❓ Как работает компрессор?
Часть вторая: алгоритм работы.
В упрощённом варианте алгоритм включения и выключения компрессора такой.
🗜️ Как только звук на входе превышает уровень порога отсечки (threshold), начинается плавное включение компрессора, его выход на режим сжатия. Коэффициент сжатия (ratio) при этом плавно увеличивается от 1:1 до заданного. Не мгновенно, а плавно.
✅ Время, в течение которого происходит переход в состояние полного сжатия (ratio:1) и есть время (скорость) атаки (attack).
✅ Далее идёт режим компрессии, громкость звука на выходе в ratio раз тише громкости на входе.
🗜️ Как только уровень громкости входного сигнала становится ниже порога отсечки, начинается плавное выключение компрессора, то есть плавное уменьшение коэффициента сжатия до 1:1.
✅ Время, в течение которого происходит переход компрессора в выключенное состояние и есть параметр release.
✅ Фактически, компрессор возвращается в исходное состояние чуть позже, это запаздывание хорошо слышно и им можно и нужно управлять в своих интересах.
🗜️ Соответственно, если вы хотите чтобы звук при превышении порога отсечки быстро прижался, атаку делаете короткую. Если хотите, чтобы начало звука, первый щелчок, ударная атака осталась, акцентировалась, делаете атаку побольше (помедленнее).
🗜️ Аналогично с выключением. Если хотите быстрое восстановление громкости, делайте короткий (быстрый) релиз. Если хотите плавное выключение компрессора, релиз нужен побольше (помедленнее).
#компрессия
Часть вторая: алгоритм работы.
В упрощённом варианте алгоритм включения и выключения компрессора такой.
🗜️ Как только звук на входе превышает уровень порога отсечки (threshold), начинается плавное включение компрессора, его выход на режим сжатия. Коэффициент сжатия (ratio) при этом плавно увеличивается от 1:1 до заданного. Не мгновенно, а плавно.
✅ Время, в течение которого происходит переход в состояние полного сжатия (ratio:1) и есть время (скорость) атаки (attack).
✅ Далее идёт режим компрессии, громкость звука на выходе в ratio раз тише громкости на входе.
🗜️ Как только уровень громкости входного сигнала становится ниже порога отсечки, начинается плавное выключение компрессора, то есть плавное уменьшение коэффициента сжатия до 1:1.
✅ Время, в течение которого происходит переход компрессора в выключенное состояние и есть параметр release.
✅ Фактически, компрессор возвращается в исходное состояние чуть позже, это запаздывание хорошо слышно и им можно и нужно управлять в своих интересах.
🗜️ Соответственно, если вы хотите чтобы звук при превышении порога отсечки быстро прижался, атаку делаете короткую. Если хотите, чтобы начало звука, первый щелчок, ударная атака осталась, акцентировалась, делаете атаку побольше (помедленнее).
🗜️ Аналогично с выключением. Если хотите быстрое восстановление громкости, делайте короткий (быстрый) релиз. Если хотите плавное выключение компрессора, релиз нужен побольше (помедленнее).
#компрессия
❓ Как работает компрессор?
Часть третья: применение компрессии.
Применение компрессии и значения параметров зависят от того, какой именно звук (инструмент) имеется, и что вы хотите с ним сделать.
✅ Если звук по своей природе медленный, применяется медленная компрессия, т.е. бóльшая атака и релиз (бóльшие значения в миллисекундах).
✅ Если вы хотите подчеркнуть атаку или сгладить её, используется быстрая компрессия. А конкретное время атаки подбирается на слух.
✅ Разные значения параметра release позволяют управлять слышимостью компрессии, делать её мягкой и незаметной (медленный) либо откровенно резкой (быстрый).
🗜️ Коротко:
✅ хотите работать с атакой инструмента, используйте меньшие значения параметра attack
✅ хотите влиять на тело звука, на основной тон, используйте бóльшие значения
✅ хотите вдохнуть жизнь в инструмент и сделать эффект компрессии более явным - ставьте release поменьше
✅ хотите спрятать эффект, сделать его мягче - поможет бóльший release
❓ Что можно сделать компрессором?
✅ Уменьшить или ослабить громкие участки, сделать их тише, привести к среднему уровню дорожки.
✅ Сделать звучание инструмента более комфортным и ровным по динамике.
✅ Усилить атаку, добавить агрессии в звук.
✅ Смягчить атаку, сделать звучание более мягким и нежным.
✅ Выделить инструмент в миксе или спрятать его глубже.
✅ Сделать очень плотно, но тихо. Инструмент не потеряется, но и не будет мешать.
✅ Частично решить проблемы с резонансами и гудящими диапазонами (в комбинации с эквалайзером).
🗜️ Все приборы и плагины разные, всегда много индивидуальных особенностей, обязательно читайте документацию. Есть компрессоры медленные сами по себе изначально, есть быстрые. Есть приборы с явным окрасом и нелинейностью процессов, есть инженерно точные. Это большой простор для творческого и инженерного их применения.
🗜️ Учитесь слышать компрессию, развивайте в себе чутьё компрессии. Тогда вы сможете подходить к компрессору и творить звук, а не думать о цифрах на табло. Но стадию цифр нужно пройти, без неё никак.
📽️ Видео рассказ:
youtu.be/Yz4z7rYcd-o
#компрессия
Часть третья: применение компрессии.
Применение компрессии и значения параметров зависят от того, какой именно звук (инструмент) имеется, и что вы хотите с ним сделать.
✅ Если звук по своей природе медленный, применяется медленная компрессия, т.е. бóльшая атака и релиз (бóльшие значения в миллисекундах).
✅ Если вы хотите подчеркнуть атаку или сгладить её, используется быстрая компрессия. А конкретное время атаки подбирается на слух.
✅ Разные значения параметра release позволяют управлять слышимостью компрессии, делать её мягкой и незаметной (медленный) либо откровенно резкой (быстрый).
🗜️ Коротко:
✅ хотите работать с атакой инструмента, используйте меньшие значения параметра attack
✅ хотите влиять на тело звука, на основной тон, используйте бóльшие значения
✅ хотите вдохнуть жизнь в инструмент и сделать эффект компрессии более явным - ставьте release поменьше
✅ хотите спрятать эффект, сделать его мягче - поможет бóльший release
❓ Что можно сделать компрессором?
✅ Уменьшить или ослабить громкие участки, сделать их тише, привести к среднему уровню дорожки.
✅ Сделать звучание инструмента более комфортным и ровным по динамике.
✅ Усилить атаку, добавить агрессии в звук.
✅ Смягчить атаку, сделать звучание более мягким и нежным.
✅ Выделить инструмент в миксе или спрятать его глубже.
✅ Сделать очень плотно, но тихо. Инструмент не потеряется, но и не будет мешать.
✅ Частично решить проблемы с резонансами и гудящими диапазонами (в комбинации с эквалайзером).
🗜️ Все приборы и плагины разные, всегда много индивидуальных особенностей, обязательно читайте документацию. Есть компрессоры медленные сами по себе изначально, есть быстрые. Есть приборы с явным окрасом и нелинейностью процессов, есть инженерно точные. Это большой простор для творческого и инженерного их применения.
🗜️ Учитесь слышать компрессию, развивайте в себе чутьё компрессии. Тогда вы сможете подходить к компрессору и творить звук, а не думать о цифрах на табло. Но стадию цифр нужно пройти, без неё никак.
📽️ Видео рассказ:
youtu.be/Yz4z7rYcd-o
#компрессия
❓ Бэк-вокал
Современная песня уже не представляется без большого количества бэк-вокала (бэков). Они создают обрамление основному вокалу, подушку, правильную атмосферу, добавляют эмоций и акценты в нужных по драматургии местах произведения. Фактически, это вокальная аранжировка песни. Сюда относятся и разного рода модные голосовые фишки, бегемоты и буратины.
🎙️ Вокальная аранжировка современных песен это действительно большая работа. Один исполнитель одной вокальной дорожной не сможет заполнить собой всю песню и реализовать все замыслы. Поэтому, помимо непосредственно его голоса в песнях присутствует приличное количество других вокальных партий, тех самых бэков.
🎙️ Иногда артисты поют бэки себе сами. Но более правильный и профессиональный подход пригласить специально обученных людей - бэк-вокалистов. Они на этом заточены, поют бэки каждый день, имеют огромный багаж знаний и примеров.
🎙️ Бэк-вокалист - отдельная, очень нужная и уважаемая профессия в музыкальной сфере. Хороший студийный бэк-вокалист на вес золота и на дороге не валяется.
🎙️ Ясное дело, грамотного вокального продюсера на записи никто не отменял, кто-то ведь должен иметь полную картину в голове и добиваться её. Задача бэк-вокалистов при этом предлагать варианты и адаптироваться на ходу под задачи. Это сложная, но очень интересная работа.
🎙️ Правильный бэк-вокал это огромная батарея голосов. Наш шаблон на запись бэков 20 дорожек, это минимум и его обычно не хватает, особенно с учётом искусственных электронных дорожек.
🎙️ Основная задача бэк-вокала - досказать, дорисовать то, чего не хватает, что невозможно сделать одним основным вокалом. Слушателя по большому счёту не волнует начинка произведения, пути решения задач и методы работы. Слушателю либо нравится, либо нет. Жёстко, полярно, но обычно именно так.
🎙️ Если первое впечатление удачное, песня понравилась, тогда при повторных прослушиваниях люди будут находить новые штрихи в песне, будто снимать листы с капусты. И вот здесь сработают все ваши скрытые фишки и смыслы, постепенно выйдут на передний план. Но только если первое впечатление будет "круто!"
📽️ Видео урок "Запись бэк-вокала"
youtu.be/5B40rDTBvDw
#бэквокал
Современная песня уже не представляется без большого количества бэк-вокала (бэков). Они создают обрамление основному вокалу, подушку, правильную атмосферу, добавляют эмоций и акценты в нужных по драматургии местах произведения. Фактически, это вокальная аранжировка песни. Сюда относятся и разного рода модные голосовые фишки, бегемоты и буратины.
🎙️ Вокальная аранжировка современных песен это действительно большая работа. Один исполнитель одной вокальной дорожной не сможет заполнить собой всю песню и реализовать все замыслы. Поэтому, помимо непосредственно его голоса в песнях присутствует приличное количество других вокальных партий, тех самых бэков.
🎙️ Иногда артисты поют бэки себе сами. Но более правильный и профессиональный подход пригласить специально обученных людей - бэк-вокалистов. Они на этом заточены, поют бэки каждый день, имеют огромный багаж знаний и примеров.
🎙️ Бэк-вокалист - отдельная, очень нужная и уважаемая профессия в музыкальной сфере. Хороший студийный бэк-вокалист на вес золота и на дороге не валяется.
🎙️ Ясное дело, грамотного вокального продюсера на записи никто не отменял, кто-то ведь должен иметь полную картину в голове и добиваться её. Задача бэк-вокалистов при этом предлагать варианты и адаптироваться на ходу под задачи. Это сложная, но очень интересная работа.
🎙️ Правильный бэк-вокал это огромная батарея голосов. Наш шаблон на запись бэков 20 дорожек, это минимум и его обычно не хватает, особенно с учётом искусственных электронных дорожек.
🎙️ Основная задача бэк-вокала - досказать, дорисовать то, чего не хватает, что невозможно сделать одним основным вокалом. Слушателя по большому счёту не волнует начинка произведения, пути решения задач и методы работы. Слушателю либо нравится, либо нет. Жёстко, полярно, но обычно именно так.
🎙️ Если первое впечатление удачное, песня понравилась, тогда при повторных прослушиваниях люди будут находить новые штрихи в песне, будто снимать листы с капусты. И вот здесь сработают все ваши скрытые фишки и смыслы, постепенно выйдут на передний план. Но только если первое впечатление будет "круто!"
📽️ Видео урок "Запись бэк-вокала"
youtu.be/5B40rDTBvDw
#бэквокал
❓ Что такое S-канал и Mid/Side обработка звука?
Существуют два альтернативных способа (формы) представления стерео звука, они полностью математически взаимозаменяемы, никаких потерь не происходит при переводе туда-сюда.
1⃣ Привычный всем естественный способ. Звук записывается как есть, два канала - левый и правый. Здесь всё понятно, два источника звука, значит, два канала.
2⃣ Второй способ более хитрый, математический Mid/Side: центральный канал (чистая моно составляющая звука) и канал стерео информации (разностный канал, то что, условно говоря, находится "за ушами").
❓ Что происходит при M/S конвертации?
В M-канал попадает сумма левого и правого каналов, а в S-канал попадает их разница. В итоге мы получаем возможность отдельно отработать центр звука и отдельно его широкую часть. Удобно.
❓ Что это нам даёт?
В M/S формате мы можем, например, поднять что-то эквалайзером в центре, и в тоже время прибрать за ушами. Сжать S-канал не трогая центр, сделать звук шире. И много других вариантов, простор для творчества огромный. Попробуйте, во многих современных плагинах есть M/S режим работы.
🌴 Нужно чётко разделить честные способы внедрения в стерео картину от искусственных.
✅ Честные это способы не меняющие природу звука, не влияющие на фазу сигнала, не дающие плавающих артефактов.
✅ Нечестные или искусственные это всевозможные плагины которые раздувают и меняют звук синтетическим способом, за счёт сдвигов частот и фаз. Их явно слышно, и это часто звучит некомфортно.
👉 Mid/Side - самый честный и адекватный способ работы со стерео картиной.
#midside
Существуют два альтернативных способа (формы) представления стерео звука, они полностью математически взаимозаменяемы, никаких потерь не происходит при переводе туда-сюда.
1⃣ Привычный всем естественный способ. Звук записывается как есть, два канала - левый и правый. Здесь всё понятно, два источника звука, значит, два канала.
2⃣ Второй способ более хитрый, математический Mid/Side: центральный канал (чистая моно составляющая звука) и канал стерео информации (разностный канал, то что, условно говоря, находится "за ушами").
❓ Что происходит при M/S конвертации?
В M-канал попадает сумма левого и правого каналов, а в S-канал попадает их разница. В итоге мы получаем возможность отдельно отработать центр звука и отдельно его широкую часть. Удобно.
❓ Что это нам даёт?
В M/S формате мы можем, например, поднять что-то эквалайзером в центре, и в тоже время прибрать за ушами. Сжать S-канал не трогая центр, сделать звук шире. И много других вариантов, простор для творчества огромный. Попробуйте, во многих современных плагинах есть M/S режим работы.
🌴 Нужно чётко разделить честные способы внедрения в стерео картину от искусственных.
✅ Честные это способы не меняющие природу звука, не влияющие на фазу сигнала, не дающие плавающих артефактов.
✅ Нечестные или искусственные это всевозможные плагины которые раздувают и меняют звук синтетическим способом, за счёт сдвигов частот и фаз. Их явно слышно, и это часто звучит некомфортно.
👉 Mid/Side - самый честный и адекватный способ работы со стерео картиной.
#midside
❓ Практика применения Mid/Side.
Простой и правильный способ сделать звук шире - поднять громкость S-канала. Более сложный - применить разную эквализацию и компрессию на M и S каналах, обработать независимо центр и стерео составляющую звука.
✅ Практика говорит, что лучше лишний раз искусственными методами не лезть. Если вы хотите получить действительно широкий звук, начинайте с изначально широких звуков, а не с искусственно расширенных. Риск получить противофазу при искусственном расширении велик, при сложение в моно инструмент может просто пропасть.
✅ Думайте, чем уравновесить левый и правый каналы. Зачастую это можно сделать двумя разными инструментами, например разными партиями гитары, они реальное дадут мощное ощущение ширины. Не обязательно даблтрек, это могут быть разные мелодии и инструменты.
👉 Активно пользуйтесь Mid/Side обработками, раздельной эквализацией и компрессией центрального и разностного каналов.
✅ К примеру самый низкий бас (sub bass) должен быть строго в центре, а частоты повыше - по краям. Примените M/S эквалайзер, уберите супер низ в S канале, и поднимите выше 100Гц. Бас реально станет шире.
✅ Расширить звучание инструмента можно поднятием нижней середины в S-канале.
✅ Можно многое изменить в читаемость звука при раздельной обработке M/S, акцентировать внимание в центре или смягчить его, и пр.
✅ M/S компрессия это скорее художественный бонус, чем обязательный инструмент, но иногда творит чудеса.
✅ Легко расширить звук: компрессия S канала и подъём его громкости, либо отдельная компрессия M канала.
👉 Экспериментируйте, но не забывайте проверять, что происходит при сложении вашей фонограммы в моно. Глобально микс не должен меняться, из него не должна пропадать половина звуков. Это ошибка, технический брак.
📽️ youtu.be/PXkQp1_mK4Q
#midside
Простой и правильный способ сделать звук шире - поднять громкость S-канала. Более сложный - применить разную эквализацию и компрессию на M и S каналах, обработать независимо центр и стерео составляющую звука.
✅ Практика говорит, что лучше лишний раз искусственными методами не лезть. Если вы хотите получить действительно широкий звук, начинайте с изначально широких звуков, а не с искусственно расширенных. Риск получить противофазу при искусственном расширении велик, при сложение в моно инструмент может просто пропасть.
✅ Думайте, чем уравновесить левый и правый каналы. Зачастую это можно сделать двумя разными инструментами, например разными партиями гитары, они реальное дадут мощное ощущение ширины. Не обязательно даблтрек, это могут быть разные мелодии и инструменты.
👉 Активно пользуйтесь Mid/Side обработками, раздельной эквализацией и компрессией центрального и разностного каналов.
✅ К примеру самый низкий бас (sub bass) должен быть строго в центре, а частоты повыше - по краям. Примените M/S эквалайзер, уберите супер низ в S канале, и поднимите выше 100Гц. Бас реально станет шире.
✅ Расширить звучание инструмента можно поднятием нижней середины в S-канале.
✅ Можно многое изменить в читаемость звука при раздельной обработке M/S, акцентировать внимание в центре или смягчить его, и пр.
✅ M/S компрессия это скорее художественный бонус, чем обязательный инструмент, но иногда творит чудеса.
✅ Легко расширить звук: компрессия S канала и подъём его громкости, либо отдельная компрессия M канала.
👉 Экспериментируйте, но не забывайте проверять, что происходит при сложении вашей фонограммы в моно. Глобально микс не должен меняться, из него не должна пропадать половина звуков. Это ошибка, технический брак.
📽️ youtu.be/PXkQp1_mK4Q
#midside
❓ Сатурация. Начало.
📊 Сатурация прошла долгий путь от сплошных проблем до состояния востребованности.
📊 На заре аналоговой студийной записи это создавало массу сложностей, шумы и искажения сигнала множились, часто превращая финальный продукт в мутное нечто. Инженерам приходилось активно с этим бороться.
📊 Потом пошла эра кристально чистого цифрового звука. Но людей это не вставило, они воспринимали звук как бедный и скучный.
📊 Начались робкие попытки перенести аналоговый окрас в цифру. Сначала это не звучало и больше мешало, чем помогало. Но технологии росли и развивались.
📊 Сейчас идёт новая эра сатурации, но уже не как мешающая инженерная проблема, а как мощный, управляемый, художественный и креативный процесс работы над звуком.
📊 Обычно это хорошо, но важно здесь не перестараться. Избыток приводит к хрипам и эффекту перегруза, а это уже бывает плохо. Мы возвращаемся в аналоговый мир и сталкиваемся с тем, с чем раньше боролись.
📊 Сатурация сейчас это целая индустрия, которая постоянно развивается и совершенствуется.
📊 Сатураторы можно условно разделить на:
✅ плёночные
✅ ламповые и транзисторные (преампы)
✅ консольные (эмуляция линеек аналоговых пультов)
✅ эмуляция аналоговых приборов
✅ инженерные искажающие плагины
✅ гитарные процессоры
📊 Бывает жёсткая и мягкая сатурация, убивающая и красящая, на любой вкус. Это огромный новый волшебный мир аналогового звучания у вас под руками в постоянной доступности. И это круто 👌
📽️ youtu.be/IYaJwh4QFFU
📽️ youtu.be/cqUfwyrArBk
#сатурация
📊 Сатурация прошла долгий путь от сплошных проблем до состояния востребованности.
📊 На заре аналоговой студийной записи это создавало массу сложностей, шумы и искажения сигнала множились, часто превращая финальный продукт в мутное нечто. Инженерам приходилось активно с этим бороться.
📊 Потом пошла эра кристально чистого цифрового звука. Но людей это не вставило, они воспринимали звук как бедный и скучный.
📊 Начались робкие попытки перенести аналоговый окрас в цифру. Сначала это не звучало и больше мешало, чем помогало. Но технологии росли и развивались.
📊 Сейчас идёт новая эра сатурации, но уже не как мешающая инженерная проблема, а как мощный, управляемый, художественный и креативный процесс работы над звуком.
📊 Обычно это хорошо, но важно здесь не перестараться. Избыток приводит к хрипам и эффекту перегруза, а это уже бывает плохо. Мы возвращаемся в аналоговый мир и сталкиваемся с тем, с чем раньше боролись.
📊 Сатурация сейчас это целая индустрия, которая постоянно развивается и совершенствуется.
📊 Сатураторы можно условно разделить на:
✅ плёночные
✅ ламповые и транзисторные (преампы)
✅ консольные (эмуляция линеек аналоговых пультов)
✅ эмуляция аналоговых приборов
✅ инженерные искажающие плагины
✅ гитарные процессоры
📊 Бывает жёсткая и мягкая сатурация, убивающая и красящая, на любой вкус. Это огромный новый волшебный мир аналогового звучания у вас под руками в постоянной доступности. И это круто 👌
📽️ youtu.be/IYaJwh4QFFU
📽️ youtu.be/cqUfwyrArBk
#сатурация
❓ Успех, совершенствование и развитие
Успех любого музыкального проекта это постоянное совершенствование и развитие. Остановка в творческом и техническом развитии, в качестве, почивание на лаврах успеха, быстро приводит к закату и забвению, получается очередной сбитый лётчик. Финансовые вливания конечно могут ещё долго поддерживать популярность, но реальный фундамент успеха будет уходить, а денег на поддержание проекта будет требоваться всё больше.
❓ Что делать?
✅ Артист не может, не имеет права стоять на месте. Он должен меняться и развиваться, придумывать, чем удивлять публику. Любой застой порождает творческий тупик. Артист всегда ищет новые образы, новые смыслы, новые стили и музыкальные формы. Это правильно, это освежает его творчество и поддерживает постоянное внимание слушателей и поклонников.
✅ Стоит учитывать, что у каждой песни есть свой цикл популярности, разумный и оправданный. Никто в здравом уме не ожидает, что песня будет в топ вечно, это несерьёзно, музыкальный топ и тренды меняются быстро, иногда молниеносно. Поэтому, чтобы Артисту быть в топ постоянно, нужно очень внимательно смотреть вперёд. Понимая, что песня сходит с вершин хит-парадов, нужно готовить что-то новое, ещё круче, ещё смелее. И вовремя, то есть заранее.
✅ Популярная музыка это быстро меняющийся рынок. Поддерживать актуальность своих релизов - непростая задача, нужно уметь прогнозировать тренды, угадывать их. И вопрос "что обо мне подумают" здесь не уместен. Либо мы идём влоб и хотим в топ, либо мы никто и звать нас никак. Слушайте рынок, следите за новыми веяниями. Удачи!
#продюсирование
#продвижение
Успех любого музыкального проекта это постоянное совершенствование и развитие. Остановка в творческом и техническом развитии, в качестве, почивание на лаврах успеха, быстро приводит к закату и забвению, получается очередной сбитый лётчик. Финансовые вливания конечно могут ещё долго поддерживать популярность, но реальный фундамент успеха будет уходить, а денег на поддержание проекта будет требоваться всё больше.
❓ Что делать?
✅ Артист не может, не имеет права стоять на месте. Он должен меняться и развиваться, придумывать, чем удивлять публику. Любой застой порождает творческий тупик. Артист всегда ищет новые образы, новые смыслы, новые стили и музыкальные формы. Это правильно, это освежает его творчество и поддерживает постоянное внимание слушателей и поклонников.
✅ Стоит учитывать, что у каждой песни есть свой цикл популярности, разумный и оправданный. Никто в здравом уме не ожидает, что песня будет в топ вечно, это несерьёзно, музыкальный топ и тренды меняются быстро, иногда молниеносно. Поэтому, чтобы Артисту быть в топ постоянно, нужно очень внимательно смотреть вперёд. Понимая, что песня сходит с вершин хит-парадов, нужно готовить что-то новое, ещё круче, ещё смелее. И вовремя, то есть заранее.
✅ Популярная музыка это быстро меняющийся рынок. Поддерживать актуальность своих релизов - непростая задача, нужно уметь прогнозировать тренды, угадывать их. И вопрос "что обо мне подумают" здесь не уместен. Либо мы идём влоб и хотим в топ, либо мы никто и звать нас никак. Слушайте рынок, следите за новыми веяниями. Удачи!
#продюсирование
#продвижение
Логово Звука / Андрей Аспидов
❓ Как работает компрессор? Часть третья: применение компрессии. Применение компрессии и значения параметров зависят от того, какой именно звук (инструмент) имеется, и что вы хотите с ним сделать. ✅ Если звук по своей природе медленный, применяется медленная…
❓ Как научиться слышать и настраивать компрессор?
⠀
✅ Делаете глубокое срабатывания (threshold) и большой коэффициент сжатия (ratio). Нужно чётко поймать уровень, при котором вы явно услышите резкое включение компрессии. Нормально уйти в -40 дБ и сжатие 10:1, не бойтесь! Зато чётко будет всё слышно.
⠀
✅ Подбираете атаку, старайтесь поймать нужный акцент (время/скорость атаки), явный щелчок. Ловите нужную точку включения компрессии, на этом этапе оно очень резкое, но вы его чётко слышите 👍
⠀
✅ Подбираете релиз, время/скорость "отпускания", поймайте нужный момент выключения. Плавно будет или резко - зависит от вашего желания.
⠀
✅ А теперь постепенно возвращаете порог и коэффициент к нормальным значениям, добиваясь нужного количества компрессии (нужной глубины компрессии).
✅ Нормальное значение ratio в пределах от 2 до 4, редко бывает нужно больше. Если явно слышно срабатывание компрессора, можно уменьшить коэффициент до 1.5, компрессия станет более мягкой.
⠀
👉 Это самый быстрый путь, чтобы подружиться с компрессором.
#компрессия
⠀
✅ Делаете глубокое срабатывания (threshold) и большой коэффициент сжатия (ratio). Нужно чётко поймать уровень, при котором вы явно услышите резкое включение компрессии. Нормально уйти в -40 дБ и сжатие 10:1, не бойтесь! Зато чётко будет всё слышно.
⠀
✅ Подбираете атаку, старайтесь поймать нужный акцент (время/скорость атаки), явный щелчок. Ловите нужную точку включения компрессии, на этом этапе оно очень резкое, но вы его чётко слышите 👍
⠀
✅ Подбираете релиз, время/скорость "отпускания", поймайте нужный момент выключения. Плавно будет или резко - зависит от вашего желания.
⠀
✅ А теперь постепенно возвращаете порог и коэффициент к нормальным значениям, добиваясь нужного количества компрессии (нужной глубины компрессии).
✅ Нормальное значение ratio в пределах от 2 до 4, редко бывает нужно больше. Если явно слышно срабатывание компрессора, можно уменьшить коэффициент до 1.5, компрессия станет более мягкой.
⠀
👉 Это самый быстрый путь, чтобы подружиться с компрессором.
#компрессия
❓ Я - самый умный или Почему у нас слушать нечего?
Рассказать вам свою версию того, почему на нашем музыкальном рынке толком нечего слушать?
🧭 Более двадцати лет я наблюдаю за происходящим в шоу-бизнесе изнутри, здесь всё на виду, спрятать и скрыть что-то почти невозможно. Есть интересный феномен, я его называю "я - самый умный". Куда ни глянь, каждый на своей точке длинного процесса создания музыкальных шедевров считает себя шишкой вселенских масштабов. Причём везде, хоть в попсе, хоть в эстраде, хоть в рок, хоть в рэп.
💯 Казалось бы, логичный и очевидный факт - любой музыкальный проект это всегда труд команды. Каждый участник команды выполняет свою часть общей цепочки, естественным образом влияет на конечный результат. Потому и результат всегда зависит от каждого вовлечённого в процесс. Если кто-то схалтурил, не выложился по полной, то и результат пострадает. А если он ещё и "самый умный и самый нужный", то на выходе часто получается нечто несуразное.
✅ Авторы всегда считают, что главное - сама их песня, а остальное несущественные мелочи, даже исполнение.
✅ Аранжировщики очень часто считают, что они ещё главней авторов, дескать их правильный грув и сделал реальный хит.
✅ Артисты обычно вообще в облаках витают, "звёзды", блин.
✅ Пиарщики почти всегда считают себя "главными продюсерами", хотя по факту обычно ни гу-гу ни в чём.
🎧 Звукорежиссёры, кстати, тоже любят тащить одеяло на себя. Ну их то хоть можно понять, им сдавать конечный продукт, исправлять все ошибки остальных участников процесса производства. На звукорежиссёра обычно сваливают все претензии, что в общем-то неправильно. Но и это не повод для короны.
🤷🏻♂️ А другие? Им чаще всего плевать, что после них будет с песней, либо вынесут мозг всем в попытках самоутвердиться, хотя фактически будут только мешать. В живой команде каждый музыкант будет требовать себя на первый план. Ну бред ведь! Во всём важен баланс и гармония.
👉 Вот и получается, что процесс часто нацелен не на результат, а на процесс ради процесса.
🤷🏻♂️ Сколько раз ко мне приходили артисты с готовой якобы аранжировкой, которая вообще с песней не клеится, как из разных вселенных. Сколько раз приносили мультитреки такого качества, что хоть бери и переделывай с нуля. Сколько раз педагоги по вокалу умудрялись такому научить артиста, что он полностью забывал про характеры, смыслы и эмоции. Сколько раз артисты настолько витали в облаках, что убивали весь потенциал песни. Список таких примеров бесконечен.
💯 Потому и слушать толком на нашем рынке нечего, многое сделано на коленке, без должного понимания, без команды и без мозгов. Увы 🤷🏻♂️
P.S. А про пение на иностранных языках это совсем другая история 😉
#продюсирование
#размышлизмы
Рассказать вам свою версию того, почему на нашем музыкальном рынке толком нечего слушать?
🧭 Более двадцати лет я наблюдаю за происходящим в шоу-бизнесе изнутри, здесь всё на виду, спрятать и скрыть что-то почти невозможно. Есть интересный феномен, я его называю "я - самый умный". Куда ни глянь, каждый на своей точке длинного процесса создания музыкальных шедевров считает себя шишкой вселенских масштабов. Причём везде, хоть в попсе, хоть в эстраде, хоть в рок, хоть в рэп.
💯 Казалось бы, логичный и очевидный факт - любой музыкальный проект это всегда труд команды. Каждый участник команды выполняет свою часть общей цепочки, естественным образом влияет на конечный результат. Потому и результат всегда зависит от каждого вовлечённого в процесс. Если кто-то схалтурил, не выложился по полной, то и результат пострадает. А если он ещё и "самый умный и самый нужный", то на выходе часто получается нечто несуразное.
✅ Авторы всегда считают, что главное - сама их песня, а остальное несущественные мелочи, даже исполнение.
✅ Аранжировщики очень часто считают, что они ещё главней авторов, дескать их правильный грув и сделал реальный хит.
✅ Артисты обычно вообще в облаках витают, "звёзды", блин.
✅ Пиарщики почти всегда считают себя "главными продюсерами", хотя по факту обычно ни гу-гу ни в чём.
🎧 Звукорежиссёры, кстати, тоже любят тащить одеяло на себя. Ну их то хоть можно понять, им сдавать конечный продукт, исправлять все ошибки остальных участников процесса производства. На звукорежиссёра обычно сваливают все претензии, что в общем-то неправильно. Но и это не повод для короны.
🤷🏻♂️ А другие? Им чаще всего плевать, что после них будет с песней, либо вынесут мозг всем в попытках самоутвердиться, хотя фактически будут только мешать. В живой команде каждый музыкант будет требовать себя на первый план. Ну бред ведь! Во всём важен баланс и гармония.
👉 Вот и получается, что процесс часто нацелен не на результат, а на процесс ради процесса.
🤷🏻♂️ Сколько раз ко мне приходили артисты с готовой якобы аранжировкой, которая вообще с песней не клеится, как из разных вселенных. Сколько раз приносили мультитреки такого качества, что хоть бери и переделывай с нуля. Сколько раз педагоги по вокалу умудрялись такому научить артиста, что он полностью забывал про характеры, смыслы и эмоции. Сколько раз артисты настолько витали в облаках, что убивали весь потенциал песни. Список таких примеров бесконечен.
💯 Потому и слушать толком на нашем рынке нечего, многое сделано на коленке, без должного понимания, без команды и без мозгов. Увы 🤷🏻♂️
P.S. А про пение на иностранных языках это совсем другая история 😉
#продюсирование
#размышлизмы
❓ Как сделать из мужского вокала женский и наоборот?
При всей кажущейся сложности процесса, решение здесь на самом деле элементарное.
✅ Берём минус (фонограмму) и сдвигаем тональность искусственно (pitch shift) без изменения скорости на терцию (3-4 полутона) вверх или вниз.
✅ Записываем вокал в новой тональности.
✅ Возвращаемся обратно в исходную тональность (сдвигаем тональность без изменения скорости в противоположном направлении).
⠀
❓ Почему это работает?
Разница в звучании мужского и женского тембра составляет в среднем 3-4 полутона, поэтому:
✅ Чтобы получить мужской вокал из женского, нужно исходный натуральный женский вокал опустить по тональности вниз на 3-4 полутона.
✅ Женский вокал получаем наоборот, поднимая исходный записанный мужской вокал на 3-4 полутона вверх.
⠀
❓ Как это реализовать?
✅ Возьмите обыкновенный Waves SoundShifter. Здесь нужен именно алгоритм PitchShift, чтобы поплыл тембр вокала.
⛔ Программы правильной редакции нот (тот же Melodyne) будут пытаться сохранить форманту вокала, но нам это не нужно.
⠀
🌀 Мы активно пользовались этой фишкой, когда делали минуса для караоке проектов (Фабрика Звёзд, Большая Перемена, Живой Звук).
🎤 Во всех мужских песнях все бэки пели девочки, а мужские голоса из них мы делали по такой технике: подняли минус на полтора тона, записали бэки, опустили минус и бэки обратно.
💯 Это проверено, это работает и в готовых фонограммах никто никогда ничего не поймёт, всё звучит полностью натурально.
#вокал
#бэквокал
#запись
При всей кажущейся сложности процесса, решение здесь на самом деле элементарное.
✅ Берём минус (фонограмму) и сдвигаем тональность искусственно (pitch shift) без изменения скорости на терцию (3-4 полутона) вверх или вниз.
✅ Записываем вокал в новой тональности.
✅ Возвращаемся обратно в исходную тональность (сдвигаем тональность без изменения скорости в противоположном направлении).
⠀
❓ Почему это работает?
Разница в звучании мужского и женского тембра составляет в среднем 3-4 полутона, поэтому:
✅ Чтобы получить мужской вокал из женского, нужно исходный натуральный женский вокал опустить по тональности вниз на 3-4 полутона.
✅ Женский вокал получаем наоборот, поднимая исходный записанный мужской вокал на 3-4 полутона вверх.
⠀
❓ Как это реализовать?
✅ Возьмите обыкновенный Waves SoundShifter. Здесь нужен именно алгоритм PitchShift, чтобы поплыл тембр вокала.
⛔ Программы правильной редакции нот (тот же Melodyne) будут пытаться сохранить форманту вокала, но нам это не нужно.
⠀
🌀 Мы активно пользовались этой фишкой, когда делали минуса для караоке проектов (Фабрика Звёзд, Большая Перемена, Живой Звук).
🎤 Во всех мужских песнях все бэки пели девочки, а мужские голоса из них мы делали по такой технике: подняли минус на полтора тона, записали бэки, опустили минус и бэки обратно.
💯 Это проверено, это работает и в готовых фонограммах никто никогда ничего не поймёт, всё звучит полностью натурально.
#вокал
#бэквокал
#запись
❓ В музыке всё просто?
Скажите друзья, откуда такая уверенность у масс, что в музыке всё просто и элементарно, всё быстро и дёшево? Откуда эта совершенно глупая вера в лотерею, что вот раз и повезёт и всё само получится? Дескать, я талант и всё тут, пахать не нужно, вкладывать не нужно и вообще больше ничего не нужно. Дайте мне гениального продюсера и завтра я - звезда. Бесплатно, разумеется. Ну вот откуда?
Никто же в здравом уме не верит, что на одном таланте можно построить большой отель или торговый центр на Тверской, или огромный завод. Верно? А в музыке поголовно толпа ничего по факту не знающих чайников ждёт чуда 😉 Основания какие для чуда? Книги не читаем, ничему системно не учимся, денег не вкладываем, но упорно ждём успеха. Откуда ему взяться, успеху? 🤷🏻♂️
📈 Музыкальный бизнес ровно такой же бизнес, как любой другой. Деньги делают деньги. Хотим прибыль? Прекрасно! А где вложения, где инвестиции? Где знания, опыт, умения и навыки? Где товар, который можно продать рынку? Постоянно получаю вопросы в директ "помогите продвинуть мою песню", но обычно там и зацепиться не за что. Ни песни, ни звучания, ни артиста. Должно быть всё! Полная картинка! Иначе даже деньги не помогут.
Цепочка одна, законы одни.
✅ Сделайте сначала сами за свой счёт то, что хоть какой-то потенциал имеет.
✅ Далее можно идти искать инвестора или спонсора.
✅ И только потом вместе с ним идти к продюсерам и переводить всё это на бизнес рельсы.
За красивые глаза и талант никто денег не даст. Сначала нужно доказать, что достойны и имеются реальные шансы на возврат инвестиций.
Звук и успех стоят денег, нравится это или нет. Потенциально сильная песня без правильной обёртки это загубленная песня, не в то время выложенная песня это тоже провал. Артиста всегда делает материал. Нет хорошего материала - нет артиста, нет успеха. А продвинуться просто так, само по себе, невозможно.
👉 Снимайте розовые очки и пахать, пахать, пахать! Успеха вам!
😂 Интересно, сколько человек дочитают полностью?
#размышлизмы
#продвижение
Скажите друзья, откуда такая уверенность у масс, что в музыке всё просто и элементарно, всё быстро и дёшево? Откуда эта совершенно глупая вера в лотерею, что вот раз и повезёт и всё само получится? Дескать, я талант и всё тут, пахать не нужно, вкладывать не нужно и вообще больше ничего не нужно. Дайте мне гениального продюсера и завтра я - звезда. Бесплатно, разумеется. Ну вот откуда?
Никто же в здравом уме не верит, что на одном таланте можно построить большой отель или торговый центр на Тверской, или огромный завод. Верно? А в музыке поголовно толпа ничего по факту не знающих чайников ждёт чуда 😉 Основания какие для чуда? Книги не читаем, ничему системно не учимся, денег не вкладываем, но упорно ждём успеха. Откуда ему взяться, успеху? 🤷🏻♂️
📈 Музыкальный бизнес ровно такой же бизнес, как любой другой. Деньги делают деньги. Хотим прибыль? Прекрасно! А где вложения, где инвестиции? Где знания, опыт, умения и навыки? Где товар, который можно продать рынку? Постоянно получаю вопросы в директ "помогите продвинуть мою песню", но обычно там и зацепиться не за что. Ни песни, ни звучания, ни артиста. Должно быть всё! Полная картинка! Иначе даже деньги не помогут.
Цепочка одна, законы одни.
✅ Сделайте сначала сами за свой счёт то, что хоть какой-то потенциал имеет.
✅ Далее можно идти искать инвестора или спонсора.
✅ И только потом вместе с ним идти к продюсерам и переводить всё это на бизнес рельсы.
За красивые глаза и талант никто денег не даст. Сначала нужно доказать, что достойны и имеются реальные шансы на возврат инвестиций.
Звук и успех стоят денег, нравится это или нет. Потенциально сильная песня без правильной обёртки это загубленная песня, не в то время выложенная песня это тоже провал. Артиста всегда делает материал. Нет хорошего материала - нет артиста, нет успеха. А продвинуться просто так, само по себе, невозможно.
👉 Снимайте розовые очки и пахать, пахать, пахать! Успеха вам!
😂 Интересно, сколько человек дочитают полностью?
#размышлизмы
#продвижение
❓ Что такое "преамп", так ли он нужен, можно ли обойтись без него?
Слово иностранное, но достаточно ёмкое и точное, это уже профессиональная терминология в мире звукорежиссуры, привыкайте.
Преамп (он же pre-amp) это предварительный усилитель (pre-amplifier). Предназначен для усиления (повышения громкости) тихих звуковых сигналов, прежде всего, разумеется, микрофонов.
❓ Почему микрофону обязательно нужен преамп?
Микрофонный сигнал изначально очень тихий, его приходится сильно поднимать по громкости до нормального рабочего уровня, чтобы далее можно было обрабатывать (эквализация, компрессия) и оцифровывать. Поэтому усиление громкости микрофона во время записи присутствует всегда.
Другой вопрос, что в звуковые карты преамп часто встроен изначально. Это как раз те самые "микрофонные входы", но качество таких преампов чаще всего среднее, а то и откровенно плохое. Всё сильно зависит от качества и цены самой карты, очень индивидуально.
❓ А в чём проблема то? Как может теряться качество?
Качество звука на выходе преампа напрямую зависит от качества его аналоговой схемы, от используемой элементной базы, качества пайки и сборки. Поскольку идёт очень большое увеличение громкости (20-30-40 и более дБ), то влияние аналоговой схемы преампа многократно увеличивается. Вот здесь и вылезают все прелести дешёвого прибора, шумы и искажения.
👉 Именно поэтому в уважающих себя студиях используются исключительно отдельные внешние дорогие и качественные преампы, и никогда не используются встроенные.
#запись
Слово иностранное, но достаточно ёмкое и точное, это уже профессиональная терминология в мире звукорежиссуры, привыкайте.
Преамп (он же pre-amp) это предварительный усилитель (pre-amplifier). Предназначен для усиления (повышения громкости) тихих звуковых сигналов, прежде всего, разумеется, микрофонов.
❓ Почему микрофону обязательно нужен преамп?
Микрофонный сигнал изначально очень тихий, его приходится сильно поднимать по громкости до нормального рабочего уровня, чтобы далее можно было обрабатывать (эквализация, компрессия) и оцифровывать. Поэтому усиление громкости микрофона во время записи присутствует всегда.
Другой вопрос, что в звуковые карты преамп часто встроен изначально. Это как раз те самые "микрофонные входы", но качество таких преампов чаще всего среднее, а то и откровенно плохое. Всё сильно зависит от качества и цены самой карты, очень индивидуально.
❓ А в чём проблема то? Как может теряться качество?
Качество звука на выходе преампа напрямую зависит от качества его аналоговой схемы, от используемой элементной базы, качества пайки и сборки. Поскольку идёт очень большое увеличение громкости (20-30-40 и более дБ), то влияние аналоговой схемы преампа многократно увеличивается. Вот здесь и вылезают все прелести дешёвого прибора, шумы и искажения.
👉 Именно поэтому в уважающих себя студиях используются исключительно отдельные внешние дорогие и качественные преампы, и никогда не используются встроенные.
#запись
Как создать стадионный хор? Можно ли это сделать голосом одного человека?
Полноценный масштабный хор это не просто сто-пять-сот дорожек вокала, и дело даже особо не в нотах (хотя точные ноты безусловно важны).
Прежде всего, хор получается из-за сложения голосов разных людей, сложения их разных уникальных природных тембров. Даже если вокалист в студии будет пытаться имитировать пение разных людей, всё равно его уникальный голос никуда глобально не денется, дорожки будут сливаться, появится довольно неприятный эффект хоруса, но хор так и не получится.
❓ Что делать?
Записывать хотя бы человек 5-7. Причём, это очень важно, записывать их одновременно в один микрофон!
❎ Записывать в два и более микрофона имеет смысл только реальный большой хор в большом зале, тогда это позволит записать естественное звучание зала и настоящий отдалённый звук хора. А при наличии маленькой студии и небольшой команды в 5-7 человек лучше использовать один микрофон, звучание будет более плотным и обрабатывать дорожки потом будет легче.
✅ Лучше ставить артистов вокруг микрофона на расстоянии не меньше одного метра и делать несколько десятков дублей. Расстояние позволит убрать эффект присутствия и создаст более правильный отстраненный звук близкого к реальному пространства. Помним, что в реальной жизни на расстоянии нескольких десятков метров звучание становится более глухим, нет низких и высоких частот. Вот и пытаемся сразу при записи это имитировать.
❎ Не нужно собирать команду строго профессиональных вокалистов, если стоит задача получить стадионный хор. Обычные люди на стадионе ни разу не студийные вокалисты, они не умеют да и не смогут петь точно по нотам. Стадионный хор потому и такой масштабный, что там присутствует сплошная приблизительность исполнения. Подберите умеющих петь, но никакого идеала добиваться от них не нужно. Их уж тем более, не нужно ничего тюнить 😂
✅ В каждом новом дубле просите своих артистов пытаться изменять свой тембр, пародируя других людей. Это дополнительно расширит масштаб. Конечно, идеальный огромный стадионный хор не получится, но создать примерное ощущение стадиона вполне возможно, и потрудиться всем однозначно придётся.
✅ Запишите несколько десятков дублей, при необходимости поправьте ритм, уберите явные биения букв, лишняя грязь нам не нужна.
✅ Советую смягчить (срезать или убавить) низ и верх звукового спектра, это даст большее приближение к реальности. Применяем техники размещения в пространстве.
✅ Раскидайте дорожки равномерно по панораме, если вам это нужно, либо несколько дорожек в центр, а основное - по краям панорамы. Если это сольный участок, тогда равномерно распределение по панораме сработает лучше. Если хор подмешивается к вокалу в песне, тогда лучше все дубли хора раскидать до упора влево/вправо.
✅ Не жалейте сатурации, старайтесь использовать максимально возможное количество разных плагинов на разных дорожках, это дополнительно усилит масштаб и отделит разные дубли друг от друга.
❎ Избегайте любых искусственных способов создать хор, это химия, это всегда слышно и звучит очень плоско. Конечно, можно немного подмешать, но без фанатизма. Хорошее звучание даёт только реальное исполнение в много-много дублей.
✅ Соберите все дорожки в группу и дайте дополнительной обработки, это логичным образом склеит их в монолитный хор. Подберите хорошую имитацию стадионного пространства, добавьте его к хору.
🌀 В общем, всё возможно. Включаем фантазию, мыслим реальным миром и звучанием голосов в нём.
#запись
#вокал
Полноценный масштабный хор это не просто сто-пять-сот дорожек вокала, и дело даже особо не в нотах (хотя точные ноты безусловно важны).
Прежде всего, хор получается из-за сложения голосов разных людей, сложения их разных уникальных природных тембров. Даже если вокалист в студии будет пытаться имитировать пение разных людей, всё равно его уникальный голос никуда глобально не денется, дорожки будут сливаться, появится довольно неприятный эффект хоруса, но хор так и не получится.
❓ Что делать?
Записывать хотя бы человек 5-7. Причём, это очень важно, записывать их одновременно в один микрофон!
❎ Записывать в два и более микрофона имеет смысл только реальный большой хор в большом зале, тогда это позволит записать естественное звучание зала и настоящий отдалённый звук хора. А при наличии маленькой студии и небольшой команды в 5-7 человек лучше использовать один микрофон, звучание будет более плотным и обрабатывать дорожки потом будет легче.
✅ Лучше ставить артистов вокруг микрофона на расстоянии не меньше одного метра и делать несколько десятков дублей. Расстояние позволит убрать эффект присутствия и создаст более правильный отстраненный звук близкого к реальному пространства. Помним, что в реальной жизни на расстоянии нескольких десятков метров звучание становится более глухим, нет низких и высоких частот. Вот и пытаемся сразу при записи это имитировать.
❎ Не нужно собирать команду строго профессиональных вокалистов, если стоит задача получить стадионный хор. Обычные люди на стадионе ни разу не студийные вокалисты, они не умеют да и не смогут петь точно по нотам. Стадионный хор потому и такой масштабный, что там присутствует сплошная приблизительность исполнения. Подберите умеющих петь, но никакого идеала добиваться от них не нужно. Их уж тем более, не нужно ничего тюнить 😂
✅ В каждом новом дубле просите своих артистов пытаться изменять свой тембр, пародируя других людей. Это дополнительно расширит масштаб. Конечно, идеальный огромный стадионный хор не получится, но создать примерное ощущение стадиона вполне возможно, и потрудиться всем однозначно придётся.
✅ Запишите несколько десятков дублей, при необходимости поправьте ритм, уберите явные биения букв, лишняя грязь нам не нужна.
✅ Советую смягчить (срезать или убавить) низ и верх звукового спектра, это даст большее приближение к реальности. Применяем техники размещения в пространстве.
✅ Раскидайте дорожки равномерно по панораме, если вам это нужно, либо несколько дорожек в центр, а основное - по краям панорамы. Если это сольный участок, тогда равномерно распределение по панораме сработает лучше. Если хор подмешивается к вокалу в песне, тогда лучше все дубли хора раскидать до упора влево/вправо.
✅ Не жалейте сатурации, старайтесь использовать максимально возможное количество разных плагинов на разных дорожках, это дополнительно усилит масштаб и отделит разные дубли друг от друга.
❎ Избегайте любых искусственных способов создать хор, это химия, это всегда слышно и звучит очень плоско. Конечно, можно немного подмешать, но без фанатизма. Хорошее звучание даёт только реальное исполнение в много-много дублей.
✅ Соберите все дорожки в группу и дайте дополнительной обработки, это логичным образом склеит их в монолитный хор. Подберите хорошую имитацию стадионного пространства, добавьте его к хору.
🌀 В общем, всё возможно. Включаем фантазию, мыслим реальным миром и звучанием голосов в нём.
#запись
#вокал
❓ Я не хочу петь песни "как у всех", как мне быть?
Один из страшных кошмаров начинающих артистов: я не хочу быть как все, не хочу песни как у всех. Я хочу быть собой, чтобы меня узнали и полюбили таким, какой я есть на самом деле, а не придуманную искусственную маску.
❓ Знакомо?
Однозначно знакомо! Такое не только в музыке происходит, подобный вопрос возникает в любой области, связанной с творчеством и креативом. Если опустить финансовый и административный ресурсы, которые могут продвинуть абсолютно любой материал, что делать то?
🌀 Самое главное, понимать, что шансы на успех есть всегда. На любую, абсолютно на любую песню всегда найдётся слушатель. Людей много, вкусов и предпочтений много, так что всегда найдутся те, кто разделит ваши творческие идеи и музыкальные творения. Слушатели у вас точно будут, но вот сколько их по факту окажется - один, сто, тысяча, миллион? Здесь как раз и идёт основная битва и конкуренция.
Искусственно продвинуть можно любой материал, эти схемы обработаны до мелочей и дают чёткий почти стопроцентный результат. Но артист часто становится заложником своего искусственно созданного мира, где он супер популярен, и теряет связь с реальностью. А потом получает проблемы с психикой, впадает в глубокую депрессию, и все прочие сопутствующие атрибуты. Почему? Да потому, что всё искусственное и инородное отторгается в конечном счёте.
Так что, лепить из себя кого-то другого это плохой путь. Но и идти полностью поперёк тоже нельзя. Есть риск остаться не у дел, один на один со своим столь гениальным, но совершенно никому не нужным творчеством. Я не призываю быть как все, это неправильно, но и полностью игнорировать предпочтения людей нельзя.
✅ Думайте о своих потенциальных слушателях. Найдите их, поймите их, полюбите их и предложите то, что они точно захотят услышать и в дальнейшем полюбят. Это не означает петь тупую попсу или делать как все. Это означает анализировать вкусы и настроения слушателей, развиваться и меняться вместе с ними.
✅ Следите за настроениями, новыми течениями, следите за подростками и студентами, что они слушают, что они любят. Они - новые слушатели, скоро они подрастут и начнут активно участвовать в вашей борьбе за финансовый пирог.
✅ Если вы решили сделать музыку делом своей жизни, вам придётся следовать законам рынка. И чем раньше вы об этом задумаетесь, тем быстрее получите ощутимые результаты.
В своих постах я рассказываю на первый взгляд очевидные вещи, но как показывает практика, мало кто из начинающих артистов реально об этом задумывается. Ещё меньше - следует рекомендациям. Друзья, так всё устроено, нравится это вам или нет. Принимайте, меняйтесь и двигайтесь вперёд!
#продюсирование
#размышлизмы
Один из страшных кошмаров начинающих артистов: я не хочу быть как все, не хочу песни как у всех. Я хочу быть собой, чтобы меня узнали и полюбили таким, какой я есть на самом деле, а не придуманную искусственную маску.
❓ Знакомо?
Однозначно знакомо! Такое не только в музыке происходит, подобный вопрос возникает в любой области, связанной с творчеством и креативом. Если опустить финансовый и административный ресурсы, которые могут продвинуть абсолютно любой материал, что делать то?
🌀 Самое главное, понимать, что шансы на успех есть всегда. На любую, абсолютно на любую песню всегда найдётся слушатель. Людей много, вкусов и предпочтений много, так что всегда найдутся те, кто разделит ваши творческие идеи и музыкальные творения. Слушатели у вас точно будут, но вот сколько их по факту окажется - один, сто, тысяча, миллион? Здесь как раз и идёт основная битва и конкуренция.
Искусственно продвинуть можно любой материал, эти схемы обработаны до мелочей и дают чёткий почти стопроцентный результат. Но артист часто становится заложником своего искусственно созданного мира, где он супер популярен, и теряет связь с реальностью. А потом получает проблемы с психикой, впадает в глубокую депрессию, и все прочие сопутствующие атрибуты. Почему? Да потому, что всё искусственное и инородное отторгается в конечном счёте.
Так что, лепить из себя кого-то другого это плохой путь. Но и идти полностью поперёк тоже нельзя. Есть риск остаться не у дел, один на один со своим столь гениальным, но совершенно никому не нужным творчеством. Я не призываю быть как все, это неправильно, но и полностью игнорировать предпочтения людей нельзя.
✅ Думайте о своих потенциальных слушателях. Найдите их, поймите их, полюбите их и предложите то, что они точно захотят услышать и в дальнейшем полюбят. Это не означает петь тупую попсу или делать как все. Это означает анализировать вкусы и настроения слушателей, развиваться и меняться вместе с ними.
✅ Следите за настроениями, новыми течениями, следите за подростками и студентами, что они слушают, что они любят. Они - новые слушатели, скоро они подрастут и начнут активно участвовать в вашей борьбе за финансовый пирог.
✅ Если вы решили сделать музыку делом своей жизни, вам придётся следовать законам рынка. И чем раньше вы об этом задумаетесь, тем быстрее получите ощутимые результаты.
В своих постах я рассказываю на первый взгляд очевидные вещи, но как показывает практика, мало кто из начинающих артистов реально об этом задумывается. Ещё меньше - следует рекомендациям. Друзья, так всё устроено, нравится это вам или нет. Принимайте, меняйтесь и двигайтесь вперёд!
#продюсирование
#размышлизмы
❓ Может ли Артист одновременно быть самому себе Продюсером?
Согласитесь, на первый взгляд круто, когда артист "сам себе всё на свете"? И чтец, и жнец, и на дуде игрец 😉 Но это только при беглом рассмотрении может показаться хорошей идеей.
🌀 Исполнение (как и написание песен) и Продюсирование (даже одной песни или всего проекта целиком) это настолько разные роли и абсолютно разный взгляд на процесс и результат, что они крайне редко уживаются в одном человеке одновременно.
👉 Поэтому, в общем случае Артист и Продюсер это два разных человека.
❓ Почему? 👉 Всё просто!
✅ Прежде всего, Артисту свойственно переоценивать свой талант и свои способности, ему сложно адекватно критически оценивать своё творчество и свои навыки.
✅ Как правило, Артист делает бóльший акцент на творческом процессе и зацикливается на мантру "я так вижу", при этом совершенно забывая о рынке. Он больше слушает себя, своё Я, чем своих потенциальных слушателей.
✅ Продюсер же смотрит на Артиста и его творчество как на музыкальный продукт, который должен вписаться в рынок и принести конкретные, осязаемые и исчислимые результаты. Его задача создать продаваемый материал, а не очередной проект "в стол".
✅ Продюсер может и должен адекватно и критически оценивать Артиста, без розовых очков, без лишнего воодушевления, без растворения в артисте, и очень чётко ставить задачи. Роль Артиста при этом строго следовать опыту и пониманию Продюсера.
✅ Постепенно, с ростом опыта и понимания, из Артиста вполне может вырасти толковый Продюсер, и он сможет выполнят эту роль. Но эффективно это будет только при продюсировании другого артиста. По всё тем же причинам, описанным выше.
🌀 Я намеренно не стал отделять музыкальное продюсирование от продюсирования проекта, поскольку смысл сказанного от этого не зависит. Разница только в том, что музыкальный продюсер занимается непосредственно созданием правильного музыкального материала, а продюсер проекта рулит весь проект целиком, определяет все остальные его аспекты и ставит задачи, в том числе и музыкальному продюсеру.
#продюсирование
#размышлизмы
Согласитесь, на первый взгляд круто, когда артист "сам себе всё на свете"? И чтец, и жнец, и на дуде игрец 😉 Но это только при беглом рассмотрении может показаться хорошей идеей.
🌀 Исполнение (как и написание песен) и Продюсирование (даже одной песни или всего проекта целиком) это настолько разные роли и абсолютно разный взгляд на процесс и результат, что они крайне редко уживаются в одном человеке одновременно.
👉 Поэтому, в общем случае Артист и Продюсер это два разных человека.
❓ Почему? 👉 Всё просто!
✅ Прежде всего, Артисту свойственно переоценивать свой талант и свои способности, ему сложно адекватно критически оценивать своё творчество и свои навыки.
✅ Как правило, Артист делает бóльший акцент на творческом процессе и зацикливается на мантру "я так вижу", при этом совершенно забывая о рынке. Он больше слушает себя, своё Я, чем своих потенциальных слушателей.
✅ Продюсер же смотрит на Артиста и его творчество как на музыкальный продукт, который должен вписаться в рынок и принести конкретные, осязаемые и исчислимые результаты. Его задача создать продаваемый материал, а не очередной проект "в стол".
✅ Продюсер может и должен адекватно и критически оценивать Артиста, без розовых очков, без лишнего воодушевления, без растворения в артисте, и очень чётко ставить задачи. Роль Артиста при этом строго следовать опыту и пониманию Продюсера.
✅ Постепенно, с ростом опыта и понимания, из Артиста вполне может вырасти толковый Продюсер, и он сможет выполнят эту роль. Но эффективно это будет только при продюсировании другого артиста. По всё тем же причинам, описанным выше.
🌀 Я намеренно не стал отделять музыкальное продюсирование от продюсирования проекта, поскольку смысл сказанного от этого не зависит. Разница только в том, что музыкальный продюсер занимается непосредственно созданием правильного музыкального материала, а продюсер проекта рулит весь проект целиком, определяет все остальные его аспекты и ставит задачи, в том числе и музыкальному продюсеру.
#продюсирование
#размышлизмы
❓ Почему компрессия и мощная сатурация на мастер-шине в процессе сведения это обычно зло?
Интернет (особенно YouTube) пестрит рассказами про волшебный "собирающий компрессор", который вмиг создаст вам классный чудесно звучащий микс, ничего и делать то не придётся, всё само собой получится 🙈 Но так ли это на самом деле?
Как бы мы себя не оправдывали, какие бы теории не выдумывали, чьи бы сказки не слушали, суммарная компрессия всего микса целиком это всё таки задача мастеринга, а не сведения.
🌀 Когда мы говорим про некий собирающий, склеивающий эффект, речь идёт не о том, что надо реально что-то там сжимать. Вовсе нет! Разговор о создании эффекта мягкого сглаживания аналогового мира, имитацию прохождения сигнала через шину суммирования больших аналоговых пультов. Это не совсем компрессия, скорее сатурация. Но даже её лучше применить в процессе мастеринга, потому что она может оказаться лишней.
✅ Мастер-шина (мастер-канал) при работе над аранжировкой и сведением должна быть по возможности совершенно пустая. Желательно всегда, потому что любая обработка на мастере вмешивается во все звуки сразу, а не отдельно в каждый, влияет на всё и становится неотделимой.
⛔ Компрессия и мощная сатурация на мастере иногда настолько сильно влияют на звуки, что выключив их, ваш микс полностью разваливается, звучание инструментов становится совершенно другим.
⛔ Сильная компрессия и сатурация убивают динамику и внутренний воздух, объём и пространство микса. Разве это правильно?
✅ Для аранжировки этот момент ещё серьёзней, ведь нужно будет отдать чистый мультитрек, где все звуки и инструменты сохранены отдельно без баланса и без лишних обработок, оставляются только самые важные и художественные.
⛔ Идеологически звуки в мультитреке должны полностью совпадать с тем, как они звучат в демке, совпадать по общему окрасу и характеру. А из-за плотной мастер-шины звуки в мультитреке могут сильно отличаться от микса.
⛔ Если оставлять что-то на мастере при подготовке мультитрека, эта обработка применяется ко всем дорожкам, суммарный эффект помножится на количество дорожек. А если убирать, её влияние уходит и звуки так же меняются.
👉 Это всё неправильно и не профессионально! Ситуация, когда мультитрек аранжировки не имеет почти ничего общего с демо-миксом этой самой аранжировки, встречается регулярно. Происходит от незнания и непонимания правильных студийных цепочек, в погоне за "чтоб качало".
🌀 Компрессия суммарной дорожки (микса) это целиком и полностью задача мастеринга, вот и оставьте её на мастеринг. Не нужно делать мастеринг во время работы над аранжировкой или сведением. Это другой процесс и другой взгляд, давайте подходить профессионально.
👉 Для того, чтобы показать заказчику демку, разумеется можно применить временные обработки для уплотнения микса, но делать это следует отдельно, без ущерба для исходника.
👉 Чаще всего, лучше применить обыкновенный широкополосный спиливающий лимитер, а не компрессор. Влияние на исходник будет меньше и проблем будет минимум.
📽️ youtu.be/OO86qpbujDw
#компрессия
#сатурация
#сведение
#мастеринг
Интернет (особенно YouTube) пестрит рассказами про волшебный "собирающий компрессор", который вмиг создаст вам классный чудесно звучащий микс, ничего и делать то не придётся, всё само собой получится 🙈 Но так ли это на самом деле?
Как бы мы себя не оправдывали, какие бы теории не выдумывали, чьи бы сказки не слушали, суммарная компрессия всего микса целиком это всё таки задача мастеринга, а не сведения.
🌀 Когда мы говорим про некий собирающий, склеивающий эффект, речь идёт не о том, что надо реально что-то там сжимать. Вовсе нет! Разговор о создании эффекта мягкого сглаживания аналогового мира, имитацию прохождения сигнала через шину суммирования больших аналоговых пультов. Это не совсем компрессия, скорее сатурация. Но даже её лучше применить в процессе мастеринга, потому что она может оказаться лишней.
✅ Мастер-шина (мастер-канал) при работе над аранжировкой и сведением должна быть по возможности совершенно пустая. Желательно всегда, потому что любая обработка на мастере вмешивается во все звуки сразу, а не отдельно в каждый, влияет на всё и становится неотделимой.
⛔ Компрессия и мощная сатурация на мастере иногда настолько сильно влияют на звуки, что выключив их, ваш микс полностью разваливается, звучание инструментов становится совершенно другим.
⛔ Сильная компрессия и сатурация убивают динамику и внутренний воздух, объём и пространство микса. Разве это правильно?
✅ Для аранжировки этот момент ещё серьёзней, ведь нужно будет отдать чистый мультитрек, где все звуки и инструменты сохранены отдельно без баланса и без лишних обработок, оставляются только самые важные и художественные.
⛔ Идеологически звуки в мультитреке должны полностью совпадать с тем, как они звучат в демке, совпадать по общему окрасу и характеру. А из-за плотной мастер-шины звуки в мультитреке могут сильно отличаться от микса.
⛔ Если оставлять что-то на мастере при подготовке мультитрека, эта обработка применяется ко всем дорожкам, суммарный эффект помножится на количество дорожек. А если убирать, её влияние уходит и звуки так же меняются.
👉 Это всё неправильно и не профессионально! Ситуация, когда мультитрек аранжировки не имеет почти ничего общего с демо-миксом этой самой аранжировки, встречается регулярно. Происходит от незнания и непонимания правильных студийных цепочек, в погоне за "чтоб качало".
🌀 Компрессия суммарной дорожки (микса) это целиком и полностью задача мастеринга, вот и оставьте её на мастеринг. Не нужно делать мастеринг во время работы над аранжировкой или сведением. Это другой процесс и другой взгляд, давайте подходить профессионально.
👉 Для того, чтобы показать заказчику демку, разумеется можно применить временные обработки для уплотнения микса, но делать это следует отдельно, без ущерба для исходника.
👉 Чаще всего, лучше применить обыкновенный широкополосный спиливающий лимитер, а не компрессор. Влияние на исходник будет меньше и проблем будет минимум.
📽️ youtu.be/OO86qpbujDw
#компрессия
#сатурация
#сведение
#мастеринг
❓ Какой жанр сейчас в тренде?
Начинающие часто задаются этим вопросом, наивно полагая, что тренд в музыке это что-то единое и неделимое, как высокая мода. Но так ли это?
🎧 Много ли вы знаете людей, которые слушают к примеру модный молодёжный рэп? А советскую эстраду? А классику? А клубную музыку? А другие массовые направления? Ловите мысль?
👉 Основная масса любителей определённой музыки имеет вполне понятные очертания, как с точки зрения своего возраста, так и во множестве других аспектов их жизни и восприятия мира.
🗼 Другой момент, та же высокая мода. Много ли людей действительно целиком и полностью ей следуют? Ну нет же! Большинство людей учитывают и используют лишь какие-то отдельные элементы, накладывая их на свои собственные вкусы и предпочтения. Согласны?
👉 Вот и получается, что на самом деле существует много отдельных течений, небольших элементов, которые в целом дают общее ощущение нахождения в трендах. Более того, есть люди и их на самом деле большинство, которые вообще не следят за высокой модой. Но среди них всё равно можно выделить отдельные направления, отдельные тренды.
🌀 Так и в музыке. Жанры и тренды имеют прямую привязку к вкусам и аудитории артиста. Разные люди слушают совершенно разную музыку, порой диаметрально противоположную. И нельзя сказать, что они все такие неправильные и неправильную музыку слушают, что они не в тренде. Вовсе нет.
⠀
👉 Трендов одновременно существует много, как и людей, как и вкусов. Это классическая ошибка считать правильной и модной (трендовой) только ту музыку, которую слушаешь и за которой следишь сам. Тренды точно так же имеют локализацию по аудитории, и не стоит про это забывать.
⠀
👉 И в классике есть свои тренды, и в эстраде, и в попсе, и в роке, да и в клубной музыке тоже одновременно может быть несколько независимых веток со своими трендами. Внутри одного стиля и жанра!
Смотрите шире!
#продюсирование
#размышлизмы
Начинающие часто задаются этим вопросом, наивно полагая, что тренд в музыке это что-то единое и неделимое, как высокая мода. Но так ли это?
🎧 Много ли вы знаете людей, которые слушают к примеру модный молодёжный рэп? А советскую эстраду? А классику? А клубную музыку? А другие массовые направления? Ловите мысль?
👉 Основная масса любителей определённой музыки имеет вполне понятные очертания, как с точки зрения своего возраста, так и во множестве других аспектов их жизни и восприятия мира.
🗼 Другой момент, та же высокая мода. Много ли людей действительно целиком и полностью ей следуют? Ну нет же! Большинство людей учитывают и используют лишь какие-то отдельные элементы, накладывая их на свои собственные вкусы и предпочтения. Согласны?
👉 Вот и получается, что на самом деле существует много отдельных течений, небольших элементов, которые в целом дают общее ощущение нахождения в трендах. Более того, есть люди и их на самом деле большинство, которые вообще не следят за высокой модой. Но среди них всё равно можно выделить отдельные направления, отдельные тренды.
🌀 Так и в музыке. Жанры и тренды имеют прямую привязку к вкусам и аудитории артиста. Разные люди слушают совершенно разную музыку, порой диаметрально противоположную. И нельзя сказать, что они все такие неправильные и неправильную музыку слушают, что они не в тренде. Вовсе нет.
⠀
👉 Трендов одновременно существует много, как и людей, как и вкусов. Это классическая ошибка считать правильной и модной (трендовой) только ту музыку, которую слушаешь и за которой следишь сам. Тренды точно так же имеют локализацию по аудитории, и не стоит про это забывать.
⠀
👉 И в классике есть свои тренды, и в эстраде, и в попсе, и в роке, да и в клубной музыке тоже одновременно может быть несколько независимых веток со своими трендами. Внутри одного стиля и жанра!
Смотрите шире!
#продюсирование
#размышлизмы
❓ Артисты и Радио: кто кому чего и на каких условиях?
Взаимоотношения артистов и крупных радио станций и телеканалов, да и в целом любых действительно крупных площадок с многомиллионными охватами не так просты, как могут показаться. Давайте разбираться.
❓ Что такое крупная радио станция для артиста? Зачем она ему?
✅ Прежде всего, радио для артиста это масштабная рекламная площадка, то есть фактически радио нужно артисту для продвижения своего материала.
✅ Радио даёт артисту возможность увеличить его аудиторию за счёт аудитории радио.
✅ Даёт возможность донести новую песню до максимально большого количества слушателей, что действительно ускоряет рост популярности артиста и его новой песни.
✅ Ротация треков на радио это своего рода показатель уровня популярности артиста, элемент статуса и рейтинга.
❓ Что получаем?
👉 Радио нужны артисту для развития и продвижения. То есть это ни что иное, как крутая рекламная площадка и не более!
🌀 Ладно, тут вроде понятно. Теперь давайте посмотрим на артиста с точки зрения радио. Что он значит для радио и нужен ли он вообще там?
💰 Радио это бизнес. Прежде всего бизнес и лишь потом все остальные определения. А если радио это бизнес, тогда артист со своими песнями - тоже вопрос бизнеса. Соответственно, на радио не дураки управляют делами и они прекрасно понимают, что артисту ротации на радио нужны в рекламных целях.
❓ Отсюда что следует?
👉 Радио будут оценивать артиста и его материал с точки зрения бизнеса! Радио должны заработать на этом, а не профинансировать артисту рекламную кампанию за свой счёт.
🌀 Вот и получается, либо артист каким-то образом оплачивает свои ротации (напрямую или накривую, деньгами или связями, это не существенно) либо радио само ищет артиста ибо он нужен этому радио для повышения своего личного рейтинга (мировая звезда). Либо артист платит радио за рекламу, либо становится мировой звездой и его конечно берут бесплатно.
🤷🏻♂️ Жёстко? Согласен! Но такова жизнь. Хотите получить чёткий ответ, ищите где в ситуации (вопросе) деньги, кто получает выгоду. Тогда многое становится понятным. Такой подход универсален ко многим жизненным вопросам.
❓ Как как вы сказали? Радио должны платить артистам за ротации? Так они и платят! 😉 Существуют так называемые законодательно установленные компенсационные выплаты авторам, исполнителям и изготовителям фонограмм. Но это копейки, которые не идут ни в какое сравнение с реальными суммами.
Так что, друзья, дружно становимся мировыми звёздами и нас всех берут бесплатно 😇
#продвижение
Взаимоотношения артистов и крупных радио станций и телеканалов, да и в целом любых действительно крупных площадок с многомиллионными охватами не так просты, как могут показаться. Давайте разбираться.
❓ Что такое крупная радио станция для артиста? Зачем она ему?
✅ Прежде всего, радио для артиста это масштабная рекламная площадка, то есть фактически радио нужно артисту для продвижения своего материала.
✅ Радио даёт артисту возможность увеличить его аудиторию за счёт аудитории радио.
✅ Даёт возможность донести новую песню до максимально большого количества слушателей, что действительно ускоряет рост популярности артиста и его новой песни.
✅ Ротация треков на радио это своего рода показатель уровня популярности артиста, элемент статуса и рейтинга.
❓ Что получаем?
👉 Радио нужны артисту для развития и продвижения. То есть это ни что иное, как крутая рекламная площадка и не более!
🌀 Ладно, тут вроде понятно. Теперь давайте посмотрим на артиста с точки зрения радио. Что он значит для радио и нужен ли он вообще там?
💰 Радио это бизнес. Прежде всего бизнес и лишь потом все остальные определения. А если радио это бизнес, тогда артист со своими песнями - тоже вопрос бизнеса. Соответственно, на радио не дураки управляют делами и они прекрасно понимают, что артисту ротации на радио нужны в рекламных целях.
❓ Отсюда что следует?
👉 Радио будут оценивать артиста и его материал с точки зрения бизнеса! Радио должны заработать на этом, а не профинансировать артисту рекламную кампанию за свой счёт.
🌀 Вот и получается, либо артист каким-то образом оплачивает свои ротации (напрямую или накривую, деньгами или связями, это не существенно) либо радио само ищет артиста ибо он нужен этому радио для повышения своего личного рейтинга (мировая звезда). Либо артист платит радио за рекламу, либо становится мировой звездой и его конечно берут бесплатно.
🤷🏻♂️ Жёстко? Согласен! Но такова жизнь. Хотите получить чёткий ответ, ищите где в ситуации (вопросе) деньги, кто получает выгоду. Тогда многое становится понятным. Такой подход универсален ко многим жизненным вопросам.
❓ Как как вы сказали? Радио должны платить артистам за ротации? Так они и платят! 😉 Существуют так называемые законодательно установленные компенсационные выплаты авторам, исполнителям и изготовителям фонограмм. Но это копейки, которые не идут ни в какое сравнение с реальными суммами.
Так что, друзья, дружно становимся мировыми звёздами и нас всех берут бесплатно 😇
#продвижение
❓ Что такое звукорежиссура?
Откуда пошла, чем характеризуется, где нужна, отвечаем на вопрос «А зачем нам вообще всё это нужно?».
Не буду вдаваться в книжное определение, согласитесь, это скучно. Я стараюсь называть всё простыми словами, своим простым языком, чтобы всем всё было понятно.
❓ Как можно охарактеризовать термин «звукорежиссура»?
Я предпочитаю называть звукорежиссурой всё таинство работы над звуком, само творение финального звука. Именно творение звука и звучания, а не ноты. Ноты скорее относятся к написанию и исполнению музыки. Так что, ребята, если вы хотели услышать что-то про ноты, с нотами вам не сюда.
Говорим только про звук. Это инструменты, это семплы, это голоса, это тембра и варианты того, что с этим всем многообразием можно сделать. У нас с вами существует только звук и никаких нот. Так вот именно звуком и оперирует по большому счёту звукорежиссура.
📯 Если взять шире, любой звук рождается, извлекается, создаётся, потом проходит некий путь обработки и хранится в финальном варианте на физическом носителе. Он не появляется сразу в виде файла на диске или записи на плёнке, а проходит сложный путь. Звукорежиссура отвечает за весь процесс от момента фиксации этого самого звука до получения итогового звучания.
🚙 К примеру, мимо нас проехал автомобиль – это источник звука? Несомненно. Его можно каким-то образом зафиксировать (записать), потом каким-нибудь образом обработать (почистить шумы, подкорректировать тембр, выровнять громкость и пр.) и сделать готовую запись.
Далее, у нас может быть несколько источников звука (инструментов, голосов) и их нужно собрать в единую звуковую картину. Правильно? Два, три, пять, десять… А если двадцать? А если сто? Сложно? Да! Но это всё – звукорежиссура, таинство творения финального звучания.
#азбуказвукорежиссуры
Откуда пошла, чем характеризуется, где нужна, отвечаем на вопрос «А зачем нам вообще всё это нужно?».
Не буду вдаваться в книжное определение, согласитесь, это скучно. Я стараюсь называть всё простыми словами, своим простым языком, чтобы всем всё было понятно.
❓ Как можно охарактеризовать термин «звукорежиссура»?
Я предпочитаю называть звукорежиссурой всё таинство работы над звуком, само творение финального звука. Именно творение звука и звучания, а не ноты. Ноты скорее относятся к написанию и исполнению музыки. Так что, ребята, если вы хотели услышать что-то про ноты, с нотами вам не сюда.
Говорим только про звук. Это инструменты, это семплы, это голоса, это тембра и варианты того, что с этим всем многообразием можно сделать. У нас с вами существует только звук и никаких нот. Так вот именно звуком и оперирует по большому счёту звукорежиссура.
📯 Если взять шире, любой звук рождается, извлекается, создаётся, потом проходит некий путь обработки и хранится в финальном варианте на физическом носителе. Он не появляется сразу в виде файла на диске или записи на плёнке, а проходит сложный путь. Звукорежиссура отвечает за весь процесс от момента фиксации этого самого звука до получения итогового звучания.
🚙 К примеру, мимо нас проехал автомобиль – это источник звука? Несомненно. Его можно каким-то образом зафиксировать (записать), потом каким-нибудь образом обработать (почистить шумы, подкорректировать тембр, выровнять громкость и пр.) и сделать готовую запись.
Далее, у нас может быть несколько источников звука (инструментов, голосов) и их нужно собрать в единую звуковую картину. Правильно? Два, три, пять, десять… А если двадцать? А если сто? Сложно? Да! Но это всё – звукорежиссура, таинство творения финального звучания.
#азбуказвукорежиссуры
❓ Увлекательная история возникновения и развития звукорежиссуры.
Часть первая: фиксация звука.
Появление и развитие этого определения, этого термина, этой науки неразрывно связано с развитием техники звукозаписи. Когда-то много-много лет назад не было возможности каким-либо образом зафиксировать исполнение, записать его физически было просто не на что.
Соответственно, были только исполнители – музыканты и певцы, которые играли и пели, а другие люди слушали. Исполнителям нужно было физически что-то извлечь, что-то воспроизвести, слушатели должны были физически куда-то приехать и их исполнение услышать. В то время звукозаписи не существовало ни в каком виде.
Годы шли, техника развивалась, появилась возможность зафиксировать звук. Совсем первые опыты можем пропустить, но начиная с момента граммофонной эры стало действительно возможным записать исполнение, причём не только одного человека, но даже группы и оркестра. Сложно, но всё-таки уже возможно.
Разумеется, это могло быть исполнено только акустическими инструментами, поскольку электрических источников звука ещё просто не существовало, они появились намного позже.
Получается, сначала у нас появилась возможность просто взять и реальное исполнение людей зафиксировать в виде записи на граммофонной пластинке. Граммофонная запись – это тоже аналоговый носитель, поэтому музыкальное произведение нужно было исполнить и записать в реальном времени, возможности что-то с этим сделать после ещё не было.
Фактически вся история звукорежиссуры началась просто с записи исполнения музыкантов и певцов, сделать ничего ни в процессе ни после на заре звукорежиссуры было технически невозможно. Соответственно, вот как люди спели, как сыграли, так это и было зафиксировано. Не идеально, зато полностью честно без современной студийной «магии».
Это первый этап возникновения звукорежиссуры как таковой. Конечно слово режиссура пока к нему не совсем правильно относилось, скорее это была инженерия звука. А человек, который всё это делал, был прежде всего техник-инженер. Не было особой художественной нагрузки, нужно было грамотно поставить «микрофон» и нажать кнопку «запись».
Никаких пультов и магнитофонов не было, не было ничего. Была лишь возможность зафиксировать звук на финальном носителе, а потом в обратную сторону воспроизвести. Это было самое начало большого пути.
#азбуказвукорежиссуры
Часть первая: фиксация звука.
Появление и развитие этого определения, этого термина, этой науки неразрывно связано с развитием техники звукозаписи. Когда-то много-много лет назад не было возможности каким-либо образом зафиксировать исполнение, записать его физически было просто не на что.
Соответственно, были только исполнители – музыканты и певцы, которые играли и пели, а другие люди слушали. Исполнителям нужно было физически что-то извлечь, что-то воспроизвести, слушатели должны были физически куда-то приехать и их исполнение услышать. В то время звукозаписи не существовало ни в каком виде.
Годы шли, техника развивалась, появилась возможность зафиксировать звук. Совсем первые опыты можем пропустить, но начиная с момента граммофонной эры стало действительно возможным записать исполнение, причём не только одного человека, но даже группы и оркестра. Сложно, но всё-таки уже возможно.
Разумеется, это могло быть исполнено только акустическими инструментами, поскольку электрических источников звука ещё просто не существовало, они появились намного позже.
Получается, сначала у нас появилась возможность просто взять и реальное исполнение людей зафиксировать в виде записи на граммофонной пластинке. Граммофонная запись – это тоже аналоговый носитель, поэтому музыкальное произведение нужно было исполнить и записать в реальном времени, возможности что-то с этим сделать после ещё не было.
Фактически вся история звукорежиссуры началась просто с записи исполнения музыкантов и певцов, сделать ничего ни в процессе ни после на заре звукорежиссуры было технически невозможно. Соответственно, вот как люди спели, как сыграли, так это и было зафиксировано. Не идеально, зато полностью честно без современной студийной «магии».
Это первый этап возникновения звукорежиссуры как таковой. Конечно слово режиссура пока к нему не совсем правильно относилось, скорее это была инженерия звука. А человек, который всё это делал, был прежде всего техник-инженер. Не было особой художественной нагрузки, нужно было грамотно поставить «микрофон» и нажать кнопку «запись».
Никаких пультов и магнитофонов не было, не было ничего. Была лишь возможность зафиксировать звук на финальном носителе, а потом в обратную сторону воспроизвести. Это было самое начало большого пути.
#азбуказвукорежиссуры
❓ Увлекательная история возникновения и развития звукорежиссуры.
Часть вторая: появление многоканальной звукозаписи, рождение режиссуры записи.
Дальнейшее развитие звуковой индустрии пошло с момента возникновения электрических источников звука и многоканальных пультов. Сначала это были огромные 4-канальные пульты, потом уже появились 8-16-24 и далее.
❓ Что это давало?
В момент записи инженеры могли поставить сразу несколько микрофонов и источников звука. Прогресс налицо!
🌋 Параллельно шли электрические эксперименты, появилась широкая палитра возможностей звукоизвлечения, много новых источников звука, которые можно было записать. Стало допустимо использовать несколько микрофонов и выстраивать баланс громкости между ними во время записи. Что-то сделать громче, что-то сделать тише.
На этапе записи у нас появились хоть какие-то возможности, но по-прежнему всё нужно было сразу фиксировать в итоговом виде на носителе. Студийной записи с возможностью промежуточной фиксации ещё не было, всё в реальном времени игралось. Но уже было несколько источников и в процессе исполнения что-то можно было со звуком сделать.
Естественно, всё это пока было моно звучание, о стерео тогда никто не задумывался и не мечтал.
🌋 Время шло. На пультах появились обрезные фильтры, потом небольшие эквалайзеры, возникла возможность что-то менять в тембре. Конечно это было очень примитивно по современным меркам, совсем минимум, но – существовало! К тому же, это была ламповая электроника – огромная массивная техника, которая жутко греется и много потребляет электроэнергии.
Процесс записи получался дорогим, нужно было на ходу всё чётко и максимально без ошибок делать. Но появились элементы художественной работы во время записи, появилась базовая режиссура записи. Вместо инженера записи возник режиссёр записи. Увы, дальше ничего со звуком всё ещё нельзя было сделать.
🌋 А реальный прорыв звукорежиссуре произошёл с появлением плёночной магнитной звукозаписи, когда в студии уже появилась реальная возможность что-то записать, позже что-то с этим сделать и только потом уже записать на бытовой носитель. Единый процесс исполнения и записи разделился на несколько этапов: запись, обработка, финал.
#азбуказвукорежиссуры
Часть вторая: появление многоканальной звукозаписи, рождение режиссуры записи.
Дальнейшее развитие звуковой индустрии пошло с момента возникновения электрических источников звука и многоканальных пультов. Сначала это были огромные 4-канальные пульты, потом уже появились 8-16-24 и далее.
❓ Что это давало?
В момент записи инженеры могли поставить сразу несколько микрофонов и источников звука. Прогресс налицо!
🌋 Параллельно шли электрические эксперименты, появилась широкая палитра возможностей звукоизвлечения, много новых источников звука, которые можно было записать. Стало допустимо использовать несколько микрофонов и выстраивать баланс громкости между ними во время записи. Что-то сделать громче, что-то сделать тише.
На этапе записи у нас появились хоть какие-то возможности, но по-прежнему всё нужно было сразу фиксировать в итоговом виде на носителе. Студийной записи с возможностью промежуточной фиксации ещё не было, всё в реальном времени игралось. Но уже было несколько источников и в процессе исполнения что-то можно было со звуком сделать.
Естественно, всё это пока было моно звучание, о стерео тогда никто не задумывался и не мечтал.
🌋 Время шло. На пультах появились обрезные фильтры, потом небольшие эквалайзеры, возникла возможность что-то менять в тембре. Конечно это было очень примитивно по современным меркам, совсем минимум, но – существовало! К тому же, это была ламповая электроника – огромная массивная техника, которая жутко греется и много потребляет электроэнергии.
Процесс записи получался дорогим, нужно было на ходу всё чётко и максимально без ошибок делать. Но появились элементы художественной работы во время записи, появилась базовая режиссура записи. Вместо инженера записи возник режиссёр записи. Увы, дальше ничего со звуком всё ещё нельзя было сделать.
🌋 А реальный прорыв звукорежиссуре произошёл с появлением плёночной магнитной звукозаписи, когда в студии уже появилась реальная возможность что-то записать, позже что-то с этим сделать и только потом уже записать на бытовой носитель. Единый процесс исполнения и записи разделился на несколько этапов: запись, обработка, финал.
#азбуказвукорежиссуры