❓ В музыке всё просто?
Скажите друзья, откуда такая уверенность у масс, что в музыке всё просто и элементарно, всё быстро и дёшево? Откуда эта совершенно глупая вера в лотерею, что вот раз и повезёт и всё само получится? Дескать, я талант и всё тут, пахать не нужно, вкладывать не нужно и вообще больше ничего не нужно. Дайте мне гениального продюсера и завтра я - звезда. Бесплатно, разумеется. Ну вот откуда?
Никто же в здравом уме не верит, что на одном таланте можно построить большой отель или торговый центр на Тверской, или огромный завод. Верно? А в музыке поголовно толпа ничего по факту не знающих чайников ждёт чуда 😉 Основания какие для чуда? Книги не читаем, ничему системно не учимся, денег не вкладываем, но упорно ждём успеха. Откуда ему взяться, успеху? 🤷🏻♂️
📈 Музыкальный бизнес ровно такой же бизнес, как любой другой. Деньги делают деньги. Хотим прибыль? Прекрасно! А где вложения, где инвестиции? Где знания, опыт, умения и навыки? Где товар, который можно продать рынку? Постоянно получаю вопросы в директ "помогите продвинуть мою песню", но обычно там и зацепиться не за что. Ни песни, ни звучания, ни артиста. Должно быть всё! Полная картинка! Иначе даже деньги не помогут.
Цепочка одна, законы одни.
✅ Сделайте сначала сами за свой счёт то, что хоть какой-то потенциал имеет.
✅ Далее можно идти искать инвестора или спонсора.
✅ И только потом вместе с ним идти к продюсерам и переводить всё это на бизнес рельсы.
За красивые глаза и талант никто денег не даст. Сначала нужно доказать, что достойны и имеются реальные шансы на возврат инвестиций.
Звук и успех стоят денег, нравится это или нет. Потенциально сильная песня без правильной обёртки это загубленная песня, не в то время выложенная песня это тоже провал. Артиста всегда делает материал. Нет хорошего материала - нет артиста, нет успеха. А продвинуться просто так, само по себе, невозможно.
👉 Снимайте розовые очки и пахать, пахать, пахать! Успеха вам!
😂 Интересно, сколько человек дочитают полностью?
#размышлизмы
#продвижение
Скажите друзья, откуда такая уверенность у масс, что в музыке всё просто и элементарно, всё быстро и дёшево? Откуда эта совершенно глупая вера в лотерею, что вот раз и повезёт и всё само получится? Дескать, я талант и всё тут, пахать не нужно, вкладывать не нужно и вообще больше ничего не нужно. Дайте мне гениального продюсера и завтра я - звезда. Бесплатно, разумеется. Ну вот откуда?
Никто же в здравом уме не верит, что на одном таланте можно построить большой отель или торговый центр на Тверской, или огромный завод. Верно? А в музыке поголовно толпа ничего по факту не знающих чайников ждёт чуда 😉 Основания какие для чуда? Книги не читаем, ничему системно не учимся, денег не вкладываем, но упорно ждём успеха. Откуда ему взяться, успеху? 🤷🏻♂️
📈 Музыкальный бизнес ровно такой же бизнес, как любой другой. Деньги делают деньги. Хотим прибыль? Прекрасно! А где вложения, где инвестиции? Где знания, опыт, умения и навыки? Где товар, который можно продать рынку? Постоянно получаю вопросы в директ "помогите продвинуть мою песню", но обычно там и зацепиться не за что. Ни песни, ни звучания, ни артиста. Должно быть всё! Полная картинка! Иначе даже деньги не помогут.
Цепочка одна, законы одни.
✅ Сделайте сначала сами за свой счёт то, что хоть какой-то потенциал имеет.
✅ Далее можно идти искать инвестора или спонсора.
✅ И только потом вместе с ним идти к продюсерам и переводить всё это на бизнес рельсы.
За красивые глаза и талант никто денег не даст. Сначала нужно доказать, что достойны и имеются реальные шансы на возврат инвестиций.
Звук и успех стоят денег, нравится это или нет. Потенциально сильная песня без правильной обёртки это загубленная песня, не в то время выложенная песня это тоже провал. Артиста всегда делает материал. Нет хорошего материала - нет артиста, нет успеха. А продвинуться просто так, само по себе, невозможно.
👉 Снимайте розовые очки и пахать, пахать, пахать! Успеха вам!
😂 Интересно, сколько человек дочитают полностью?
#размышлизмы
#продвижение
❓ Что такое "преамп", так ли он нужен, можно ли обойтись без него?
Слово иностранное, но достаточно ёмкое и точное, это уже профессиональная терминология в мире звукорежиссуры, привыкайте.
Преамп (он же pre-amp) это предварительный усилитель (pre-amplifier). Предназначен для усиления (повышения громкости) тихих звуковых сигналов, прежде всего, разумеется, микрофонов.
❓ Почему микрофону обязательно нужен преамп?
Микрофонный сигнал изначально очень тихий, его приходится сильно поднимать по громкости до нормального рабочего уровня, чтобы далее можно было обрабатывать (эквализация, компрессия) и оцифровывать. Поэтому усиление громкости микрофона во время записи присутствует всегда.
Другой вопрос, что в звуковые карты преамп часто встроен изначально. Это как раз те самые "микрофонные входы", но качество таких преампов чаще всего среднее, а то и откровенно плохое. Всё сильно зависит от качества и цены самой карты, очень индивидуально.
❓ А в чём проблема то? Как может теряться качество?
Качество звука на выходе преампа напрямую зависит от качества его аналоговой схемы, от используемой элементной базы, качества пайки и сборки. Поскольку идёт очень большое увеличение громкости (20-30-40 и более дБ), то влияние аналоговой схемы преампа многократно увеличивается. Вот здесь и вылезают все прелести дешёвого прибора, шумы и искажения.
👉 Именно поэтому в уважающих себя студиях используются исключительно отдельные внешние дорогие и качественные преампы, и никогда не используются встроенные.
#запись
Слово иностранное, но достаточно ёмкое и точное, это уже профессиональная терминология в мире звукорежиссуры, привыкайте.
Преамп (он же pre-amp) это предварительный усилитель (pre-amplifier). Предназначен для усиления (повышения громкости) тихих звуковых сигналов, прежде всего, разумеется, микрофонов.
❓ Почему микрофону обязательно нужен преамп?
Микрофонный сигнал изначально очень тихий, его приходится сильно поднимать по громкости до нормального рабочего уровня, чтобы далее можно было обрабатывать (эквализация, компрессия) и оцифровывать. Поэтому усиление громкости микрофона во время записи присутствует всегда.
Другой вопрос, что в звуковые карты преамп часто встроен изначально. Это как раз те самые "микрофонные входы", но качество таких преампов чаще всего среднее, а то и откровенно плохое. Всё сильно зависит от качества и цены самой карты, очень индивидуально.
❓ А в чём проблема то? Как может теряться качество?
Качество звука на выходе преампа напрямую зависит от качества его аналоговой схемы, от используемой элементной базы, качества пайки и сборки. Поскольку идёт очень большое увеличение громкости (20-30-40 и более дБ), то влияние аналоговой схемы преампа многократно увеличивается. Вот здесь и вылезают все прелести дешёвого прибора, шумы и искажения.
👉 Именно поэтому в уважающих себя студиях используются исключительно отдельные внешние дорогие и качественные преампы, и никогда не используются встроенные.
#запись
Как создать стадионный хор? Можно ли это сделать голосом одного человека?
Полноценный масштабный хор это не просто сто-пять-сот дорожек вокала, и дело даже особо не в нотах (хотя точные ноты безусловно важны).
Прежде всего, хор получается из-за сложения голосов разных людей, сложения их разных уникальных природных тембров. Даже если вокалист в студии будет пытаться имитировать пение разных людей, всё равно его уникальный голос никуда глобально не денется, дорожки будут сливаться, появится довольно неприятный эффект хоруса, но хор так и не получится.
❓ Что делать?
Записывать хотя бы человек 5-7. Причём, это очень важно, записывать их одновременно в один микрофон!
❎ Записывать в два и более микрофона имеет смысл только реальный большой хор в большом зале, тогда это позволит записать естественное звучание зала и настоящий отдалённый звук хора. А при наличии маленькой студии и небольшой команды в 5-7 человек лучше использовать один микрофон, звучание будет более плотным и обрабатывать дорожки потом будет легче.
✅ Лучше ставить артистов вокруг микрофона на расстоянии не меньше одного метра и делать несколько десятков дублей. Расстояние позволит убрать эффект присутствия и создаст более правильный отстраненный звук близкого к реальному пространства. Помним, что в реальной жизни на расстоянии нескольких десятков метров звучание становится более глухим, нет низких и высоких частот. Вот и пытаемся сразу при записи это имитировать.
❎ Не нужно собирать команду строго профессиональных вокалистов, если стоит задача получить стадионный хор. Обычные люди на стадионе ни разу не студийные вокалисты, они не умеют да и не смогут петь точно по нотам. Стадионный хор потому и такой масштабный, что там присутствует сплошная приблизительность исполнения. Подберите умеющих петь, но никакого идеала добиваться от них не нужно. Их уж тем более, не нужно ничего тюнить 😂
✅ В каждом новом дубле просите своих артистов пытаться изменять свой тембр, пародируя других людей. Это дополнительно расширит масштаб. Конечно, идеальный огромный стадионный хор не получится, но создать примерное ощущение стадиона вполне возможно, и потрудиться всем однозначно придётся.
✅ Запишите несколько десятков дублей, при необходимости поправьте ритм, уберите явные биения букв, лишняя грязь нам не нужна.
✅ Советую смягчить (срезать или убавить) низ и верх звукового спектра, это даст большее приближение к реальности. Применяем техники размещения в пространстве.
✅ Раскидайте дорожки равномерно по панораме, если вам это нужно, либо несколько дорожек в центр, а основное - по краям панорамы. Если это сольный участок, тогда равномерно распределение по панораме сработает лучше. Если хор подмешивается к вокалу в песне, тогда лучше все дубли хора раскидать до упора влево/вправо.
✅ Не жалейте сатурации, старайтесь использовать максимально возможное количество разных плагинов на разных дорожках, это дополнительно усилит масштаб и отделит разные дубли друг от друга.
❎ Избегайте любых искусственных способов создать хор, это химия, это всегда слышно и звучит очень плоско. Конечно, можно немного подмешать, но без фанатизма. Хорошее звучание даёт только реальное исполнение в много-много дублей.
✅ Соберите все дорожки в группу и дайте дополнительной обработки, это логичным образом склеит их в монолитный хор. Подберите хорошую имитацию стадионного пространства, добавьте его к хору.
🌀 В общем, всё возможно. Включаем фантазию, мыслим реальным миром и звучанием голосов в нём.
#запись
#вокал
Полноценный масштабный хор это не просто сто-пять-сот дорожек вокала, и дело даже особо не в нотах (хотя точные ноты безусловно важны).
Прежде всего, хор получается из-за сложения голосов разных людей, сложения их разных уникальных природных тембров. Даже если вокалист в студии будет пытаться имитировать пение разных людей, всё равно его уникальный голос никуда глобально не денется, дорожки будут сливаться, появится довольно неприятный эффект хоруса, но хор так и не получится.
❓ Что делать?
Записывать хотя бы человек 5-7. Причём, это очень важно, записывать их одновременно в один микрофон!
❎ Записывать в два и более микрофона имеет смысл только реальный большой хор в большом зале, тогда это позволит записать естественное звучание зала и настоящий отдалённый звук хора. А при наличии маленькой студии и небольшой команды в 5-7 человек лучше использовать один микрофон, звучание будет более плотным и обрабатывать дорожки потом будет легче.
✅ Лучше ставить артистов вокруг микрофона на расстоянии не меньше одного метра и делать несколько десятков дублей. Расстояние позволит убрать эффект присутствия и создаст более правильный отстраненный звук близкого к реальному пространства. Помним, что в реальной жизни на расстоянии нескольких десятков метров звучание становится более глухим, нет низких и высоких частот. Вот и пытаемся сразу при записи это имитировать.
❎ Не нужно собирать команду строго профессиональных вокалистов, если стоит задача получить стадионный хор. Обычные люди на стадионе ни разу не студийные вокалисты, они не умеют да и не смогут петь точно по нотам. Стадионный хор потому и такой масштабный, что там присутствует сплошная приблизительность исполнения. Подберите умеющих петь, но никакого идеала добиваться от них не нужно. Их уж тем более, не нужно ничего тюнить 😂
✅ В каждом новом дубле просите своих артистов пытаться изменять свой тембр, пародируя других людей. Это дополнительно расширит масштаб. Конечно, идеальный огромный стадионный хор не получится, но создать примерное ощущение стадиона вполне возможно, и потрудиться всем однозначно придётся.
✅ Запишите несколько десятков дублей, при необходимости поправьте ритм, уберите явные биения букв, лишняя грязь нам не нужна.
✅ Советую смягчить (срезать или убавить) низ и верх звукового спектра, это даст большее приближение к реальности. Применяем техники размещения в пространстве.
✅ Раскидайте дорожки равномерно по панораме, если вам это нужно, либо несколько дорожек в центр, а основное - по краям панорамы. Если это сольный участок, тогда равномерно распределение по панораме сработает лучше. Если хор подмешивается к вокалу в песне, тогда лучше все дубли хора раскидать до упора влево/вправо.
✅ Не жалейте сатурации, старайтесь использовать максимально возможное количество разных плагинов на разных дорожках, это дополнительно усилит масштаб и отделит разные дубли друг от друга.
❎ Избегайте любых искусственных способов создать хор, это химия, это всегда слышно и звучит очень плоско. Конечно, можно немного подмешать, но без фанатизма. Хорошее звучание даёт только реальное исполнение в много-много дублей.
✅ Соберите все дорожки в группу и дайте дополнительной обработки, это логичным образом склеит их в монолитный хор. Подберите хорошую имитацию стадионного пространства, добавьте его к хору.
🌀 В общем, всё возможно. Включаем фантазию, мыслим реальным миром и звучанием голосов в нём.
#запись
#вокал
❓ Я не хочу петь песни "как у всех", как мне быть?
Один из страшных кошмаров начинающих артистов: я не хочу быть как все, не хочу песни как у всех. Я хочу быть собой, чтобы меня узнали и полюбили таким, какой я есть на самом деле, а не придуманную искусственную маску.
❓ Знакомо?
Однозначно знакомо! Такое не только в музыке происходит, подобный вопрос возникает в любой области, связанной с творчеством и креативом. Если опустить финансовый и административный ресурсы, которые могут продвинуть абсолютно любой материал, что делать то?
🌀 Самое главное, понимать, что шансы на успех есть всегда. На любую, абсолютно на любую песню всегда найдётся слушатель. Людей много, вкусов и предпочтений много, так что всегда найдутся те, кто разделит ваши творческие идеи и музыкальные творения. Слушатели у вас точно будут, но вот сколько их по факту окажется - один, сто, тысяча, миллион? Здесь как раз и идёт основная битва и конкуренция.
Искусственно продвинуть можно любой материал, эти схемы обработаны до мелочей и дают чёткий почти стопроцентный результат. Но артист часто становится заложником своего искусственно созданного мира, где он супер популярен, и теряет связь с реальностью. А потом получает проблемы с психикой, впадает в глубокую депрессию, и все прочие сопутствующие атрибуты. Почему? Да потому, что всё искусственное и инородное отторгается в конечном счёте.
Так что, лепить из себя кого-то другого это плохой путь. Но и идти полностью поперёк тоже нельзя. Есть риск остаться не у дел, один на один со своим столь гениальным, но совершенно никому не нужным творчеством. Я не призываю быть как все, это неправильно, но и полностью игнорировать предпочтения людей нельзя.
✅ Думайте о своих потенциальных слушателях. Найдите их, поймите их, полюбите их и предложите то, что они точно захотят услышать и в дальнейшем полюбят. Это не означает петь тупую попсу или делать как все. Это означает анализировать вкусы и настроения слушателей, развиваться и меняться вместе с ними.
✅ Следите за настроениями, новыми течениями, следите за подростками и студентами, что они слушают, что они любят. Они - новые слушатели, скоро они подрастут и начнут активно участвовать в вашей борьбе за финансовый пирог.
✅ Если вы решили сделать музыку делом своей жизни, вам придётся следовать законам рынка. И чем раньше вы об этом задумаетесь, тем быстрее получите ощутимые результаты.
В своих постах я рассказываю на первый взгляд очевидные вещи, но как показывает практика, мало кто из начинающих артистов реально об этом задумывается. Ещё меньше - следует рекомендациям. Друзья, так всё устроено, нравится это вам или нет. Принимайте, меняйтесь и двигайтесь вперёд!
#продюсирование
#размышлизмы
Один из страшных кошмаров начинающих артистов: я не хочу быть как все, не хочу песни как у всех. Я хочу быть собой, чтобы меня узнали и полюбили таким, какой я есть на самом деле, а не придуманную искусственную маску.
❓ Знакомо?
Однозначно знакомо! Такое не только в музыке происходит, подобный вопрос возникает в любой области, связанной с творчеством и креативом. Если опустить финансовый и административный ресурсы, которые могут продвинуть абсолютно любой материал, что делать то?
🌀 Самое главное, понимать, что шансы на успех есть всегда. На любую, абсолютно на любую песню всегда найдётся слушатель. Людей много, вкусов и предпочтений много, так что всегда найдутся те, кто разделит ваши творческие идеи и музыкальные творения. Слушатели у вас точно будут, но вот сколько их по факту окажется - один, сто, тысяча, миллион? Здесь как раз и идёт основная битва и конкуренция.
Искусственно продвинуть можно любой материал, эти схемы обработаны до мелочей и дают чёткий почти стопроцентный результат. Но артист часто становится заложником своего искусственно созданного мира, где он супер популярен, и теряет связь с реальностью. А потом получает проблемы с психикой, впадает в глубокую депрессию, и все прочие сопутствующие атрибуты. Почему? Да потому, что всё искусственное и инородное отторгается в конечном счёте.
Так что, лепить из себя кого-то другого это плохой путь. Но и идти полностью поперёк тоже нельзя. Есть риск остаться не у дел, один на один со своим столь гениальным, но совершенно никому не нужным творчеством. Я не призываю быть как все, это неправильно, но и полностью игнорировать предпочтения людей нельзя.
✅ Думайте о своих потенциальных слушателях. Найдите их, поймите их, полюбите их и предложите то, что они точно захотят услышать и в дальнейшем полюбят. Это не означает петь тупую попсу или делать как все. Это означает анализировать вкусы и настроения слушателей, развиваться и меняться вместе с ними.
✅ Следите за настроениями, новыми течениями, следите за подростками и студентами, что они слушают, что они любят. Они - новые слушатели, скоро они подрастут и начнут активно участвовать в вашей борьбе за финансовый пирог.
✅ Если вы решили сделать музыку делом своей жизни, вам придётся следовать законам рынка. И чем раньше вы об этом задумаетесь, тем быстрее получите ощутимые результаты.
В своих постах я рассказываю на первый взгляд очевидные вещи, но как показывает практика, мало кто из начинающих артистов реально об этом задумывается. Ещё меньше - следует рекомендациям. Друзья, так всё устроено, нравится это вам или нет. Принимайте, меняйтесь и двигайтесь вперёд!
#продюсирование
#размышлизмы
❓ Может ли Артист одновременно быть самому себе Продюсером?
Согласитесь, на первый взгляд круто, когда артист "сам себе всё на свете"? И чтец, и жнец, и на дуде игрец 😉 Но это только при беглом рассмотрении может показаться хорошей идеей.
🌀 Исполнение (как и написание песен) и Продюсирование (даже одной песни или всего проекта целиком) это настолько разные роли и абсолютно разный взгляд на процесс и результат, что они крайне редко уживаются в одном человеке одновременно.
👉 Поэтому, в общем случае Артист и Продюсер это два разных человека.
❓ Почему? 👉 Всё просто!
✅ Прежде всего, Артисту свойственно переоценивать свой талант и свои способности, ему сложно адекватно критически оценивать своё творчество и свои навыки.
✅ Как правило, Артист делает бóльший акцент на творческом процессе и зацикливается на мантру "я так вижу", при этом совершенно забывая о рынке. Он больше слушает себя, своё Я, чем своих потенциальных слушателей.
✅ Продюсер же смотрит на Артиста и его творчество как на музыкальный продукт, который должен вписаться в рынок и принести конкретные, осязаемые и исчислимые результаты. Его задача создать продаваемый материал, а не очередной проект "в стол".
✅ Продюсер может и должен адекватно и критически оценивать Артиста, без розовых очков, без лишнего воодушевления, без растворения в артисте, и очень чётко ставить задачи. Роль Артиста при этом строго следовать опыту и пониманию Продюсера.
✅ Постепенно, с ростом опыта и понимания, из Артиста вполне может вырасти толковый Продюсер, и он сможет выполнят эту роль. Но эффективно это будет только при продюсировании другого артиста. По всё тем же причинам, описанным выше.
🌀 Я намеренно не стал отделять музыкальное продюсирование от продюсирования проекта, поскольку смысл сказанного от этого не зависит. Разница только в том, что музыкальный продюсер занимается непосредственно созданием правильного музыкального материала, а продюсер проекта рулит весь проект целиком, определяет все остальные его аспекты и ставит задачи, в том числе и музыкальному продюсеру.
#продюсирование
#размышлизмы
Согласитесь, на первый взгляд круто, когда артист "сам себе всё на свете"? И чтец, и жнец, и на дуде игрец 😉 Но это только при беглом рассмотрении может показаться хорошей идеей.
🌀 Исполнение (как и написание песен) и Продюсирование (даже одной песни или всего проекта целиком) это настолько разные роли и абсолютно разный взгляд на процесс и результат, что они крайне редко уживаются в одном человеке одновременно.
👉 Поэтому, в общем случае Артист и Продюсер это два разных человека.
❓ Почему? 👉 Всё просто!
✅ Прежде всего, Артисту свойственно переоценивать свой талант и свои способности, ему сложно адекватно критически оценивать своё творчество и свои навыки.
✅ Как правило, Артист делает бóльший акцент на творческом процессе и зацикливается на мантру "я так вижу", при этом совершенно забывая о рынке. Он больше слушает себя, своё Я, чем своих потенциальных слушателей.
✅ Продюсер же смотрит на Артиста и его творчество как на музыкальный продукт, который должен вписаться в рынок и принести конкретные, осязаемые и исчислимые результаты. Его задача создать продаваемый материал, а не очередной проект "в стол".
✅ Продюсер может и должен адекватно и критически оценивать Артиста, без розовых очков, без лишнего воодушевления, без растворения в артисте, и очень чётко ставить задачи. Роль Артиста при этом строго следовать опыту и пониманию Продюсера.
✅ Постепенно, с ростом опыта и понимания, из Артиста вполне может вырасти толковый Продюсер, и он сможет выполнят эту роль. Но эффективно это будет только при продюсировании другого артиста. По всё тем же причинам, описанным выше.
🌀 Я намеренно не стал отделять музыкальное продюсирование от продюсирования проекта, поскольку смысл сказанного от этого не зависит. Разница только в том, что музыкальный продюсер занимается непосредственно созданием правильного музыкального материала, а продюсер проекта рулит весь проект целиком, определяет все остальные его аспекты и ставит задачи, в том числе и музыкальному продюсеру.
#продюсирование
#размышлизмы
❓ Почему компрессия и мощная сатурация на мастер-шине в процессе сведения это обычно зло?
Интернет (особенно YouTube) пестрит рассказами про волшебный "собирающий компрессор", который вмиг создаст вам классный чудесно звучащий микс, ничего и делать то не придётся, всё само собой получится 🙈 Но так ли это на самом деле?
Как бы мы себя не оправдывали, какие бы теории не выдумывали, чьи бы сказки не слушали, суммарная компрессия всего микса целиком это всё таки задача мастеринга, а не сведения.
🌀 Когда мы говорим про некий собирающий, склеивающий эффект, речь идёт не о том, что надо реально что-то там сжимать. Вовсе нет! Разговор о создании эффекта мягкого сглаживания аналогового мира, имитацию прохождения сигнала через шину суммирования больших аналоговых пультов. Это не совсем компрессия, скорее сатурация. Но даже её лучше применить в процессе мастеринга, потому что она может оказаться лишней.
✅ Мастер-шина (мастер-канал) при работе над аранжировкой и сведением должна быть по возможности совершенно пустая. Желательно всегда, потому что любая обработка на мастере вмешивается во все звуки сразу, а не отдельно в каждый, влияет на всё и становится неотделимой.
⛔ Компрессия и мощная сатурация на мастере иногда настолько сильно влияют на звуки, что выключив их, ваш микс полностью разваливается, звучание инструментов становится совершенно другим.
⛔ Сильная компрессия и сатурация убивают динамику и внутренний воздух, объём и пространство микса. Разве это правильно?
✅ Для аранжировки этот момент ещё серьёзней, ведь нужно будет отдать чистый мультитрек, где все звуки и инструменты сохранены отдельно без баланса и без лишних обработок, оставляются только самые важные и художественные.
⛔ Идеологически звуки в мультитреке должны полностью совпадать с тем, как они звучат в демке, совпадать по общему окрасу и характеру. А из-за плотной мастер-шины звуки в мультитреке могут сильно отличаться от микса.
⛔ Если оставлять что-то на мастере при подготовке мультитрека, эта обработка применяется ко всем дорожкам, суммарный эффект помножится на количество дорожек. А если убирать, её влияние уходит и звуки так же меняются.
👉 Это всё неправильно и не профессионально! Ситуация, когда мультитрек аранжировки не имеет почти ничего общего с демо-миксом этой самой аранжировки, встречается регулярно. Происходит от незнания и непонимания правильных студийных цепочек, в погоне за "чтоб качало".
🌀 Компрессия суммарной дорожки (микса) это целиком и полностью задача мастеринга, вот и оставьте её на мастеринг. Не нужно делать мастеринг во время работы над аранжировкой или сведением. Это другой процесс и другой взгляд, давайте подходить профессионально.
👉 Для того, чтобы показать заказчику демку, разумеется можно применить временные обработки для уплотнения микса, но делать это следует отдельно, без ущерба для исходника.
👉 Чаще всего, лучше применить обыкновенный широкополосный спиливающий лимитер, а не компрессор. Влияние на исходник будет меньше и проблем будет минимум.
📽️ youtu.be/OO86qpbujDw
#компрессия
#сатурация
#сведение
#мастеринг
Интернет (особенно YouTube) пестрит рассказами про волшебный "собирающий компрессор", который вмиг создаст вам классный чудесно звучащий микс, ничего и делать то не придётся, всё само собой получится 🙈 Но так ли это на самом деле?
Как бы мы себя не оправдывали, какие бы теории не выдумывали, чьи бы сказки не слушали, суммарная компрессия всего микса целиком это всё таки задача мастеринга, а не сведения.
🌀 Когда мы говорим про некий собирающий, склеивающий эффект, речь идёт не о том, что надо реально что-то там сжимать. Вовсе нет! Разговор о создании эффекта мягкого сглаживания аналогового мира, имитацию прохождения сигнала через шину суммирования больших аналоговых пультов. Это не совсем компрессия, скорее сатурация. Но даже её лучше применить в процессе мастеринга, потому что она может оказаться лишней.
✅ Мастер-шина (мастер-канал) при работе над аранжировкой и сведением должна быть по возможности совершенно пустая. Желательно всегда, потому что любая обработка на мастере вмешивается во все звуки сразу, а не отдельно в каждый, влияет на всё и становится неотделимой.
⛔ Компрессия и мощная сатурация на мастере иногда настолько сильно влияют на звуки, что выключив их, ваш микс полностью разваливается, звучание инструментов становится совершенно другим.
⛔ Сильная компрессия и сатурация убивают динамику и внутренний воздух, объём и пространство микса. Разве это правильно?
✅ Для аранжировки этот момент ещё серьёзней, ведь нужно будет отдать чистый мультитрек, где все звуки и инструменты сохранены отдельно без баланса и без лишних обработок, оставляются только самые важные и художественные.
⛔ Идеологически звуки в мультитреке должны полностью совпадать с тем, как они звучат в демке, совпадать по общему окрасу и характеру. А из-за плотной мастер-шины звуки в мультитреке могут сильно отличаться от микса.
⛔ Если оставлять что-то на мастере при подготовке мультитрека, эта обработка применяется ко всем дорожкам, суммарный эффект помножится на количество дорожек. А если убирать, её влияние уходит и звуки так же меняются.
👉 Это всё неправильно и не профессионально! Ситуация, когда мультитрек аранжировки не имеет почти ничего общего с демо-миксом этой самой аранжировки, встречается регулярно. Происходит от незнания и непонимания правильных студийных цепочек, в погоне за "чтоб качало".
🌀 Компрессия суммарной дорожки (микса) это целиком и полностью задача мастеринга, вот и оставьте её на мастеринг. Не нужно делать мастеринг во время работы над аранжировкой или сведением. Это другой процесс и другой взгляд, давайте подходить профессионально.
👉 Для того, чтобы показать заказчику демку, разумеется можно применить временные обработки для уплотнения микса, но делать это следует отдельно, без ущерба для исходника.
👉 Чаще всего, лучше применить обыкновенный широкополосный спиливающий лимитер, а не компрессор. Влияние на исходник будет меньше и проблем будет минимум.
📽️ youtu.be/OO86qpbujDw
#компрессия
#сатурация
#сведение
#мастеринг
❓ Какой жанр сейчас в тренде?
Начинающие часто задаются этим вопросом, наивно полагая, что тренд в музыке это что-то единое и неделимое, как высокая мода. Но так ли это?
🎧 Много ли вы знаете людей, которые слушают к примеру модный молодёжный рэп? А советскую эстраду? А классику? А клубную музыку? А другие массовые направления? Ловите мысль?
👉 Основная масса любителей определённой музыки имеет вполне понятные очертания, как с точки зрения своего возраста, так и во множестве других аспектов их жизни и восприятия мира.
🗼 Другой момент, та же высокая мода. Много ли людей действительно целиком и полностью ей следуют? Ну нет же! Большинство людей учитывают и используют лишь какие-то отдельные элементы, накладывая их на свои собственные вкусы и предпочтения. Согласны?
👉 Вот и получается, что на самом деле существует много отдельных течений, небольших элементов, которые в целом дают общее ощущение нахождения в трендах. Более того, есть люди и их на самом деле большинство, которые вообще не следят за высокой модой. Но среди них всё равно можно выделить отдельные направления, отдельные тренды.
🌀 Так и в музыке. Жанры и тренды имеют прямую привязку к вкусам и аудитории артиста. Разные люди слушают совершенно разную музыку, порой диаметрально противоположную. И нельзя сказать, что они все такие неправильные и неправильную музыку слушают, что они не в тренде. Вовсе нет.
⠀
👉 Трендов одновременно существует много, как и людей, как и вкусов. Это классическая ошибка считать правильной и модной (трендовой) только ту музыку, которую слушаешь и за которой следишь сам. Тренды точно так же имеют локализацию по аудитории, и не стоит про это забывать.
⠀
👉 И в классике есть свои тренды, и в эстраде, и в попсе, и в роке, да и в клубной музыке тоже одновременно может быть несколько независимых веток со своими трендами. Внутри одного стиля и жанра!
Смотрите шире!
#продюсирование
#размышлизмы
Начинающие часто задаются этим вопросом, наивно полагая, что тренд в музыке это что-то единое и неделимое, как высокая мода. Но так ли это?
🎧 Много ли вы знаете людей, которые слушают к примеру модный молодёжный рэп? А советскую эстраду? А классику? А клубную музыку? А другие массовые направления? Ловите мысль?
👉 Основная масса любителей определённой музыки имеет вполне понятные очертания, как с точки зрения своего возраста, так и во множестве других аспектов их жизни и восприятия мира.
🗼 Другой момент, та же высокая мода. Много ли людей действительно целиком и полностью ей следуют? Ну нет же! Большинство людей учитывают и используют лишь какие-то отдельные элементы, накладывая их на свои собственные вкусы и предпочтения. Согласны?
👉 Вот и получается, что на самом деле существует много отдельных течений, небольших элементов, которые в целом дают общее ощущение нахождения в трендах. Более того, есть люди и их на самом деле большинство, которые вообще не следят за высокой модой. Но среди них всё равно можно выделить отдельные направления, отдельные тренды.
🌀 Так и в музыке. Жанры и тренды имеют прямую привязку к вкусам и аудитории артиста. Разные люди слушают совершенно разную музыку, порой диаметрально противоположную. И нельзя сказать, что они все такие неправильные и неправильную музыку слушают, что они не в тренде. Вовсе нет.
⠀
👉 Трендов одновременно существует много, как и людей, как и вкусов. Это классическая ошибка считать правильной и модной (трендовой) только ту музыку, которую слушаешь и за которой следишь сам. Тренды точно так же имеют локализацию по аудитории, и не стоит про это забывать.
⠀
👉 И в классике есть свои тренды, и в эстраде, и в попсе, и в роке, да и в клубной музыке тоже одновременно может быть несколько независимых веток со своими трендами. Внутри одного стиля и жанра!
Смотрите шире!
#продюсирование
#размышлизмы
❓ Артисты и Радио: кто кому чего и на каких условиях?
Взаимоотношения артистов и крупных радио станций и телеканалов, да и в целом любых действительно крупных площадок с многомиллионными охватами не так просты, как могут показаться. Давайте разбираться.
❓ Что такое крупная радио станция для артиста? Зачем она ему?
✅ Прежде всего, радио для артиста это масштабная рекламная площадка, то есть фактически радио нужно артисту для продвижения своего материала.
✅ Радио даёт артисту возможность увеличить его аудиторию за счёт аудитории радио.
✅ Даёт возможность донести новую песню до максимально большого количества слушателей, что действительно ускоряет рост популярности артиста и его новой песни.
✅ Ротация треков на радио это своего рода показатель уровня популярности артиста, элемент статуса и рейтинга.
❓ Что получаем?
👉 Радио нужны артисту для развития и продвижения. То есть это ни что иное, как крутая рекламная площадка и не более!
🌀 Ладно, тут вроде понятно. Теперь давайте посмотрим на артиста с точки зрения радио. Что он значит для радио и нужен ли он вообще там?
💰 Радио это бизнес. Прежде всего бизнес и лишь потом все остальные определения. А если радио это бизнес, тогда артист со своими песнями - тоже вопрос бизнеса. Соответственно, на радио не дураки управляют делами и они прекрасно понимают, что артисту ротации на радио нужны в рекламных целях.
❓ Отсюда что следует?
👉 Радио будут оценивать артиста и его материал с точки зрения бизнеса! Радио должны заработать на этом, а не профинансировать артисту рекламную кампанию за свой счёт.
🌀 Вот и получается, либо артист каким-то образом оплачивает свои ротации (напрямую или накривую, деньгами или связями, это не существенно) либо радио само ищет артиста ибо он нужен этому радио для повышения своего личного рейтинга (мировая звезда). Либо артист платит радио за рекламу, либо становится мировой звездой и его конечно берут бесплатно.
🤷🏻♂️ Жёстко? Согласен! Но такова жизнь. Хотите получить чёткий ответ, ищите где в ситуации (вопросе) деньги, кто получает выгоду. Тогда многое становится понятным. Такой подход универсален ко многим жизненным вопросам.
❓ Как как вы сказали? Радио должны платить артистам за ротации? Так они и платят! 😉 Существуют так называемые законодательно установленные компенсационные выплаты авторам, исполнителям и изготовителям фонограмм. Но это копейки, которые не идут ни в какое сравнение с реальными суммами.
Так что, друзья, дружно становимся мировыми звёздами и нас всех берут бесплатно 😇
#продвижение
Взаимоотношения артистов и крупных радио станций и телеканалов, да и в целом любых действительно крупных площадок с многомиллионными охватами не так просты, как могут показаться. Давайте разбираться.
❓ Что такое крупная радио станция для артиста? Зачем она ему?
✅ Прежде всего, радио для артиста это масштабная рекламная площадка, то есть фактически радио нужно артисту для продвижения своего материала.
✅ Радио даёт артисту возможность увеличить его аудиторию за счёт аудитории радио.
✅ Даёт возможность донести новую песню до максимально большого количества слушателей, что действительно ускоряет рост популярности артиста и его новой песни.
✅ Ротация треков на радио это своего рода показатель уровня популярности артиста, элемент статуса и рейтинга.
❓ Что получаем?
👉 Радио нужны артисту для развития и продвижения. То есть это ни что иное, как крутая рекламная площадка и не более!
🌀 Ладно, тут вроде понятно. Теперь давайте посмотрим на артиста с точки зрения радио. Что он значит для радио и нужен ли он вообще там?
💰 Радио это бизнес. Прежде всего бизнес и лишь потом все остальные определения. А если радио это бизнес, тогда артист со своими песнями - тоже вопрос бизнеса. Соответственно, на радио не дураки управляют делами и они прекрасно понимают, что артисту ротации на радио нужны в рекламных целях.
❓ Отсюда что следует?
👉 Радио будут оценивать артиста и его материал с точки зрения бизнеса! Радио должны заработать на этом, а не профинансировать артисту рекламную кампанию за свой счёт.
🌀 Вот и получается, либо артист каким-то образом оплачивает свои ротации (напрямую или накривую, деньгами или связями, это не существенно) либо радио само ищет артиста ибо он нужен этому радио для повышения своего личного рейтинга (мировая звезда). Либо артист платит радио за рекламу, либо становится мировой звездой и его конечно берут бесплатно.
🤷🏻♂️ Жёстко? Согласен! Но такова жизнь. Хотите получить чёткий ответ, ищите где в ситуации (вопросе) деньги, кто получает выгоду. Тогда многое становится понятным. Такой подход универсален ко многим жизненным вопросам.
❓ Как как вы сказали? Радио должны платить артистам за ротации? Так они и платят! 😉 Существуют так называемые законодательно установленные компенсационные выплаты авторам, исполнителям и изготовителям фонограмм. Но это копейки, которые не идут ни в какое сравнение с реальными суммами.
Так что, друзья, дружно становимся мировыми звёздами и нас всех берут бесплатно 😇
#продвижение
❓ Что такое звукорежиссура?
Откуда пошла, чем характеризуется, где нужна, отвечаем на вопрос «А зачем нам вообще всё это нужно?».
Не буду вдаваться в книжное определение, согласитесь, это скучно. Я стараюсь называть всё простыми словами, своим простым языком, чтобы всем всё было понятно.
❓ Как можно охарактеризовать термин «звукорежиссура»?
Я предпочитаю называть звукорежиссурой всё таинство работы над звуком, само творение финального звука. Именно творение звука и звучания, а не ноты. Ноты скорее относятся к написанию и исполнению музыки. Так что, ребята, если вы хотели услышать что-то про ноты, с нотами вам не сюда.
Говорим только про звук. Это инструменты, это семплы, это голоса, это тембра и варианты того, что с этим всем многообразием можно сделать. У нас с вами существует только звук и никаких нот. Так вот именно звуком и оперирует по большому счёту звукорежиссура.
📯 Если взять шире, любой звук рождается, извлекается, создаётся, потом проходит некий путь обработки и хранится в финальном варианте на физическом носителе. Он не появляется сразу в виде файла на диске или записи на плёнке, а проходит сложный путь. Звукорежиссура отвечает за весь процесс от момента фиксации этого самого звука до получения итогового звучания.
🚙 К примеру, мимо нас проехал автомобиль – это источник звука? Несомненно. Его можно каким-то образом зафиксировать (записать), потом каким-нибудь образом обработать (почистить шумы, подкорректировать тембр, выровнять громкость и пр.) и сделать готовую запись.
Далее, у нас может быть несколько источников звука (инструментов, голосов) и их нужно собрать в единую звуковую картину. Правильно? Два, три, пять, десять… А если двадцать? А если сто? Сложно? Да! Но это всё – звукорежиссура, таинство творения финального звучания.
#азбуказвукорежиссуры
Откуда пошла, чем характеризуется, где нужна, отвечаем на вопрос «А зачем нам вообще всё это нужно?».
Не буду вдаваться в книжное определение, согласитесь, это скучно. Я стараюсь называть всё простыми словами, своим простым языком, чтобы всем всё было понятно.
❓ Как можно охарактеризовать термин «звукорежиссура»?
Я предпочитаю называть звукорежиссурой всё таинство работы над звуком, само творение финального звука. Именно творение звука и звучания, а не ноты. Ноты скорее относятся к написанию и исполнению музыки. Так что, ребята, если вы хотели услышать что-то про ноты, с нотами вам не сюда.
Говорим только про звук. Это инструменты, это семплы, это голоса, это тембра и варианты того, что с этим всем многообразием можно сделать. У нас с вами существует только звук и никаких нот. Так вот именно звуком и оперирует по большому счёту звукорежиссура.
📯 Если взять шире, любой звук рождается, извлекается, создаётся, потом проходит некий путь обработки и хранится в финальном варианте на физическом носителе. Он не появляется сразу в виде файла на диске или записи на плёнке, а проходит сложный путь. Звукорежиссура отвечает за весь процесс от момента фиксации этого самого звука до получения итогового звучания.
🚙 К примеру, мимо нас проехал автомобиль – это источник звука? Несомненно. Его можно каким-то образом зафиксировать (записать), потом каким-нибудь образом обработать (почистить шумы, подкорректировать тембр, выровнять громкость и пр.) и сделать готовую запись.
Далее, у нас может быть несколько источников звука (инструментов, голосов) и их нужно собрать в единую звуковую картину. Правильно? Два, три, пять, десять… А если двадцать? А если сто? Сложно? Да! Но это всё – звукорежиссура, таинство творения финального звучания.
#азбуказвукорежиссуры
❓ Увлекательная история возникновения и развития звукорежиссуры.
Часть первая: фиксация звука.
Появление и развитие этого определения, этого термина, этой науки неразрывно связано с развитием техники звукозаписи. Когда-то много-много лет назад не было возможности каким-либо образом зафиксировать исполнение, записать его физически было просто не на что.
Соответственно, были только исполнители – музыканты и певцы, которые играли и пели, а другие люди слушали. Исполнителям нужно было физически что-то извлечь, что-то воспроизвести, слушатели должны были физически куда-то приехать и их исполнение услышать. В то время звукозаписи не существовало ни в каком виде.
Годы шли, техника развивалась, появилась возможность зафиксировать звук. Совсем первые опыты можем пропустить, но начиная с момента граммофонной эры стало действительно возможным записать исполнение, причём не только одного человека, но даже группы и оркестра. Сложно, но всё-таки уже возможно.
Разумеется, это могло быть исполнено только акустическими инструментами, поскольку электрических источников звука ещё просто не существовало, они появились намного позже.
Получается, сначала у нас появилась возможность просто взять и реальное исполнение людей зафиксировать в виде записи на граммофонной пластинке. Граммофонная запись – это тоже аналоговый носитель, поэтому музыкальное произведение нужно было исполнить и записать в реальном времени, возможности что-то с этим сделать после ещё не было.
Фактически вся история звукорежиссуры началась просто с записи исполнения музыкантов и певцов, сделать ничего ни в процессе ни после на заре звукорежиссуры было технически невозможно. Соответственно, вот как люди спели, как сыграли, так это и было зафиксировано. Не идеально, зато полностью честно без современной студийной «магии».
Это первый этап возникновения звукорежиссуры как таковой. Конечно слово режиссура пока к нему не совсем правильно относилось, скорее это была инженерия звука. А человек, который всё это делал, был прежде всего техник-инженер. Не было особой художественной нагрузки, нужно было грамотно поставить «микрофон» и нажать кнопку «запись».
Никаких пультов и магнитофонов не было, не было ничего. Была лишь возможность зафиксировать звук на финальном носителе, а потом в обратную сторону воспроизвести. Это было самое начало большого пути.
#азбуказвукорежиссуры
Часть первая: фиксация звука.
Появление и развитие этого определения, этого термина, этой науки неразрывно связано с развитием техники звукозаписи. Когда-то много-много лет назад не было возможности каким-либо образом зафиксировать исполнение, записать его физически было просто не на что.
Соответственно, были только исполнители – музыканты и певцы, которые играли и пели, а другие люди слушали. Исполнителям нужно было физически что-то извлечь, что-то воспроизвести, слушатели должны были физически куда-то приехать и их исполнение услышать. В то время звукозаписи не существовало ни в каком виде.
Годы шли, техника развивалась, появилась возможность зафиксировать звук. Совсем первые опыты можем пропустить, но начиная с момента граммофонной эры стало действительно возможным записать исполнение, причём не только одного человека, но даже группы и оркестра. Сложно, но всё-таки уже возможно.
Разумеется, это могло быть исполнено только акустическими инструментами, поскольку электрических источников звука ещё просто не существовало, они появились намного позже.
Получается, сначала у нас появилась возможность просто взять и реальное исполнение людей зафиксировать в виде записи на граммофонной пластинке. Граммофонная запись – это тоже аналоговый носитель, поэтому музыкальное произведение нужно было исполнить и записать в реальном времени, возможности что-то с этим сделать после ещё не было.
Фактически вся история звукорежиссуры началась просто с записи исполнения музыкантов и певцов, сделать ничего ни в процессе ни после на заре звукорежиссуры было технически невозможно. Соответственно, вот как люди спели, как сыграли, так это и было зафиксировано. Не идеально, зато полностью честно без современной студийной «магии».
Это первый этап возникновения звукорежиссуры как таковой. Конечно слово режиссура пока к нему не совсем правильно относилось, скорее это была инженерия звука. А человек, который всё это делал, был прежде всего техник-инженер. Не было особой художественной нагрузки, нужно было грамотно поставить «микрофон» и нажать кнопку «запись».
Никаких пультов и магнитофонов не было, не было ничего. Была лишь возможность зафиксировать звук на финальном носителе, а потом в обратную сторону воспроизвести. Это было самое начало большого пути.
#азбуказвукорежиссуры
❓ Увлекательная история возникновения и развития звукорежиссуры.
Часть вторая: появление многоканальной звукозаписи, рождение режиссуры записи.
Дальнейшее развитие звуковой индустрии пошло с момента возникновения электрических источников звука и многоканальных пультов. Сначала это были огромные 4-канальные пульты, потом уже появились 8-16-24 и далее.
❓ Что это давало?
В момент записи инженеры могли поставить сразу несколько микрофонов и источников звука. Прогресс налицо!
🌋 Параллельно шли электрические эксперименты, появилась широкая палитра возможностей звукоизвлечения, много новых источников звука, которые можно было записать. Стало допустимо использовать несколько микрофонов и выстраивать баланс громкости между ними во время записи. Что-то сделать громче, что-то сделать тише.
На этапе записи у нас появились хоть какие-то возможности, но по-прежнему всё нужно было сразу фиксировать в итоговом виде на носителе. Студийной записи с возможностью промежуточной фиксации ещё не было, всё в реальном времени игралось. Но уже было несколько источников и в процессе исполнения что-то можно было со звуком сделать.
Естественно, всё это пока было моно звучание, о стерео тогда никто не задумывался и не мечтал.
🌋 Время шло. На пультах появились обрезные фильтры, потом небольшие эквалайзеры, возникла возможность что-то менять в тембре. Конечно это было очень примитивно по современным меркам, совсем минимум, но – существовало! К тому же, это была ламповая электроника – огромная массивная техника, которая жутко греется и много потребляет электроэнергии.
Процесс записи получался дорогим, нужно было на ходу всё чётко и максимально без ошибок делать. Но появились элементы художественной работы во время записи, появилась базовая режиссура записи. Вместо инженера записи возник режиссёр записи. Увы, дальше ничего со звуком всё ещё нельзя было сделать.
🌋 А реальный прорыв звукорежиссуре произошёл с появлением плёночной магнитной звукозаписи, когда в студии уже появилась реальная возможность что-то записать, позже что-то с этим сделать и только потом уже записать на бытовой носитель. Единый процесс исполнения и записи разделился на несколько этапов: запись, обработка, финал.
#азбуказвукорежиссуры
Часть вторая: появление многоканальной звукозаписи, рождение режиссуры записи.
Дальнейшее развитие звуковой индустрии пошло с момента возникновения электрических источников звука и многоканальных пультов. Сначала это были огромные 4-канальные пульты, потом уже появились 8-16-24 и далее.
❓ Что это давало?
В момент записи инженеры могли поставить сразу несколько микрофонов и источников звука. Прогресс налицо!
🌋 Параллельно шли электрические эксперименты, появилась широкая палитра возможностей звукоизвлечения, много новых источников звука, которые можно было записать. Стало допустимо использовать несколько микрофонов и выстраивать баланс громкости между ними во время записи. Что-то сделать громче, что-то сделать тише.
На этапе записи у нас появились хоть какие-то возможности, но по-прежнему всё нужно было сразу фиксировать в итоговом виде на носителе. Студийной записи с возможностью промежуточной фиксации ещё не было, всё в реальном времени игралось. Но уже было несколько источников и в процессе исполнения что-то можно было со звуком сделать.
Естественно, всё это пока было моно звучание, о стерео тогда никто не задумывался и не мечтал.
🌋 Время шло. На пультах появились обрезные фильтры, потом небольшие эквалайзеры, возникла возможность что-то менять в тембре. Конечно это было очень примитивно по современным меркам, совсем минимум, но – существовало! К тому же, это была ламповая электроника – огромная массивная техника, которая жутко греется и много потребляет электроэнергии.
Процесс записи получался дорогим, нужно было на ходу всё чётко и максимально без ошибок делать. Но появились элементы художественной работы во время записи, появилась базовая режиссура записи. Вместо инженера записи возник режиссёр записи. Увы, дальше ничего со звуком всё ещё нельзя было сделать.
🌋 А реальный прорыв звукорежиссуре произошёл с появлением плёночной магнитной звукозаписи, когда в студии уже появилась реальная возможность что-то записать, позже что-то с этим сделать и только потом уже записать на бытовой носитель. Единый процесс исполнения и записи разделился на несколько этапов: запись, обработка, финал.
#азбуказвукорежиссуры
❓ Увлекательная история возникновения и развития звукорежиссуры.
Часть третья: таинство студийного творения звука.
С появлением плёночной магнитной студийной звукозаписи произошёл реальный прорыв в звукорежиссуре. Единый процесс разделился на несколько этапов: запись исполнения, обработка этой записи, финальный микс, издание на бытовом носителе. Помимо непосредственно записи исполнителей появился процесс фиксации и обработки полученной записи.
🔊 Многоканальная запись начиналась с 4 каналов.
➡️ Много это или мало?
Поставили музыкантов, расставили микрофоны и прочие источники звука (ту же электрогитару надо ж было как-то подключить). А у нас всего четыре канала пульта, четыре канала записи, куда их всех?
👉 Вот и получалось вынужденно: барабаны в одном канале, все вокалы на втором канале, бас на третьем, все гитары на четвёртом, а на финальном сведении (вернее – перезаписи, иногда многократной) всё это собиралось вместе в одну дорожку.
🔊 Это было круто!
✅ Можно было сначала записать, позже повторно обработать и в спокойной обстановке сделать нормальную финальную запись.
👉 У нас появился второй элемент – мы могли вмешиваться в сигнал на этапе работы в студии уже после записи.
✅ Это был очень серьёзный шаг в развитии, и именно с него можно говорить про звукорежиссуру как область знаний и отдельную творческую профессию.
🔊 Разумеется, поначалу каналов на плёнке было мало, каналов на пультах было мало, возможности были очень скудные и во многом просто инженерные.
➡️ Основная режиссура достигалась во время записи за счёт огромного количества дублей. Иногда могло быть и по сто дублей на одну песню, причём всё записывалось и исполнялось целиком от начала до конца, полное произведение.
➡️ Поэтому увы режиссура произведения по-прежнему творилась во время записи, именно там рождался звук.
🔊 Позже пошли 8-ми и 16-канальные плёнки (триумфом можно считать 24-канальные), студийные 24-48 и более канальные пульты, множество новых приборов обработки звука.
➡️ Техника развивалась, и в студийном мире появилось огромное количество новых технических возможностей для реализации художественных идей.
🤟 Вот именно с этой точки и возникло таинство студийного творения звука как отдельного процесса.
#азбуказвукорежиссуры
Часть третья: таинство студийного творения звука.
С появлением плёночной магнитной студийной звукозаписи произошёл реальный прорыв в звукорежиссуре. Единый процесс разделился на несколько этапов: запись исполнения, обработка этой записи, финальный микс, издание на бытовом носителе. Помимо непосредственно записи исполнителей появился процесс фиксации и обработки полученной записи.
🔊 Многоканальная запись начиналась с 4 каналов.
➡️ Много это или мало?
Поставили музыкантов, расставили микрофоны и прочие источники звука (ту же электрогитару надо ж было как-то подключить). А у нас всего четыре канала пульта, четыре канала записи, куда их всех?
👉 Вот и получалось вынужденно: барабаны в одном канале, все вокалы на втором канале, бас на третьем, все гитары на четвёртом, а на финальном сведении (вернее – перезаписи, иногда многократной) всё это собиралось вместе в одну дорожку.
🔊 Это было круто!
✅ Можно было сначала записать, позже повторно обработать и в спокойной обстановке сделать нормальную финальную запись.
👉 У нас появился второй элемент – мы могли вмешиваться в сигнал на этапе работы в студии уже после записи.
✅ Это был очень серьёзный шаг в развитии, и именно с него можно говорить про звукорежиссуру как область знаний и отдельную творческую профессию.
🔊 Разумеется, поначалу каналов на плёнке было мало, каналов на пультах было мало, возможности были очень скудные и во многом просто инженерные.
➡️ Основная режиссура достигалась во время записи за счёт огромного количества дублей. Иногда могло быть и по сто дублей на одну песню, причём всё записывалось и исполнялось целиком от начала до конца, полное произведение.
➡️ Поэтому увы режиссура произведения по-прежнему творилась во время записи, именно там рождался звук.
🔊 Позже пошли 8-ми и 16-канальные плёнки (триумфом можно считать 24-канальные), студийные 24-48 и более канальные пульты, множество новых приборов обработки звука.
➡️ Техника развивалась, и в студийном мире появилось огромное количество новых технических возможностей для реализации художественных идей.
🤟 Вот именно с этой точки и возникло таинство студийного творения звука как отдельного процесса.
#азбуказвукорежиссуры
❓ Увлекательная история возникновения и развития звукорежиссуры.
Часть IV: переход в «цифру» и появление «звуко-людей».
Появились многоканальные пульты и магнитофоны, много хороших и полезных приборов обработки звука, в мир пришло стерео, но вся цепочка по-прежнему была аналоговой со всеми своими проблемами.
Какой путь проходило каждое произведение?
✅ Сначала мы должны были записать исполнение и реализовать его режиссуру во время записи на студийный носитель, который был всего лишь один – плёнка (tape machine).
✅ После этого в реальном времени (но не обязательно в тот же день) обработать, сложить в одну дорожку (ура! уже в стерео) и записать на другую плёнку.
✅ И уже с этой плёнки, которая была готова к тиражу, делали мастеринг студийного носителя.
📈 Это был сложный многоэтапный процесс, который развивался вместе с развитием техники, а новые технические и инженерные возможности давали скачок в художественных экспериментах, в художественных идеях.
🌀 По мере того, как этих художественных возможностей становилось всё больше и больше, таинство создания финального звучания стало перемещаться от момента фиксации записи и режиссуры записи в сторону режиссуры финального звучания. Этот период в истории звукорежиссуры можно считать началом профессии саунд-продюсера.
Кто такой саунд-продюсер?
Это человек, который создаёт финальный звук, он его не фиксирует, он его делает. Здесь включил, здесь выключил, здесь подвинул, здесь очень хитро обработал, здесь что-то ещё, тут добавил, там убрал и т.д. – полностью художественная и креативная история, это следующий этап.
🔢 Ну а с приходом в наш мир цифровых технологий, а в последствии и мощных компьютерных технологий, все процессы полностью переместились в цифровой формат. Таинство студийного творения стало доступно многим и везде. И теперь, когда говорят слово «звукорежиссура», чаще всего подразумевают именно таинство создания финального звука.
Запись песни перестала быть главной точкой создания правильного звучания. В основном все музыканты и вокалисты записываются раздельно, стараются время зря не тратить. Живые команды пишут всё реже и реже, даже оркестровые аранжировки нередко делают полностью в цифровом формате без живого оркестра (мы так делали шоу Арриолас 📽️ youtu.be/qh_UwZ00fcQ, полностью на звуках из библиотек).
💻 Музыка в её финальном варианте теперь рождается в компьютере, лепится из кусочков, состоит из хитрых фишек и эффектов. Композитор как творец мелодий никуда не делся, но в процессе задействовано много новых людей, которые вносят не меньше в произведение и его успех.
🤟 Аранжировщик, битмейкер, звукорежиссёр, саунд-продюсер, музыкальный продюсер – это всё люди-творцы, «звуко-люди», можно и так сказать, которые могут использовать некий исходник (набор чего-то, конструктор) чтобы создать финальное итоговое звучание. И без них уже никуда.
Понравился рассказ? Это отрывок из марафона «Азбука студийной звукорежиссуры», доступен для обучения оффлайн в любое время.
t.me/andrewaspidov_online/39
#азбуказвукорежиссуры
Часть IV: переход в «цифру» и появление «звуко-людей».
Появились многоканальные пульты и магнитофоны, много хороших и полезных приборов обработки звука, в мир пришло стерео, но вся цепочка по-прежнему была аналоговой со всеми своими проблемами.
Какой путь проходило каждое произведение?
✅ Сначала мы должны были записать исполнение и реализовать его режиссуру во время записи на студийный носитель, который был всего лишь один – плёнка (tape machine).
✅ После этого в реальном времени (но не обязательно в тот же день) обработать, сложить в одну дорожку (ура! уже в стерео) и записать на другую плёнку.
✅ И уже с этой плёнки, которая была готова к тиражу, делали мастеринг студийного носителя.
📈 Это был сложный многоэтапный процесс, который развивался вместе с развитием техники, а новые технические и инженерные возможности давали скачок в художественных экспериментах, в художественных идеях.
🌀 По мере того, как этих художественных возможностей становилось всё больше и больше, таинство создания финального звучания стало перемещаться от момента фиксации записи и режиссуры записи в сторону режиссуры финального звучания. Этот период в истории звукорежиссуры можно считать началом профессии саунд-продюсера.
Кто такой саунд-продюсер?
Это человек, который создаёт финальный звук, он его не фиксирует, он его делает. Здесь включил, здесь выключил, здесь подвинул, здесь очень хитро обработал, здесь что-то ещё, тут добавил, там убрал и т.д. – полностью художественная и креативная история, это следующий этап.
🔢 Ну а с приходом в наш мир цифровых технологий, а в последствии и мощных компьютерных технологий, все процессы полностью переместились в цифровой формат. Таинство студийного творения стало доступно многим и везде. И теперь, когда говорят слово «звукорежиссура», чаще всего подразумевают именно таинство создания финального звука.
Запись песни перестала быть главной точкой создания правильного звучания. В основном все музыканты и вокалисты записываются раздельно, стараются время зря не тратить. Живые команды пишут всё реже и реже, даже оркестровые аранжировки нередко делают полностью в цифровом формате без живого оркестра (мы так делали шоу Арриолас 📽️ youtu.be/qh_UwZ00fcQ, полностью на звуках из библиотек).
💻 Музыка в её финальном варианте теперь рождается в компьютере, лепится из кусочков, состоит из хитрых фишек и эффектов. Композитор как творец мелодий никуда не делся, но в процессе задействовано много новых людей, которые вносят не меньше в произведение и его успех.
🤟 Аранжировщик, битмейкер, звукорежиссёр, саунд-продюсер, музыкальный продюсер – это всё люди-творцы, «звуко-люди», можно и так сказать, которые могут использовать некий исходник (набор чего-то, конструктор) чтобы создать финальное итоговое звучание. И без них уже никуда.
Понравился рассказ? Это отрывок из марафона «Азбука студийной звукорежиссуры», доступен для обучения оффлайн в любое время.
t.me/andrewaspidov_online/39
#азбуказвукорежиссуры
❓ Сатурация – главный ключ к крутому звучанию!
Недавно в TikTok к какому-то ролику был комментарий: «О! Мистер Сатурация!» Я спрашиваю, собственно, почему? А вы, говорит, в каждом ролике говорите про сатурацию или используйте слово сатурация.
🔖 Именно так, сатурация вам нужна везде! Это привнесение аналоговой краски, того крутого сочного жирного аналогового звучания в современный сухой нейтральный цифровой. Поэтому сатурация вам нужна практически на всём, просто разная, под свои идеи и задачи вы и подбираете конкретный способ и плагин.
Сатурация бывает мягкая, почти незаметная, просто лёгкая подкраска, которая чуть слышна. Это может быть эквалайзер, который сам по себе даёт вам красивый окрас. Это может быть компрессор, который помимо того, что работает, ещё и вносит какой-то свой вкусный оттенок.
👉 Хотим определённый звук? Понимаем что мы хотим и планомерно туда идём!
❓ В чём главная фишка сочного звука восьмидесятых?
🔖 Пока ваш исходный звук (бас, гитара, клавиши, вокал - всё что угодно) проходил через цепочку аналоговых приборов обработки (а это и компрессор, и эквалайзер, и пульт, и плёнка), да ещё и многократно, звук насыщался и становился таким крутым.
Именно длинная цепочка аналоговых приборов, каждый из которых вмешивался в сигнал, добавляя свой уникальный окрас, и давала тот самый крутой саунд 80х. Не исходные звуки, не звучание инструментов, а запись и обработка создавала это волшебство.
➡️ Вы можете делать ровно тоже самое в цифровом виде сейчас, у вас огромная палитра из хороших плагинов. Я не просто так в марафонах ребятам даю очень много плагинов и показываю какой куда подходит, какой окрас даёт, что для гитары, это для баса хорошо, что на вокал гениально, какой на духовые и струнные хорошо подходит и т.д.
Это не обязательно какой-то отдельный плагин «сатуратор». В основном у вас сами эквалайзеры и компрессоры уже дают псевдо-аналоговую обработку, каждый со своим уникальным окрасом. Вы их подбираете и используете на свой вкус. Что-то хотите добавить, вот и применяйте. Нет никаких особых правил применения сатурации. Микс или звучит плотно и сочно или не звучит.
🔖 Моя одна из любимых фраз «Ребята, вы хотите что-то получить? Вот и двигаетесь туда!».
✅ Если звук улучшается и приближается к нужной вам точке – молодцы! Если не приближается, если что-то ломается, что-то портится, значит что-то делаете не так. Верно?
➡️ Уберите плагин, подберите другой!
Ради этого я в марафоне Эквализация и Компрессия заставляю участников покопаться в своих плагинах. Найти, какой нравится, какой нет, куда подходит, куда не подходит. Раскопать инструментарий.
👉 И каждый раз слышу находки «ой, а у меня такой плагин был, а я не знал, куда его применить». А вот оказывается куда, и он, оказывается, даёт сумасшедше классную краску, и он есть, а вы его не использовали 🤷🏻♂️
✅ То чем вы пользуетесь, желательно хорошо знать. Пусть у вас будет пять компрессоров, пять эквалайзеров. Но каждый из них вы знаете досконально, в деталях, в нюансах, и умеете ими пользоваться. Потом, когда вы эти пять освоили, добавляйте ещё.
👉 Пробуйте, копайте, обязательно читайте документацию, потому что реализация даже одних и тех же алгоритмов у разных производителей разные. Всегда есть нюансы. Отличных вам миксов!
#сатурация
Недавно в TikTok к какому-то ролику был комментарий: «О! Мистер Сатурация!» Я спрашиваю, собственно, почему? А вы, говорит, в каждом ролике говорите про сатурацию или используйте слово сатурация.
🔖 Именно так, сатурация вам нужна везде! Это привнесение аналоговой краски, того крутого сочного жирного аналогового звучания в современный сухой нейтральный цифровой. Поэтому сатурация вам нужна практически на всём, просто разная, под свои идеи и задачи вы и подбираете конкретный способ и плагин.
Сатурация бывает мягкая, почти незаметная, просто лёгкая подкраска, которая чуть слышна. Это может быть эквалайзер, который сам по себе даёт вам красивый окрас. Это может быть компрессор, который помимо того, что работает, ещё и вносит какой-то свой вкусный оттенок.
👉 Хотим определённый звук? Понимаем что мы хотим и планомерно туда идём!
❓ В чём главная фишка сочного звука восьмидесятых?
🔖 Пока ваш исходный звук (бас, гитара, клавиши, вокал - всё что угодно) проходил через цепочку аналоговых приборов обработки (а это и компрессор, и эквалайзер, и пульт, и плёнка), да ещё и многократно, звук насыщался и становился таким крутым.
Именно длинная цепочка аналоговых приборов, каждый из которых вмешивался в сигнал, добавляя свой уникальный окрас, и давала тот самый крутой саунд 80х. Не исходные звуки, не звучание инструментов, а запись и обработка создавала это волшебство.
➡️ Вы можете делать ровно тоже самое в цифровом виде сейчас, у вас огромная палитра из хороших плагинов. Я не просто так в марафонах ребятам даю очень много плагинов и показываю какой куда подходит, какой окрас даёт, что для гитары, это для баса хорошо, что на вокал гениально, какой на духовые и струнные хорошо подходит и т.д.
Это не обязательно какой-то отдельный плагин «сатуратор». В основном у вас сами эквалайзеры и компрессоры уже дают псевдо-аналоговую обработку, каждый со своим уникальным окрасом. Вы их подбираете и используете на свой вкус. Что-то хотите добавить, вот и применяйте. Нет никаких особых правил применения сатурации. Микс или звучит плотно и сочно или не звучит.
🔖 Моя одна из любимых фраз «Ребята, вы хотите что-то получить? Вот и двигаетесь туда!».
✅ Если звук улучшается и приближается к нужной вам точке – молодцы! Если не приближается, если что-то ломается, что-то портится, значит что-то делаете не так. Верно?
➡️ Уберите плагин, подберите другой!
Ради этого я в марафоне Эквализация и Компрессия заставляю участников покопаться в своих плагинах. Найти, какой нравится, какой нет, куда подходит, куда не подходит. Раскопать инструментарий.
👉 И каждый раз слышу находки «ой, а у меня такой плагин был, а я не знал, куда его применить». А вот оказывается куда, и он, оказывается, даёт сумасшедше классную краску, и он есть, а вы его не использовали 🤷🏻♂️
✅ То чем вы пользуетесь, желательно хорошо знать. Пусть у вас будет пять компрессоров, пять эквалайзеров. Но каждый из них вы знаете досконально, в деталях, в нюансах, и умеете ими пользоваться. Потом, когда вы эти пять освоили, добавляйте ещё.
👉 Пробуйте, копайте, обязательно читайте документацию, потому что реализация даже одних и тех же алгоритмов у разных производителей разные. Всегда есть нюансы. Отличных вам миксов!
#сатурация
❓ Что такое мастеринг?
Как и когда появился, как развивался, какие задачи и проблемы имелись и решались?
🌀 Запасаемся поп-корном, набираемся терпения, вникаем и наслаждаемся! Рассказываю часть бонусного эфира Онлайн Марафона «Коммерческое Сведение Песни» – историю возникновения и развитие мастеринга как инженерного и художественного процесса работы над звуком.
📀 Мастеринг как инженерный процесс возник на стыке студийной плёночной звукозаписи и бытовых виниловых носителей.
Вся работа над созданием фонограмм велась на студийных многоканальных плёночных магнитофонах, аналоговых пультах и приборах. И дальше этот очень качественный материал нужно было как-то перенести на винил, носитель достаточно проблемный с массой ограничений и технических особенностей.
Даже на заре плёночной эры, качество студийной записи всё равно глобально превышало качество и возможности бытового носителя. Поэтому и возникла необходимость каким-то образом адаптировать звучание с учётом сложностей и ограничений виниловых пластинок.
❓ В чём проблема винила?
Что ж такого сложного было связано с виниловыми пластинками, что пришлось целый тех.процесс изобретать?
👉 Процесс записи и воспроизведения винилового диска во многом схож с микрофонный трактом. При записи диска колебания иглы (аналог мембраны микрофона) вырезают канавки, а при воспроизведении колебания иглы о края канавки создают звуковые колебания. Чем не микрофон? Суть процесса аналогична.
❓ Что это означает на практике?
Нелинейность и массу ограничений.
☑️ Проблема с диапазоном частот и его неравномерностью, узким динамическим диапазоном, шумы и искажения, физическая деградация носителя при каждом воспроизведении.
☑️ Даже по громкости сигнала и по стерео картине были ограничения, поскольку соседние дорожки (канавки) на диске могли попросту слипнуться, что приводило к скачкам иглы. Слишком широкое стерео тоже могло приводить к скачкам иглы. Очень сложный носитель 🤷🏻♂️
📼 Студийная плёнка намного более качественный и удобный носитель. Студийная запись многократно превышает физические возможности виниловой записи. Вот потому и пришлось придумывать, как перенести студийный исходник с минимальными потерями и добиться приемлемого звучания музыки в бытовых условиях. О художественной стороне мастеринга тогда не думали, это был прежде всего инженерный процесс.
❓ Как появился и происходил мастеринг альбомов для виниловых дисков?
📀 Действительно массовым винил стал тогда, когда появились большие 12" диски long play. На них можно было записать по 20-25 минут звучания на одну сторону, что позволило записывать и выпускать музыку альбомами, а не отдельными песнями.
🚀 Это был прорыв!
У художников музыкальной индустрии появилась возможность создавать концептуальные записи, реализовывать сложные замыслы. Но даже просто скомпоновать несколько песен в единое целое было в новинку и зашло слушателям на ура.
❓ А как быть технически?
Фонограммы отдельных песен создавались в разное время, порой на разных студиях. Как их записать на один диск подряд в едином звучании?
Проблема была в следующем.
📀 Запись мастер-диска (нарезка) происходит непрерывно, остановить и продолжить запись нельзя. Значит, все песни нужно причесать по звучанию и воспроизвести друг за другом единовременно.
Сделать это заранее на плёнке проблематично ввиду особенностей носителей.
Добавим сюда высокую стоимость изготовления мастер-диска, каждая ошибка это 💰💰💰. Как быть?
💡 Делаем два параллельных набора приборов и подбираем заранее параметры под каждую песню. Фиксируем, а во время записи мастер-диска заранее набираем параметры на втором наборе приборов под следующую песню и в паузе переключаем. Элементарно!
👉 Вот так и появился мастеринг альбомов, как отдельный процесс.
Продолжим в следующей части.
#мастеринг
Как и когда появился, как развивался, какие задачи и проблемы имелись и решались?
🌀 Запасаемся поп-корном, набираемся терпения, вникаем и наслаждаемся! Рассказываю часть бонусного эфира Онлайн Марафона «Коммерческое Сведение Песни» – историю возникновения и развитие мастеринга как инженерного и художественного процесса работы над звуком.
📀 Мастеринг как инженерный процесс возник на стыке студийной плёночной звукозаписи и бытовых виниловых носителей.
Вся работа над созданием фонограмм велась на студийных многоканальных плёночных магнитофонах, аналоговых пультах и приборах. И дальше этот очень качественный материал нужно было как-то перенести на винил, носитель достаточно проблемный с массой ограничений и технических особенностей.
Даже на заре плёночной эры, качество студийной записи всё равно глобально превышало качество и возможности бытового носителя. Поэтому и возникла необходимость каким-то образом адаптировать звучание с учётом сложностей и ограничений виниловых пластинок.
❓ В чём проблема винила?
Что ж такого сложного было связано с виниловыми пластинками, что пришлось целый тех.процесс изобретать?
👉 Процесс записи и воспроизведения винилового диска во многом схож с микрофонный трактом. При записи диска колебания иглы (аналог мембраны микрофона) вырезают канавки, а при воспроизведении колебания иглы о края канавки создают звуковые колебания. Чем не микрофон? Суть процесса аналогична.
❓ Что это означает на практике?
Нелинейность и массу ограничений.
☑️ Проблема с диапазоном частот и его неравномерностью, узким динамическим диапазоном, шумы и искажения, физическая деградация носителя при каждом воспроизведении.
☑️ Даже по громкости сигнала и по стерео картине были ограничения, поскольку соседние дорожки (канавки) на диске могли попросту слипнуться, что приводило к скачкам иглы. Слишком широкое стерео тоже могло приводить к скачкам иглы. Очень сложный носитель 🤷🏻♂️
📼 Студийная плёнка намного более качественный и удобный носитель. Студийная запись многократно превышает физические возможности виниловой записи. Вот потому и пришлось придумывать, как перенести студийный исходник с минимальными потерями и добиться приемлемого звучания музыки в бытовых условиях. О художественной стороне мастеринга тогда не думали, это был прежде всего инженерный процесс.
❓ Как появился и происходил мастеринг альбомов для виниловых дисков?
📀 Действительно массовым винил стал тогда, когда появились большие 12" диски long play. На них можно было записать по 20-25 минут звучания на одну сторону, что позволило записывать и выпускать музыку альбомами, а не отдельными песнями.
🚀 Это был прорыв!
У художников музыкальной индустрии появилась возможность создавать концептуальные записи, реализовывать сложные замыслы. Но даже просто скомпоновать несколько песен в единое целое было в новинку и зашло слушателям на ура.
❓ А как быть технически?
Фонограммы отдельных песен создавались в разное время, порой на разных студиях. Как их записать на один диск подряд в едином звучании?
Проблема была в следующем.
📀 Запись мастер-диска (нарезка) происходит непрерывно, остановить и продолжить запись нельзя. Значит, все песни нужно причесать по звучанию и воспроизвести друг за другом единовременно.
Сделать это заранее на плёнке проблематично ввиду особенностей носителей.
Добавим сюда высокую стоимость изготовления мастер-диска, каждая ошибка это 💰💰💰. Как быть?
💡 Делаем два параллельных набора приборов и подбираем заранее параметры под каждую песню. Фиксируем, а во время записи мастер-диска заранее набираем параметры на втором наборе приборов под следующую песню и в паузе переключаем. Элементарно!
👉 Вот так и появился мастеринг альбомов, как отдельный процесс.
Продолжим в следующей части.
#мастеринг
❓ Мастеринг. История возникновения и развития. Продолжение.
📀 Виниловая эпоха была продолжительной, на очень долгое время этот носитель стал основным доступным относительно качественным источником прослушивания музыки в быту (радио и тв не в счёт). В студии и в производстве он создавал проблемы, но в быту звучал очень неплохо. Все были довольны, но проблема и сложность подготовки мастер-диска оставалась.
❓ Что делать?
📀 Студийный мир прекрасно понимал особенности носителя и важность подготовки материалов. Поэтому, ещё на этапе создания финального студийного звучания, стали учитывать нюансы виниловой записи, старались заранее подготовить миксы для мастеринга.
📀 Студийные фонограммы на плёнке были максимально заточены под мастеринг винила. Это было удобно, но при дальнейшей глобальной смене основного бытового носителя и переходе в цифру это создало массу проблем и потребовало новых технических и технологических решений.
📀 Виниловая эпоха фактически создала мастеринг как таковой. Это со временем стало не только техническим элементом, но и художественным.
Появилась гонка громкости, поскольку каждый хотел, чтобы его альбом звучал громче других (здесь работает психоакустическое восприятие звука человеком).
Студийный мир адаптировался, звучание в студии сразу старались делать с учётом носителя. Но это в итоге и стало проблемой с приходом цифрового звука.
📀 Компакт диск, да и в целом цифровой звук, характеризуется полностью чистым нейтральным звучанием. Перенос записей, сделанных под винил, оказался той ещё проблемой.
Ничего банально не звучало, всё было тускло и скучно, динамика, ширина, яркость - всё не то. И мастеринг снова изменился. А вместе с тем и студийный мир оказался вынужден учитывать нюансы нового бытового формата.
📲 Затем пришла эра файлов. Аббревиатурой MP3 сейчас никого не удивить. Однако, многие и не подозревают, что это сжатие с потерями, что даёт свою новую пачку проблем, прежде всего с уровнем громкости.
Да да, казалось бы, файл и файл 😂, но нет. При воспроизведении MP3 файла возможно получение более громких всплесков аудио, что может приводить к искажениям, к жёсткому звучанию. И мастеринг в студии должен это учитывать. Тот же стандарт Mastered for iTunes родился не просто так.
📀 Таким образом, мастеринг в инженерном плане это адаптация крутой студийной записи под бытовой носитель. В разные времена это был разный процесс, но его цель и задача оставалась прежней.
❓ Почему адаптация?
☑️ Бытовая акустика, бытовая аппаратура, бытовые носители принципиально отличаются от студийного оборудования.
☑️ Студийное оборудование и акустика имеют глобально большее разрешение, детализацию, честность и линейность спектра, общее качество звука.
☑️ Студийный тракт предназначен вскрыть и показать все ошибки микса, достать всю грязь и проблемы.
☑️ Бытовая акустика, как правило, пытается максимально скрыть это, сделать звучание более мягким и приятным. Проблемы микса никуда не теряются, они прячутся, маскируются, но грязь и муть остаётся.
📀 Фактически, вся цепочка работы над песней ведёт к тому, чтобы получить максимально круто звучащую на бытовой акустике финальную фонограмму. Это и есть тот самый мастер.
🌀 Вот такой большой рассказ получился. Понравился?
#мастеринг
📀 Виниловая эпоха была продолжительной, на очень долгое время этот носитель стал основным доступным относительно качественным источником прослушивания музыки в быту (радио и тв не в счёт). В студии и в производстве он создавал проблемы, но в быту звучал очень неплохо. Все были довольны, но проблема и сложность подготовки мастер-диска оставалась.
❓ Что делать?
📀 Студийный мир прекрасно понимал особенности носителя и важность подготовки материалов. Поэтому, ещё на этапе создания финального студийного звучания, стали учитывать нюансы виниловой записи, старались заранее подготовить миксы для мастеринга.
📀 Студийные фонограммы на плёнке были максимально заточены под мастеринг винила. Это было удобно, но при дальнейшей глобальной смене основного бытового носителя и переходе в цифру это создало массу проблем и потребовало новых технических и технологических решений.
📀 Виниловая эпоха фактически создала мастеринг как таковой. Это со временем стало не только техническим элементом, но и художественным.
Появилась гонка громкости, поскольку каждый хотел, чтобы его альбом звучал громче других (здесь работает психоакустическое восприятие звука человеком).
Студийный мир адаптировался, звучание в студии сразу старались делать с учётом носителя. Но это в итоге и стало проблемой с приходом цифрового звука.
📀 Компакт диск, да и в целом цифровой звук, характеризуется полностью чистым нейтральным звучанием. Перенос записей, сделанных под винил, оказался той ещё проблемой.
Ничего банально не звучало, всё было тускло и скучно, динамика, ширина, яркость - всё не то. И мастеринг снова изменился. А вместе с тем и студийный мир оказался вынужден учитывать нюансы нового бытового формата.
📲 Затем пришла эра файлов. Аббревиатурой MP3 сейчас никого не удивить. Однако, многие и не подозревают, что это сжатие с потерями, что даёт свою новую пачку проблем, прежде всего с уровнем громкости.
Да да, казалось бы, файл и файл 😂, но нет. При воспроизведении MP3 файла возможно получение более громких всплесков аудио, что может приводить к искажениям, к жёсткому звучанию. И мастеринг в студии должен это учитывать. Тот же стандарт Mastered for iTunes родился не просто так.
📀 Таким образом, мастеринг в инженерном плане это адаптация крутой студийной записи под бытовой носитель. В разные времена это был разный процесс, но его цель и задача оставалась прежней.
❓ Почему адаптация?
☑️ Бытовая акустика, бытовая аппаратура, бытовые носители принципиально отличаются от студийного оборудования.
☑️ Студийное оборудование и акустика имеют глобально большее разрешение, детализацию, честность и линейность спектра, общее качество звука.
☑️ Студийный тракт предназначен вскрыть и показать все ошибки микса, достать всю грязь и проблемы.
☑️ Бытовая акустика, как правило, пытается максимально скрыть это, сделать звучание более мягким и приятным. Проблемы микса никуда не теряются, они прячутся, маскируются, но грязь и муть остаётся.
📀 Фактически, вся цепочка работы над песней ведёт к тому, чтобы получить максимально круто звучащую на бытовой акустике финальную фонограмму. Это и есть тот самый мастер.
🌀 Вот такой большой рассказ получился. Понравился?
#мастеринг
Инженер, Режиссёр, Продюсер - кто все эти люди?
Музыкальная терминология штука занятная, названия ролей и специалистов не исключение, давайте разбираться. Рассказываю отрывок марафона «Азбука студийной звукорежиссуры».
🌀 Инженер — это человек, который квалифицированно выполняет техническую работу на каждом этапе производства песни. Нажал кнопку «запись», «стоп», сохранил дубль, переместил записанные дорожки, подключил провод, включил прибор, передвинул микрофон и т.д. Если он что-то редактирует, чистит, режет исходник, в этот момент он тоже инженер. Почему? Потому что не касается художественных вопросов.
📚 Вполне возможно вы слышали такие термины, как «инженер записи», «инженер сведения», «инженер мастеринга». Инженер – уважаемый квалифицированный человек, который делает что-то технически грамотно, но не принимает никаких художественных решений, не меняет баланса, не решает, что нужно другой микрофон поставить или что-то перезаписать, не определяет удачность записанных дублей, а технически обеспечивает процесс. Принимает решения режиссёр либо продюсер.
🌀 Режиссёр понимает всю инженерную сторону вопроса, но владеет и художественными методами. Он в курсе, что такое эмоции и характер, может перевести запрос артиста из «сделать звук ярче» на инженерно-технический язык. Владеет художественными методами и в состоянии додумать итоговую звуковую картину, работает над общим звучанием произведения. В отличие от инженера, режиссёр принимает не только инженерные, но и художественные решения.
📚 А глобальные решения на записи, сведении, да и на любом другом этапе принимает продюсер. Именно тот человек, который говорит: «слушай, ну это вообще никуда не годится, нам нужно другого гитариста позвать, это нам не подходит, с этим возиться без-смысленно», «микрофон не подходит, тембр не звучит, давай искать другой» и так далее.
Продюсер принимает не только инженерно-художественные, но и организационно-идеологические решения: переделать аранжировку, изменить стиль, переиграть инструменты, перепеть вокал, записать бэки, с кем и какие именно и т.д. Вот это уже продюсер.
🌀 Продюсер точно так же может быть на каждом этапе цепочки. Во время записи может быть продюсер записи, который фактически может вообще не подходить к оборудованию, но принимать решения и объяснять каждому участнику процесса что ему нужно делать на понятном языке. Продюсер аранжировки и продюсер сведения – такие же нормальные и допустимые термины.
📚 В эру классической аналоговой звукозаписи, в эру больших студий, во время записи всегда присутствовал продюсер записи. Это человек, который ходил и рулил процессом, следил, что сделать, как сделать, что изменить, как исполнить. Он принимал решение. Это был мозг всей записи. Именно он уже командовал режиссёрами, а режиссёры командовали инженерами. То же самое было и в процессе сведения, и в процессе мастеринга и далее.
#азбуказвукорежиссуры
#продюсирование
Музыкальная терминология штука занятная, названия ролей и специалистов не исключение, давайте разбираться. Рассказываю отрывок марафона «Азбука студийной звукорежиссуры».
🌀 Инженер — это человек, который квалифицированно выполняет техническую работу на каждом этапе производства песни. Нажал кнопку «запись», «стоп», сохранил дубль, переместил записанные дорожки, подключил провод, включил прибор, передвинул микрофон и т.д. Если он что-то редактирует, чистит, режет исходник, в этот момент он тоже инженер. Почему? Потому что не касается художественных вопросов.
📚 Вполне возможно вы слышали такие термины, как «инженер записи», «инженер сведения», «инженер мастеринга». Инженер – уважаемый квалифицированный человек, который делает что-то технически грамотно, но не принимает никаких художественных решений, не меняет баланса, не решает, что нужно другой микрофон поставить или что-то перезаписать, не определяет удачность записанных дублей, а технически обеспечивает процесс. Принимает решения режиссёр либо продюсер.
🌀 Режиссёр понимает всю инженерную сторону вопроса, но владеет и художественными методами. Он в курсе, что такое эмоции и характер, может перевести запрос артиста из «сделать звук ярче» на инженерно-технический язык. Владеет художественными методами и в состоянии додумать итоговую звуковую картину, работает над общим звучанием произведения. В отличие от инженера, режиссёр принимает не только инженерные, но и художественные решения.
📚 А глобальные решения на записи, сведении, да и на любом другом этапе принимает продюсер. Именно тот человек, который говорит: «слушай, ну это вообще никуда не годится, нам нужно другого гитариста позвать, это нам не подходит, с этим возиться без-смысленно», «микрофон не подходит, тембр не звучит, давай искать другой» и так далее.
Продюсер принимает не только инженерно-художественные, но и организационно-идеологические решения: переделать аранжировку, изменить стиль, переиграть инструменты, перепеть вокал, записать бэки, с кем и какие именно и т.д. Вот это уже продюсер.
🌀 Продюсер точно так же может быть на каждом этапе цепочки. Во время записи может быть продюсер записи, который фактически может вообще не подходить к оборудованию, но принимать решения и объяснять каждому участнику процесса что ему нужно делать на понятном языке. Продюсер аранжировки и продюсер сведения – такие же нормальные и допустимые термины.
📚 В эру классической аналоговой звукозаписи, в эру больших студий, во время записи всегда присутствовал продюсер записи. Это человек, который ходил и рулил процессом, следил, что сделать, как сделать, что изменить, как исполнить. Он принимал решение. Это был мозг всей записи. Именно он уже командовал режиссёрами, а режиссёры командовали инженерами. То же самое было и в процессе сведения, и в процессе мастеринга и далее.
#азбуказвукорежиссуры
#продюсирование
Инженер, Режиссёр, Продюсер - кто все эти люди? Продолжение.
С базовыми определениями разобрались, продолжим на примерах, дополним и расширим картину.
🌀 Когда вам принесли мультитрек на сведение, вы, как режиссёр, вправе решать, какой инструмент должен быть громче, а какой тише, где верха срезать, а где поднять и пр. Но вы не вправе решать, что какая-то партия в песне не нужна совсем – это всё таки вопрос продюсера. Решения вида «в этом месте хочу, чтобы инструмент замолчал, потому что он лишний, давай переставим в другое место» или «тут брейка не хватает, сейчас найду где взять» – это ни что иное, как продюсирование.
📚 Так происходит на каждом этапе, потому и существует такое значительное количество названий и определений.
☑️ Звукоинженер может быть инженером записи, инженером сведения, инженером мастеринга.
☑️ Может быть звукорежиссёр записи и звукорежиссёр сведения.
☑️ Даже звукорежиссёр мастеринга возможен, если идут какие-то художественные доработки, поскольку мастеринг это чаще всего инженерно-художественный процесс. Очень много чего используется, что не совсем относится к понятию «сделать шире и громче», это сатурация, эмоции, художественная работа, фактически – звукорежиссура мастеринга.
👉 Кстати, когда аранжировщик (битмейкер) придумывает музыкальные партии, подбирает тембра, расставляет сэмплы – это аранжировка. А вот когда он записывает, редактирует, делает черновые миксы – он находится в поле звукорежиссуры и может соответствовать одной из обсуждаемых ролей.
🌀 Аналогично со словом продюсер.
☑️ Вспомним, что продюсер может присутствовать на записи, тогда он продюсер записи – продюсер записи группы, продюсер записи оркестра, продюсер записи вокала (он же вокальный продюсер).
☑️ Вокальный продюсер работает с вокалистом и добивается от него нужного исполнения объясняя, разжёвывая, подсказывая, показывая, можно сказать, он «вытягивает» из артиста песню. Это и есть вокальное продюсирование.
📚 Точно так же продюсер сведения, он же саунд-продюсер. Человек, который выжимает из исходника максимум, работая с ним как самостоятельным произведением, вкладывая свою творческую и креативную мысль (по большому счёту соавторство, хотя законодательно им не считается). Не просто художественная работа, а ещё и мозговая работа, креативность и принятие решений.
🌀 Поднимемся чуть выше. Есть понятие музыкальный продюсер. Музыкальный продюсер — это человек, который не просто занимается вопросом продюсирования отдельных этапов (аранжировка, запись, сведение, мастеринг), а занимается произведением целиком от изначальной идеи до финального мастера. Музыкальный продюсер полностью ведёт весь процесс изготовления, весь процесс творения произведения.
🌀 А дальше у нас выше по иерархии совсем большой человек – продюсер музыкального проекта (продюсер проекта, продюсер группы, продюсер артиста). То есть человек, который не просто курирует всё, влезает в каждую деталь, в каждый этап, но может и делегировать. Например, продюсер проекта может нанимать музыкального продюсера для производства непосредственно музыкального продукта. Продюсер проекта мыслит за весь проект, создаёт, лепит его, нанимая кучу других людей.
👉 Это иерархия.
☑️ Наверху продюсер проекта.
☑️ Ниже производством разных песен занимаются музыкальные продюсеры.
☑️ Ниже есть продюсер записи, продюсер сведения, продюсер мастеринга.
☑️ Ещё ниже по иерархии звукорежиссёры, режиссёры записи, сведения и мастеринга.
☑️ Ещё ниже инженеры и техники.
🌀 Реалии современного мира, особенно нашей страны таковы, что очень часто огромное количество ролей совмещается в одном человеке. Иногда это хорошо и идёт на пользу результату, иногда плохо, потому что невозможно вообще всё уметь делать очень круто, это случается крайне редко и чаще всего часть процесса всё-таки делегируется кому-то.
#азбуказвукорежиссуры
#продюсирование
С базовыми определениями разобрались, продолжим на примерах, дополним и расширим картину.
🌀 Когда вам принесли мультитрек на сведение, вы, как режиссёр, вправе решать, какой инструмент должен быть громче, а какой тише, где верха срезать, а где поднять и пр. Но вы не вправе решать, что какая-то партия в песне не нужна совсем – это всё таки вопрос продюсера. Решения вида «в этом месте хочу, чтобы инструмент замолчал, потому что он лишний, давай переставим в другое место» или «тут брейка не хватает, сейчас найду где взять» – это ни что иное, как продюсирование.
📚 Так происходит на каждом этапе, потому и существует такое значительное количество названий и определений.
☑️ Звукоинженер может быть инженером записи, инженером сведения, инженером мастеринга.
☑️ Может быть звукорежиссёр записи и звукорежиссёр сведения.
☑️ Даже звукорежиссёр мастеринга возможен, если идут какие-то художественные доработки, поскольку мастеринг это чаще всего инженерно-художественный процесс. Очень много чего используется, что не совсем относится к понятию «сделать шире и громче», это сатурация, эмоции, художественная работа, фактически – звукорежиссура мастеринга.
👉 Кстати, когда аранжировщик (битмейкер) придумывает музыкальные партии, подбирает тембра, расставляет сэмплы – это аранжировка. А вот когда он записывает, редактирует, делает черновые миксы – он находится в поле звукорежиссуры и может соответствовать одной из обсуждаемых ролей.
🌀 Аналогично со словом продюсер.
☑️ Вспомним, что продюсер может присутствовать на записи, тогда он продюсер записи – продюсер записи группы, продюсер записи оркестра, продюсер записи вокала (он же вокальный продюсер).
☑️ Вокальный продюсер работает с вокалистом и добивается от него нужного исполнения объясняя, разжёвывая, подсказывая, показывая, можно сказать, он «вытягивает» из артиста песню. Это и есть вокальное продюсирование.
📚 Точно так же продюсер сведения, он же саунд-продюсер. Человек, который выжимает из исходника максимум, работая с ним как самостоятельным произведением, вкладывая свою творческую и креативную мысль (по большому счёту соавторство, хотя законодательно им не считается). Не просто художественная работа, а ещё и мозговая работа, креативность и принятие решений.
🌀 Поднимемся чуть выше. Есть понятие музыкальный продюсер. Музыкальный продюсер — это человек, который не просто занимается вопросом продюсирования отдельных этапов (аранжировка, запись, сведение, мастеринг), а занимается произведением целиком от изначальной идеи до финального мастера. Музыкальный продюсер полностью ведёт весь процесс изготовления, весь процесс творения произведения.
🌀 А дальше у нас выше по иерархии совсем большой человек – продюсер музыкального проекта (продюсер проекта, продюсер группы, продюсер артиста). То есть человек, который не просто курирует всё, влезает в каждую деталь, в каждый этап, но может и делегировать. Например, продюсер проекта может нанимать музыкального продюсера для производства непосредственно музыкального продукта. Продюсер проекта мыслит за весь проект, создаёт, лепит его, нанимая кучу других людей.
👉 Это иерархия.
☑️ Наверху продюсер проекта.
☑️ Ниже производством разных песен занимаются музыкальные продюсеры.
☑️ Ниже есть продюсер записи, продюсер сведения, продюсер мастеринга.
☑️ Ещё ниже по иерархии звукорежиссёры, режиссёры записи, сведения и мастеринга.
☑️ Ещё ниже инженеры и техники.
🌀 Реалии современного мира, особенно нашей страны таковы, что очень часто огромное количество ролей совмещается в одном человеке. Иногда это хорошо и идёт на пользу результату, иногда плохо, потому что невозможно вообще всё уметь делать очень круто, это случается крайне редко и чаще всего часть процесса всё-таки делегируется кому-то.
#азбуказвукорежиссуры
#продюсирование
Как быстро вычислить задержку в миллисекундах (ms) для определённого темпа (bpm)?
Многие плагины умеют привязываться к темпу проекта, но увы не все и не всегда. Часто бывает полезно настроить реверберацию и разного рода модуляции точно в темп, sidechain компрессия лучше звучит в привязке к темпу песни и любые иные моменты, где присутствует время реакции и задержка обработки в миллисекундах.
❓ Для чего?
Чтобы максимально собрать грув песни в цельное монолитное движение. Это сделает ваш микс более чистым и прозрачным, уберёт лишнюю муть и грязь из-за ритмических несовпадений разных временных обработок.
⏳ Вычислить задержку в миллисекундах легко любым калькулятором. Делите 60.000 на значение bpm, и продолжаете делить пополам, пока не получите значение в нужных пределах.
Пример: темп 120 bpm.
Делим 60.000/120=500 ms (¹/4).
Делим пополам = 250 ms (¹/8).
Ещё пополам = 125 ms (¹/16).
Ещё пополам = 62.5 ms (¹/32).
Далее получаем 31.25 ms (¹/64).
Ну и часто нужные 15.62 ms (¹/128).
Вот на эти 15.62 ms полезно ставить Slap Delay и задержку на реверберацию, а для SideChain компрессии подойдут значения 31.25 и 62.5 ms.
❓ Почему 60.000?
BPM это bits per minute, количество ударов в минуту, в музыкальном формате соответствует ¹/4 (прямая бочка).
Соответственно, поскольку в минуте 60 секунд, а в каждой секунде 1000 миллисекунд, получается, что нужно 60.000 мсек делить на значение темпа, чтобы получить длительность ¹/4. А далее делить пополам для получения более мелких долей.
#сведение
Многие плагины умеют привязываться к темпу проекта, но увы не все и не всегда. Часто бывает полезно настроить реверберацию и разного рода модуляции точно в темп, sidechain компрессия лучше звучит в привязке к темпу песни и любые иные моменты, где присутствует время реакции и задержка обработки в миллисекундах.
❓ Для чего?
Чтобы максимально собрать грув песни в цельное монолитное движение. Это сделает ваш микс более чистым и прозрачным, уберёт лишнюю муть и грязь из-за ритмических несовпадений разных временных обработок.
⏳ Вычислить задержку в миллисекундах легко любым калькулятором. Делите 60.000 на значение bpm, и продолжаете делить пополам, пока не получите значение в нужных пределах.
Пример: темп 120 bpm.
Делим 60.000/120=500 ms (¹/4).
Делим пополам = 250 ms (¹/8).
Ещё пополам = 125 ms (¹/16).
Ещё пополам = 62.5 ms (¹/32).
Далее получаем 31.25 ms (¹/64).
Ну и часто нужные 15.62 ms (¹/128).
Вот на эти 15.62 ms полезно ставить Slap Delay и задержку на реверберацию, а для SideChain компрессии подойдут значения 31.25 и 62.5 ms.
❓ Почему 60.000?
BPM это bits per minute, количество ударов в минуту, в музыкальном формате соответствует ¹/4 (прямая бочка).
Соответственно, поскольку в минуте 60 секунд, а в каждой секунде 1000 миллисекунд, получается, что нужно 60.000 мсек делить на значение темпа, чтобы получить длительность ¹/4. А далее делить пополам для получения более мелких долей.
#сведение
Возникновение и передача авторских и смежных прав. Правообладание. Разрешение. Лицензионный договор. Продолжаем беседу об авторских и смежных правах с точки зрения ГК РФ.
Интеллектуальный труд и его результаты напрямую зависят от конкретного человека, уникальны и от него неотделимы.
Интеллектуальные права на любой продукт интеллектуальной деятельности (книга, дизайн-проект, фотография, мелодия, аранжировка, исполнение, фонограмма, которую вы сделали на студии – это всё интеллектуальное) передаются только по Лицензионному договору.
❗Только так и больше никак.
❎ Вы не можете купить права как бутылку молока. Бутылка молока — это имущественный продукт, простой договор купли-продажи, а права по договору купли-продажи не переходят.
✅ Права передаются только лицензионным договором от человека, который обладает этими правами к человеку, который их получает.
✴️ Вот в тот момент, когда кто-то что-то придумал и создал (автор, аранжировщик, исполнитель, ребята на студии), он не просто автор (исполнитель, изготовитель) своего продукта, он ещё и Правообладатель. Потому что изначально именно он это сделал, это его права по самому факту совершения деяния. Но дальше он может свои права передать. И передать существует два способа: разрешение и отчуждение.
✅ Когда мы даём «разрешение», это означает: «Вася, ты можешь это исполнить, ты можешь это записать, ты можешь это выпустить».
❗ Если разговор идёт про «отчуждение» прав, тогда передаётся уже само Правообладание. И с момента подписания договора вы более не можете распоряжаться тем, на что передали права.
❗ Это очень важный момент, который очень часто люди не понимают.
📃 С точки зрения лицензионного договора это выражается в передаче Исключительных и Неисключительных прав.
✅ Когда мы говорим про разрешение («Вася, ты можешь исполнять мою песню» это разрешение), мы даём Неисключительную Лицензию.
✅ У нас всё остаётся, от нас ничего не убывает. Мы просто разрешили Васе использовать результаты нашей интеллектуальной деятельности, не более.
👉 Это абсолютно безопасно.
#права
Интеллектуальный труд и его результаты напрямую зависят от конкретного человека, уникальны и от него неотделимы.
Интеллектуальные права на любой продукт интеллектуальной деятельности (книга, дизайн-проект, фотография, мелодия, аранжировка, исполнение, фонограмма, которую вы сделали на студии – это всё интеллектуальное) передаются только по Лицензионному договору.
❗Только так и больше никак.
❎ Вы не можете купить права как бутылку молока. Бутылка молока — это имущественный продукт, простой договор купли-продажи, а права по договору купли-продажи не переходят.
✅ Права передаются только лицензионным договором от человека, который обладает этими правами к человеку, который их получает.
✴️ Вот в тот момент, когда кто-то что-то придумал и создал (автор, аранжировщик, исполнитель, ребята на студии), он не просто автор (исполнитель, изготовитель) своего продукта, он ещё и Правообладатель. Потому что изначально именно он это сделал, это его права по самому факту совершения деяния. Но дальше он может свои права передать. И передать существует два способа: разрешение и отчуждение.
✅ Когда мы даём «разрешение», это означает: «Вася, ты можешь это исполнить, ты можешь это записать, ты можешь это выпустить».
❗ Если разговор идёт про «отчуждение» прав, тогда передаётся уже само Правообладание. И с момента подписания договора вы более не можете распоряжаться тем, на что передали права.
❗ Это очень важный момент, который очень часто люди не понимают.
📃 С точки зрения лицензионного договора это выражается в передаче Исключительных и Неисключительных прав.
✅ Когда мы говорим про разрешение («Вася, ты можешь исполнять мою песню» это разрешение), мы даём Неисключительную Лицензию.
✅ У нас всё остаётся, от нас ничего не убывает. Мы просто разрешили Васе использовать результаты нашей интеллектуальной деятельности, не более.
👉 Это абсолютно безопасно.
#права
Важно помнить, что все три части интеллектуальных прав (Авторство, Исполнение, Изготовление) существуют независимо друг от друга. Обладатель одной какой-то части по умолчанию, без явного разрешения в виде Лицензионного договора, не имеет доступа к другим.
❓ Что это означает?
➡️ Автор песни не имеет доступа к её Исполнению и к готовой Фонограмме.
➡️ Исполнитель произведения не имеет доступа к Авторству и к Фонограмме.
➡️ Изготовитель Фонограммы аналогично не имеет доступа к Исполнению и к Авторству.
👉 У каждого своя независимая часть прав.
Поэтому, для того, чтобы издать готовую музыкальную работу (Фонограмму) и вообще, в принципе, коммерчески использовать её где-либо, необходимо собрать все три части прав, то есть иметь на руках Лицензионные договоры от Авторов, Исполнителей и Изготовителей Фонограммы.
👥 То есть человек или компания, которые хотят получить деньги с трека любым образом, должны иметь все три части прав в одних руках. Всё просто.
💰 Концерт, за который люди платят деньги, это коммерческое мероприятие.
💰 Отправили трек на радио – это коммерческое использование.
💰 Выложили на электронной площадке – это так же коммерческая история.
💰 Даже если участвуете в благотворительном концерте, это тоже коммерческая история, потому что там ходят деньги. Не надо думать, что благотворительный концерт – это без-оплатно. Нет, это вполне себе бизнес проекты, это деньги.
❇️ И совершенно не важно, кто конкретно это делает. Для того, чтобы зарабатывать на готовом музыкальном материале деньги, нужны все три части прав одновременно.
Например, Автор песни может создать Проект. Взять исполнителей, снять студию, нанять профессионалов, подписать со всеми лицензионные договоры и собрать разрешения на использование прав. У него в итоге получатся разрешения на все три части, и он сможет продавать готовые треки. Так создаются авторско-продюсерские проекты.
Либо исполнитель купил песню, соответственно получил разрешение от авторов, потом пошёл на студию, записал песню, и они ему сделали Фонограмму. Он с автора получил разрешение, со студии получил разрешение, в итоге у него все три части. Ну сам себе же не будет договор давать, правильно? Всё! Он может зарабатывать деньги на треке.
#права
❓ Что это означает?
➡️ Автор песни не имеет доступа к её Исполнению и к готовой Фонограмме.
➡️ Исполнитель произведения не имеет доступа к Авторству и к Фонограмме.
➡️ Изготовитель Фонограммы аналогично не имеет доступа к Исполнению и к Авторству.
👉 У каждого своя независимая часть прав.
Поэтому, для того, чтобы издать готовую музыкальную работу (Фонограмму) и вообще, в принципе, коммерчески использовать её где-либо, необходимо собрать все три части прав, то есть иметь на руках Лицензионные договоры от Авторов, Исполнителей и Изготовителей Фонограммы.
👥 То есть человек или компания, которые хотят получить деньги с трека любым образом, должны иметь все три части прав в одних руках. Всё просто.
💰 Концерт, за который люди платят деньги, это коммерческое мероприятие.
💰 Отправили трек на радио – это коммерческое использование.
💰 Выложили на электронной площадке – это так же коммерческая история.
💰 Даже если участвуете в благотворительном концерте, это тоже коммерческая история, потому что там ходят деньги. Не надо думать, что благотворительный концерт – это без-оплатно. Нет, это вполне себе бизнес проекты, это деньги.
❇️ И совершенно не важно, кто конкретно это делает. Для того, чтобы зарабатывать на готовом музыкальном материале деньги, нужны все три части прав одновременно.
Например, Автор песни может создать Проект. Взять исполнителей, снять студию, нанять профессионалов, подписать со всеми лицензионные договоры и собрать разрешения на использование прав. У него в итоге получатся разрешения на все три части, и он сможет продавать готовые треки. Так создаются авторско-продюсерские проекты.
Либо исполнитель купил песню, соответственно получил разрешение от авторов, потом пошёл на студию, записал песню, и они ему сделали Фонограмму. Он с автора получил разрешение, со студии получил разрешение, в итоге у него все три части. Ну сам себе же не будет договор давать, правильно? Всё! Он может зарабатывать деньги на треке.
#права