Марк Ротко - художник простоты и цвета.
Снова о критиках: что во время его творения (1950-1970), что сейчас, многие говорят: «ну уж это точно не искусство, что это, просто линии и никакого смысла».
Но искусством произведения Ротко можно воспринимать как минимум из за их эстетической части: оттенки цветов невероятно богатые, насыщенные, идеально сочетающиеся друг с другом. Полотна притягивают взгляд, расслабляют его, относят нас к своим мыслям и ощущениям.
Про мысли и ощущения: несмотря на исследование и поиск скрытых смыслов в произведениях фанатов и искусствоведов, сам художник проповедовал только эмоциональную связь человека с искусством. Только путь зрителя, пока он погружается в цвета и формы. Что происходит в его голове? Как это задевает его сердце? Что он слышит?
И это правда, меня его картины оказывают сильное эмоциональное воздействие, хотя «на них ничего нет». Но на самом деле в них все: вы, отражение вас, ваших чувств.
Интересно, что Ротко обижался, когда его произведения воспринимались как интерьерные (даже разругался с семьей Кеннеди), но сам очень требовательно относился к окружающему пространству на выставках для картин. И вообще мечтал готовить полотна под помещения.
А это разве не интерьерные решения?😄
Как вам Ротко? Что думаете по поводу такого «ничего лишнего» искусства?
Снова о критиках: что во время его творения (1950-1970), что сейчас, многие говорят: «ну уж это точно не искусство, что это, просто линии и никакого смысла».
Но искусством произведения Ротко можно воспринимать как минимум из за их эстетической части: оттенки цветов невероятно богатые, насыщенные, идеально сочетающиеся друг с другом. Полотна притягивают взгляд, расслабляют его, относят нас к своим мыслям и ощущениям.
Про мысли и ощущения: несмотря на исследование и поиск скрытых смыслов в произведениях фанатов и искусствоведов, сам художник проповедовал только эмоциональную связь человека с искусством. Только путь зрителя, пока он погружается в цвета и формы. Что происходит в его голове? Как это задевает его сердце? Что он слышит?
И это правда, меня его картины оказывают сильное эмоциональное воздействие, хотя «на них ничего нет». Но на самом деле в них все: вы, отражение вас, ваших чувств.
Интересно, что Ротко обижался, когда его произведения воспринимались как интерьерные (даже разругался с семьей Кеннеди), но сам очень требовательно относился к окружающему пространству на выставках для картин. И вообще мечтал готовить полотна под помещения.
А это разве не интерьерные решения?😄
Как вам Ротко? Что думаете по поводу такого «ничего лишнего» искусства?
🔥4❤3👍1
Мало кто знает, но Пикассо творил не только в живописи, но и в пространстве света.
Мне очень нравится эта серия работ, которая так и называется «световые рисунки Пикассо». В чем суть: к Пикассо в гости приехал один из популярных новаторов Гьен Мили и предложил маэстро сделать кое что интересное. На длиной выдержке он снимал, как Пикассо в воздухе создает произведения искусства.
Здесь конечно снова не классический формат «картин», а совокупность условий, позволяющих нам вдохновиться и как-то по-детски обрадоваться получившимся изображениям. Техника, характер, мастерства руки. Для 1949 года это было, конечно, ну что-то с чем то. Да и сейчас, вам как кажется? Есть в этих работах что-то особенное: художник творит, это запечатлено на камеру и вот творец и творение - неотъемлемые части одной работы визуально. Завораживает!
А еще ничего не напоминает вам? Например, мультфильм «Душа» дисней и пиксар 2020 года. При создании «Джерри» (сотрудников? Центра распределения душ) создатели вдохновлялись именно этой серией работ⭐️
Мне очень нравится эта серия работ, которая так и называется «световые рисунки Пикассо». В чем суть: к Пикассо в гости приехал один из популярных новаторов Гьен Мили и предложил маэстро сделать кое что интересное. На длиной выдержке он снимал, как Пикассо в воздухе создает произведения искусства.
Здесь конечно снова не классический формат «картин», а совокупность условий, позволяющих нам вдохновиться и как-то по-детски обрадоваться получившимся изображениям. Техника, характер, мастерства руки. Для 1949 года это было, конечно, ну что-то с чем то. Да и сейчас, вам как кажется? Есть в этих работах что-то особенное: художник творит, это запечатлено на камеру и вот творец и творение - неотъемлемые части одной работы визуально. Завораживает!
А еще ничего не напоминает вам? Например, мультфильм «Душа» дисней и пиксар 2020 года. При создании «Джерри» (сотрудников? Центра распределения душ) создатели вдохновлялись именно этой серией работ⭐️
🔥4❤3👍2
Сегодня расскажу об одной картине, с которой, как мне кажется, начался мой интерес к искусству идеи.
Рене Магритт «Трубка». Просто трубка. Весь прикол в надписи на картине - это не трубка. Суть в чем? В том, что это действительно не курительная трубка, а ее изображение. Такая игра смыслов, обман зрителя в восприятии. Мне здесь видится отношение к искусству: что то, что изображено не является правдой, а лишь интерпретацией автора.
💡 Как то в универе у нас был творческий проект, не помню уже на какую тему, но я так вдохновилась Магриттом и его восприятием мира, что сделала огромную надпись (буквы были больше метра в высоту) на поле на даче у бабушки «ЭТО НЕ ЛЮБОВЬ». Так я хотела показать, что эта инсталляция не любовь - это просто надпись. А любовь - это нечто большее. До сих пор в шоке, как мой 19 летний мозг до этого додумался: ну я была очень романтичной натурой!
Как будет время, обязательно познакомьтесь с Рене Магриттом, у него много достойных работ. Как нибудь сделаю пост о его подходе к творчеству. А пока, это не пост об искусстве, это искусство в посте! 😉
Рене Магритт «Трубка». Просто трубка. Весь прикол в надписи на картине - это не трубка. Суть в чем? В том, что это действительно не курительная трубка, а ее изображение. Такая игра смыслов, обман зрителя в восприятии. Мне здесь видится отношение к искусству: что то, что изображено не является правдой, а лишь интерпретацией автора.
💡 Как то в универе у нас был творческий проект, не помню уже на какую тему, но я так вдохновилась Магриттом и его восприятием мира, что сделала огромную надпись (буквы были больше метра в высоту) на поле на даче у бабушки «ЭТО НЕ ЛЮБОВЬ». Так я хотела показать, что эта инсталляция не любовь - это просто надпись. А любовь - это нечто большее. До сих пор в шоке, как мой 19 летний мозг до этого додумался: ну я была очень романтичной натурой!
Как будет время, обязательно познакомьтесь с Рене Магриттом, у него много достойных работ. Как нибудь сделаю пост о его подходе к творчеству. А пока, это не пост об искусстве, это искусство в посте! 😉
❤7🔥2🥰1
Искусство не ограничивается формой багетной рамки, оно вокруг нас - и в особенности в архитектуре.
В ОАЭ архитектор Норман Фостер (достопримечательность в Лондоне, такое здание небоскреб-яйцо, его головы и рук дело) строит сейчас музей шейха Заеда.
Я видела здание лично и это конечно масштаб и воздух. Интересно, что весь «пятачок» вокруг Лувра в Абу-Даби через несколько лет будет сплошной архитектурой галереей.
Музей шейха Заеда видом напоминает крылья сокола, а это символ Арабских Эмиратов. Сила, движение вверх, запоминается. Мне кажется это здание - чистое отражение безупречного вкуса и мании ко всему самому большому у Эмиратов. Пока что этот музей один из самых красивых для меня!
*еще Норман Фостер проектировал отель MRIYA в Крыму. Я его тоже видела, огромный, дорогущий, роскошный. Смотрится великолепно, особенно вид сверху*
В ОАЭ архитектор Норман Фостер (достопримечательность в Лондоне, такое здание небоскреб-яйцо, его головы и рук дело) строит сейчас музей шейха Заеда.
Я видела здание лично и это конечно масштаб и воздух. Интересно, что весь «пятачок» вокруг Лувра в Абу-Даби через несколько лет будет сплошной архитектурой галереей.
Музей шейха Заеда видом напоминает крылья сокола, а это символ Арабских Эмиратов. Сила, движение вверх, запоминается. Мне кажется это здание - чистое отражение безупречного вкуса и мании ко всему самому большому у Эмиратов. Пока что этот музей один из самых красивых для меня!
*еще Норман Фостер проектировал отель MRIYA в Крыму. Я его тоже видела, огромный, дорогущий, роскошный. Смотрится великолепно, особенно вид сверху*
❤4🔥4👍2
В эту субботу я подготовила кое что не стандартное для этого канала: «Нью-Йоркский кинотеатр», Дэвид Хоппер
Здесь нет ничего абстрактного, никакой дополнительной философии, художник не предлагает разделить или дополнить зрителю смыслом произведение.
Для нашего восприятия, Нью Йоркский кинотеатр уже реализм. Картины Хоппера отличаются своей кинематографичностью, граничащей с повседневностью. Кино здесь в постановке кадра, в световом расположении, в том, что главный герой для нас не кинотеатр, а биллитерша и ее фигура. А повседневность в очень привычном мире, мы все ходим в кино, знаем эту атмосферу и через произведение «чувствуем» аромат походов в кинотеатры.
Обращаясь к истории: картина 30-х годов, когда во время великой депрессии Американцы постоянно ходили в кино. Проживали стресс! Посещаемость кинотеатров была 95 миллионов в неделю при общей численности населения страны в 125 миллионов.
Меня здесь захватывают цвета и «приглашение» автора произведения присоединиться к этому миру, но оставаться зрителем. Мы сейчас - зрители картины и мы же - зритель кинотеатра. Такая матрешка, картинка в картине.
И конечно в духе школьных сочинений хочется узнать, что же за жизнь у биллитерши, о чем она думает? Что выражает ее поза? Я такими вещами заниматься не люблю, ведь у биллитерши своя жизнь и что копаться у нее в голове, но грань реальности и иллюзорного мира кино здесь очень нравится!
А как вам, что видите и думаете?✏️
Здесь нет ничего абстрактного, никакой дополнительной философии, художник не предлагает разделить или дополнить зрителю смыслом произведение.
Для нашего восприятия, Нью Йоркский кинотеатр уже реализм. Картины Хоппера отличаются своей кинематографичностью, граничащей с повседневностью. Кино здесь в постановке кадра, в световом расположении, в том, что главный герой для нас не кинотеатр, а биллитерша и ее фигура. А повседневность в очень привычном мире, мы все ходим в кино, знаем эту атмосферу и через произведение «чувствуем» аромат походов в кинотеатры.
Обращаясь к истории: картина 30-х годов, когда во время великой депрессии Американцы постоянно ходили в кино. Проживали стресс! Посещаемость кинотеатров была 95 миллионов в неделю при общей численности населения страны в 125 миллионов.
Меня здесь захватывают цвета и «приглашение» автора произведения присоединиться к этому миру, но оставаться зрителем. Мы сейчас - зрители картины и мы же - зритель кинотеатра. Такая матрешка, картинка в картине.
И конечно в духе школьных сочинений хочется узнать, что же за жизнь у биллитерши, о чем она думает? Что выражает ее поза? Я такими вещами заниматься не люблю, ведь у биллитерши своя жизнь и что копаться у нее в голове, но грань реальности и иллюзорного мира кино здесь очень нравится!
А как вам, что видите и думаете?✏️
❤8👏3👍2
Почему то про современных художников любят писать в интернете, о каждом из них, как о самом «высокооплачиваемом». Так в итоге какой самый?
🔍 Сегодня у нас в меню Маурицио Каттелан и его самая популярная работа «Comedian». Чтобы понять инсталляцию, нужно понять Маурицио.
Человек экспрессии Италии видел в искусстве вызов, протест, насмешку, желание «выпятить грудь» и сказать «о как могу!». И это тоже имеет место быть, потому что как мы знаем искусство открывает двери смелым идеям. Так вот Маурицио любил пощекотать нервы публике, и работа с банном это скорее уже пик его карьеры, чем ее начало.
Я предлагаю воспринимать эту инсталляцию как перформанс: сколько вы готовы заплатить за банан? Здесь можно было бы увидеть молодость, старение, увядание. Живость органического мира и бездушие капитализма, где банан - все живое, а скотч - корпорации, засорявшие планету. Можно было бы. Но тут такого нет.
💡 Всего было три работы, одну из которых приобрел коллекционер за 120 тысяч долларов и…съел банан! С довольной ухмылкой владелец работы, которой больше не существовало, назвал свое действо «голодный художник» - и вот это уже стоит того! Перформанс внутри перформанса, настоящая комедия развернулась перед нами после покупки, а не в самом банане.
Но такие инсталляции тоже есть! Определенно, временные, пока бананы не сгниют. Посмотрите работы Маурицио для насмотренности и пишите сюда, очень интересно, как вам творчество экспрессивного итальянца? 🍌
🔍 Сегодня у нас в меню Маурицио Каттелан и его самая популярная работа «Comedian». Чтобы понять инсталляцию, нужно понять Маурицио.
Человек экспрессии Италии видел в искусстве вызов, протест, насмешку, желание «выпятить грудь» и сказать «о как могу!». И это тоже имеет место быть, потому что как мы знаем искусство открывает двери смелым идеям. Так вот Маурицио любил пощекотать нервы публике, и работа с банном это скорее уже пик его карьеры, чем ее начало.
Я предлагаю воспринимать эту инсталляцию как перформанс: сколько вы готовы заплатить за банан? Здесь можно было бы увидеть молодость, старение, увядание. Живость органического мира и бездушие капитализма, где банан - все живое, а скотч - корпорации, засорявшие планету. Можно было бы. Но тут такого нет.
💡 Всего было три работы, одну из которых приобрел коллекционер за 120 тысяч долларов и…съел банан! С довольной ухмылкой владелец работы, которой больше не существовало, назвал свое действо «голодный художник» - и вот это уже стоит того! Перформанс внутри перформанса, настоящая комедия развернулась перед нами после покупки, а не в самом банане.
Но такие инсталляции тоже есть! Определенно, временные, пока бананы не сгниют. Посмотрите работы Маурицио для насмотренности и пишите сюда, очень интересно, как вам творчество экспрессивного итальянца? 🍌
❤7👍3🔥3
Говорят, волосы - сосредоточение силы женщины. Но еще и предмет ее привлекательности для мужчин.
О Фриде Кало можно говорить долго, много, с придыханием, с пренебрежением, громко и тихо. Мне очень нравится ее «Автопортрет с обрезанными волосами»
Во первых, произведение отличается от знакомых нам в творчестве Фриды, в этом портрете - все очень понятно и негде искать сакральные смыслы и отсылки.
Исторический контекст: в момент создания работы Фрида развелась со своим мужем Диего Ривера. Он изменил ей с ее младшей сестрой и вообще много там было больного, но не будем лезть в чужие ящики с нижним бельем.
У нас есть только Фрида, мужской костюм на ней, надпись (могу неточно написать) «Я люблю твои волосы, но теперь их нет и я тебя больше не люблю» и зловеще разбросанные локоны. Как змеи, греющиеся на солнце. Или как трупы женственности и счастья.
Каждый может увидеть здесь свою боль - от злости, обиды, одиночества, предательства, протеста. Поза, короткая прическа, все звучит и выглядит как вызов мужскому обществу, и при этом попытка к нему присоединиться.
Противоречия от потерянной любви, когда ты кричишь «мне никто не нужен», но в этом большом мужском костюме как будто сжимаешься до полного опустошения. Сильная работа, дух Фриды на все 100%, я могу рассматривать ее бесконечно и будто находиться в немом диалоге с автором. Ух!
А вы что думаете, видите? Хочется пошутить, что даже Фрида Кало резала волосы после болезненного разрыва😄
О Фриде Кало можно говорить долго, много, с придыханием, с пренебрежением, громко и тихо. Мне очень нравится ее «Автопортрет с обрезанными волосами»
Во первых, произведение отличается от знакомых нам в творчестве Фриды, в этом портрете - все очень понятно и негде искать сакральные смыслы и отсылки.
Исторический контекст: в момент создания работы Фрида развелась со своим мужем Диего Ривера. Он изменил ей с ее младшей сестрой и вообще много там было больного, но не будем лезть в чужие ящики с нижним бельем.
У нас есть только Фрида, мужской костюм на ней, надпись (могу неточно написать) «Я люблю твои волосы, но теперь их нет и я тебя больше не люблю» и зловеще разбросанные локоны. Как змеи, греющиеся на солнце. Или как трупы женственности и счастья.
Каждый может увидеть здесь свою боль - от злости, обиды, одиночества, предательства, протеста. Поза, короткая прическа, все звучит и выглядит как вызов мужскому обществу, и при этом попытка к нему присоединиться.
Противоречия от потерянной любви, когда ты кричишь «мне никто не нужен», но в этом большом мужском костюме как будто сжимаешься до полного опустошения. Сильная работа, дух Фриды на все 100%, я могу рассматривать ее бесконечно и будто находиться в немом диалоге с автором. Ух!
А вы что думаете, видите? Хочется пошутить, что даже Фрида Кало резала волосы после болезненного разрыва😄
🔥10❤3
Вспоминаем сцену из «1+1», где Дрис на разрывную шутит про картину, которую собирается купить Филипп: «да у чувака просто кровь из носа пошла!».
В целом, про Джексона Поллока тоже можно подумать в таком ключе - ничего особенно, просто брызги и анархия цвета, что здесь искусство? Но как мы знаем, современное искусство прекрасно своей многогранностью форм и интерпретаций. Сегодня в меню Джексон Поллок, «Сближение».
Здесь нет идеи, которую нам нужно разгадывать и искать, здесь есть цвета и ощущения. Картины Поллока - чистая смесь эмоций, трансляция состояния. 🧐Проведем социальный эксперимент: пишите в комментариях, что вы чувствуете от произведения?
Есть мнение, что именно Поллок разработал «капельный метод» и тем самым шокировал общественность: как это, картины без единой формы? Но кажется общественности уже давно пора привыкнуть, у них и писсуар, и цвета Ротко - вообщем друзья, чего удивляетесь?
💡 Но сам подход Поллока здесь удивителен. Такой чисто художественный из фильмов. Джексон брал холст, клал его на пол и ходил вокруг. Он как бы жил в картине, осматривал с разных сторон, погружался во все грани холста. И капли и линии, которые на первый взгляд кажутся хаотичными, на самом деле, четкое движение руки, выверенное по своей траекториии. Вы говорите «я могу сделать также» - но твердость кисти и умение видеть цвета в эмоции может только художник.
Небольшой факт из биографии: у Поллока был скверный характер, он пил, нещадно пил и мучал свое близкое окружение. Хотя самые известные картины написаны в период трезвости - мне думается, что через капли и брызги Поллок выгружал свой внутренний хаос в том числе, который не глушил алкоголем.
Я люблю такое «картина - состояние», куда ты ныряешь и заодно погружаешься в себя.
В целом, про Джексона Поллока тоже можно подумать в таком ключе - ничего особенно, просто брызги и анархия цвета, что здесь искусство? Но как мы знаем, современное искусство прекрасно своей многогранностью форм и интерпретаций. Сегодня в меню Джексон Поллок, «Сближение».
Здесь нет идеи, которую нам нужно разгадывать и искать, здесь есть цвета и ощущения. Картины Поллока - чистая смесь эмоций, трансляция состояния. 🧐Проведем социальный эксперимент: пишите в комментариях, что вы чувствуете от произведения?
Есть мнение, что именно Поллок разработал «капельный метод» и тем самым шокировал общественность: как это, картины без единой формы? Но кажется общественности уже давно пора привыкнуть, у них и писсуар, и цвета Ротко - вообщем друзья, чего удивляетесь?
💡 Но сам подход Поллока здесь удивителен. Такой чисто художественный из фильмов. Джексон брал холст, клал его на пол и ходил вокруг. Он как бы жил в картине, осматривал с разных сторон, погружался во все грани холста. И капли и линии, которые на первый взгляд кажутся хаотичными, на самом деле, четкое движение руки, выверенное по своей траекториии. Вы говорите «я могу сделать также» - но твердость кисти и умение видеть цвета в эмоции может только художник.
Небольшой факт из биографии: у Поллока был скверный характер, он пил, нещадно пил и мучал свое близкое окружение. Хотя самые известные картины написаны в период трезвости - мне думается, что через капли и брызги Поллок выгружал свой внутренний хаос в том числе, который не глушил алкоголем.
Я люблю такое «картина - состояние», куда ты ныряешь и заодно погружаешься в себя.
❤11👍3🔥3
Инсталляция с запахом, так хочется ее называть. «Стая», Йозеф Бойс. Почему с запахом?
Все в ней пахнет дикой природой, свободой, немного гарью, потом, ледяным ветром и противостоянием. Санки, в количестве 24 штук, как бы выезжают из Фольксвагена (машина хиппи) и движутся в одном направлении. На санях жир, фонарь, войлок.
Для понимания произведения нужно заглянуть в учебник истории: как раз в момент создания «стаи» в Германии стоит Берлинская стена и разделившаяся страна переживает кризис холодной войны. Да, важно заметить - Йозеф Бойс немец. Есть ощущение, что инсталляция уже заиграла новыми красками?
Йозеф вообще сильно переживал за Германию и ее самочувствие после Второй Мировой войны. Во время самой войны самолет Йозефа сбили над Крымом, (сейчас будет понятно, к чему такая прелюдия) там его приняли под крыло крымские татары - покрыли тело жиром и войлоком, чтобы согреть. И в «Стае» на санях мы тоже видим жир и войлок - как символ жизни и помощи другому.
В этой инсталляции нет ничего эстетического, чем стоило бы восхищаться. Сам Йозеф больше разделял идею смысла и следовал концепции реди мейда (см пост про «Фонтан» Дюшана). И в «Стае» есть очень четкий посыл об объединении людей против зла и боли, в единении людей с природой - в сокращении потребностей, мы двигаемся вместе, у нас минимальный запас, но мы справимся. Сани пустые, но я вижу людей, готовых переходить через горы и пустыни в поисках места, где жить будет хорошо. Кажется, что сани зовут двигаться за ними - в мир.
Читала, что многие видят в произведении не самые приятные ассоциации. Войлок напоминает нацистскую форму, а жир - вовсе не пища. А вы что думаете? Как вам миротворец Йозеф и его «Стая»? 🐺
Все в ней пахнет дикой природой, свободой, немного гарью, потом, ледяным ветром и противостоянием. Санки, в количестве 24 штук, как бы выезжают из Фольксвагена (машина хиппи) и движутся в одном направлении. На санях жир, фонарь, войлок.
Для понимания произведения нужно заглянуть в учебник истории: как раз в момент создания «стаи» в Германии стоит Берлинская стена и разделившаяся страна переживает кризис холодной войны. Да, важно заметить - Йозеф Бойс немец. Есть ощущение, что инсталляция уже заиграла новыми красками?
Йозеф вообще сильно переживал за Германию и ее самочувствие после Второй Мировой войны. Во время самой войны самолет Йозефа сбили над Крымом, (сейчас будет понятно, к чему такая прелюдия) там его приняли под крыло крымские татары - покрыли тело жиром и войлоком, чтобы согреть. И в «Стае» на санях мы тоже видим жир и войлок - как символ жизни и помощи другому.
В этой инсталляции нет ничего эстетического, чем стоило бы восхищаться. Сам Йозеф больше разделял идею смысла и следовал концепции реди мейда (см пост про «Фонтан» Дюшана). И в «Стае» есть очень четкий посыл об объединении людей против зла и боли, в единении людей с природой - в сокращении потребностей, мы двигаемся вместе, у нас минимальный запас, но мы справимся. Сани пустые, но я вижу людей, готовых переходить через горы и пустыни в поисках места, где жить будет хорошо. Кажется, что сани зовут двигаться за ними - в мир.
Читала, что многие видят в произведении не самые приятные ассоциации. Войлок напоминает нацистскую форму, а жир - вовсе не пища. А вы что думаете? Как вам миротворец Йозеф и его «Стая»? 🐺
🔥8❤6👍3😢1
Игрушки с крестиками вместо глаз: коллаборация как искусство.
До создания этого канала и исследования мира современного искусства я была уверена, что KAWS - просто модненькие фигурки, которые круто купить в ЦУМе и домой и показывать всем, какой ты крутой.
Понты, тут конечно, точно есть. Но есть еще кое что, и это напрямую относится к нашему с вами интересу. Итак!
Брайан Доннели, он же KAWS, вырос на культуре хип-хопа. Все как надо: катал на скейте и рисовал граффити. Немного вандализма, но ведь искусство иногда им является?
Чтобы понять, в чем же суть игрушки, нужно во первых узнать, что крестик и череп со скрещенными костями - «фирменный» знак Брайана. А во вторых важно знать, что Брайан хотел присоединиться к классическому миру снобских художников, но не знал как.
💀 Тогда он начал заявлять о себе через то, что умеет делать отлично - через вандализм. Разрисовывал рекламные баннеры и постеры на улицах своими крестиками и плотно заседал в головы общественности. Очень скоро стиль Брайана стал узнаваемым, но к тому моменту фигурки фигурки KAWS были только в виде персонажей на бумаге. Один умный мужчина сказал «Брайан, а давай мы сделаем их в виде виниловых игрушек и будем продавать в Японии».
Все сложилось, игрушки стали супер хитом. И с этого момента начался творческого-коммерческий путь KAWS, через коллаборации. Симпсоны, BAPE, Nike, Vans и еще десятки и десятки. KAWS, родившийся в идее вандализма по сути своей ее продолжал - коллаборация всегда были яркие, переосмысляющие вещи, лимитированные и независимо от бренда с очень узнаваемым стилем.
💸Фан фактс: KAWS поучаствовал в разработке визуала для культовой пластинки репера Канье Уэста. О как!
Думаю, что феномен KAWS в его смелости и эстетике. Здесь очень четко прослеживается ДНК хип-хоп культуры. Мне сложно сказать: «это искусство», потому что все таки это больше маркетинг, но тем не менее, создано руками художника. Мне нравится KAWS тем, что стирает границы между социальными слоями - ты можешь носить коллаборацию и с UNIQLO, другой может носить с Dior, и это совсем разные ценовые сегменты. Но каждый может прикоснуться к KAWS. А еще есть классная ассоциация, персонаж KAWS как мышонок Микки Диснея. Некий символ, но какой, уже видимо решать каждому для себя.
Что думаете про такое коммерческое искусство? Просто фигурки для интерьера или все таки нечто большее?
До создания этого канала и исследования мира современного искусства я была уверена, что KAWS - просто модненькие фигурки, которые круто купить в ЦУМе и домой и показывать всем, какой ты крутой.
Понты, тут конечно, точно есть. Но есть еще кое что, и это напрямую относится к нашему с вами интересу. Итак!
Брайан Доннели, он же KAWS, вырос на культуре хип-хопа. Все как надо: катал на скейте и рисовал граффити. Немного вандализма, но ведь искусство иногда им является?
Чтобы понять, в чем же суть игрушки, нужно во первых узнать, что крестик и череп со скрещенными костями - «фирменный» знак Брайана. А во вторых важно знать, что Брайан хотел присоединиться к классическому миру снобских художников, но не знал как.
💀 Тогда он начал заявлять о себе через то, что умеет делать отлично - через вандализм. Разрисовывал рекламные баннеры и постеры на улицах своими крестиками и плотно заседал в головы общественности. Очень скоро стиль Брайана стал узнаваемым, но к тому моменту фигурки фигурки KAWS были только в виде персонажей на бумаге. Один умный мужчина сказал «Брайан, а давай мы сделаем их в виде виниловых игрушек и будем продавать в Японии».
Все сложилось, игрушки стали супер хитом. И с этого момента начался творческого-коммерческий путь KAWS, через коллаборации. Симпсоны, BAPE, Nike, Vans и еще десятки и десятки. KAWS, родившийся в идее вандализма по сути своей ее продолжал - коллаборация всегда были яркие, переосмысляющие вещи, лимитированные и независимо от бренда с очень узнаваемым стилем.
💸Фан фактс: KAWS поучаствовал в разработке визуала для культовой пластинки репера Канье Уэста. О как!
Думаю, что феномен KAWS в его смелости и эстетике. Здесь очень четко прослеживается ДНК хип-хоп культуры. Мне сложно сказать: «это искусство», потому что все таки это больше маркетинг, но тем не менее, создано руками художника. Мне нравится KAWS тем, что стирает границы между социальными слоями - ты можешь носить коллаборацию и с UNIQLO, другой может носить с Dior, и это совсем разные ценовые сегменты. Но каждый может прикоснуться к KAWS. А еще есть классная ассоциация, персонаж KAWS как мышонок Микки Диснея. Некий символ, но какой, уже видимо решать каждому для себя.
Что думаете про такое коммерческое искусство? Просто фигурки для интерьера или все таки нечто большее?
❤6👍5🔥2
Мы уже пробегались по творчеству Марка Ротко, легонько коснулись его Американского абстракционизма. В это ленивое снежное воскресенье хочу разобрать «черный на темно-бордовом».
🔍 Для погружения в мир Ротко нужно понимать несколько вещей: перед его произведениями никуда не торопиться. Отключить свой СДВГ и позволить мыслям течь, рождая ассоциации при взгляда на картину.
Сам Ротко пропагандировал идею отказаться от рационального и перейти к эмоциональному: чтобы искусство будило наше подсознание и с помощью визуальных форм доставало мысли и идеи. Можно сказать, картины Ротко - такой сеанс у психолога Фрейдиста😉
Черный на темно бордовом вызывает ассоциации мистического пейзажа: места «нигде» с ритуальными столбами. Такой вид идеально бы подошел для вдохновения на декорации триллера. Вообще Ротко противился кубизму и всем возможным формам, поэтому на черном на темно бордовом два прямоугольника размыты, их границы сложно понять, воображение само может дорисовать, что скрывается за бордовым туманом. И вот эта недостаточность зрительной формы и заводит наш мозг. Не можете придумать идеи, устали думать? Посмотрите на произведения Ротко.
💸Фан фактс: Черный на темно-бордовом: картина из серии, созданной специально для «Four seasons», но так и не представленной там. Конкретно это полотно часть композиции, интересно было бы посмотреть целиком, какую атмосферу бы создало в помещении.
Обсудим: что для вас черный на темно бордовым? На какие ассоциации толкает, какие мысли возникают?
🔍 Для погружения в мир Ротко нужно понимать несколько вещей: перед его произведениями никуда не торопиться. Отключить свой СДВГ и позволить мыслям течь, рождая ассоциации при взгляда на картину.
Сам Ротко пропагандировал идею отказаться от рационального и перейти к эмоциональному: чтобы искусство будило наше подсознание и с помощью визуальных форм доставало мысли и идеи. Можно сказать, картины Ротко - такой сеанс у психолога Фрейдиста😉
Черный на темно бордовом вызывает ассоциации мистического пейзажа: места «нигде» с ритуальными столбами. Такой вид идеально бы подошел для вдохновения на декорации триллера. Вообще Ротко противился кубизму и всем возможным формам, поэтому на черном на темно бордовом два прямоугольника размыты, их границы сложно понять, воображение само может дорисовать, что скрывается за бордовым туманом. И вот эта недостаточность зрительной формы и заводит наш мозг. Не можете придумать идеи, устали думать? Посмотрите на произведения Ротко.
💸Фан фактс: Черный на темно-бордовом: картина из серии, созданной специально для «Four seasons», но так и не представленной там. Конкретно это полотно часть композиции, интересно было бы посмотреть целиком, какую атмосферу бы создало в помещении.
Обсудим: что для вас черный на темно бордовым? На какие ассоциации толкает, какие мысли возникают?
❤5🔥5👍3👏1
Этот парень в серебристом парике и цветная Мэрилин.
В последние дни у меня достаточно большая мозговая активность и тянет уже к знакомым художникам. Поэтому сегодня снова (не опять) - Энди Уорхол.
«Диптих Мэрилин» - это уже что-то из разряда интерьерного, дизайнерского, брендового в гораздо большей степени, чем в области искусства. Но это все выше перечисленное - время и маркетинг, а на самом деле диптих действительно часть современного искусства.
🐛Во-первых, вспомним, что фишкой Уорхола была шелкография. Он ускорял производство картин тем, что копировал их в точности. В какой то степени это новаторство тоги времени, очередной переворот в искусстве. Как это: один раз нарисовал и просто копируешь, да еще и с помощью специальной машины? А так можно было?
«Диптих Мэрилин» - высказывание Энди Уорхола после смерти Мэрилин Монро. Уорхол достаточно остро пережил ее уход из жизни и хотел запечатлеть красивую картинку всеми любимой актрисы и певицы, но в яркости, выведенной на максимум. Так он говорил «Вы не знаете Мэрилин, вы продаете ее образ». Именно поэтому диптих разделен на две части: с одной яркие портреты, с другой черно-белые. Энди показал нам, что во время жизни Мэрилин мир воспринимал ее слишком плоско. И за цветными картинками фильмов скрывалось отсутствие красок.
👀Есть мнение, что диптих как бы увековечивает образ Мэрилин, как Джоконду Да Винчи. Делает его культовым. Но все таки культовым его делает не изначальная идея, заложенная в произведение, а его формат.
Я с уважением отношусь к произведениям Уорхола, лично мне близок его новаторский подход и простота, цепляющая взгляд. 🗣А вы что думаете по поводу диптиха Мэрилин? Глупость или искусство?
В последние дни у меня достаточно большая мозговая активность и тянет уже к знакомым художникам. Поэтому сегодня снова (не опять) - Энди Уорхол.
«Диптих Мэрилин» - это уже что-то из разряда интерьерного, дизайнерского, брендового в гораздо большей степени, чем в области искусства. Но это все выше перечисленное - время и маркетинг, а на самом деле диптих действительно часть современного искусства.
🐛Во-первых, вспомним, что фишкой Уорхола была шелкография. Он ускорял производство картин тем, что копировал их в точности. В какой то степени это новаторство тоги времени, очередной переворот в искусстве. Как это: один раз нарисовал и просто копируешь, да еще и с помощью специальной машины? А так можно было?
«Диптих Мэрилин» - высказывание Энди Уорхола после смерти Мэрилин Монро. Уорхол достаточно остро пережил ее уход из жизни и хотел запечатлеть красивую картинку всеми любимой актрисы и певицы, но в яркости, выведенной на максимум. Так он говорил «Вы не знаете Мэрилин, вы продаете ее образ». Именно поэтому диптих разделен на две части: с одной яркие портреты, с другой черно-белые. Энди показал нам, что во время жизни Мэрилин мир воспринимал ее слишком плоско. И за цветными картинками фильмов скрывалось отсутствие красок.
👀Есть мнение, что диптих как бы увековечивает образ Мэрилин, как Джоконду Да Винчи. Делает его культовым. Но все таки культовым его делает не изначальная идея, заложенная в произведение, а его формат.
Я с уважением отношусь к произведениям Уорхола, лично мне близок его новаторский подход и простота, цепляющая взгляд. 🗣А вы что думаете по поводу диптиха Мэрилин? Глупость или искусство?
❤5🔥5🥰3