унифицированных «промышленных» методов производства одежды: каждое портновское ателье имело собственный набор техник и методику сборки изделия.
Поэтому в TCHUR принципиально важно, как именно изготовлена вещь — проект опирается на поиск и переосмысление оригинальных приёмов ручной обработки и сборки. Наглядный пример — шерстяная ряса, которая на 70% пошита вручную.
❤🔥36👎14❤13
Айшат Саидова — молодой дизайнер. Недавно окончила профильное обучение и сейчас работает как независимый автор. За последние годы она сделала несколько коллекций. Часть из них появилась во время учёбы, часть уже после. В каждой она пробует новые темы и постепенно собирает свой визуальный язык.
Её вещи находятся на границе между арт-объектом и одеждой для жизни. Они не существуют отдельно от тела. У них есть вес, плотность, конструкция. Они раскрываются в движении, в сочетаниях, в прикосновении к материалу. Здесь важнее всего форма, крой и сборка. Декор не играет главную роль. Силуэт становится способом зафиксировать состояние, а не просто сделать «красиво» или «модно».
Эта коллекция посвящена иллюзии восприятия. Тому, как мы считываем форму, структуру и цельность. В центре внимания момент, когда вещь перестаёт быть однозначной, а образ теряет устойчивость. Иллюзия появляется через полоску, клетку и вязальные техники. Они смещают пропорции, размывают границы силуэта и дают ощущение нестабильности.
Процесс был интуитивным и исследовательским. Отправной точкой каждый раз становился материал. Он задавал конструкцию, логику кроя и финальный вид изделия. Айшат работает со сложной сборкой, деконструктивным кроем и экспериментами с фактурой. Часто использует переработанные элементы и вещи, задействованные повторно. Они встраиваются в новую форму как часть конструкции, а не как декоративная цитата.
Многие изделия могут менять характер в ношении. За счёт формы, смены пропорций, работы света и тени, нюансов цвета. Эти изменения не всегда заметны на статике, но хорошо читаются в движении.
Визуально проекты тяготеют к строгим, собранным формам. Коллекции часто выстроены по принципу градации от светлого к тёмному или наоборот. Это усиливает ощущение ритма и движения внутри серии. Палитра в основном монохромная, с редкими цветовыми вмешательствами. В подаче важны форма, объём и поверхность. Съёмка и стилизация не «кричат», а поддерживают вещь. Они помогают увидеть конструкцию и материал без лишних эффектов.
В основе её работы всегда материал и способы обращения с ним. От ремесленных техник до авторских приёмов обработки ткани, создания объёма, текстур и деформаций. Её задача делать вещи, которые остаются одеждой, но при этом работают как самостоятельный визуальный объект.
Её вещи находятся на границе между арт-объектом и одеждой для жизни. Они не существуют отдельно от тела. У них есть вес, плотность, конструкция. Они раскрываются в движении, в сочетаниях, в прикосновении к материалу. Здесь важнее всего форма, крой и сборка. Декор не играет главную роль. Силуэт становится способом зафиксировать состояние, а не просто сделать «красиво» или «модно».
Эта коллекция посвящена иллюзии восприятия. Тому, как мы считываем форму, структуру и цельность. В центре внимания момент, когда вещь перестаёт быть однозначной, а образ теряет устойчивость. Иллюзия появляется через полоску, клетку и вязальные техники. Они смещают пропорции, размывают границы силуэта и дают ощущение нестабильности.
Процесс был интуитивным и исследовательским. Отправной точкой каждый раз становился материал. Он задавал конструкцию, логику кроя и финальный вид изделия. Айшат работает со сложной сборкой, деконструктивным кроем и экспериментами с фактурой. Часто использует переработанные элементы и вещи, задействованные повторно. Они встраиваются в новую форму как часть конструкции, а не как декоративная цитата.
Многие изделия могут менять характер в ношении. За счёт формы, смены пропорций, работы света и тени, нюансов цвета. Эти изменения не всегда заметны на статике, но хорошо читаются в движении.
Визуально проекты тяготеют к строгим, собранным формам. Коллекции часто выстроены по принципу градации от светлого к тёмному или наоборот. Это усиливает ощущение ритма и движения внутри серии. Палитра в основном монохромная, с редкими цветовыми вмешательствами. В подаче важны форма, объём и поверхность. Съёмка и стилизация не «кричат», а поддерживают вещь. Они помогают увидеть конструкцию и материал без лишних эффектов.
В основе её работы всегда материал и способы обращения с ним. От ремесленных техник до авторских приёмов обработки ткани, создания объёма, текстур и деформаций. Её задача делать вещи, которые остаются одеждой, но при этом работают как самостоятельный визуальный объект.
🔥41👍15💯10
Лекторий о моде: три лекции, которые погрузят вас в индустрию
— это шанс лично познакомиться с призерами конкурса New Cut
17 января | Москва | галерея Arbuzz
В билет за 3000 ₽ входит:
• вход на экспозицию и возможность общения с призёрами
• участие во всех трёх лекциях и мастер-классе
• Q&A с лекторами
В программе:
София Маржеловна — о Martin Margiela: мифы о дизайнере, приемы гениальности и мастер-класс по созданию подиумного украшения;
Екатерина Бублик — как научиться «читать» коллекции и видеть смысл брендов;
Валерия Лерок — мода как дневник поколений, core-культура, эстетики и цифровые микротренды.
Лекторий – это живой разговор о том, что сегодня определяет эстетику, тренды и культурные смыслы в моде.
Нетворкинг и контакты – твой шанс стать заметным. На протяжении всего дня можно общаться с людьми из креативной индустрии, обмениваться мнениями и расширять круг профессиональных связей.
Средства, собранные с продажи билетов, направляются на поддержку дополнительных призовых мест конкурса New cut и развитие независимых дизайнеров.
Количество билетов ограничено!
Регистрация: https://new-cut.timepad.ru/event/3758661/
— это шанс лично познакомиться с призерами конкурса New Cut
17 января | Москва | галерея Arbuzz
В билет за 3000 ₽ входит:
• вход на экспозицию и возможность общения с призёрами
• участие во всех трёх лекциях и мастер-классе
• Q&A с лекторами
В программе:
София Маржеловна — о Martin Margiela: мифы о дизайнере, приемы гениальности и мастер-класс по созданию подиумного украшения;
Екатерина Бублик — как научиться «читать» коллекции и видеть смысл брендов;
Валерия Лерок — мода как дневник поколений, core-культура, эстетики и цифровые микротренды.
Лекторий – это живой разговор о том, что сегодня определяет эстетику, тренды и культурные смыслы в моде.
Нетворкинг и контакты – твой шанс стать заметным. На протяжении всего дня можно общаться с людьми из креативной индустрии, обмениваться мнениями и расширять круг профессиональных связей.
Средства, собранные с продажи билетов, направляются на поддержку дополнительных призовых мест конкурса New cut и развитие независимых дизайнеров.
Количество билетов ограничено!
Регистрация: https://new-cut.timepad.ru/event/3758661/
👍12😐10❤🔥5
Давид, молодой дизайнер, завершивший университетский путь в прошлом году. Его коллекция стала итогом всех впечатлений и опыта, накопленных за годы обучения, проектом, где личные переживания обретают форму, конструкцию и визуальную целостность.
В основе работы три ключевых принципа: архитектурная сложность кроя, премиальные ткани и безупречная посадка. Идея коллекции формировалась около года. За это время дизайнер создал более сотни эскизов, которые в процессе трансформации авторского видения превратились в пять финальных образов. Этот путь стал испытанием мастерства и проверкой умения мыслить концептуально, видеть коллекцию как единое целое.
Сердцем проекта стала благодарность женщинам, поддерживавшим его на пути становления. В их образах он видит сочетание хрупкости и внутренней силы, дуальность, которая отражается в материалах: нежный шелк соседствует с нарочито грубой, замятой кожей. Контраст фактур становится метафорой скрытой опоры, которую невозможно увидеть с первого взгляда.
Коллекция демонстрирует предельное внимание к деталям и качеству исполнения. Вещи не просто облекают тело, они передают состояние через тактильность, объём и движение. Материал здесь не украшение, а носитель смысла и истории.
Для Давида каждая вещь — это объект, где сложность конструкции встречается с ясностью реализации. Эта коллекция — его важный старт. Исследование формы и работы с материалом превращается в честный диалог со зрителем, позволяя увидеть внутренний мир автора через одежду.
В основе работы три ключевых принципа: архитектурная сложность кроя, премиальные ткани и безупречная посадка. Идея коллекции формировалась около года. За это время дизайнер создал более сотни эскизов, которые в процессе трансформации авторского видения превратились в пять финальных образов. Этот путь стал испытанием мастерства и проверкой умения мыслить концептуально, видеть коллекцию как единое целое.
Сердцем проекта стала благодарность женщинам, поддерживавшим его на пути становления. В их образах он видит сочетание хрупкости и внутренней силы, дуальность, которая отражается в материалах: нежный шелк соседствует с нарочито грубой, замятой кожей. Контраст фактур становится метафорой скрытой опоры, которую невозможно увидеть с первого взгляда.
Коллекция демонстрирует предельное внимание к деталям и качеству исполнения. Вещи не просто облекают тело, они передают состояние через тактильность, объём и движение. Материал здесь не украшение, а носитель смысла и истории.
Для Давида каждая вещь — это объект, где сложность конструкции встречается с ясностью реализации. Эта коллекция — его важный старт. Исследование формы и работы с материалом превращается в честный диалог со зрителем, позволяя увидеть внутренний мир автора через одежду.
❤16😐13🔥9
Ярослава (YARA) — дизайнер одежды и модельер. Когда речь заходит о бренде, она часто отвечает, что его нет в привычном понимании этого слова: есть то, что она создаёт. Ей не близка идея придумывать искусственную «личность» под описание бренда и пытаться оживить её через знакомые всем миссию, цели и tone of voice. В определённых случаях такой подход звучит уместно, но своего пути в этом направлении она не видит.
Над каждым изделием Ярослава работает лично — от разработки дизайна и подбора тканей до построения конструкции и пошива. Ей важно передавать через одежду ощущения и ассоциации, делать её самодостаточным «игроком», которого хочется рассматривать и изучать. Такой подход помогает наделить вещь ценностью и создать изделие вне времени — то, которое будет жить и меняться вместе с владельцем.
В последних коллекциях Ярослава исследует тему изменчивости монументального искусства и его взаимодействия с обществом. Архитектура ей близка тем, что она одновременно далека от мира одежды и удивительно с ним созвучна. Поэтому ключевая особенность её изделий — работа с формой и конструкцией: в этом смысле каждое изделие уникально. Одно — монументальное и жёсткое, другое — пластичное и трансформируемое, третье сочетает оба качества. Иногда форму диктует материал — и ему интересно поддаться; иногда, наоборот, хочется «сломать» заданную логику. Ярослава признаётся, что могла бы бесконечно изучать ткани — их составы, фактуры и переплетения.
Интерес к архитектуре у неё естественно соединяется с интересом к истории. В одних случаях она следует фактам, наблюдая изменчивость и отражая её в коллекциях. В других — фантазирует о вариативности истории, отвечая на вопрос: «А что, если?» Так даже одна тема раскрывается как пространство возможностей — Ярославе близок масштаб и многослойность.
Изделия отшиваются на заказ и адаптируются под человека за счёт материалов и конструктивных решений, поэтому каждое становится индивидуальным. Ярослава открыта к профессиональному диалогу и сотрудничеству — от творческих проектов до индивидуальных разработок.
Над каждым изделием Ярослава работает лично — от разработки дизайна и подбора тканей до построения конструкции и пошива. Ей важно передавать через одежду ощущения и ассоциации, делать её самодостаточным «игроком», которого хочется рассматривать и изучать. Такой подход помогает наделить вещь ценностью и создать изделие вне времени — то, которое будет жить и меняться вместе с владельцем.
В последних коллекциях Ярослава исследует тему изменчивости монументального искусства и его взаимодействия с обществом. Архитектура ей близка тем, что она одновременно далека от мира одежды и удивительно с ним созвучна. Поэтому ключевая особенность её изделий — работа с формой и конструкцией: в этом смысле каждое изделие уникально. Одно — монументальное и жёсткое, другое — пластичное и трансформируемое, третье сочетает оба качества. Иногда форму диктует материал — и ему интересно поддаться; иногда, наоборот, хочется «сломать» заданную логику. Ярослава признаётся, что могла бы бесконечно изучать ткани — их составы, фактуры и переплетения.
Интерес к архитектуре у неё естественно соединяется с интересом к истории. В одних случаях она следует фактам, наблюдая изменчивость и отражая её в коллекциях. В других — фантазирует о вариативности истории, отвечая на вопрос: «А что, если?» Так даже одна тема раскрывается как пространство возможностей — Ярославе близок масштаб и многослойность.
Изделия отшиваются на заказ и адаптируются под человека за счёт материалов и конструктивных решений, поэтому каждое становится индивидуальным. Ярослава открыта к профессиональному диалогу и сотрудничеству — от творческих проектов до индивидуальных разработок.
❤29💔11👍8