Я наконец-то вспомнил что я очень очень сильно люблю трек Spill The Wine от Eric Burdon & War. Нет, я об этом не забывал. Меня смущает, что я перестал об этом вспоминать. А ведь это одно из приятнейших воспоминаний, ощущений. Наверно нет смысла рассказывать про Eric Burdon & War, жаль лишь что это это объединение было недолговечным. И Spill The Wine это почему-то особый летний вайб. Буквально каждая секунда трека сочится яркой картинкой изнемогающего от жара мегаполиса, наколенного асфальта и бесцельно бродящих людей. И сама история появляется как внезапной ветерок, который жадно пытаешься ухватить, а он все время пропадает. Eric Burdon заводит свою “колыбельную” и этот дает уникальный опыт - песня одновременно успокаивает, убаюкивает, при этом ни секунды не теряет свой энергетики, постоянно вас хочет при это разбудить. Будто это натуральный танец во сне, в том дневном сне когда вы прилегли на секунду и потеряли контроль но тут же очнулись. И только постоянно срывающийся голос Eric Burdon позволяет вам не раствориться во сне окончательно.

В 2007 году когда все расхваливали MGMT в Австралии также любили электропоп. У австралийцев вообще очень бережная любовь к жанру и кажется что иногда они считают его таким важным достоянием, что всеми силами пытаются оберегать от остального мира. К счастью для австралийцев и к сожалению для остального мира. Так вот в 2007 вышел тихо незаметно третий одноименный альбом коллектива PNAU. Хотя он был все же больше танцевальным но на нем уже начался переход к электропопу (который уже совсем скоро проявился в более известном проекте Empire of the Sun). Один из треков на альбом - Embrace, единственный с вокалом новозеландской певицы Ladyhawke. Это важное дополнение для тех кто не особо любит Nick Littlemore. Ностальгический электропоп без из конца 00-х без натужного перепродюсирования и попыток (почти) выебнуться перед коллегами по цеху. Простая понятная доступная и популярная музыка. Да и вот Элтон Джон назвал ее лучшей пластинкой, которую он слышал за последнее время. Но это не сильно помогло и альбом даже на родине приняли скромно. Но PNAU что удивительно не распались и продолжили успешно спорадически что-то создавать. Да что там говорить - они в этом году выпустили новый альбом. Но про него я сказать ничего не могу. Потому что что? 2024? Реальность. Нет пожалуйста пройдите нахуй. Музыкально-историческое обслуживание вашего временного отрезка временно недоступно. Обратитесь к другому оператору.

Хочу сказать что я уже давно опустился на самое дно, и возможно в музыкальном плане. Но дело в том что я дно не считаю какой-то негативной метафорой эпохи пост-интернета. Дно это самое причудливое место, где можно найти много интересного, прелестного, ведь именно на дне находят жемчужины…. да-да согласен уже нахуй это философскую шелуху и перейдем к сути. Итак, уже по обложке вы можете понять что нас ждет что-то действительно крутое. Потому что если люди позируют в черных очках, во всем черном, расставив ноги, имитируют удары кунгу-фу, да еще и на фоне какой-то психоделической червоточины (о да 90-е) то это не может быть не крутым.

Перед вами латвийская группа Codex, которая выпустила единственный альбом в 1995 году под названием Lidojums (Полет). Я не особо нашел историю группы. Она состояла из Iveta Priede (слева сверху), которая была как минимум вокалисткой, Juris Eihmanis (справа сверху) и Māris Priede (снизу), который наверно был вдохновителем проекта, так как именно он был продюсером и звукорежиссер этого и других проектов. На альбоме можно найти привычный для того времени евроденс, но кроме этого есть вот такая шикарная песня, которая явно выбивается из общего танцевального-рейвового марева - Eskimosa Sapnis (Эскимосская мечта).

Песня начинается с какой-то арабской или среднеазитаской мелодики, после этого появляется какой-то неуместный и одновременно подходящий варган народов севера и танцевальный бит. С вокалом становится все еще интереснее и страннее. Как будто авторы решили что варгана недостаточно и для передачи атмосферы “арктического танцпола” они решили сымитировать, не знаю, тембр эскимосов, как они это видели. В общем получилась странная смесь кринжа от попытки передать стереотипный голос студийными средствами - им этого показалось мало и они сделали женский вокал таким же. В итоге трек превратилось в какое-то почти оскорбительное novelty. Путаницы добавляет очевидное низкое качество записи из-за чего разобрать что-то сложно - видимо всему виной арктическая пурга в студии звукозаписи. В любом случае я думаю если бы такой евроденс добрался до эскимосов они бы были не против.

Dino Dvornik был культовой персоной в Хорватии, который записывал музыку, снимался в кино и на телевидении и его даже назвали “хорватским королем фанка”. По его словам ему приходилось много экспериментировать чтобы как-то выделяться. Благодаря неплохому базису он смог в конце 80-х даже в Югославии записывать вполне себе актуальную музыку неплохого качества. В 1990 г у него вышел второй альбом Kreativni nered (“Творческий беспорядок”) на котором были представлены песни в жанрах между фанком, нью джек свингом, и обычными поп-песнями с небольшой долей местного колорита. Вот и песня Biti Sam (переводится наверно как “Быть одному”) это отличный ностальгический представитель нью джек свинга на европейский манер, о балканских корнях которого говорит только вокал. Немного пафосная баллада с помпезной воздушной аранжировкой, при это великолепно атмосферна (почему вапорвейв семплеры не растащили трек) в своей методичной цикличности. Будто какой-то вымышленный летний прохладный вечер на побережье в Сплите не за горами.

В обывательском мире ходит мнение что от джаза 80-х стоит сторониться, хотя наверно среди этих людей ходит мнение что и от всего джаза наверно стоит отказаться. В целом меня забавляет, что когда людям что-то не нравится, для убедительности своих доводов, они начинают ненавидеть это, как бы заодно, как бы между прочим. Джон Серман - британский джазовый композитор, саксофонист и кларнетист - “звезда” лейбла ECM вряд ли скажет что для него 80-е были “пропащим временем”. В 1988 году он выпустил свой очередной альбом Private City, где продолжил изыскания на грани джаза, электроники и эмбиента.

В целом у меня сложилось двоякое впечатление от альбома, который мне показалось слишком расфокусированным, но как минимум один трек стоит обязательно послушать стоит - Not Love Perhaps. Это отличное погружение в какой-то внутренний свой тревожный мир, который отлично вписывает камерность ECM-джаза в электронную обертку, казалось бы, достаточно тривиального синтезаторного звучания. При этом нет пошлой назидательности и пафосности new age, которое повсеместно звучала в 80-х. Нет этой “красоты звука напоказ”, это все тихая интимная “ну явно не в вайбе 80-х” музыка.
UPD: Трек на ютубе без премиума

Есть категория людей, которые запутавшись в своих жизненных ориентирах, начинают с неистовым задором испытывать окружающих свой незрелостью. Они будто застывают в стыдливом шпагате между “анфан террибль” и взрослым человеком. Они все время пытаются что-то доказать, когда их об этом не просят, они от безысходности накидываются на все, так как их крайне раздражает состояние покоя, они хотят наслаждаться хоть каким-то превосходством. Им очень нужно бросать перчатки каждому встречному, они хотят вызвать весь мир на дуэль. Они бросают во всех - до кого могут докинуть. Но большинство людей с недоумением пытаются ретироваться от детского бретерства. Что же я и сам признаюсь страдал когда-то таким давно и могу с уверенностью сказать - это нормально и это проходит. Это часть жизненного пути, главное до этого времени не остаться с одними перчатками. Я хочу пожелать таким людям, душевного спокойствия, выдержки и благоразумия. Хотя в творчестве такая энергия может быть весьма полезна. Даже если брать более обширный культурный пласт, то всегда интересна борьба культуры и контркультуры и в какой момент они могут быть поглощены или даже поменяться местами. В этом контексте поучительна история с песней Kicks, выпущенной в 1966 году группой Paul Revere & the Raiders.

Хотя пик популярности группы пришелся на психоделичный 1966 год, она отнюдь не была частью “цветочной” волны захлестнувшей США. Да что там говорить - группа выступала в костюмах времен американской войны за независимость и в целом наверно могла выглядеть как некий “государственный проект” борцов за консервативность. Но это был все-таки обыкновенный для того времени коллектив выросший из гаражной группы и черпавший вдохновение оттуда же откуда и все. Ребята хотели играть веселые песенки, под которые будет весело танцевать молодежь. Они были представителям так называемого frat rock - подвид гаражных групп, которые ориентировались на атмосферу вечеринок и играли соответствующую музыку - короткие грувовые танцевальные номера. А образ - он скорее был удачным компромиссным вариантом, который позволял не переживать встревоженным родителям и продавать музыку подросткам.

Так вот в 1966 г. Paul Revere & the Raiders выпустили песню Kicks, которая считается первой антинаркотической песней. Это довольно интересный поворот, учитывая что 1966 г. даже не был пиком расцвета темы наркотиков в творчестве музыкантов тех лет. Да только пару лет прошло с тех пор как скромные студенты из Сан-Франциско стали наведываться на озеро Тахо, чтобы испытать на себе новомодные “трипы”, а уже появляется “антинаркотическая тематика” в творчестве. Это лишний раз показывает насколько быстротечны были социокульутрные процессы в тот период. Одновременно с Jefferson Airplane, песни которых будем считать отдавали положительную коннотацию наркотикам, в чартах соседствовала группа Paul Revere & the Raiders с антинаркотической песней и никого не смущало…почти. При этом забавно что песню даже хотели запретить, так как не обладающая гибкостью и умом государственная бюрократия не может считывать контексты в реальном времени и государство считало что песня наоборот ведет пропаганду наркотиков. Поэтому группа получила критику как от “культурных” представителей так и от “контркулуьтрных”. Хотя со временем песню стали воспринимать гораздо теплее. При этом все это не помешало стать песне одним из главным хитом группы в тот самый момент когда казалось такое продать сложно. Но бизнес в нужных руках и подходящее время сможет продать что угодно.

Hoboken Sound - это специфический термин, возник в середине 1980-х годов для описания музыки одного из самых популярных мест американского колледж-рока который был расположен соответственно в города Хобокен, штат Нью-Джерси буквально через реку Гудзон от Манхэттена. В частности речь идет про его легендарное заведения Maxwell's (открытого в августе 1978 года), где собственно и можно было услышать всю музыку. Звучание Хобокена крутилось вокруг своеобразного “любовного треугольника”. С одной стороны гаражный рок, панк и пост-панк, с другой стороны звенящие гитары и тематитка песен из повер попа. Ну и конечно нервный, отрывистый звук новой волны (и иногда использование клавишных). Данное музыкальное явление оказало огромное влияние на развитие джангл-поп/рок-сцены на северо-востоке и американском юге. В клуб прикатывались все группы которые выступали на грани колледж рока и джангл-попа - такое себе CBGB для колледж-рока.

Я не стал слишком долго выбирать из всех коллективов и выбрал самых известных представителей Hoboken Sound - The dB's. Не только потому что мне лень, а только лишь потому что основатель The dB's Chris Stamey играл на басу у Алекса Чилтона. А для меня как для скромного самого большого фаната Big Star по эту сторону океана это решающий фактор.

В общем в 1981 году у The dB's вышел дебютный альбом Stands for Decibels и первым треком было Black and White. Как мне кажется идеальная попытка завернуть атмосферу Хобокена (сказал я будто там когда-то бывал) в такую короткую форматную поп-обертку. Мне нравится что тут есть большой поток свободы и молодой безмятежности, которая пытается не разбиваться о суровую действительность. Нет тут кричащего блеска повер-попа который вдалбливал маскулинность перемешанную c диско-эстетикой, нет и депрессивной серьезности панка (да, слова “серьезность” и “панк” могут встречаться в одном предложении). В общем это ощущение момента без статусов, трендов и политики. Именно то что смогли открыть Big Star и что ушло в колледж-рок, джнагл-поп, перешло в инди-рок…t.me/zhizn_ok.Правда потом это снова переродилось в нечто странное…но это уже совсем другая история. Как раз оказалось что вышел ремастер в этом году у The dB's и к нему даже добавили официальное видео сделанное всего лишь спустя 43 года.

Внезапный ревайвл выкопаного итало-диско происходит в начале 20-х. Происходит естественно…на юге Франции в Тулузе. Он характерен сочетанием синтов из 80-х и баса из 90-х. Нет нет, жанр не претендует на оригинальность, просто нужно как-то себя позиционировать. Они даже получили название Italo Body Music. Они всячески пытаются отойти от клише синтвейва, но разве это так легко сделать. Музыка пока настолько нишевая, что о ней никто не пишет (возможно и я все выдумал) так что есть шанс кому-то хайпануть. Вот пример от Kendal c синглом 2022 года Come To Me (Club Mix)

К сожалению сейчас не так много времени свободного поэтому предлагаю вам провести ночь в Нью-Йорке с недолговечным японским коллективом Kangaroo из 80-х который аккуратно пытался свой джаз фюжн https://youtu.be/6mrx269wG_I

Когда-то давно в конце 00-х когда доступная музыка для бедных слоев населения была только на торрентах я переслушивал кучу однотипного синтипопа. Так вышло что почему-то в этот меня интересовал именно он. Это было практически целое движение групп из Европы, которые никак не связаны, но все они пытались воссоздать какие-то условные ранние 80-х. Понятно что разброс был огромный - от простого французского инди, до какого-то немецкого дарквейва. Но их объединяло какое-то бесстыдное подражание “старому” саунду что в целом немного обесцениванило их попытку оставить след в чьей-то памяти. Конечно многие из них забыты, потеряены, и как ни странно их вряд ли где послушаешь. Память о них удобно локализована в местах их региональной деятельности, а больше наверно нигде и не нужно.

Одной из таких групп был испанский коллектив Souvenir из Памплоны, который исполнял свои песни на французском. Они не были совсем неизвестными, но конечно каких-то дивидендов от выступлений не получали. Да и почти всю карьеру разбрасывало по стилям, хотя они были неизменны в своей любви к френч-попу. В 2007 году вышел их четвертый альбом 64 на котором они основательно ушли в сторону синтипопа и электропопа. Песня Allô, allô парадоксально проста и заразительна. Музыкальные приемы могут показаться невежественно вызывающими, но давайте примем тот факт что минимализм был частью эстетики. Да, легко скрывать за минимализмом отсутствие идей, но процитирую одного кинопесронажа скажу “Хуй с ним, понимаешь?” Такие синтезаторы и драм-машины были снова на пике популярности.
это 25 кадр подпишсь сюда t.me/zhizn_ok

Песня соединяет в себе все ту же постоянную любовь группы к французскому yé-yé 60-х, через уточненно-лепечущее пение, отстраненность французского колдвейва начала 80-х и медиативное, слегка примитивное, но не лишенное какого-то простого обаяния, электропоп осмысление из 00-х. Группа вроде существует до сих пор, но за последний лет 10 не было никаких новостей, сайт отдает 404 ответ. Они не пропали, они остались где-то там в 00-х.

В самом конце 1999 года группа The Mavericks выпустила свой первый сборник лучших хитов за 10 лет, а также сингл с двумя новыми песнями - одна из них Things I Cannot Change. Группа из Майами в 90-е пошла по очень отчаянному пути - стали выступать с оригинальным материалом в жанре хонки-тонк и текс-мекс. Это было смело, потому что мало того, что в Майами всем было плевать на кантри примерно всегда, так в 90-е такое играть было просто бессмысленно, если только ты не хочешь развлечь толпу пенсионеров. Время было - либо уйти в откровенно попсовую кантри музыку, либо где-то искать счастье в альтернативном кантри, что тоже было не близко группе. Но им повезло - The Mavericks к середине 90-х смогли стать наверно самой популярной группой в своем стиле. Хотя конечно они претерпели некоторой трансформации от лейбла, но даже в кантри чартах они каких-то хитов не имели. Удивительное качество для группы выпускающей платиновые альбомы - не иметь песню которая бы вошла даже в Топ 100 Billboard и иметь песни, которые изредка болтается в середине кантри чарта. Как я и писал - конкуренция в 90-е была бешеная и такому "старью" там не место. А песня Things I Cannot Change зато оказалась хитом в Британии - хоть и местами слишком ее причесали к радиоформату, но к счастью не сильно. Про что-то ну как всегда вездесущее - воспоминание уходящего августа, грусть приходящего октября и вот все что заставляет людей предаваться воспоминаниям о чем-то.

Вспомнил, как я однажды попал на один грайндкор фестиваль. Не то чтобы я слушал грайндкор, но тогда я не сильно задавался вопрос куда мне идти. Я вообще редко задавался вопросами - хорошее время. Еще до начала мероприятия, какой-то парень пытался мне объяснить разницу между грайндкором, дезграйндом и порнограйндом а также к чему тут краст-панк. Я из вежливости сказал что это очень полезная информация. Самое удивительное что на самом фестивале я не увидел кто такие фанаты грайндкора. Я видел много обычных любителей метала, стареющих панков и слишком молодых фанатов треша, которые выясняли кто из них более достоин слушать музыку, которую они очевидно не слушают. Это приводило к беспричинным конфликтам. Хотя разве может быть более веской причиной уебать кого-то бутылкой по голове если у тебя есть пустая бутылка, а рядом раздражающая голова. Так они периодически и выясняли кто из них больше фанат “вот тех чуваков что ебашат”. Глядя на все это я понял…..да нихуя не понял конечно. Что я мог с этого понять? Зачем я это написал? Какая задумка автора?

Это абсолютная тематическая подводка к группе Wind & Cloud - кантон-поп из Гонконга Они существовали в конце 80-х и записали пару альбомов. Это первый трек из их первого альбома 風雲 https://youtu.be/FgJ-SGrwLH4 - синтипоп и евро-диско которое доползло до азиатский студий. Просто окунитесь в атмосферу дискотеки в каком-то дорогом районе Гонконга в 1987 году пока там не устроил перестрелку Чоу Юньфат в этом заведении.

Бельгийский коллектив Cos в начале карьеры филигранно плавал между обычным прогом, джаз-роком, цойлем…да и в целом не особо старался придерживаться каких-то мнимых канонов, а впитывал все что тогда появлялось на прог-сцене. Но начинали они именно как приверженцы кентерберийской сцены, постепенно расширяя свои композиторские эксперименты на другие жанры. Вот достаточно изысканная в начале и тревожно насыщенная в конце композиция из второго альбома 1976 года. А уже через пару лет они ударяются в диско но все еще не забывая про свою проговость. В 1979 году они уже просто заворачивают авант-прог в регги и даб - песня Gigolo. Надо сказать что частая смена стиля связана с тем, что состав довольно часто менялся и всего за 10 лет в группе побывало более 20 человек. В начале 80-х они не выдержав наплыва новой музыки распались.

В 1992 году группа Pulp с трехгодичным опозданием выпустила свой третий альбом Separations. Годом ранее вышел сингл с этого альбома Countdown, который как и все прошлые синглы группы ни попал ни в один чарт. Примечательно что это последний такой сингл и все последующие так или иначе оставляли свой след как минимум в главном британском чарте. Интересно еще что для сингла песня была перезаписана в том же 1991 году, таким образом хотя альбом вышел позже, но там можно слышать более раннюю версию из 1989 года. Перед тем как полностью отдаться бритпопу Pulp смогли немного все-таки покуражиться на “кислотной” волне начала 90-х. И какой же у них выдался сингл - будто они продали душу дьяволу дабы трек остался незамеченным ради всего их следующего успеха.

Расширенная версия которая на сингле по ошибке помечена как (radio edit) довела песню до совершенства. Кто-то метко заметил, что это лучшая песню которую не выпустили LCD Soundsystem, но мне кажется даже это не совсем исчерпывающе. Жаль, что буквально через пару лет они уже полностью покинут этот танцевально-электронный гипноз и будут, не совсем справедливо как по мне, собирать “остатки” от Oasis и Blur. А ведь многие серьезно говорят что до 1994 г. Pulp слушать невозможно - явно фанаты “конкурентов”.

Знаете я всегда старался относиться к безумию с каким-то пиететом. Да, пиетет очевидно местами надуманный, но я не могу не удивляться насколько все-таки хрупка грань которая отделяет вас от того чтобы “общество” “поменяло статус” для вашей личности. Ведь самое страшное в безумие это наверно то, что ты вероятно никогда не поймешь что безумен. И безумен ли ты? Или нет? Или как поговаривают заезженные фразы о том что безумны все вокруг а ты один “герой”. Но самое забавное что “правды” по сути нет и поэтому мы можем руководствоваться “стереотипными подсказками общества” - если человек скажем начнет рыбачит в ванной то он явно безумен, а если скажет что ну, например, что убийства людей это в принципе нормально, то ну может быть давайте его послушаем, возможно у него есть какие-то доводы. Ведь ну не рыбу же он в ванной ловит в конце концов. Потому что для “общества” не важно кто безумен, важно у кого объяснение убедительнее.

Безумие стало главной чертой “продюсирования” персонажа о котором сегодня рассказ. Wild Man Fischer, достаточно известная личность как минимум в Лос-Анджелесе, наверно не догадывался что он войдет в историю как основатель outsider music. Хотя естественно он ничего не основывал и вряд ли понимал что такое outsider music. Но влияние оказал огромное. Wild Man Fischer родился и вырос в Лос-Анджелесе но уже рано у него стал проявляться эксцентричный характер. После того как он пытался убить свою мать ножом в 1963 году его поместили в психиатрическую клинику. Там ему поставили диагноз - параноидальная шизофрения и маниакальная депрессия, а спустя год отпустили. Примерно с этого периода он стал можно сказать бродягой и занимался тем, что пытался заработать своим желанием петь - благо он околачивался на Sunset Strip и там он за копейки даже стал выступать на разогреве очень известных артистов - The Byrds, Бо Диддли, Iron Butterfly.

Ключевой для Wild Man Fischer стала встреча с Френком Заппой. Последний так впечатлился его искренностью, что решил его обязательно записать. Таким образом, безумный бродяга, не совсем осознавая, заполучил в продюсеры Френка Заппу, который записал и выпустил его первый альбом. А вы бы смогли впечатлить Заппу?

Мне кажется, что если судить по обложке, то как будто основная идея продвижения была в том что безумие - это какой-то “веселый прикол”. Ну вы поняли - “прикол”. Ну то есть человек бомжует и маргинализирован, потому что это настоящая веселая ржака. Вероятно я придираюсь и Заппа был достаточно умным, чтобы понять что только таким образом можно продвинуть этот материал, чтобы его купил кто-то. Но при этом считаю что Заппа был достаточно социопатичен чтобы положить болт на то как повлияет такой промоушн. Можно только вспомнить его порой запредельную, на мой взгляд, нелюбовь к Йоко Оно.

В любом случае, после активного промоушена, слушателей у такой специфической, даже для 1968 года, музыки оказалось ну совсем немного - продано было около 12000 копий альбома An Evening with Wild Man Fischer . Однажды Wild Man Fischer пришел к Заппе чтобы попросить причитающиеся ему деньги. Не знаю какой уговор у них был но к концу разговора Wild Man Fischer бросил бутылку в “продюсера” и чуть не попал в его дочку - Мун Заппу. После этого сотрудничество Заппы и Wild Man Fischer естественно закончилось. Но “сотрудничество” семья Заппы запомнила надолго - жена Френка до самой своей смерти запрещала переиздавать альбом считая его худшей работой своего мужа.

Наверно первый трек Merry Go Round самый оптимальный для того чтобы как-то попытаться понять это творчество - он не слишком экспериментальный (да-да если судить по остальным трекам), достаточно музыкальный (да-да если судить по остальным трекам) и отражает какую-то особую манеру Wild Man Fischer. Но это достаточно блекло отражает те “внутренние миры” которые ощущал Wild Man Fischer и если хотите познать его то лучше послушать целый альбом (чего только стоит его интерпретация своего детства в треке The Wild Man Fischer Story). В любом случае думаю Wild Man Fischer не такой безумный - ведь он не выкладывал “итоги года”.

Не было возможности собирать какие-то слова в что-то осмысленное. Поэтому я как всегда криво, неуклюже и небрежно дабы не прослыть нейросетью, будут снова пытаться собирать обрывки своего опыта. Без какой-то общей идеи кавер на песню You Never Can Tell записанный кантри певицей Emmylou Harris в 1977 году. Это довольно ленивый и не особо выделяющийся на фоне оригинала, но отлично вписывающийся в диско-эпоху, танцевальный вариант определенно был призван стать какой-то важной частью дискотек Среднего Запада. Нет ну почему не может быть варианта для Мии и Винсента которым лет на 20 старше и они никогда не покидали Техас

Для большинства людей актёр Уильям Шетнер прежде всего известен по своему участию во франшизе «Звёздный путь», а также ряде других телевизионных проектов. Но не многие знают, что часть его карьеры была посвящена музыке - причём это занятие не всегда можно было назвать успешным. Всё дело в том, что Шетнер никогда не пел песни, а занимался нарочито театральной декламацией, которую кто-то назовет spoken word, а кто-то poetry. Но на самом деле это было что-то отдельное, потому что воспринималось, мягко говоря, сомнительно.

Свой первый альбом The Transformed Man он записал ещё в 1968 году. И чем уникален этот альбом - по нему нет единого мнения. Крупнейшие издания ставили ему и 4,5 балла из 5, и 0,5 из 5. Альбом одновременно фигурирует и в списках лучших, и в списках худших пластинок, по мнению разных критиков. Кто-то называл его «самой ужасной вещью», а кто-то - «так плохо, что даже хорошо». Его сравнивали даже с творчеством Энди Кауфмана. Это пример постиронии из 60-х? Не знаю. Я оставлю пример вам ниже - и вы оцените сами.

В общем, после этого он надолго забросил музыку и возвращался к ней лишь эпизодически, ограничиваясь редкими живыми выступлениями. Прорыв в его музыкальной карьере произошёл в 2004 году, когда он записал альбом Has Been, спродюсированный Беном Фолдсом. И несмотря на то, что здесь Шетнер также продолжает говорить текст под музыку, воспринимается это уже совсем по-другому. Да, конечно, тематика всё так же крутится вокруг саморефлексии о карьере и прожитых годах (ему было 73 года на момент выхода альбома), но теперь это звучит более сдержанно, и смеяться уже не хочется даже тем, кто его не любил.
Одной из таких песен является второй трек - It Hasn't Happened Yet, в котором автор пытается понять: а ради чего всё это было? Слава и успех - для чего они, если ты всё так же не можешь уснуть, ожидая сатисфакцию от своих надежд? В общем, нормальная такая стандартная тема на горизонте лет.

Кстати, альбом приняли хорошо, что дало внезапный толчок музыкальной карьеры и за последние 20 лет у него вышло ещё 8 альбомов. Казалось бы, что нужно человеку для искренности в музыке? Постареть. Ах, да, постирония, не забывайте, постирония

А вот его песня из 1968 - кавер на Mr Tambourine Man

Шведская группа Mando Diao появилась в 1999 году и, как многие группы континентальной Европы, радостно впитывала долетавшие творческие брызги от уже изрядно пресытившейся бритпопом и альтернативой Британии. В принципе, инди-рок-сцена Европы - это не США, и любой коллектив либо немного клонило в пост-панковый ревайвл, либо в гаражный - Mando Diao явно тяготели к последнему, по крайней мере на начальном этапе.

Все ценное, что группа могла в принципе донести, было сосредоточено на первых трёх-четырёх альбомах, которые вышли с 2002 по 2007 гг., и, можно сказать, совпали с расцветом континентального инди. Группа стала очень популярной на родине, в Германии, Японии. При этом, имея платиновые альбомы, у них был только один коммерчески успешный сингл - в 2009 году Dance with Somebody, когда коллектив вместо косплея Oasis перешёл к косплею Arcade Fire. Ну что поделать - такова судьба коллективов второго, если не третьего эшелона. После 2012 года они перешли в режим “зачётка работает на тебя” и стали просто периодически что-то выпускать без какого-то творческого влияния, зарабатывая на былой энергетике. Ну, вы, думаю, знаете, как звучит такая группа после пятого альбома - максимально щадяще, чтобы не растерять повзрослевшую аудиторию.

Но я предлагаю песню со второго альбома 2004 года Hurricane Bar под названием God Knows. Тут для меня отчётливо ощущается атмосфера из 00-х, когда инди группа пытается урваться за славой The Hives, The Libertines или The Strokes. Я не буду говорить, о чём песня, потому что вы сами можете понять, о чём может петь молодая группа из 00-х - о проблемах, которые вызывают у современного человека истеричный смех и восклицание “Серьёзно, бл..?”. Мне всё равно - серьёзно или нет, потому что я вспомнил про песню, которая когда-то подарила немного ярких эмоций, и решил, что не стоит это забывать. Возможно я расскажу почему так редко выходят посты, а может и нет, а может какая разница да? Вы же все понимаете.

Где-то с покрытых пылью полок я решил достать воспоминания об очередной группе-однодневке, потому что кто ещё о них вспомнит. Группа из Денвера Hardwater формально существовала с 1967 по 1969 год и записала один альбом. Формально, потому что участники группы играли вместе ещё с начала 60-х и, сменив пару названий и музыкальных стилей (начинали они как серф-группа), пришли к названию Hardwater и более привычному на тот момент стилю - фолк-кантри с психоделией, такие последователи The Byrds, Buffalo Springfield и прочих подобных, менее известных коллективов западного побережья. Думаю, важно именно отметить их тяготение к западному побережью, потому что тяготение к условной нью-йоркской городской фолк-сцене явно противоречило по духу да и кантри корни досточно сильны.

К 1968-му их заметил крупный лейбл, подписал и отправил под крыло продюсера David Axelrod (странно, думал я о нём я уже писал - довольно одиозная личность, джазовый музыкант, музыкальный проповедник, продюсер группы Electric Prunes, композитор, подаривший семпл для Dr. Dre - "The Next Episode", и это лишь самые попсовые его регалии). В общем, записав альбом, лейбл, как это бывало, просто выбросил его на прилавки, и о группе забыли - ни раскрутки, ни тура, будто бы очередной альбом на потоке. Наверняка уверен, что у Аксельрода в тот момент были проекты поинтереснее, поэтому вышло как вышло. Хотя нельзя сказать, что альбом плох - просто некому было им заниматься. Хотя в то время это и понятно - все проходил слишком быстро в музыке. После провала альбома, отсутствия продаж и хоть какой-то раскрутки, группа просуществовала ещё полгода и растворилась в пучине истории.

Я выбрал, наверно, самый попсовый трек, на который и был расчёт в плане захвата внимания слушателей - второй трек с альбома, вышедший и на сингле - City Sidewalks. Весьма характерный трек, который поднимает тематику свободы и бегства от городской суеты. В противовес приглашению Скотта Маккензи отправиться в Сан-Франциско, за калифорнийской мечтой, тут - обратная сторона медали: попытка вырваться назад к природе - такая себе хиппарская дихотомия. Кстати, авторами песни являются не участники группы, а дуэт сонграйтеров John Carter & Tim Gilbert, тоже из Колорадо, которые в то время успешно работали (например, написали хит № 1 Incense and Peppermints группы Strawberry Alarm Clock). Тут, конечно, следы психоделии минимальны, а подобие фолка максимально, особенно в вокальной части. И в целом оно звучит, мне кажется, немного искреннее, чем многие "фолк-откровения" из солнечной Калифорнии того же периода.

Про дует Dalton & Dubarri вы вряд ли что-то слышали. Да и я наткнулся на него случайно, зайдя не на ту страницу. Ну вы понимаете….случайно. В начале 70-х Dalton & Dubarri образовались из недолго существовавшего кантри-рок коллектива Boones Farm. Начинали они с популярного софт-рока западного побережья перекатившись к концу 70-х в диско на котором они и закончили свой творческий путь в 1979 году. В 1973 году вышел их первый сингл в поддержку первого альбома Dalton & Dubarri (1973). Ну как сингл - многообещающее промо с надеждой попасть в чарты. Это местами неплохо звучащий трек в таком можно сказать жанре прото-яхт-рок. Это плавающий прифанкованый грув который не скатывается в мягкотелый blue-eyed soul. Но при этом тут все скромно и замах на чарты слабенький. Тем не менее для 1973 года весьма неплохо. https://www.youtube.com/watch?v=ob9U31orwCE

Я очень не люблю синглы старых песен, потому что часто для них умудрялись выбирать невероятно ущербные варианты сокращения. И я даже не говорю про двухминутную версию Kraftwerk - “Autobahn” или другие треки, которые не просто порезали, а буквально оставили одни ошметки. Бывают и просто неудачные решения - как, например, с синглом Eagles - “One of These Nights”, где зачем-то убрали 20 секунд интро, и это очень сильно повредило атмосферному вхождению к основе песни.

Но бывают и случаи, когда именно сингловая вариация делает песню более известной. Оригинальная версия Men Without Hats - “The Safety Dance” короче клубной почти в два раза, и для поп-чартов того времени она подходит отлично: лёгкая, радостная, воздушная, но при этом какая-то пустая и плоская. А вот клубная версия уже не такая прямолинейная - в ней есть мрачность и какой-то флер того протеста, о котором поётся в песне.

Ведь “The Safety Dance” была написана Ivan Doroschuk после того, как его выгнали из клуба за танцы - грубо говоря, за что-то вроде предшественника моша, пришедшего из панк-сцены. Естественно, в оригинальной версии на это почти нет намека, а уж тем более в клипе, который будто сделан по мотивам какой-то диснеевской сказки.

И как раз популярность песни резко выросла, когда extended version попала в клубы и добралась до первого места в американском Dance Chart. Забавно, что обычная версия при этом попала на 21-е место в Mainstream Rock Chart. Вообще этот Mainstream Rock Chart 80-х - отдельная история: чего там только не было, кроме самого рока.

Поэтому синглы 80-х бывают могут удивить - но тоже к сожалению не так часто.