❓ Почему компрессия и мощная сатурация на мастер-шине в процессе сведения это обычно зло?
Интернет (особенно YouTube) пестрит рассказами про волшебный "собирающий компрессор", который вмиг создаст вам классный чудесно звучащий микс, ничего и делать то не придётся, всё само собой получится 🙈 Но так ли это на самом деле?
Как бы мы себя не оправдывали, какие бы теории не выдумывали, чьи бы сказки не слушали, суммарная компрессия всего микса целиком это всё таки задача мастеринга, а не сведения.
🌀 Когда мы говорим про некий собирающий, склеивающий эффект, речь идёт не о том, что надо реально что-то там сжимать. Вовсе нет! Разговор о создании эффекта мягкого сглаживания аналогового мира, имитацию прохождения сигнала через шину суммирования больших аналоговых пультов. Это не совсем компрессия, скорее сатурация. Но даже её лучше применить в процессе мастеринга, потому что она может оказаться лишней.
✅ Мастер-шина (мастер-канал) при работе над аранжировкой и сведением должна быть по возможности совершенно пустая. Желательно всегда, потому что любая обработка на мастере вмешивается во все звуки сразу, а не отдельно в каждый, влияет на всё и становится неотделимой.
⛔ Компрессия и мощная сатурация на мастере иногда настолько сильно влияют на звуки, что выключив их, ваш микс полностью разваливается, звучание инструментов становится совершенно другим.
⛔ Сильная компрессия и сатурация убивают динамику и внутренний воздух, объём и пространство микса. Разве это правильно?
✅ Для аранжировки этот момент ещё серьёзней, ведь нужно будет отдать чистый мультитрек, где все звуки и инструменты сохранены отдельно без баланса и без лишних обработок, оставляются только самые важные и художественные.
⛔ Идеологически звуки в мультитреке должны полностью совпадать с тем, как они звучат в демке, совпадать по общему окрасу и характеру. А из-за плотной мастер-шины звуки в мультитреке могут сильно отличаться от микса.
⛔ Если оставлять что-то на мастере при подготовке мультитрека, эта обработка применяется ко всем дорожкам, суммарный эффект помножится на количество дорожек. А если убирать, её влияние уходит и звуки так же меняются.
👉 Это всё неправильно и не профессионально! Ситуация, когда мультитрек аранжировки не имеет почти ничего общего с демо-миксом этой самой аранжировки, встречается регулярно. Происходит от незнания и непонимания правильных студийных цепочек, в погоне за "чтоб качало".
🌀 Компрессия суммарной дорожки (микса) это целиком и полностью задача мастеринга, вот и оставьте её на мастеринг. Не нужно делать мастеринг во время работы над аранжировкой или сведением. Это другой процесс и другой взгляд, давайте подходить профессионально.
👉 Для того, чтобы показать заказчику демку, разумеется можно применить временные обработки для уплотнения микса, но делать это следует отдельно, без ущерба для исходника.
👉 Чаще всего, лучше применить обыкновенный широкополосный спиливающий лимитер, а не компрессор. Влияние на исходник будет меньше и проблем будет минимум.
📽️ youtu.be/OO86qpbujDw
#компрессия
#сатурация
#сведение
#мастеринг
Интернет (особенно YouTube) пестрит рассказами про волшебный "собирающий компрессор", который вмиг создаст вам классный чудесно звучащий микс, ничего и делать то не придётся, всё само собой получится 🙈 Но так ли это на самом деле?
Как бы мы себя не оправдывали, какие бы теории не выдумывали, чьи бы сказки не слушали, суммарная компрессия всего микса целиком это всё таки задача мастеринга, а не сведения.
🌀 Когда мы говорим про некий собирающий, склеивающий эффект, речь идёт не о том, что надо реально что-то там сжимать. Вовсе нет! Разговор о создании эффекта мягкого сглаживания аналогового мира, имитацию прохождения сигнала через шину суммирования больших аналоговых пультов. Это не совсем компрессия, скорее сатурация. Но даже её лучше применить в процессе мастеринга, потому что она может оказаться лишней.
✅ Мастер-шина (мастер-канал) при работе над аранжировкой и сведением должна быть по возможности совершенно пустая. Желательно всегда, потому что любая обработка на мастере вмешивается во все звуки сразу, а не отдельно в каждый, влияет на всё и становится неотделимой.
⛔ Компрессия и мощная сатурация на мастере иногда настолько сильно влияют на звуки, что выключив их, ваш микс полностью разваливается, звучание инструментов становится совершенно другим.
⛔ Сильная компрессия и сатурация убивают динамику и внутренний воздух, объём и пространство микса. Разве это правильно?
✅ Для аранжировки этот момент ещё серьёзней, ведь нужно будет отдать чистый мультитрек, где все звуки и инструменты сохранены отдельно без баланса и без лишних обработок, оставляются только самые важные и художественные.
⛔ Идеологически звуки в мультитреке должны полностью совпадать с тем, как они звучат в демке, совпадать по общему окрасу и характеру. А из-за плотной мастер-шины звуки в мультитреке могут сильно отличаться от микса.
⛔ Если оставлять что-то на мастере при подготовке мультитрека, эта обработка применяется ко всем дорожкам, суммарный эффект помножится на количество дорожек. А если убирать, её влияние уходит и звуки так же меняются.
👉 Это всё неправильно и не профессионально! Ситуация, когда мультитрек аранжировки не имеет почти ничего общего с демо-миксом этой самой аранжировки, встречается регулярно. Происходит от незнания и непонимания правильных студийных цепочек, в погоне за "чтоб качало".
🌀 Компрессия суммарной дорожки (микса) это целиком и полностью задача мастеринга, вот и оставьте её на мастеринг. Не нужно делать мастеринг во время работы над аранжировкой или сведением. Это другой процесс и другой взгляд, давайте подходить профессионально.
👉 Для того, чтобы показать заказчику демку, разумеется можно применить временные обработки для уплотнения микса, но делать это следует отдельно, без ущерба для исходника.
👉 Чаще всего, лучше применить обыкновенный широкополосный спиливающий лимитер, а не компрессор. Влияние на исходник будет меньше и проблем будет минимум.
📽️ youtu.be/OO86qpbujDw
#компрессия
#сатурация
#сведение
#мастеринг
❓ Какой жанр сейчас в тренде?
Начинающие часто задаются этим вопросом, наивно полагая, что тренд в музыке это что-то единое и неделимое, как высокая мода. Но так ли это?
🎧 Много ли вы знаете людей, которые слушают к примеру модный молодёжный рэп? А советскую эстраду? А классику? А клубную музыку? А другие массовые направления? Ловите мысль?
👉 Основная масса любителей определённой музыки имеет вполне понятные очертания, как с точки зрения своего возраста, так и во множестве других аспектов их жизни и восприятия мира.
🗼 Другой момент, та же высокая мода. Много ли людей действительно целиком и полностью ей следуют? Ну нет же! Большинство людей учитывают и используют лишь какие-то отдельные элементы, накладывая их на свои собственные вкусы и предпочтения. Согласны?
👉 Вот и получается, что на самом деле существует много отдельных течений, небольших элементов, которые в целом дают общее ощущение нахождения в трендах. Более того, есть люди и их на самом деле большинство, которые вообще не следят за высокой модой. Но среди них всё равно можно выделить отдельные направления, отдельные тренды.
🌀 Так и в музыке. Жанры и тренды имеют прямую привязку к вкусам и аудитории артиста. Разные люди слушают совершенно разную музыку, порой диаметрально противоположную. И нельзя сказать, что они все такие неправильные и неправильную музыку слушают, что они не в тренде. Вовсе нет.
⠀
👉 Трендов одновременно существует много, как и людей, как и вкусов. Это классическая ошибка считать правильной и модной (трендовой) только ту музыку, которую слушаешь и за которой следишь сам. Тренды точно так же имеют локализацию по аудитории, и не стоит про это забывать.
⠀
👉 И в классике есть свои тренды, и в эстраде, и в попсе, и в роке, да и в клубной музыке тоже одновременно может быть несколько независимых веток со своими трендами. Внутри одного стиля и жанра!
Смотрите шире!
#продюсирование
#размышлизмы
Начинающие часто задаются этим вопросом, наивно полагая, что тренд в музыке это что-то единое и неделимое, как высокая мода. Но так ли это?
🎧 Много ли вы знаете людей, которые слушают к примеру модный молодёжный рэп? А советскую эстраду? А классику? А клубную музыку? А другие массовые направления? Ловите мысль?
👉 Основная масса любителей определённой музыки имеет вполне понятные очертания, как с точки зрения своего возраста, так и во множестве других аспектов их жизни и восприятия мира.
🗼 Другой момент, та же высокая мода. Много ли людей действительно целиком и полностью ей следуют? Ну нет же! Большинство людей учитывают и используют лишь какие-то отдельные элементы, накладывая их на свои собственные вкусы и предпочтения. Согласны?
👉 Вот и получается, что на самом деле существует много отдельных течений, небольших элементов, которые в целом дают общее ощущение нахождения в трендах. Более того, есть люди и их на самом деле большинство, которые вообще не следят за высокой модой. Но среди них всё равно можно выделить отдельные направления, отдельные тренды.
🌀 Так и в музыке. Жанры и тренды имеют прямую привязку к вкусам и аудитории артиста. Разные люди слушают совершенно разную музыку, порой диаметрально противоположную. И нельзя сказать, что они все такие неправильные и неправильную музыку слушают, что они не в тренде. Вовсе нет.
⠀
👉 Трендов одновременно существует много, как и людей, как и вкусов. Это классическая ошибка считать правильной и модной (трендовой) только ту музыку, которую слушаешь и за которой следишь сам. Тренды точно так же имеют локализацию по аудитории, и не стоит про это забывать.
⠀
👉 И в классике есть свои тренды, и в эстраде, и в попсе, и в роке, да и в клубной музыке тоже одновременно может быть несколько независимых веток со своими трендами. Внутри одного стиля и жанра!
Смотрите шире!
#продюсирование
#размышлизмы
❓ Артисты и Радио: кто кому чего и на каких условиях?
Взаимоотношения артистов и крупных радио станций и телеканалов, да и в целом любых действительно крупных площадок с многомиллионными охватами не так просты, как могут показаться. Давайте разбираться.
❓ Что такое крупная радио станция для артиста? Зачем она ему?
✅ Прежде всего, радио для артиста это масштабная рекламная площадка, то есть фактически радио нужно артисту для продвижения своего материала.
✅ Радио даёт артисту возможность увеличить его аудиторию за счёт аудитории радио.
✅ Даёт возможность донести новую песню до максимально большого количества слушателей, что действительно ускоряет рост популярности артиста и его новой песни.
✅ Ротация треков на радио это своего рода показатель уровня популярности артиста, элемент статуса и рейтинга.
❓ Что получаем?
👉 Радио нужны артисту для развития и продвижения. То есть это ни что иное, как крутая рекламная площадка и не более!
🌀 Ладно, тут вроде понятно. Теперь давайте посмотрим на артиста с точки зрения радио. Что он значит для радио и нужен ли он вообще там?
💰 Радио это бизнес. Прежде всего бизнес и лишь потом все остальные определения. А если радио это бизнес, тогда артист со своими песнями - тоже вопрос бизнеса. Соответственно, на радио не дураки управляют делами и они прекрасно понимают, что артисту ротации на радио нужны в рекламных целях.
❓ Отсюда что следует?
👉 Радио будут оценивать артиста и его материал с точки зрения бизнеса! Радио должны заработать на этом, а не профинансировать артисту рекламную кампанию за свой счёт.
🌀 Вот и получается, либо артист каким-то образом оплачивает свои ротации (напрямую или накривую, деньгами или связями, это не существенно) либо радио само ищет артиста ибо он нужен этому радио для повышения своего личного рейтинга (мировая звезда). Либо артист платит радио за рекламу, либо становится мировой звездой и его конечно берут бесплатно.
🤷🏻♂️ Жёстко? Согласен! Но такова жизнь. Хотите получить чёткий ответ, ищите где в ситуации (вопросе) деньги, кто получает выгоду. Тогда многое становится понятным. Такой подход универсален ко многим жизненным вопросам.
❓ Как как вы сказали? Радио должны платить артистам за ротации? Так они и платят! 😉 Существуют так называемые законодательно установленные компенсационные выплаты авторам, исполнителям и изготовителям фонограмм. Но это копейки, которые не идут ни в какое сравнение с реальными суммами.
Так что, друзья, дружно становимся мировыми звёздами и нас всех берут бесплатно 😇
#продвижение
Взаимоотношения артистов и крупных радио станций и телеканалов, да и в целом любых действительно крупных площадок с многомиллионными охватами не так просты, как могут показаться. Давайте разбираться.
❓ Что такое крупная радио станция для артиста? Зачем она ему?
✅ Прежде всего, радио для артиста это масштабная рекламная площадка, то есть фактически радио нужно артисту для продвижения своего материала.
✅ Радио даёт артисту возможность увеличить его аудиторию за счёт аудитории радио.
✅ Даёт возможность донести новую песню до максимально большого количества слушателей, что действительно ускоряет рост популярности артиста и его новой песни.
✅ Ротация треков на радио это своего рода показатель уровня популярности артиста, элемент статуса и рейтинга.
❓ Что получаем?
👉 Радио нужны артисту для развития и продвижения. То есть это ни что иное, как крутая рекламная площадка и не более!
🌀 Ладно, тут вроде понятно. Теперь давайте посмотрим на артиста с точки зрения радио. Что он значит для радио и нужен ли он вообще там?
💰 Радио это бизнес. Прежде всего бизнес и лишь потом все остальные определения. А если радио это бизнес, тогда артист со своими песнями - тоже вопрос бизнеса. Соответственно, на радио не дураки управляют делами и они прекрасно понимают, что артисту ротации на радио нужны в рекламных целях.
❓ Отсюда что следует?
👉 Радио будут оценивать артиста и его материал с точки зрения бизнеса! Радио должны заработать на этом, а не профинансировать артисту рекламную кампанию за свой счёт.
🌀 Вот и получается, либо артист каким-то образом оплачивает свои ротации (напрямую или накривую, деньгами или связями, это не существенно) либо радио само ищет артиста ибо он нужен этому радио для повышения своего личного рейтинга (мировая звезда). Либо артист платит радио за рекламу, либо становится мировой звездой и его конечно берут бесплатно.
🤷🏻♂️ Жёстко? Согласен! Но такова жизнь. Хотите получить чёткий ответ, ищите где в ситуации (вопросе) деньги, кто получает выгоду. Тогда многое становится понятным. Такой подход универсален ко многим жизненным вопросам.
❓ Как как вы сказали? Радио должны платить артистам за ротации? Так они и платят! 😉 Существуют так называемые законодательно установленные компенсационные выплаты авторам, исполнителям и изготовителям фонограмм. Но это копейки, которые не идут ни в какое сравнение с реальными суммами.
Так что, друзья, дружно становимся мировыми звёздами и нас всех берут бесплатно 😇
#продвижение
❓ Что такое звукорежиссура?
Откуда пошла, чем характеризуется, где нужна, отвечаем на вопрос «А зачем нам вообще всё это нужно?».
Не буду вдаваться в книжное определение, согласитесь, это скучно. Я стараюсь называть всё простыми словами, своим простым языком, чтобы всем всё было понятно.
❓ Как можно охарактеризовать термин «звукорежиссура»?
Я предпочитаю называть звукорежиссурой всё таинство работы над звуком, само творение финального звука. Именно творение звука и звучания, а не ноты. Ноты скорее относятся к написанию и исполнению музыки. Так что, ребята, если вы хотели услышать что-то про ноты, с нотами вам не сюда.
Говорим только про звук. Это инструменты, это семплы, это голоса, это тембра и варианты того, что с этим всем многообразием можно сделать. У нас с вами существует только звук и никаких нот. Так вот именно звуком и оперирует по большому счёту звукорежиссура.
📯 Если взять шире, любой звук рождается, извлекается, создаётся, потом проходит некий путь обработки и хранится в финальном варианте на физическом носителе. Он не появляется сразу в виде файла на диске или записи на плёнке, а проходит сложный путь. Звукорежиссура отвечает за весь процесс от момента фиксации этого самого звука до получения итогового звучания.
🚙 К примеру, мимо нас проехал автомобиль – это источник звука? Несомненно. Его можно каким-то образом зафиксировать (записать), потом каким-нибудь образом обработать (почистить шумы, подкорректировать тембр, выровнять громкость и пр.) и сделать готовую запись.
Далее, у нас может быть несколько источников звука (инструментов, голосов) и их нужно собрать в единую звуковую картину. Правильно? Два, три, пять, десять… А если двадцать? А если сто? Сложно? Да! Но это всё – звукорежиссура, таинство творения финального звучания.
#азбуказвукорежиссуры
Откуда пошла, чем характеризуется, где нужна, отвечаем на вопрос «А зачем нам вообще всё это нужно?».
Не буду вдаваться в книжное определение, согласитесь, это скучно. Я стараюсь называть всё простыми словами, своим простым языком, чтобы всем всё было понятно.
❓ Как можно охарактеризовать термин «звукорежиссура»?
Я предпочитаю называть звукорежиссурой всё таинство работы над звуком, само творение финального звука. Именно творение звука и звучания, а не ноты. Ноты скорее относятся к написанию и исполнению музыки. Так что, ребята, если вы хотели услышать что-то про ноты, с нотами вам не сюда.
Говорим только про звук. Это инструменты, это семплы, это голоса, это тембра и варианты того, что с этим всем многообразием можно сделать. У нас с вами существует только звук и никаких нот. Так вот именно звуком и оперирует по большому счёту звукорежиссура.
📯 Если взять шире, любой звук рождается, извлекается, создаётся, потом проходит некий путь обработки и хранится в финальном варианте на физическом носителе. Он не появляется сразу в виде файла на диске или записи на плёнке, а проходит сложный путь. Звукорежиссура отвечает за весь процесс от момента фиксации этого самого звука до получения итогового звучания.
🚙 К примеру, мимо нас проехал автомобиль – это источник звука? Несомненно. Его можно каким-то образом зафиксировать (записать), потом каким-нибудь образом обработать (почистить шумы, подкорректировать тембр, выровнять громкость и пр.) и сделать готовую запись.
Далее, у нас может быть несколько источников звука (инструментов, голосов) и их нужно собрать в единую звуковую картину. Правильно? Два, три, пять, десять… А если двадцать? А если сто? Сложно? Да! Но это всё – звукорежиссура, таинство творения финального звучания.
#азбуказвукорежиссуры
❓ Увлекательная история возникновения и развития звукорежиссуры.
Часть первая: фиксация звука.
Появление и развитие этого определения, этого термина, этой науки неразрывно связано с развитием техники звукозаписи. Когда-то много-много лет назад не было возможности каким-либо образом зафиксировать исполнение, записать его физически было просто не на что.
Соответственно, были только исполнители – музыканты и певцы, которые играли и пели, а другие люди слушали. Исполнителям нужно было физически что-то извлечь, что-то воспроизвести, слушатели должны были физически куда-то приехать и их исполнение услышать. В то время звукозаписи не существовало ни в каком виде.
Годы шли, техника развивалась, появилась возможность зафиксировать звук. Совсем первые опыты можем пропустить, но начиная с момента граммофонной эры стало действительно возможным записать исполнение, причём не только одного человека, но даже группы и оркестра. Сложно, но всё-таки уже возможно.
Разумеется, это могло быть исполнено только акустическими инструментами, поскольку электрических источников звука ещё просто не существовало, они появились намного позже.
Получается, сначала у нас появилась возможность просто взять и реальное исполнение людей зафиксировать в виде записи на граммофонной пластинке. Граммофонная запись – это тоже аналоговый носитель, поэтому музыкальное произведение нужно было исполнить и записать в реальном времени, возможности что-то с этим сделать после ещё не было.
Фактически вся история звукорежиссуры началась просто с записи исполнения музыкантов и певцов, сделать ничего ни в процессе ни после на заре звукорежиссуры было технически невозможно. Соответственно, вот как люди спели, как сыграли, так это и было зафиксировано. Не идеально, зато полностью честно без современной студийной «магии».
Это первый этап возникновения звукорежиссуры как таковой. Конечно слово режиссура пока к нему не совсем правильно относилось, скорее это была инженерия звука. А человек, который всё это делал, был прежде всего техник-инженер. Не было особой художественной нагрузки, нужно было грамотно поставить «микрофон» и нажать кнопку «запись».
Никаких пультов и магнитофонов не было, не было ничего. Была лишь возможность зафиксировать звук на финальном носителе, а потом в обратную сторону воспроизвести. Это было самое начало большого пути.
#азбуказвукорежиссуры
Часть первая: фиксация звука.
Появление и развитие этого определения, этого термина, этой науки неразрывно связано с развитием техники звукозаписи. Когда-то много-много лет назад не было возможности каким-либо образом зафиксировать исполнение, записать его физически было просто не на что.
Соответственно, были только исполнители – музыканты и певцы, которые играли и пели, а другие люди слушали. Исполнителям нужно было физически что-то извлечь, что-то воспроизвести, слушатели должны были физически куда-то приехать и их исполнение услышать. В то время звукозаписи не существовало ни в каком виде.
Годы шли, техника развивалась, появилась возможность зафиксировать звук. Совсем первые опыты можем пропустить, но начиная с момента граммофонной эры стало действительно возможным записать исполнение, причём не только одного человека, но даже группы и оркестра. Сложно, но всё-таки уже возможно.
Разумеется, это могло быть исполнено только акустическими инструментами, поскольку электрических источников звука ещё просто не существовало, они появились намного позже.
Получается, сначала у нас появилась возможность просто взять и реальное исполнение людей зафиксировать в виде записи на граммофонной пластинке. Граммофонная запись – это тоже аналоговый носитель, поэтому музыкальное произведение нужно было исполнить и записать в реальном времени, возможности что-то с этим сделать после ещё не было.
Фактически вся история звукорежиссуры началась просто с записи исполнения музыкантов и певцов, сделать ничего ни в процессе ни после на заре звукорежиссуры было технически невозможно. Соответственно, вот как люди спели, как сыграли, так это и было зафиксировано. Не идеально, зато полностью честно без современной студийной «магии».
Это первый этап возникновения звукорежиссуры как таковой. Конечно слово режиссура пока к нему не совсем правильно относилось, скорее это была инженерия звука. А человек, который всё это делал, был прежде всего техник-инженер. Не было особой художественной нагрузки, нужно было грамотно поставить «микрофон» и нажать кнопку «запись».
Никаких пультов и магнитофонов не было, не было ничего. Была лишь возможность зафиксировать звук на финальном носителе, а потом в обратную сторону воспроизвести. Это было самое начало большого пути.
#азбуказвукорежиссуры
❓ Увлекательная история возникновения и развития звукорежиссуры.
Часть вторая: появление многоканальной звукозаписи, рождение режиссуры записи.
Дальнейшее развитие звуковой индустрии пошло с момента возникновения электрических источников звука и многоканальных пультов. Сначала это были огромные 4-канальные пульты, потом уже появились 8-16-24 и далее.
❓ Что это давало?
В момент записи инженеры могли поставить сразу несколько микрофонов и источников звука. Прогресс налицо!
🌋 Параллельно шли электрические эксперименты, появилась широкая палитра возможностей звукоизвлечения, много новых источников звука, которые можно было записать. Стало допустимо использовать несколько микрофонов и выстраивать баланс громкости между ними во время записи. Что-то сделать громче, что-то сделать тише.
На этапе записи у нас появились хоть какие-то возможности, но по-прежнему всё нужно было сразу фиксировать в итоговом виде на носителе. Студийной записи с возможностью промежуточной фиксации ещё не было, всё в реальном времени игралось. Но уже было несколько источников и в процессе исполнения что-то можно было со звуком сделать.
Естественно, всё это пока было моно звучание, о стерео тогда никто не задумывался и не мечтал.
🌋 Время шло. На пультах появились обрезные фильтры, потом небольшие эквалайзеры, возникла возможность что-то менять в тембре. Конечно это было очень примитивно по современным меркам, совсем минимум, но – существовало! К тому же, это была ламповая электроника – огромная массивная техника, которая жутко греется и много потребляет электроэнергии.
Процесс записи получался дорогим, нужно было на ходу всё чётко и максимально без ошибок делать. Но появились элементы художественной работы во время записи, появилась базовая режиссура записи. Вместо инженера записи возник режиссёр записи. Увы, дальше ничего со звуком всё ещё нельзя было сделать.
🌋 А реальный прорыв звукорежиссуре произошёл с появлением плёночной магнитной звукозаписи, когда в студии уже появилась реальная возможность что-то записать, позже что-то с этим сделать и только потом уже записать на бытовой носитель. Единый процесс исполнения и записи разделился на несколько этапов: запись, обработка, финал.
#азбуказвукорежиссуры
Часть вторая: появление многоканальной звукозаписи, рождение режиссуры записи.
Дальнейшее развитие звуковой индустрии пошло с момента возникновения электрических источников звука и многоканальных пультов. Сначала это были огромные 4-канальные пульты, потом уже появились 8-16-24 и далее.
❓ Что это давало?
В момент записи инженеры могли поставить сразу несколько микрофонов и источников звука. Прогресс налицо!
🌋 Параллельно шли электрические эксперименты, появилась широкая палитра возможностей звукоизвлечения, много новых источников звука, которые можно было записать. Стало допустимо использовать несколько микрофонов и выстраивать баланс громкости между ними во время записи. Что-то сделать громче, что-то сделать тише.
На этапе записи у нас появились хоть какие-то возможности, но по-прежнему всё нужно было сразу фиксировать в итоговом виде на носителе. Студийной записи с возможностью промежуточной фиксации ещё не было, всё в реальном времени игралось. Но уже было несколько источников и в процессе исполнения что-то можно было со звуком сделать.
Естественно, всё это пока было моно звучание, о стерео тогда никто не задумывался и не мечтал.
🌋 Время шло. На пультах появились обрезные фильтры, потом небольшие эквалайзеры, возникла возможность что-то менять в тембре. Конечно это было очень примитивно по современным меркам, совсем минимум, но – существовало! К тому же, это была ламповая электроника – огромная массивная техника, которая жутко греется и много потребляет электроэнергии.
Процесс записи получался дорогим, нужно было на ходу всё чётко и максимально без ошибок делать. Но появились элементы художественной работы во время записи, появилась базовая режиссура записи. Вместо инженера записи возник режиссёр записи. Увы, дальше ничего со звуком всё ещё нельзя было сделать.
🌋 А реальный прорыв звукорежиссуре произошёл с появлением плёночной магнитной звукозаписи, когда в студии уже появилась реальная возможность что-то записать, позже что-то с этим сделать и только потом уже записать на бытовой носитель. Единый процесс исполнения и записи разделился на несколько этапов: запись, обработка, финал.
#азбуказвукорежиссуры
❓ Увлекательная история возникновения и развития звукорежиссуры.
Часть третья: таинство студийного творения звука.
С появлением плёночной магнитной студийной звукозаписи произошёл реальный прорыв в звукорежиссуре. Единый процесс разделился на несколько этапов: запись исполнения, обработка этой записи, финальный микс, издание на бытовом носителе. Помимо непосредственно записи исполнителей появился процесс фиксации и обработки полученной записи.
🔊 Многоканальная запись начиналась с 4 каналов.
➡️ Много это или мало?
Поставили музыкантов, расставили микрофоны и прочие источники звука (ту же электрогитару надо ж было как-то подключить). А у нас всего четыре канала пульта, четыре канала записи, куда их всех?
👉 Вот и получалось вынужденно: барабаны в одном канале, все вокалы на втором канале, бас на третьем, все гитары на четвёртом, а на финальном сведении (вернее – перезаписи, иногда многократной) всё это собиралось вместе в одну дорожку.
🔊 Это было круто!
✅ Можно было сначала записать, позже повторно обработать и в спокойной обстановке сделать нормальную финальную запись.
👉 У нас появился второй элемент – мы могли вмешиваться в сигнал на этапе работы в студии уже после записи.
✅ Это был очень серьёзный шаг в развитии, и именно с него можно говорить про звукорежиссуру как область знаний и отдельную творческую профессию.
🔊 Разумеется, поначалу каналов на плёнке было мало, каналов на пультах было мало, возможности были очень скудные и во многом просто инженерные.
➡️ Основная режиссура достигалась во время записи за счёт огромного количества дублей. Иногда могло быть и по сто дублей на одну песню, причём всё записывалось и исполнялось целиком от начала до конца, полное произведение.
➡️ Поэтому увы режиссура произведения по-прежнему творилась во время записи, именно там рождался звук.
🔊 Позже пошли 8-ми и 16-канальные плёнки (триумфом можно считать 24-канальные), студийные 24-48 и более канальные пульты, множество новых приборов обработки звука.
➡️ Техника развивалась, и в студийном мире появилось огромное количество новых технических возможностей для реализации художественных идей.
🤟 Вот именно с этой точки и возникло таинство студийного творения звука как отдельного процесса.
#азбуказвукорежиссуры
Часть третья: таинство студийного творения звука.
С появлением плёночной магнитной студийной звукозаписи произошёл реальный прорыв в звукорежиссуре. Единый процесс разделился на несколько этапов: запись исполнения, обработка этой записи, финальный микс, издание на бытовом носителе. Помимо непосредственно записи исполнителей появился процесс фиксации и обработки полученной записи.
🔊 Многоканальная запись начиналась с 4 каналов.
➡️ Много это или мало?
Поставили музыкантов, расставили микрофоны и прочие источники звука (ту же электрогитару надо ж было как-то подключить). А у нас всего четыре канала пульта, четыре канала записи, куда их всех?
👉 Вот и получалось вынужденно: барабаны в одном канале, все вокалы на втором канале, бас на третьем, все гитары на четвёртом, а на финальном сведении (вернее – перезаписи, иногда многократной) всё это собиралось вместе в одну дорожку.
🔊 Это было круто!
✅ Можно было сначала записать, позже повторно обработать и в спокойной обстановке сделать нормальную финальную запись.
👉 У нас появился второй элемент – мы могли вмешиваться в сигнал на этапе работы в студии уже после записи.
✅ Это был очень серьёзный шаг в развитии, и именно с него можно говорить про звукорежиссуру как область знаний и отдельную творческую профессию.
🔊 Разумеется, поначалу каналов на плёнке было мало, каналов на пультах было мало, возможности были очень скудные и во многом просто инженерные.
➡️ Основная режиссура достигалась во время записи за счёт огромного количества дублей. Иногда могло быть и по сто дублей на одну песню, причём всё записывалось и исполнялось целиком от начала до конца, полное произведение.
➡️ Поэтому увы режиссура произведения по-прежнему творилась во время записи, именно там рождался звук.
🔊 Позже пошли 8-ми и 16-канальные плёнки (триумфом можно считать 24-канальные), студийные 24-48 и более канальные пульты, множество новых приборов обработки звука.
➡️ Техника развивалась, и в студийном мире появилось огромное количество новых технических возможностей для реализации художественных идей.
🤟 Вот именно с этой точки и возникло таинство студийного творения звука как отдельного процесса.
#азбуказвукорежиссуры
❓ Увлекательная история возникновения и развития звукорежиссуры.
Часть IV: переход в «цифру» и появление «звуко-людей».
Появились многоканальные пульты и магнитофоны, много хороших и полезных приборов обработки звука, в мир пришло стерео, но вся цепочка по-прежнему была аналоговой со всеми своими проблемами.
Какой путь проходило каждое произведение?
✅ Сначала мы должны были записать исполнение и реализовать его режиссуру во время записи на студийный носитель, который был всего лишь один – плёнка (tape machine).
✅ После этого в реальном времени (но не обязательно в тот же день) обработать, сложить в одну дорожку (ура! уже в стерео) и записать на другую плёнку.
✅ И уже с этой плёнки, которая была готова к тиражу, делали мастеринг студийного носителя.
📈 Это был сложный многоэтапный процесс, который развивался вместе с развитием техники, а новые технические и инженерные возможности давали скачок в художественных экспериментах, в художественных идеях.
🌀 По мере того, как этих художественных возможностей становилось всё больше и больше, таинство создания финального звучания стало перемещаться от момента фиксации записи и режиссуры записи в сторону режиссуры финального звучания. Этот период в истории звукорежиссуры можно считать началом профессии саунд-продюсера.
Кто такой саунд-продюсер?
Это человек, который создаёт финальный звук, он его не фиксирует, он его делает. Здесь включил, здесь выключил, здесь подвинул, здесь очень хитро обработал, здесь что-то ещё, тут добавил, там убрал и т.д. – полностью художественная и креативная история, это следующий этап.
🔢 Ну а с приходом в наш мир цифровых технологий, а в последствии и мощных компьютерных технологий, все процессы полностью переместились в цифровой формат. Таинство студийного творения стало доступно многим и везде. И теперь, когда говорят слово «звукорежиссура», чаще всего подразумевают именно таинство создания финального звука.
Запись песни перестала быть главной точкой создания правильного звучания. В основном все музыканты и вокалисты записываются раздельно, стараются время зря не тратить. Живые команды пишут всё реже и реже, даже оркестровые аранжировки нередко делают полностью в цифровом формате без живого оркестра (мы так делали шоу Арриолас 📽️ youtu.be/qh_UwZ00fcQ, полностью на звуках из библиотек).
💻 Музыка в её финальном варианте теперь рождается в компьютере, лепится из кусочков, состоит из хитрых фишек и эффектов. Композитор как творец мелодий никуда не делся, но в процессе задействовано много новых людей, которые вносят не меньше в произведение и его успех.
🤟 Аранжировщик, битмейкер, звукорежиссёр, саунд-продюсер, музыкальный продюсер – это всё люди-творцы, «звуко-люди», можно и так сказать, которые могут использовать некий исходник (набор чего-то, конструктор) чтобы создать финальное итоговое звучание. И без них уже никуда.
Понравился рассказ? Это отрывок из марафона «Азбука студийной звукорежиссуры», доступен для обучения оффлайн в любое время.
t.me/andrewaspidov_online/39
#азбуказвукорежиссуры
Часть IV: переход в «цифру» и появление «звуко-людей».
Появились многоканальные пульты и магнитофоны, много хороших и полезных приборов обработки звука, в мир пришло стерео, но вся цепочка по-прежнему была аналоговой со всеми своими проблемами.
Какой путь проходило каждое произведение?
✅ Сначала мы должны были записать исполнение и реализовать его режиссуру во время записи на студийный носитель, который был всего лишь один – плёнка (tape machine).
✅ После этого в реальном времени (но не обязательно в тот же день) обработать, сложить в одну дорожку (ура! уже в стерео) и записать на другую плёнку.
✅ И уже с этой плёнки, которая была готова к тиражу, делали мастеринг студийного носителя.
📈 Это был сложный многоэтапный процесс, который развивался вместе с развитием техники, а новые технические и инженерные возможности давали скачок в художественных экспериментах, в художественных идеях.
🌀 По мере того, как этих художественных возможностей становилось всё больше и больше, таинство создания финального звучания стало перемещаться от момента фиксации записи и режиссуры записи в сторону режиссуры финального звучания. Этот период в истории звукорежиссуры можно считать началом профессии саунд-продюсера.
Кто такой саунд-продюсер?
Это человек, который создаёт финальный звук, он его не фиксирует, он его делает. Здесь включил, здесь выключил, здесь подвинул, здесь очень хитро обработал, здесь что-то ещё, тут добавил, там убрал и т.д. – полностью художественная и креативная история, это следующий этап.
🔢 Ну а с приходом в наш мир цифровых технологий, а в последствии и мощных компьютерных технологий, все процессы полностью переместились в цифровой формат. Таинство студийного творения стало доступно многим и везде. И теперь, когда говорят слово «звукорежиссура», чаще всего подразумевают именно таинство создания финального звука.
Запись песни перестала быть главной точкой создания правильного звучания. В основном все музыканты и вокалисты записываются раздельно, стараются время зря не тратить. Живые команды пишут всё реже и реже, даже оркестровые аранжировки нередко делают полностью в цифровом формате без живого оркестра (мы так делали шоу Арриолас 📽️ youtu.be/qh_UwZ00fcQ, полностью на звуках из библиотек).
💻 Музыка в её финальном варианте теперь рождается в компьютере, лепится из кусочков, состоит из хитрых фишек и эффектов. Композитор как творец мелодий никуда не делся, но в процессе задействовано много новых людей, которые вносят не меньше в произведение и его успех.
🤟 Аранжировщик, битмейкер, звукорежиссёр, саунд-продюсер, музыкальный продюсер – это всё люди-творцы, «звуко-люди», можно и так сказать, которые могут использовать некий исходник (набор чего-то, конструктор) чтобы создать финальное итоговое звучание. И без них уже никуда.
Понравился рассказ? Это отрывок из марафона «Азбука студийной звукорежиссуры», доступен для обучения оффлайн в любое время.
t.me/andrewaspidov_online/39
#азбуказвукорежиссуры
❓ Сатурация – главный ключ к крутому звучанию!
Недавно в TikTok к какому-то ролику был комментарий: «О! Мистер Сатурация!» Я спрашиваю, собственно, почему? А вы, говорит, в каждом ролике говорите про сатурацию или используйте слово сатурация.
🔖 Именно так, сатурация вам нужна везде! Это привнесение аналоговой краски, того крутого сочного жирного аналогового звучания в современный сухой нейтральный цифровой. Поэтому сатурация вам нужна практически на всём, просто разная, под свои идеи и задачи вы и подбираете конкретный способ и плагин.
Сатурация бывает мягкая, почти незаметная, просто лёгкая подкраска, которая чуть слышна. Это может быть эквалайзер, который сам по себе даёт вам красивый окрас. Это может быть компрессор, который помимо того, что работает, ещё и вносит какой-то свой вкусный оттенок.
👉 Хотим определённый звук? Понимаем что мы хотим и планомерно туда идём!
❓ В чём главная фишка сочного звука восьмидесятых?
🔖 Пока ваш исходный звук (бас, гитара, клавиши, вокал - всё что угодно) проходил через цепочку аналоговых приборов обработки (а это и компрессор, и эквалайзер, и пульт, и плёнка), да ещё и многократно, звук насыщался и становился таким крутым.
Именно длинная цепочка аналоговых приборов, каждый из которых вмешивался в сигнал, добавляя свой уникальный окрас, и давала тот самый крутой саунд 80х. Не исходные звуки, не звучание инструментов, а запись и обработка создавала это волшебство.
➡️ Вы можете делать ровно тоже самое в цифровом виде сейчас, у вас огромная палитра из хороших плагинов. Я не просто так в марафонах ребятам даю очень много плагинов и показываю какой куда подходит, какой окрас даёт, что для гитары, это для баса хорошо, что на вокал гениально, какой на духовые и струнные хорошо подходит и т.д.
Это не обязательно какой-то отдельный плагин «сатуратор». В основном у вас сами эквалайзеры и компрессоры уже дают псевдо-аналоговую обработку, каждый со своим уникальным окрасом. Вы их подбираете и используете на свой вкус. Что-то хотите добавить, вот и применяйте. Нет никаких особых правил применения сатурации. Микс или звучит плотно и сочно или не звучит.
🔖 Моя одна из любимых фраз «Ребята, вы хотите что-то получить? Вот и двигаетесь туда!».
✅ Если звук улучшается и приближается к нужной вам точке – молодцы! Если не приближается, если что-то ломается, что-то портится, значит что-то делаете не так. Верно?
➡️ Уберите плагин, подберите другой!
Ради этого я в марафоне Эквализация и Компрессия заставляю участников покопаться в своих плагинах. Найти, какой нравится, какой нет, куда подходит, куда не подходит. Раскопать инструментарий.
👉 И каждый раз слышу находки «ой, а у меня такой плагин был, а я не знал, куда его применить». А вот оказывается куда, и он, оказывается, даёт сумасшедше классную краску, и он есть, а вы его не использовали 🤷🏻♂️
✅ То чем вы пользуетесь, желательно хорошо знать. Пусть у вас будет пять компрессоров, пять эквалайзеров. Но каждый из них вы знаете досконально, в деталях, в нюансах, и умеете ими пользоваться. Потом, когда вы эти пять освоили, добавляйте ещё.
👉 Пробуйте, копайте, обязательно читайте документацию, потому что реализация даже одних и тех же алгоритмов у разных производителей разные. Всегда есть нюансы. Отличных вам миксов!
#сатурация
Недавно в TikTok к какому-то ролику был комментарий: «О! Мистер Сатурация!» Я спрашиваю, собственно, почему? А вы, говорит, в каждом ролике говорите про сатурацию или используйте слово сатурация.
🔖 Именно так, сатурация вам нужна везде! Это привнесение аналоговой краски, того крутого сочного жирного аналогового звучания в современный сухой нейтральный цифровой. Поэтому сатурация вам нужна практически на всём, просто разная, под свои идеи и задачи вы и подбираете конкретный способ и плагин.
Сатурация бывает мягкая, почти незаметная, просто лёгкая подкраска, которая чуть слышна. Это может быть эквалайзер, который сам по себе даёт вам красивый окрас. Это может быть компрессор, который помимо того, что работает, ещё и вносит какой-то свой вкусный оттенок.
👉 Хотим определённый звук? Понимаем что мы хотим и планомерно туда идём!
❓ В чём главная фишка сочного звука восьмидесятых?
🔖 Пока ваш исходный звук (бас, гитара, клавиши, вокал - всё что угодно) проходил через цепочку аналоговых приборов обработки (а это и компрессор, и эквалайзер, и пульт, и плёнка), да ещё и многократно, звук насыщался и становился таким крутым.
Именно длинная цепочка аналоговых приборов, каждый из которых вмешивался в сигнал, добавляя свой уникальный окрас, и давала тот самый крутой саунд 80х. Не исходные звуки, не звучание инструментов, а запись и обработка создавала это волшебство.
➡️ Вы можете делать ровно тоже самое в цифровом виде сейчас, у вас огромная палитра из хороших плагинов. Я не просто так в марафонах ребятам даю очень много плагинов и показываю какой куда подходит, какой окрас даёт, что для гитары, это для баса хорошо, что на вокал гениально, какой на духовые и струнные хорошо подходит и т.д.
Это не обязательно какой-то отдельный плагин «сатуратор». В основном у вас сами эквалайзеры и компрессоры уже дают псевдо-аналоговую обработку, каждый со своим уникальным окрасом. Вы их подбираете и используете на свой вкус. Что-то хотите добавить, вот и применяйте. Нет никаких особых правил применения сатурации. Микс или звучит плотно и сочно или не звучит.
🔖 Моя одна из любимых фраз «Ребята, вы хотите что-то получить? Вот и двигаетесь туда!».
✅ Если звук улучшается и приближается к нужной вам точке – молодцы! Если не приближается, если что-то ломается, что-то портится, значит что-то делаете не так. Верно?
➡️ Уберите плагин, подберите другой!
Ради этого я в марафоне Эквализация и Компрессия заставляю участников покопаться в своих плагинах. Найти, какой нравится, какой нет, куда подходит, куда не подходит. Раскопать инструментарий.
👉 И каждый раз слышу находки «ой, а у меня такой плагин был, а я не знал, куда его применить». А вот оказывается куда, и он, оказывается, даёт сумасшедше классную краску, и он есть, а вы его не использовали 🤷🏻♂️
✅ То чем вы пользуетесь, желательно хорошо знать. Пусть у вас будет пять компрессоров, пять эквалайзеров. Но каждый из них вы знаете досконально, в деталях, в нюансах, и умеете ими пользоваться. Потом, когда вы эти пять освоили, добавляйте ещё.
👉 Пробуйте, копайте, обязательно читайте документацию, потому что реализация даже одних и тех же алгоритмов у разных производителей разные. Всегда есть нюансы. Отличных вам миксов!
#сатурация
❓ Что такое мастеринг?
Как и когда появился, как развивался, какие задачи и проблемы имелись и решались?
🌀 Запасаемся поп-корном, набираемся терпения, вникаем и наслаждаемся! Рассказываю часть бонусного эфира Онлайн Марафона «Коммерческое Сведение Песни» – историю возникновения и развитие мастеринга как инженерного и художественного процесса работы над звуком.
📀 Мастеринг как инженерный процесс возник на стыке студийной плёночной звукозаписи и бытовых виниловых носителей.
Вся работа над созданием фонограмм велась на студийных многоканальных плёночных магнитофонах, аналоговых пультах и приборах. И дальше этот очень качественный материал нужно было как-то перенести на винил, носитель достаточно проблемный с массой ограничений и технических особенностей.
Даже на заре плёночной эры, качество студийной записи всё равно глобально превышало качество и возможности бытового носителя. Поэтому и возникла необходимость каким-то образом адаптировать звучание с учётом сложностей и ограничений виниловых пластинок.
❓ В чём проблема винила?
Что ж такого сложного было связано с виниловыми пластинками, что пришлось целый тех.процесс изобретать?
👉 Процесс записи и воспроизведения винилового диска во многом схож с микрофонный трактом. При записи диска колебания иглы (аналог мембраны микрофона) вырезают канавки, а при воспроизведении колебания иглы о края канавки создают звуковые колебания. Чем не микрофон? Суть процесса аналогична.
❓ Что это означает на практике?
Нелинейность и массу ограничений.
☑️ Проблема с диапазоном частот и его неравномерностью, узким динамическим диапазоном, шумы и искажения, физическая деградация носителя при каждом воспроизведении.
☑️ Даже по громкости сигнала и по стерео картине были ограничения, поскольку соседние дорожки (канавки) на диске могли попросту слипнуться, что приводило к скачкам иглы. Слишком широкое стерео тоже могло приводить к скачкам иглы. Очень сложный носитель 🤷🏻♂️
📼 Студийная плёнка намного более качественный и удобный носитель. Студийная запись многократно превышает физические возможности виниловой записи. Вот потому и пришлось придумывать, как перенести студийный исходник с минимальными потерями и добиться приемлемого звучания музыки в бытовых условиях. О художественной стороне мастеринга тогда не думали, это был прежде всего инженерный процесс.
❓ Как появился и происходил мастеринг альбомов для виниловых дисков?
📀 Действительно массовым винил стал тогда, когда появились большие 12" диски long play. На них можно было записать по 20-25 минут звучания на одну сторону, что позволило записывать и выпускать музыку альбомами, а не отдельными песнями.
🚀 Это был прорыв!
У художников музыкальной индустрии появилась возможность создавать концептуальные записи, реализовывать сложные замыслы. Но даже просто скомпоновать несколько песен в единое целое было в новинку и зашло слушателям на ура.
❓ А как быть технически?
Фонограммы отдельных песен создавались в разное время, порой на разных студиях. Как их записать на один диск подряд в едином звучании?
Проблема была в следующем.
📀 Запись мастер-диска (нарезка) происходит непрерывно, остановить и продолжить запись нельзя. Значит, все песни нужно причесать по звучанию и воспроизвести друг за другом единовременно.
Сделать это заранее на плёнке проблематично ввиду особенностей носителей.
Добавим сюда высокую стоимость изготовления мастер-диска, каждая ошибка это 💰💰💰. Как быть?
💡 Делаем два параллельных набора приборов и подбираем заранее параметры под каждую песню. Фиксируем, а во время записи мастер-диска заранее набираем параметры на втором наборе приборов под следующую песню и в паузе переключаем. Элементарно!
👉 Вот так и появился мастеринг альбомов, как отдельный процесс.
Продолжим в следующей части.
#мастеринг
Как и когда появился, как развивался, какие задачи и проблемы имелись и решались?
🌀 Запасаемся поп-корном, набираемся терпения, вникаем и наслаждаемся! Рассказываю часть бонусного эфира Онлайн Марафона «Коммерческое Сведение Песни» – историю возникновения и развитие мастеринга как инженерного и художественного процесса работы над звуком.
📀 Мастеринг как инженерный процесс возник на стыке студийной плёночной звукозаписи и бытовых виниловых носителей.
Вся работа над созданием фонограмм велась на студийных многоканальных плёночных магнитофонах, аналоговых пультах и приборах. И дальше этот очень качественный материал нужно было как-то перенести на винил, носитель достаточно проблемный с массой ограничений и технических особенностей.
Даже на заре плёночной эры, качество студийной записи всё равно глобально превышало качество и возможности бытового носителя. Поэтому и возникла необходимость каким-то образом адаптировать звучание с учётом сложностей и ограничений виниловых пластинок.
❓ В чём проблема винила?
Что ж такого сложного было связано с виниловыми пластинками, что пришлось целый тех.процесс изобретать?
👉 Процесс записи и воспроизведения винилового диска во многом схож с микрофонный трактом. При записи диска колебания иглы (аналог мембраны микрофона) вырезают канавки, а при воспроизведении колебания иглы о края канавки создают звуковые колебания. Чем не микрофон? Суть процесса аналогична.
❓ Что это означает на практике?
Нелинейность и массу ограничений.
☑️ Проблема с диапазоном частот и его неравномерностью, узким динамическим диапазоном, шумы и искажения, физическая деградация носителя при каждом воспроизведении.
☑️ Даже по громкости сигнала и по стерео картине были ограничения, поскольку соседние дорожки (канавки) на диске могли попросту слипнуться, что приводило к скачкам иглы. Слишком широкое стерео тоже могло приводить к скачкам иглы. Очень сложный носитель 🤷🏻♂️
📼 Студийная плёнка намного более качественный и удобный носитель. Студийная запись многократно превышает физические возможности виниловой записи. Вот потому и пришлось придумывать, как перенести студийный исходник с минимальными потерями и добиться приемлемого звучания музыки в бытовых условиях. О художественной стороне мастеринга тогда не думали, это был прежде всего инженерный процесс.
❓ Как появился и происходил мастеринг альбомов для виниловых дисков?
📀 Действительно массовым винил стал тогда, когда появились большие 12" диски long play. На них можно было записать по 20-25 минут звучания на одну сторону, что позволило записывать и выпускать музыку альбомами, а не отдельными песнями.
🚀 Это был прорыв!
У художников музыкальной индустрии появилась возможность создавать концептуальные записи, реализовывать сложные замыслы. Но даже просто скомпоновать несколько песен в единое целое было в новинку и зашло слушателям на ура.
❓ А как быть технически?
Фонограммы отдельных песен создавались в разное время, порой на разных студиях. Как их записать на один диск подряд в едином звучании?
Проблема была в следующем.
📀 Запись мастер-диска (нарезка) происходит непрерывно, остановить и продолжить запись нельзя. Значит, все песни нужно причесать по звучанию и воспроизвести друг за другом единовременно.
Сделать это заранее на плёнке проблематично ввиду особенностей носителей.
Добавим сюда высокую стоимость изготовления мастер-диска, каждая ошибка это 💰💰💰. Как быть?
💡 Делаем два параллельных набора приборов и подбираем заранее параметры под каждую песню. Фиксируем, а во время записи мастер-диска заранее набираем параметры на втором наборе приборов под следующую песню и в паузе переключаем. Элементарно!
👉 Вот так и появился мастеринг альбомов, как отдельный процесс.
Продолжим в следующей части.
#мастеринг
❓ Мастеринг. История возникновения и развития. Продолжение.
📀 Виниловая эпоха была продолжительной, на очень долгое время этот носитель стал основным доступным относительно качественным источником прослушивания музыки в быту (радио и тв не в счёт). В студии и в производстве он создавал проблемы, но в быту звучал очень неплохо. Все были довольны, но проблема и сложность подготовки мастер-диска оставалась.
❓ Что делать?
📀 Студийный мир прекрасно понимал особенности носителя и важность подготовки материалов. Поэтому, ещё на этапе создания финального студийного звучания, стали учитывать нюансы виниловой записи, старались заранее подготовить миксы для мастеринга.
📀 Студийные фонограммы на плёнке были максимально заточены под мастеринг винила. Это было удобно, но при дальнейшей глобальной смене основного бытового носителя и переходе в цифру это создало массу проблем и потребовало новых технических и технологических решений.
📀 Виниловая эпоха фактически создала мастеринг как таковой. Это со временем стало не только техническим элементом, но и художественным.
Появилась гонка громкости, поскольку каждый хотел, чтобы его альбом звучал громче других (здесь работает психоакустическое восприятие звука человеком).
Студийный мир адаптировался, звучание в студии сразу старались делать с учётом носителя. Но это в итоге и стало проблемой с приходом цифрового звука.
📀 Компакт диск, да и в целом цифровой звук, характеризуется полностью чистым нейтральным звучанием. Перенос записей, сделанных под винил, оказался той ещё проблемой.
Ничего банально не звучало, всё было тускло и скучно, динамика, ширина, яркость - всё не то. И мастеринг снова изменился. А вместе с тем и студийный мир оказался вынужден учитывать нюансы нового бытового формата.
📲 Затем пришла эра файлов. Аббревиатурой MP3 сейчас никого не удивить. Однако, многие и не подозревают, что это сжатие с потерями, что даёт свою новую пачку проблем, прежде всего с уровнем громкости.
Да да, казалось бы, файл и файл 😂, но нет. При воспроизведении MP3 файла возможно получение более громких всплесков аудио, что может приводить к искажениям, к жёсткому звучанию. И мастеринг в студии должен это учитывать. Тот же стандарт Mastered for iTunes родился не просто так.
📀 Таким образом, мастеринг в инженерном плане это адаптация крутой студийной записи под бытовой носитель. В разные времена это был разный процесс, но его цель и задача оставалась прежней.
❓ Почему адаптация?
☑️ Бытовая акустика, бытовая аппаратура, бытовые носители принципиально отличаются от студийного оборудования.
☑️ Студийное оборудование и акустика имеют глобально большее разрешение, детализацию, честность и линейность спектра, общее качество звука.
☑️ Студийный тракт предназначен вскрыть и показать все ошибки микса, достать всю грязь и проблемы.
☑️ Бытовая акустика, как правило, пытается максимально скрыть это, сделать звучание более мягким и приятным. Проблемы микса никуда не теряются, они прячутся, маскируются, но грязь и муть остаётся.
📀 Фактически, вся цепочка работы над песней ведёт к тому, чтобы получить максимально круто звучащую на бытовой акустике финальную фонограмму. Это и есть тот самый мастер.
🌀 Вот такой большой рассказ получился. Понравился?
#мастеринг
📀 Виниловая эпоха была продолжительной, на очень долгое время этот носитель стал основным доступным относительно качественным источником прослушивания музыки в быту (радио и тв не в счёт). В студии и в производстве он создавал проблемы, но в быту звучал очень неплохо. Все были довольны, но проблема и сложность подготовки мастер-диска оставалась.
❓ Что делать?
📀 Студийный мир прекрасно понимал особенности носителя и важность подготовки материалов. Поэтому, ещё на этапе создания финального студийного звучания, стали учитывать нюансы виниловой записи, старались заранее подготовить миксы для мастеринга.
📀 Студийные фонограммы на плёнке были максимально заточены под мастеринг винила. Это было удобно, но при дальнейшей глобальной смене основного бытового носителя и переходе в цифру это создало массу проблем и потребовало новых технических и технологических решений.
📀 Виниловая эпоха фактически создала мастеринг как таковой. Это со временем стало не только техническим элементом, но и художественным.
Появилась гонка громкости, поскольку каждый хотел, чтобы его альбом звучал громче других (здесь работает психоакустическое восприятие звука человеком).
Студийный мир адаптировался, звучание в студии сразу старались делать с учётом носителя. Но это в итоге и стало проблемой с приходом цифрового звука.
📀 Компакт диск, да и в целом цифровой звук, характеризуется полностью чистым нейтральным звучанием. Перенос записей, сделанных под винил, оказался той ещё проблемой.
Ничего банально не звучало, всё было тускло и скучно, динамика, ширина, яркость - всё не то. И мастеринг снова изменился. А вместе с тем и студийный мир оказался вынужден учитывать нюансы нового бытового формата.
📲 Затем пришла эра файлов. Аббревиатурой MP3 сейчас никого не удивить. Однако, многие и не подозревают, что это сжатие с потерями, что даёт свою новую пачку проблем, прежде всего с уровнем громкости.
Да да, казалось бы, файл и файл 😂, но нет. При воспроизведении MP3 файла возможно получение более громких всплесков аудио, что может приводить к искажениям, к жёсткому звучанию. И мастеринг в студии должен это учитывать. Тот же стандарт Mastered for iTunes родился не просто так.
📀 Таким образом, мастеринг в инженерном плане это адаптация крутой студийной записи под бытовой носитель. В разные времена это был разный процесс, но его цель и задача оставалась прежней.
❓ Почему адаптация?
☑️ Бытовая акустика, бытовая аппаратура, бытовые носители принципиально отличаются от студийного оборудования.
☑️ Студийное оборудование и акустика имеют глобально большее разрешение, детализацию, честность и линейность спектра, общее качество звука.
☑️ Студийный тракт предназначен вскрыть и показать все ошибки микса, достать всю грязь и проблемы.
☑️ Бытовая акустика, как правило, пытается максимально скрыть это, сделать звучание более мягким и приятным. Проблемы микса никуда не теряются, они прячутся, маскируются, но грязь и муть остаётся.
📀 Фактически, вся цепочка работы над песней ведёт к тому, чтобы получить максимально круто звучащую на бытовой акустике финальную фонограмму. Это и есть тот самый мастер.
🌀 Вот такой большой рассказ получился. Понравился?
#мастеринг
Инженер, Режиссёр, Продюсер - кто все эти люди?
Музыкальная терминология штука занятная, названия ролей и специалистов не исключение, давайте разбираться. Рассказываю отрывок марафона «Азбука студийной звукорежиссуры».
🌀 Инженер — это человек, который квалифицированно выполняет техническую работу на каждом этапе производства песни. Нажал кнопку «запись», «стоп», сохранил дубль, переместил записанные дорожки, подключил провод, включил прибор, передвинул микрофон и т.д. Если он что-то редактирует, чистит, режет исходник, в этот момент он тоже инженер. Почему? Потому что не касается художественных вопросов.
📚 Вполне возможно вы слышали такие термины, как «инженер записи», «инженер сведения», «инженер мастеринга». Инженер – уважаемый квалифицированный человек, который делает что-то технически грамотно, но не принимает никаких художественных решений, не меняет баланса, не решает, что нужно другой микрофон поставить или что-то перезаписать, не определяет удачность записанных дублей, а технически обеспечивает процесс. Принимает решения режиссёр либо продюсер.
🌀 Режиссёр понимает всю инженерную сторону вопроса, но владеет и художественными методами. Он в курсе, что такое эмоции и характер, может перевести запрос артиста из «сделать звук ярче» на инженерно-технический язык. Владеет художественными методами и в состоянии додумать итоговую звуковую картину, работает над общим звучанием произведения. В отличие от инженера, режиссёр принимает не только инженерные, но и художественные решения.
📚 А глобальные решения на записи, сведении, да и на любом другом этапе принимает продюсер. Именно тот человек, который говорит: «слушай, ну это вообще никуда не годится, нам нужно другого гитариста позвать, это нам не подходит, с этим возиться без-смысленно», «микрофон не подходит, тембр не звучит, давай искать другой» и так далее.
Продюсер принимает не только инженерно-художественные, но и организационно-идеологические решения: переделать аранжировку, изменить стиль, переиграть инструменты, перепеть вокал, записать бэки, с кем и какие именно и т.д. Вот это уже продюсер.
🌀 Продюсер точно так же может быть на каждом этапе цепочки. Во время записи может быть продюсер записи, который фактически может вообще не подходить к оборудованию, но принимать решения и объяснять каждому участнику процесса что ему нужно делать на понятном языке. Продюсер аранжировки и продюсер сведения – такие же нормальные и допустимые термины.
📚 В эру классической аналоговой звукозаписи, в эру больших студий, во время записи всегда присутствовал продюсер записи. Это человек, который ходил и рулил процессом, следил, что сделать, как сделать, что изменить, как исполнить. Он принимал решение. Это был мозг всей записи. Именно он уже командовал режиссёрами, а режиссёры командовали инженерами. То же самое было и в процессе сведения, и в процессе мастеринга и далее.
#азбуказвукорежиссуры
#продюсирование
Музыкальная терминология штука занятная, названия ролей и специалистов не исключение, давайте разбираться. Рассказываю отрывок марафона «Азбука студийной звукорежиссуры».
🌀 Инженер — это человек, который квалифицированно выполняет техническую работу на каждом этапе производства песни. Нажал кнопку «запись», «стоп», сохранил дубль, переместил записанные дорожки, подключил провод, включил прибор, передвинул микрофон и т.д. Если он что-то редактирует, чистит, режет исходник, в этот момент он тоже инженер. Почему? Потому что не касается художественных вопросов.
📚 Вполне возможно вы слышали такие термины, как «инженер записи», «инженер сведения», «инженер мастеринга». Инженер – уважаемый квалифицированный человек, который делает что-то технически грамотно, но не принимает никаких художественных решений, не меняет баланса, не решает, что нужно другой микрофон поставить или что-то перезаписать, не определяет удачность записанных дублей, а технически обеспечивает процесс. Принимает решения режиссёр либо продюсер.
🌀 Режиссёр понимает всю инженерную сторону вопроса, но владеет и художественными методами. Он в курсе, что такое эмоции и характер, может перевести запрос артиста из «сделать звук ярче» на инженерно-технический язык. Владеет художественными методами и в состоянии додумать итоговую звуковую картину, работает над общим звучанием произведения. В отличие от инженера, режиссёр принимает не только инженерные, но и художественные решения.
📚 А глобальные решения на записи, сведении, да и на любом другом этапе принимает продюсер. Именно тот человек, который говорит: «слушай, ну это вообще никуда не годится, нам нужно другого гитариста позвать, это нам не подходит, с этим возиться без-смысленно», «микрофон не подходит, тембр не звучит, давай искать другой» и так далее.
Продюсер принимает не только инженерно-художественные, но и организационно-идеологические решения: переделать аранжировку, изменить стиль, переиграть инструменты, перепеть вокал, записать бэки, с кем и какие именно и т.д. Вот это уже продюсер.
🌀 Продюсер точно так же может быть на каждом этапе цепочки. Во время записи может быть продюсер записи, который фактически может вообще не подходить к оборудованию, но принимать решения и объяснять каждому участнику процесса что ему нужно делать на понятном языке. Продюсер аранжировки и продюсер сведения – такие же нормальные и допустимые термины.
📚 В эру классической аналоговой звукозаписи, в эру больших студий, во время записи всегда присутствовал продюсер записи. Это человек, который ходил и рулил процессом, следил, что сделать, как сделать, что изменить, как исполнить. Он принимал решение. Это был мозг всей записи. Именно он уже командовал режиссёрами, а режиссёры командовали инженерами. То же самое было и в процессе сведения, и в процессе мастеринга и далее.
#азбуказвукорежиссуры
#продюсирование
Инженер, Режиссёр, Продюсер - кто все эти люди? Продолжение.
С базовыми определениями разобрались, продолжим на примерах, дополним и расширим картину.
🌀 Когда вам принесли мультитрек на сведение, вы, как режиссёр, вправе решать, какой инструмент должен быть громче, а какой тише, где верха срезать, а где поднять и пр. Но вы не вправе решать, что какая-то партия в песне не нужна совсем – это всё таки вопрос продюсера. Решения вида «в этом месте хочу, чтобы инструмент замолчал, потому что он лишний, давай переставим в другое место» или «тут брейка не хватает, сейчас найду где взять» – это ни что иное, как продюсирование.
📚 Так происходит на каждом этапе, потому и существует такое значительное количество названий и определений.
☑️ Звукоинженер может быть инженером записи, инженером сведения, инженером мастеринга.
☑️ Может быть звукорежиссёр записи и звукорежиссёр сведения.
☑️ Даже звукорежиссёр мастеринга возможен, если идут какие-то художественные доработки, поскольку мастеринг это чаще всего инженерно-художественный процесс. Очень много чего используется, что не совсем относится к понятию «сделать шире и громче», это сатурация, эмоции, художественная работа, фактически – звукорежиссура мастеринга.
👉 Кстати, когда аранжировщик (битмейкер) придумывает музыкальные партии, подбирает тембра, расставляет сэмплы – это аранжировка. А вот когда он записывает, редактирует, делает черновые миксы – он находится в поле звукорежиссуры и может соответствовать одной из обсуждаемых ролей.
🌀 Аналогично со словом продюсер.
☑️ Вспомним, что продюсер может присутствовать на записи, тогда он продюсер записи – продюсер записи группы, продюсер записи оркестра, продюсер записи вокала (он же вокальный продюсер).
☑️ Вокальный продюсер работает с вокалистом и добивается от него нужного исполнения объясняя, разжёвывая, подсказывая, показывая, можно сказать, он «вытягивает» из артиста песню. Это и есть вокальное продюсирование.
📚 Точно так же продюсер сведения, он же саунд-продюсер. Человек, который выжимает из исходника максимум, работая с ним как самостоятельным произведением, вкладывая свою творческую и креативную мысль (по большому счёту соавторство, хотя законодательно им не считается). Не просто художественная работа, а ещё и мозговая работа, креативность и принятие решений.
🌀 Поднимемся чуть выше. Есть понятие музыкальный продюсер. Музыкальный продюсер — это человек, который не просто занимается вопросом продюсирования отдельных этапов (аранжировка, запись, сведение, мастеринг), а занимается произведением целиком от изначальной идеи до финального мастера. Музыкальный продюсер полностью ведёт весь процесс изготовления, весь процесс творения произведения.
🌀 А дальше у нас выше по иерархии совсем большой человек – продюсер музыкального проекта (продюсер проекта, продюсер группы, продюсер артиста). То есть человек, который не просто курирует всё, влезает в каждую деталь, в каждый этап, но может и делегировать. Например, продюсер проекта может нанимать музыкального продюсера для производства непосредственно музыкального продукта. Продюсер проекта мыслит за весь проект, создаёт, лепит его, нанимая кучу других людей.
👉 Это иерархия.
☑️ Наверху продюсер проекта.
☑️ Ниже производством разных песен занимаются музыкальные продюсеры.
☑️ Ниже есть продюсер записи, продюсер сведения, продюсер мастеринга.
☑️ Ещё ниже по иерархии звукорежиссёры, режиссёры записи, сведения и мастеринга.
☑️ Ещё ниже инженеры и техники.
🌀 Реалии современного мира, особенно нашей страны таковы, что очень часто огромное количество ролей совмещается в одном человеке. Иногда это хорошо и идёт на пользу результату, иногда плохо, потому что невозможно вообще всё уметь делать очень круто, это случается крайне редко и чаще всего часть процесса всё-таки делегируется кому-то.
#азбуказвукорежиссуры
#продюсирование
С базовыми определениями разобрались, продолжим на примерах, дополним и расширим картину.
🌀 Когда вам принесли мультитрек на сведение, вы, как режиссёр, вправе решать, какой инструмент должен быть громче, а какой тише, где верха срезать, а где поднять и пр. Но вы не вправе решать, что какая-то партия в песне не нужна совсем – это всё таки вопрос продюсера. Решения вида «в этом месте хочу, чтобы инструмент замолчал, потому что он лишний, давай переставим в другое место» или «тут брейка не хватает, сейчас найду где взять» – это ни что иное, как продюсирование.
📚 Так происходит на каждом этапе, потому и существует такое значительное количество названий и определений.
☑️ Звукоинженер может быть инженером записи, инженером сведения, инженером мастеринга.
☑️ Может быть звукорежиссёр записи и звукорежиссёр сведения.
☑️ Даже звукорежиссёр мастеринга возможен, если идут какие-то художественные доработки, поскольку мастеринг это чаще всего инженерно-художественный процесс. Очень много чего используется, что не совсем относится к понятию «сделать шире и громче», это сатурация, эмоции, художественная работа, фактически – звукорежиссура мастеринга.
👉 Кстати, когда аранжировщик (битмейкер) придумывает музыкальные партии, подбирает тембра, расставляет сэмплы – это аранжировка. А вот когда он записывает, редактирует, делает черновые миксы – он находится в поле звукорежиссуры и может соответствовать одной из обсуждаемых ролей.
🌀 Аналогично со словом продюсер.
☑️ Вспомним, что продюсер может присутствовать на записи, тогда он продюсер записи – продюсер записи группы, продюсер записи оркестра, продюсер записи вокала (он же вокальный продюсер).
☑️ Вокальный продюсер работает с вокалистом и добивается от него нужного исполнения объясняя, разжёвывая, подсказывая, показывая, можно сказать, он «вытягивает» из артиста песню. Это и есть вокальное продюсирование.
📚 Точно так же продюсер сведения, он же саунд-продюсер. Человек, который выжимает из исходника максимум, работая с ним как самостоятельным произведением, вкладывая свою творческую и креативную мысль (по большому счёту соавторство, хотя законодательно им не считается). Не просто художественная работа, а ещё и мозговая работа, креативность и принятие решений.
🌀 Поднимемся чуть выше. Есть понятие музыкальный продюсер. Музыкальный продюсер — это человек, который не просто занимается вопросом продюсирования отдельных этапов (аранжировка, запись, сведение, мастеринг), а занимается произведением целиком от изначальной идеи до финального мастера. Музыкальный продюсер полностью ведёт весь процесс изготовления, весь процесс творения произведения.
🌀 А дальше у нас выше по иерархии совсем большой человек – продюсер музыкального проекта (продюсер проекта, продюсер группы, продюсер артиста). То есть человек, который не просто курирует всё, влезает в каждую деталь, в каждый этап, но может и делегировать. Например, продюсер проекта может нанимать музыкального продюсера для производства непосредственно музыкального продукта. Продюсер проекта мыслит за весь проект, создаёт, лепит его, нанимая кучу других людей.
👉 Это иерархия.
☑️ Наверху продюсер проекта.
☑️ Ниже производством разных песен занимаются музыкальные продюсеры.
☑️ Ниже есть продюсер записи, продюсер сведения, продюсер мастеринга.
☑️ Ещё ниже по иерархии звукорежиссёры, режиссёры записи, сведения и мастеринга.
☑️ Ещё ниже инженеры и техники.
🌀 Реалии современного мира, особенно нашей страны таковы, что очень часто огромное количество ролей совмещается в одном человеке. Иногда это хорошо и идёт на пользу результату, иногда плохо, потому что невозможно вообще всё уметь делать очень круто, это случается крайне редко и чаще всего часть процесса всё-таки делегируется кому-то.
#азбуказвукорежиссуры
#продюсирование
Как быстро вычислить задержку в миллисекундах (ms) для определённого темпа (bpm)?
Многие плагины умеют привязываться к темпу проекта, но увы не все и не всегда. Часто бывает полезно настроить реверберацию и разного рода модуляции точно в темп, sidechain компрессия лучше звучит в привязке к темпу песни и любые иные моменты, где присутствует время реакции и задержка обработки в миллисекундах.
❓ Для чего?
Чтобы максимально собрать грув песни в цельное монолитное движение. Это сделает ваш микс более чистым и прозрачным, уберёт лишнюю муть и грязь из-за ритмических несовпадений разных временных обработок.
⏳ Вычислить задержку в миллисекундах легко любым калькулятором. Делите 60.000 на значение bpm, и продолжаете делить пополам, пока не получите значение в нужных пределах.
Пример: темп 120 bpm.
Делим 60.000/120=500 ms (¹/4).
Делим пополам = 250 ms (¹/8).
Ещё пополам = 125 ms (¹/16).
Ещё пополам = 62.5 ms (¹/32).
Далее получаем 31.25 ms (¹/64).
Ну и часто нужные 15.62 ms (¹/128).
Вот на эти 15.62 ms полезно ставить Slap Delay и задержку на реверберацию, а для SideChain компрессии подойдут значения 31.25 и 62.5 ms.
❓ Почему 60.000?
BPM это bits per minute, количество ударов в минуту, в музыкальном формате соответствует ¹/4 (прямая бочка).
Соответственно, поскольку в минуте 60 секунд, а в каждой секунде 1000 миллисекунд, получается, что нужно 60.000 мсек делить на значение темпа, чтобы получить длительность ¹/4. А далее делить пополам для получения более мелких долей.
#сведение
Многие плагины умеют привязываться к темпу проекта, но увы не все и не всегда. Часто бывает полезно настроить реверберацию и разного рода модуляции точно в темп, sidechain компрессия лучше звучит в привязке к темпу песни и любые иные моменты, где присутствует время реакции и задержка обработки в миллисекундах.
❓ Для чего?
Чтобы максимально собрать грув песни в цельное монолитное движение. Это сделает ваш микс более чистым и прозрачным, уберёт лишнюю муть и грязь из-за ритмических несовпадений разных временных обработок.
⏳ Вычислить задержку в миллисекундах легко любым калькулятором. Делите 60.000 на значение bpm, и продолжаете делить пополам, пока не получите значение в нужных пределах.
Пример: темп 120 bpm.
Делим 60.000/120=500 ms (¹/4).
Делим пополам = 250 ms (¹/8).
Ещё пополам = 125 ms (¹/16).
Ещё пополам = 62.5 ms (¹/32).
Далее получаем 31.25 ms (¹/64).
Ну и часто нужные 15.62 ms (¹/128).
Вот на эти 15.62 ms полезно ставить Slap Delay и задержку на реверберацию, а для SideChain компрессии подойдут значения 31.25 и 62.5 ms.
❓ Почему 60.000?
BPM это bits per minute, количество ударов в минуту, в музыкальном формате соответствует ¹/4 (прямая бочка).
Соответственно, поскольку в минуте 60 секунд, а в каждой секунде 1000 миллисекунд, получается, что нужно 60.000 мсек делить на значение темпа, чтобы получить длительность ¹/4. А далее делить пополам для получения более мелких долей.
#сведение
Возникновение и передача авторских и смежных прав. Правообладание. Разрешение. Лицензионный договор. Продолжаем беседу об авторских и смежных правах с точки зрения ГК РФ.
Интеллектуальный труд и его результаты напрямую зависят от конкретного человека, уникальны и от него неотделимы.
Интеллектуальные права на любой продукт интеллектуальной деятельности (книга, дизайн-проект, фотография, мелодия, аранжировка, исполнение, фонограмма, которую вы сделали на студии – это всё интеллектуальное) передаются только по Лицензионному договору.
❗Только так и больше никак.
❎ Вы не можете купить права как бутылку молока. Бутылка молока — это имущественный продукт, простой договор купли-продажи, а права по договору купли-продажи не переходят.
✅ Права передаются только лицензионным договором от человека, который обладает этими правами к человеку, который их получает.
✴️ Вот в тот момент, когда кто-то что-то придумал и создал (автор, аранжировщик, исполнитель, ребята на студии), он не просто автор (исполнитель, изготовитель) своего продукта, он ещё и Правообладатель. Потому что изначально именно он это сделал, это его права по самому факту совершения деяния. Но дальше он может свои права передать. И передать существует два способа: разрешение и отчуждение.
✅ Когда мы даём «разрешение», это означает: «Вася, ты можешь это исполнить, ты можешь это записать, ты можешь это выпустить».
❗ Если разговор идёт про «отчуждение» прав, тогда передаётся уже само Правообладание. И с момента подписания договора вы более не можете распоряжаться тем, на что передали права.
❗ Это очень важный момент, который очень часто люди не понимают.
📃 С точки зрения лицензионного договора это выражается в передаче Исключительных и Неисключительных прав.
✅ Когда мы говорим про разрешение («Вася, ты можешь исполнять мою песню» это разрешение), мы даём Неисключительную Лицензию.
✅ У нас всё остаётся, от нас ничего не убывает. Мы просто разрешили Васе использовать результаты нашей интеллектуальной деятельности, не более.
👉 Это абсолютно безопасно.
#права
Интеллектуальный труд и его результаты напрямую зависят от конкретного человека, уникальны и от него неотделимы.
Интеллектуальные права на любой продукт интеллектуальной деятельности (книга, дизайн-проект, фотография, мелодия, аранжировка, исполнение, фонограмма, которую вы сделали на студии – это всё интеллектуальное) передаются только по Лицензионному договору.
❗Только так и больше никак.
❎ Вы не можете купить права как бутылку молока. Бутылка молока — это имущественный продукт, простой договор купли-продажи, а права по договору купли-продажи не переходят.
✅ Права передаются только лицензионным договором от человека, который обладает этими правами к человеку, который их получает.
✴️ Вот в тот момент, когда кто-то что-то придумал и создал (автор, аранжировщик, исполнитель, ребята на студии), он не просто автор (исполнитель, изготовитель) своего продукта, он ещё и Правообладатель. Потому что изначально именно он это сделал, это его права по самому факту совершения деяния. Но дальше он может свои права передать. И передать существует два способа: разрешение и отчуждение.
✅ Когда мы даём «разрешение», это означает: «Вася, ты можешь это исполнить, ты можешь это записать, ты можешь это выпустить».
❗ Если разговор идёт про «отчуждение» прав, тогда передаётся уже само Правообладание. И с момента подписания договора вы более не можете распоряжаться тем, на что передали права.
❗ Это очень важный момент, который очень часто люди не понимают.
📃 С точки зрения лицензионного договора это выражается в передаче Исключительных и Неисключительных прав.
✅ Когда мы говорим про разрешение («Вася, ты можешь исполнять мою песню» это разрешение), мы даём Неисключительную Лицензию.
✅ У нас всё остаётся, от нас ничего не убывает. Мы просто разрешили Васе использовать результаты нашей интеллектуальной деятельности, не более.
👉 Это абсолютно безопасно.
#права
Важно помнить, что все три части интеллектуальных прав (Авторство, Исполнение, Изготовление) существуют независимо друг от друга. Обладатель одной какой-то части по умолчанию, без явного разрешения в виде Лицензионного договора, не имеет доступа к другим.
❓ Что это означает?
➡️ Автор песни не имеет доступа к её Исполнению и к готовой Фонограмме.
➡️ Исполнитель произведения не имеет доступа к Авторству и к Фонограмме.
➡️ Изготовитель Фонограммы аналогично не имеет доступа к Исполнению и к Авторству.
👉 У каждого своя независимая часть прав.
Поэтому, для того, чтобы издать готовую музыкальную работу (Фонограмму) и вообще, в принципе, коммерчески использовать её где-либо, необходимо собрать все три части прав, то есть иметь на руках Лицензионные договоры от Авторов, Исполнителей и Изготовителей Фонограммы.
👥 То есть человек или компания, которые хотят получить деньги с трека любым образом, должны иметь все три части прав в одних руках. Всё просто.
💰 Концерт, за который люди платят деньги, это коммерческое мероприятие.
💰 Отправили трек на радио – это коммерческое использование.
💰 Выложили на электронной площадке – это так же коммерческая история.
💰 Даже если участвуете в благотворительном концерте, это тоже коммерческая история, потому что там ходят деньги. Не надо думать, что благотворительный концерт – это без-оплатно. Нет, это вполне себе бизнес проекты, это деньги.
❇️ И совершенно не важно, кто конкретно это делает. Для того, чтобы зарабатывать на готовом музыкальном материале деньги, нужны все три части прав одновременно.
Например, Автор песни может создать Проект. Взять исполнителей, снять студию, нанять профессионалов, подписать со всеми лицензионные договоры и собрать разрешения на использование прав. У него в итоге получатся разрешения на все три части, и он сможет продавать готовые треки. Так создаются авторско-продюсерские проекты.
Либо исполнитель купил песню, соответственно получил разрешение от авторов, потом пошёл на студию, записал песню, и они ему сделали Фонограмму. Он с автора получил разрешение, со студии получил разрешение, в итоге у него все три части. Ну сам себе же не будет договор давать, правильно? Всё! Он может зарабатывать деньги на треке.
#права
❓ Что это означает?
➡️ Автор песни не имеет доступа к её Исполнению и к готовой Фонограмме.
➡️ Исполнитель произведения не имеет доступа к Авторству и к Фонограмме.
➡️ Изготовитель Фонограммы аналогично не имеет доступа к Исполнению и к Авторству.
👉 У каждого своя независимая часть прав.
Поэтому, для того, чтобы издать готовую музыкальную работу (Фонограмму) и вообще, в принципе, коммерчески использовать её где-либо, необходимо собрать все три части прав, то есть иметь на руках Лицензионные договоры от Авторов, Исполнителей и Изготовителей Фонограммы.
👥 То есть человек или компания, которые хотят получить деньги с трека любым образом, должны иметь все три части прав в одних руках. Всё просто.
💰 Концерт, за который люди платят деньги, это коммерческое мероприятие.
💰 Отправили трек на радио – это коммерческое использование.
💰 Выложили на электронной площадке – это так же коммерческая история.
💰 Даже если участвуете в благотворительном концерте, это тоже коммерческая история, потому что там ходят деньги. Не надо думать, что благотворительный концерт – это без-оплатно. Нет, это вполне себе бизнес проекты, это деньги.
❇️ И совершенно не важно, кто конкретно это делает. Для того, чтобы зарабатывать на готовом музыкальном материале деньги, нужны все три части прав одновременно.
Например, Автор песни может создать Проект. Взять исполнителей, снять студию, нанять профессионалов, подписать со всеми лицензионные договоры и собрать разрешения на использование прав. У него в итоге получатся разрешения на все три части, и он сможет продавать готовые треки. Так создаются авторско-продюсерские проекты.
Либо исполнитель купил песню, соответственно получил разрешение от авторов, потом пошёл на студию, записал песню, и они ему сделали Фонограмму. Он с автора получил разрешение, со студии получил разрешение, в итоге у него все три части. Ну сам себе же не будет договор давать, правильно? Всё! Он может зарабатывать деньги на треке.
#права
❓ Обладает ли автор песни какими-то правами на готовое произведение (финальную фонограмму)?
👉 В этом вопросе очень часто у авторов бывает коллизия. Они думают, что имеют какие-то права на то, что исполнитель, купивший у них песню, записал и выпустил. Увы для них – нет, авторы остаются только авторами, а на финальную фонограмму прав не имеют никаких, вообще никаких.
❇️ Авторы обладают своими авторскими правами (если не передали артисту исключительные права), они у них остаются, авторы получают свои законные авторские отчисления за публичное исполнение, об этом дальше поговорим.
❇️ Но непосредственно на готовую фонограмму авторы песни прав не имеют, коммерчески использовать они её не могут, использовать исполнение артиста так же не могут.
🤷🏻♂️ Почему?
Потому что они в обратную сторону договор не получили, исполнитель и изготовитель фонограммы не дали им явного разрешения на бумаге, не дали лицензию.
➡️ Поэтому, чтобы могли всё использовать, нужны двухсторонние лицензии: «я тебе разрешаю исполнять мою песню, ты мне разрешаешь использовать твоё исполнение». И далее по цепочке.
❓ Знали об этом?
#права
👉 В этом вопросе очень часто у авторов бывает коллизия. Они думают, что имеют какие-то права на то, что исполнитель, купивший у них песню, записал и выпустил. Увы для них – нет, авторы остаются только авторами, а на финальную фонограмму прав не имеют никаких, вообще никаких.
❇️ Авторы обладают своими авторскими правами (если не передали артисту исключительные права), они у них остаются, авторы получают свои законные авторские отчисления за публичное исполнение, об этом дальше поговорим.
❇️ Но непосредственно на готовую фонограмму авторы песни прав не имеют, коммерчески использовать они её не могут, использовать исполнение артиста так же не могут.
🤷🏻♂️ Почему?
Потому что они в обратную сторону договор не получили, исполнитель и изготовитель фонограммы не дали им явного разрешения на бумаге, не дали лицензию.
➡️ Поэтому, чтобы могли всё использовать, нужны двухсторонние лицензии: «я тебе разрешаю исполнять мою песню, ты мне разрешаешь использовать твоё исполнение». И далее по цепочке.
❓ Знали об этом?
#права
Давайте акцентируем внимание на передачу Исключительных и НЕ-исключительных прав. Это очень жёсткая юридическая терминология, её важно знать и понимать.
✴️ «Исключительные» права – это мы передаём само «Правообладание». Мы отдаём возможность любым образом распоряжаться, собирать деньги и прочее, полностью всё. Поэтому и говорят об «отчуждении» прав.
✴️ В лицензионном договоре это называется «передача исключительных прав»:
✅ исключительные права на Произведение
✅ исключительные права на Исполнение
✅ исключительные права на Фонограмму.
❗ То есть мы отдаём полностью всё, у нас остаётся лишь наше Имя.
✴️ Важный момент: «Имя» неотчуждаемо по ГК. Даже если подписан договор отчуждения (переданы исключительные права), имя всё равно никуда не делось, просто теперь нет возможности распоряжаться тем, что создал.
✴️ Автор (исполнитель, изготовитель) не может получать деньги, не может кому-то ещё передать, но он остался автором (исполнителем, изготовителем), хотя и прав никаких более не имеет.
✴️ А когда мы подписываем договор передачи НЕ-исключительных прав, это для нас абсолютно безопасно.
👉 Мы просто разрешили использовать результат нашего интеллектуального труда в коммерческих целях.
👉 Всё наше осталось с нами.
Поэтому вопрос с исключительными и неисключительными правами — это вопрос общей юридической грамотности из разряда «читаем договоры мелким текстом», игнорировать который категорически нельзя.
#права
✴️ «Исключительные» права – это мы передаём само «Правообладание». Мы отдаём возможность любым образом распоряжаться, собирать деньги и прочее, полностью всё. Поэтому и говорят об «отчуждении» прав.
✴️ В лицензионном договоре это называется «передача исключительных прав»:
✅ исключительные права на Произведение
✅ исключительные права на Исполнение
✅ исключительные права на Фонограмму.
❗ То есть мы отдаём полностью всё, у нас остаётся лишь наше Имя.
✴️ Важный момент: «Имя» неотчуждаемо по ГК. Даже если подписан договор отчуждения (переданы исключительные права), имя всё равно никуда не делось, просто теперь нет возможности распоряжаться тем, что создал.
✴️ Автор (исполнитель, изготовитель) не может получать деньги, не может кому-то ещё передать, но он остался автором (исполнителем, изготовителем), хотя и прав никаких более не имеет.
✴️ А когда мы подписываем договор передачи НЕ-исключительных прав, это для нас абсолютно безопасно.
👉 Мы просто разрешили использовать результат нашего интеллектуального труда в коммерческих целях.
👉 Всё наше осталось с нами.
Поэтому вопрос с исключительными и неисключительными правами — это вопрос общей юридической грамотности из разряда «читаем договоры мелким текстом», игнорировать который категорически нельзя.
#права
Работа со звуком в домашних условиях, в обычной жилой квартире. Простые советы, которые точно работают.
По поводу работы в квартире есть реально простые методы, которыми можно улучшить себе жизнь ⤵️
✅ Во-первых, это большой крупноворсовый ковёр на полу, закройте пол, уберите отражения.
✅ Во-вторых, тканевый диван, плотные шторы, можно в два слоя.
✅ В-третьих, устраните большие отражающие поверхности (длинные пустые гладкие стены). Разбейте, поделите их любым способом, хоть открытыми деревянными полками, чем угодно, но больших отражающих поверхностей лучше избегать.
👉 Не обязательно делать комнату в комнате, особенно, если у вас нет на это времени, ресурсов и возможностей. Однако, немножко подглушить комнату всегда можно.
🔊 А дальше многое будет зависеть от того, что у вас с мониторингом, какая акустика. В неподготовленном помещении не делайте звук громко, не заводите пространство, вам и так всё будет слышно. Старайтесь слушать чистый звук из мониторов. Если мониторы хорошие, даже на тихой громкости вы всё услышите. В жилом помещении звук начинает "гулять" , поэтому громко делать не следует.
➡️ Из практики скажу так.
Почти под любой звук можно привыкнуть. Послушали сколько-то времени известный мировой материал, потом что-то своё, что раньше делали. Уши калибруются, мозг привыкает и всё будет нормально. Ну потратите неделю-две на привычку. Ну да. А потом всё 👍😉
По поводу работы в квартире есть реально простые методы, которыми можно улучшить себе жизнь ⤵️
✅ Во-первых, это большой крупноворсовый ковёр на полу, закройте пол, уберите отражения.
✅ Во-вторых, тканевый диван, плотные шторы, можно в два слоя.
✅ В-третьих, устраните большие отражающие поверхности (длинные пустые гладкие стены). Разбейте, поделите их любым способом, хоть открытыми деревянными полками, чем угодно, но больших отражающих поверхностей лучше избегать.
👉 Не обязательно делать комнату в комнате, особенно, если у вас нет на это времени, ресурсов и возможностей. Однако, немножко подглушить комнату всегда можно.
🔊 А дальше многое будет зависеть от того, что у вас с мониторингом, какая акустика. В неподготовленном помещении не делайте звук громко, не заводите пространство, вам и так всё будет слышно. Старайтесь слушать чистый звук из мониторов. Если мониторы хорошие, даже на тихой громкости вы всё услышите. В жилом помещении звук начинает "гулять" , поэтому громко делать не следует.
➡️ Из практики скажу так.
Почти под любой звук можно привыкнуть. Послушали сколько-то времени известный мировой материал, потом что-то своё, что раньше делали. Уши калибруются, мозг привыкает и всё будет нормально. Ну потратите неделю-две на привычку. Ну да. А потом всё 👍😉
Путь к успеху
Несколько свежих постов на тему артистов, песен и успеха высветили в комментариях полное непонимание и что ещё хуже, отрицание реальности. Ребята с таким рвением спорят с очевидным, что я порой теряюсь в ответах на их возмущения 😉
Друзья!
Есть объективная реальность, есть устоявшиеся правила игры внутри музыкальной индустрии. Это большой бизнес, в котором давно всё распределено по нишам и "песочницам". Время идёт, меняются площадки, меняются методы, меняются стили и музыкальные направления, но суть остаётся прежней.
Когда-то балом правили крупные радио и теле каналы, сейчас у руля распределения ротаций массовые соц.сети. Изменилось место, но не изменилась основа, её глубинная суть.
Эфирное время это ограниченный и, следовательно, дорогой ресурс. Почему? Да потому, что новых роликов и новых песен выходит миллионы. Ни одна сеть не в состоянии показать их все всем, чтобы полностью вычислить ценность и дать больший охват. Логично?
Следовательно, сеть начинает ставить внутренний рейтинг и вводить ограничения на показы и охват.
Одновременно с этим не забываем, что любая соц.сеть это бизнес проект, а значит её владельцы никого не собираются делать звёздами просто так. Владельцев интересует доход и только доход. Значит, своё эфирное время любая сеть будет пытаться продать как можно дороже. Каким образом? Через рекламу треков.
Чем это отличается от ситуации 20 лет назад?
👉 Да ничем 🤷🏻♂️
Есть ограниченный ресурс (эфирное время), который все стараются продать подороже. Какой напрашивается логичный вывод? Для успеха любого трека нужно договориться с сетью (купить рекламу) каким-то способом. Вот и всё.
Любые способы накрутить просмотры не так уж и просты, да и денег стоят. Сети давно научились накрутки вычислять и обнулять счётчики, а то и блокировать профили. Опасные игры.
Ничего само собой не происходит, никакая песня, сколь угодно гениальная, не становится хитом автоматически просто потому, что" автор гениален". Не бывает так. Успех это длинная цепочка труда, вложений и событий, которая медленно но верно ведёт (или не ведёт) трек к успеху.
👇👇👇
Что можно сделать, чтобы ускорить этот процесс?
На каждом этапе выжимать максимум возможного, как в вопросах творчества и инженерии, так и в вопросах рекламы и продвижения.
Вот именно это я и пытаюсь донести, когда рассказываю артистам о пути к успеху.
#продюсирование
Несколько свежих постов на тему артистов, песен и успеха высветили в комментариях полное непонимание и что ещё хуже, отрицание реальности. Ребята с таким рвением спорят с очевидным, что я порой теряюсь в ответах на их возмущения 😉
Друзья!
Есть объективная реальность, есть устоявшиеся правила игры внутри музыкальной индустрии. Это большой бизнес, в котором давно всё распределено по нишам и "песочницам". Время идёт, меняются площадки, меняются методы, меняются стили и музыкальные направления, но суть остаётся прежней.
Когда-то балом правили крупные радио и теле каналы, сейчас у руля распределения ротаций массовые соц.сети. Изменилось место, но не изменилась основа, её глубинная суть.
Эфирное время это ограниченный и, следовательно, дорогой ресурс. Почему? Да потому, что новых роликов и новых песен выходит миллионы. Ни одна сеть не в состоянии показать их все всем, чтобы полностью вычислить ценность и дать больший охват. Логично?
Следовательно, сеть начинает ставить внутренний рейтинг и вводить ограничения на показы и охват.
Одновременно с этим не забываем, что любая соц.сеть это бизнес проект, а значит её владельцы никого не собираются делать звёздами просто так. Владельцев интересует доход и только доход. Значит, своё эфирное время любая сеть будет пытаться продать как можно дороже. Каким образом? Через рекламу треков.
Чем это отличается от ситуации 20 лет назад?
👉 Да ничем 🤷🏻♂️
Есть ограниченный ресурс (эфирное время), который все стараются продать подороже. Какой напрашивается логичный вывод? Для успеха любого трека нужно договориться с сетью (купить рекламу) каким-то способом. Вот и всё.
Любые способы накрутить просмотры не так уж и просты, да и денег стоят. Сети давно научились накрутки вычислять и обнулять счётчики, а то и блокировать профили. Опасные игры.
Ничего само собой не происходит, никакая песня, сколь угодно гениальная, не становится хитом автоматически просто потому, что" автор гениален". Не бывает так. Успех это длинная цепочка труда, вложений и событий, которая медленно но верно ведёт (или не ведёт) трек к успеху.
👇👇👇
Что можно сделать, чтобы ускорить этот процесс?
На каждом этапе выжимать максимум возможного, как в вопросах творчества и инженерии, так и в вопросах рекламы и продвижения.
Вот именно это я и пытаюсь донести, когда рассказываю артистам о пути к успеху.
#продюсирование
Как понять, что у тебя хорошая музыка, а не просто друзья так говорят?
Прежде всего друзья — это люди, которые должны вас хвалить, ибо они ваши друзья. Если друзья говорят, что вы делаете «полное фуфло», это отрубает весь творческий посыл и всю вашу креативность. Когда даже друзья говорят что «всё плохо», чаще всего начинается депрессия и полное падение творческой активности. Поэтому друзья должны хвалить, а ругать должны те, кто вас совершенно не знает.
Плюс помним, что в сети обычно как: если людям понравилось, они в лучшем случае поставили лайк и пошли дальше. Они не будут вам писать большие красивые оды «ой какая крутая песня», «как всё классно звучит». Чаще всего не будут. А вот если им что-то не понравилось или у них просто день не задался, тогда они могут вам там написать много всякой чуши просто потому, что у них день не задался и им хочется куда-то свой лишний негатив сбросить.
Поэтому, когда друзья вас хвалят, это не говорит вообще ни о чём. Пытайтесь выкладывать в сеть, на площадки, и смотреть, что люди пишут в комментариях. Очень внимательно изучайте негативные отзывы. Именно там, где вас ругают, стоит слушать и смотреть на себя со стороны.
Ещё будет грамотно дать профи на рецензию. Не друзьям, а именно эксперту. Ко мне частенько приходят ребята с подобной задачей: проанализировать «что хорошо, что плохо» и найти пути, как и что можно улучшить. Это путь развития.
Когда люди хотят стать лучше, хотят стать более востребованными, это путь по лестнице вверх. Пока вы не являетесь экспертом в какой-то области, очень сложно оценить насколько круто или нет то, что ты сам делаешь. Насколько эффективно. Поэтому обращение к опытному профи всегда разумно.
В музыке конечная оценка — это люди. Идут за вами миллионы или не идут.
Вы выложили куда-то свой новый трек, сделали продвижение. Придумали что-то интересное, необычное, продвигаете его, пробуете разное. И потом уже анализируете: где пошло, где не пошло, как люди отзываются, какой получается рейтинг лайков/дизлайков на количество просмотров.
Помним, что конверсия редко бывает больше десяти процентов, то есть суммарное количество реакций должно быть в районе 5-10%. Фантастика в соседнем зале, так что 20-30% не ждите, так не бывает. А полученный 1% реакций означает, что вы совсем не попали в аудиторию, разместили где-то не там.
То есть, ребята, вопрос получения результата — это обязательный анализ. Мы делаем, пробуем, потом сидим и смотрим: тут получилось, тут не получилось, это хорошая была мысль, а это была явно неудачная. И вот так двигаемся, двигаемся и двигаемся. А больше никак. Это путь развития, а путь развития без анализа своих ошибок невозможен.
#продюсирование
Прежде всего друзья — это люди, которые должны вас хвалить, ибо они ваши друзья. Если друзья говорят, что вы делаете «полное фуфло», это отрубает весь творческий посыл и всю вашу креативность. Когда даже друзья говорят что «всё плохо», чаще всего начинается депрессия и полное падение творческой активности. Поэтому друзья должны хвалить, а ругать должны те, кто вас совершенно не знает.
Плюс помним, что в сети обычно как: если людям понравилось, они в лучшем случае поставили лайк и пошли дальше. Они не будут вам писать большие красивые оды «ой какая крутая песня», «как всё классно звучит». Чаще всего не будут. А вот если им что-то не понравилось или у них просто день не задался, тогда они могут вам там написать много всякой чуши просто потому, что у них день не задался и им хочется куда-то свой лишний негатив сбросить.
Поэтому, когда друзья вас хвалят, это не говорит вообще ни о чём. Пытайтесь выкладывать в сеть, на площадки, и смотреть, что люди пишут в комментариях. Очень внимательно изучайте негативные отзывы. Именно там, где вас ругают, стоит слушать и смотреть на себя со стороны.
Ещё будет грамотно дать профи на рецензию. Не друзьям, а именно эксперту. Ко мне частенько приходят ребята с подобной задачей: проанализировать «что хорошо, что плохо» и найти пути, как и что можно улучшить. Это путь развития.
Когда люди хотят стать лучше, хотят стать более востребованными, это путь по лестнице вверх. Пока вы не являетесь экспертом в какой-то области, очень сложно оценить насколько круто или нет то, что ты сам делаешь. Насколько эффективно. Поэтому обращение к опытному профи всегда разумно.
В музыке конечная оценка — это люди. Идут за вами миллионы или не идут.
Вы выложили куда-то свой новый трек, сделали продвижение. Придумали что-то интересное, необычное, продвигаете его, пробуете разное. И потом уже анализируете: где пошло, где не пошло, как люди отзываются, какой получается рейтинг лайков/дизлайков на количество просмотров.
Помним, что конверсия редко бывает больше десяти процентов, то есть суммарное количество реакций должно быть в районе 5-10%. Фантастика в соседнем зале, так что 20-30% не ждите, так не бывает. А полученный 1% реакций означает, что вы совсем не попали в аудиторию, разместили где-то не там.
То есть, ребята, вопрос получения результата — это обязательный анализ. Мы делаем, пробуем, потом сидим и смотрим: тут получилось, тут не получилось, это хорошая была мысль, а это была явно неудачная. И вот так двигаемся, двигаемся и двигаемся. А больше никак. Это путь развития, а путь развития без анализа своих ошибок невозможен.
#продюсирование