Вчера от замечательного искусствоведа Кирилла Захарова прошла интересная лекция на тему советских художников- иллюстраторов 70-80х и он рассказал про Геннадия Калиновского. Про художника-иллюстратора я знал, но мне не доводилось о нем услышать вплотную.

И что для меня показательно в его иллюстрациях, это то, как Калиновский решал творческие задачи. Например в иллюстрациях к сказкам дядюшки Римуса, художник рассмотрел образы в какой-то степени на западный манер и немного брутально, в духе вестерна, но самое прекрасное это то, что художник для такой техники процарапывал белила на черной бумаге, и из-за этого создаётся такой эффект линогравюры что ли (фото1). Или например его гипер-образы и масштабы к Гулливеру, необычная цветастоть к Мастеру и Маргарите (фото5 и 6), абстракция к Алисе чудес и Алисе в Зазеркалье.

Можно сказать, что художник работал в нескольких стилях техниках и особо не возвращался к предыдущему опыту. То есть каждая его книга имела свою стилистическую жизнь исключительно на пространстве книги.

И Калиновский просто яркий пример данного подхода, но от того занимательный для меня как для художника, который тоже не хочет стоять на месте и рисовать то детально, то небрежно, то вводить цвет, то уходить в чб. Все эти состояния происходят для решения творческих задач. Но!

Здесь встаёт вопрос, который я как-то раз задавал чату художников, но не получил конкретного ответа.

А что же делать например для становления художника в рамках социальных сетей или медиа?

Сейчас поясню. Допустим человек рисует в одном стиле, его из-за этого узнают, зовут в проекты потому что это ОН, это ЕГО стиль, но вот он его меняет и людям возможно уже не так интересно. Например Аскольд Акишин, все знают его стиль, его роспись, если видят его комикс, сразу говорят, о это Акишин, но знали ли вы, что у него есть и авторские работы? Которые вообще не похожи на то, что он делает сейчас.

Или другая ситуация, когда человек наоборот, работает в нескольких стилях, пестрит разнообразием как графическим, так и живописным, что тогда получается? Каша? Интересные находки? Необычные творческие решения? Может ли такое непостоянство утомить?

Лично я подписывался или наблюдал за авторами одного стиля, или одного направления, так проще отслеживать, понимать и считывать. Но ведь есть художники, например Глеб Иваний, который жаловался, что вот я выставлял работы когда учился в академическом стиле, сейчас делаю максимально в другом направлении, и люди этого не понимают. С другой стороны, когда я в голове представляю, что такая концепция постоянства выглядит немного скучной что ли.

В общем, что вы думаете, за кем вы наблюдаете, что для вас важно в художниках на которых вы смотрите, кого вы можете выделить, что хотели бы добавить в данную тему? Интересно послушать.

Интересный случай. Я проводил экскурсию по музею Арт Мультимедиа для студентов. И там была серия работ абстракциониста Юрия Злотникова под названием "Сигнальная система". На выставке мне довелось встретить человека, который рассматривает работы с позиции сравнения с классическим или академическим методом. Разумеется такому человеку данная работа не понравилась, и он ее не понял. Но когда я ввел в контекст, рассказал про серию работ, про взаимодействие цвета на работе, в какое время она была написана и почему такое название, то человеку уже стало интересно. Разумеется по итогу он работу не оценил (и это абсолютно нормально), но понимание того, для чего это было сделано, у него все таки появилось.

И вот, на просторах тырнета, я сталкиваюсь с аналогичным препятствием и недопониманием того, что оказывается в Эрмитаже прошла выставка Манифеста, на которой были представлены работы современных художников, и как это! В таком великом месте, наряду с такими не менее, а и более великими мастерами, могли выставить полотна непонятно чаго! Ну встаёт закономерный вопрос, неужели такой великий сборник культурных элементов искусства способен потерять толику своего величия из-за выставки посвященную современному искусству. Вопрос шутливый, если что.

И здесь, я наверное хочу заострить свое внимание на контексте, то без чего ниодин элемент искусства не способен существовать как визуальное сосредоточение существенного и явного (а, как закрутил).

Разумеется при просмотре мы затрагиваем несколько внешних чувств: зрение, слух или возможно обояние.. обоняние. Но все эти процессы не способны взаимодействовать сами по себе, смотреть можно, да, это приносит удовольствие, или раздражение вызванное уже внутренними эмоциями, но, если мы, в этот процесс ещё добавим осмысление, понимание, знание исторических процессов эпохи, то только тогда мы начнем действительно здраво оценивать, то что находится перед нами. И уже на правах понимающего человека, со всеми спорами, внутренними разногласиями говорить "да я сходил на эту выставку, это полное гавно".

Это был чудесный и прекрасный опыт, который мы обязательно повторим и в который я втянулся по доброму. Спасибо ВСЕМ, кто пришёл, приобрел комикс, стикеры, мне безумно приятно, что вы меня поддерживаете и любите)

Вы наверное соскучились по моим маленьким зарисовкам