Сколько лет нужно прожить, чтобы попасть в историю?
Судя по участникам (их вообще можно так называть?) знаменитого клуба «27» достаточно 27 лет.
Жан Мишель Баския - художник в мире неоэкспрессионизма, через свое творчество критиковал колониализм и поддерживал борьбу с классовым неравенством. Про него конечно нужно писать огромную отдельную статью, потому что на первый взгляд мазня сумасшедшего притягивает к себе, в ней чувствуется характер и голос.
Его фишка, благодаря которой Баския взлетел на пик славы в таком раннем возрасте - пока все вокруг (1970 е) старались придать искусству невообразимую форму, в которую можно было бы заключить метафору, Баския делал лаконично, просто. В лоб. Да, иногда это тоже работает!
Баския умел говорить, умел выражаться. Начал с школьного объединения «SAMO» внутри которого ребята оставляли граффити под сему городу и высказывались о собственных разочарованиях, создавали поэтические и сатирические псевдорекламные слоганы, комментировали то, что считали смешным и то, чем были недовольны.
Джаз, протест, вечеринки, наркотики, разносторонность, идея, злость - все позволяло Жан Мишелю упорно двигаться вперед за деньгами в искусстве. В пиковые моменты его работы не успевали обсохнуть, когда их уже хотели купить (и покупали!)
Я думаю, что его творчество очень простое и чувственное. Да, это не шедевры реализма или форм, а мы тут об этом и не говорим, но эмоции! Эмоции видно сразу. Вся злость и боль вымещена в работах, а у нас, у большинства людей, есть сложности с прямым выражением «негативных» эмоций. И тут на помощь приходит Баския со своими яркими, контрастными линиями и цветами. И становится и легче, и яснее и приятнее. И знаете, работы неоклассического формата, но они действительно красивые, на них приятно смотреть. Это меня особенно поражает, как можно изобразить вакханалию цвета в простоте формы так красиво.
Приложением к этому посту работа Баския, которая стоит у нас дома - динозавр с короной. Стоит на кухонном столе (потому что другого места пока что нет) и я очень ее люблю. Интерпретировать можно как угодно, но вот мне просто она любится!
Судя по участникам (их вообще можно так называть?) знаменитого клуба «27» достаточно 27 лет.
Жан Мишель Баския - художник в мире неоэкспрессионизма, через свое творчество критиковал колониализм и поддерживал борьбу с классовым неравенством. Про него конечно нужно писать огромную отдельную статью, потому что на первый взгляд мазня сумасшедшего притягивает к себе, в ней чувствуется характер и голос.
Его фишка, благодаря которой Баския взлетел на пик славы в таком раннем возрасте - пока все вокруг (1970 е) старались придать искусству невообразимую форму, в которую можно было бы заключить метафору, Баския делал лаконично, просто. В лоб. Да, иногда это тоже работает!
Баския умел говорить, умел выражаться. Начал с школьного объединения «SAMO» внутри которого ребята оставляли граффити под сему городу и высказывались о собственных разочарованиях, создавали поэтические и сатирические псевдорекламные слоганы, комментировали то, что считали смешным и то, чем были недовольны.
Джаз, протест, вечеринки, наркотики, разносторонность, идея, злость - все позволяло Жан Мишелю упорно двигаться вперед за деньгами в искусстве. В пиковые моменты его работы не успевали обсохнуть, когда их уже хотели купить (и покупали!)
Я думаю, что его творчество очень простое и чувственное. Да, это не шедевры реализма или форм, а мы тут об этом и не говорим, но эмоции! Эмоции видно сразу. Вся злость и боль вымещена в работах, а у нас, у большинства людей, есть сложности с прямым выражением «негативных» эмоций. И тут на помощь приходит Баския со своими яркими, контрастными линиями и цветами. И становится и легче, и яснее и приятнее. И знаете, работы неоклассического формата, но они действительно красивые, на них приятно смотреть. Это меня особенно поражает, как можно изобразить вакханалию цвета в простоте формы так красиво.
Приложением к этому посту работа Баския, которая стоит у нас дома - динозавр с короной. Стоит на кухонном столе (потому что другого места пока что нет) и я очень ее люблю. Интерпретировать можно как угодно, но вот мне просто она любится!
❤6👍1🔥1
Так как мы тут с искусством взаимодействуем (пока) на любительском уровне, вот классные факты о громком ЧЕРНОМ КВАДРАТЕ
1/ Произведение увидело свет за два года до революции, аж в 1915 году. Это 109 лет назад!
2/ Действительно черный квадрат на выставке висел в углу, где в домах стоят иконы. Такой маркетинговый ход с намеком на сакральный смысл
3/ В одном из версий черного квадрата, когда тот начал трескаться, Малевич подписал «битва негров ночью». Такая вот ха-ха
Теперь от фактов к идеям:
По сути своей черный квадрат - это пространство ничто и нечто одновременно. Это пустота, которую хочется заполнить? Или весь мир, сжатый до квадрата? Это - ноль, точка, где нет ничего. Черный квадрат, это не просто произведение искусства, это - идея.
И конечно Малевич шокировал всех тем, что отошел от воспроизведения реальности (хоть и искаженной, как у Пикассо) и использовал только форму. Такого не было, на такую наглость не решались.
Важно учитывать исторический контекст, сейчас монохромом формы никого не удивить и говорить «что в нем такого» в 2024 году даже как то стыдно, потому что в 21 веке - действительно ничего, в отличие от 20 века. Картина пустого смысла, чистых ощущений, черная пустыня.
Еще черному квадрату приписывают очень символическую и метафорическую роль в истории: со временем произведение начало трескаться, а его грани не параллельны и неровны. И мол это отражение устоев 20века, которые в итоге оказались треснутыми, сплюснутыми до пустоты и превратились в «ничто».
Мне нравится черный квадрат своим историческим багажом и эффектом, который спустя лет вызывает вопрос «Да разве это искусство?»
Аплодисменты!
1/ Произведение увидело свет за два года до революции, аж в 1915 году. Это 109 лет назад!
2/ Действительно черный квадрат на выставке висел в углу, где в домах стоят иконы. Такой маркетинговый ход с намеком на сакральный смысл
3/ В одном из версий черного квадрата, когда тот начал трескаться, Малевич подписал «битва негров ночью». Такая вот ха-ха
Теперь от фактов к идеям:
По сути своей черный квадрат - это пространство ничто и нечто одновременно. Это пустота, которую хочется заполнить? Или весь мир, сжатый до квадрата? Это - ноль, точка, где нет ничего. Черный квадрат, это не просто произведение искусства, это - идея.
И конечно Малевич шокировал всех тем, что отошел от воспроизведения реальности (хоть и искаженной, как у Пикассо) и использовал только форму. Такого не было, на такую наглость не решались.
Важно учитывать исторический контекст, сейчас монохромом формы никого не удивить и говорить «что в нем такого» в 2024 году даже как то стыдно, потому что в 21 веке - действительно ничего, в отличие от 20 века. Картина пустого смысла, чистых ощущений, черная пустыня.
Еще черному квадрату приписывают очень символическую и метафорическую роль в истории: со временем произведение начало трескаться, а его грани не параллельны и неровны. И мол это отражение устоев 20века, которые в итоге оказались треснутыми, сплюснутыми до пустоты и превратились в «ничто».
Мне нравится черный квадрат своим историческим багажом и эффектом, который спустя лет вызывает вопрос «Да разве это искусство?»
Аплодисменты!
🔥6👍3❤2
Фонтан, автор Марсель Дюшан - самый известный реди-мейд (так творец назвал вещь не созданную художником, а выбранную им для того, чтобы стать произведением искусства)
Да, это писсуар. И снова мы встречаем наглость и простоту в творении художника - это не эстетическое искусство, а искусство переосмысления. Да, вы тоже можете приклеить носок к стенке и назвать это искусством. Главное, чтобы вы понимали, зачем вы это делаете.
Интересно, что художник выбрал именно этот предмет, потому что у писсуара очень мало шансов кому то понравится. Чтобы понять «Фонтан» нужно отыскать внутри первые чувства: отвращение и недоумение, после спуститься глубже и попробовать изменить свое восприятие предмета, перестать наделять его смыслом с неприятным запахом. Это больше интеллектуальное восприятие.
Я считаю что фонтан не несет в себе факта «прочувствовать и рассматривать», он скорее был создан для того, чтобы показать, что искусство может быть любым - а люди дальше наполнят его своими ассоциациями и ощущениями. После появления реди-мейда у искусства появилась возможность существовать только с опорой на идею, без эстетической, исторической, эмоциональной подоплеки.
Ну и конечно, фонтан - это нечто иное, как протест. Он кричит «Посмотрите, как я могу!» (как известно, автор жутко завидовал братьям художникам и тк хорошо рисовать не умел). Видите, Марсель Дюшан выставил писсуар и мы с вами тут о нем читаем, а что мешает вам начать делать то, что по настоящему хочется?
Да, это писсуар. И снова мы встречаем наглость и простоту в творении художника - это не эстетическое искусство, а искусство переосмысления. Да, вы тоже можете приклеить носок к стенке и назвать это искусством. Главное, чтобы вы понимали, зачем вы это делаете.
Интересно, что художник выбрал именно этот предмет, потому что у писсуара очень мало шансов кому то понравится. Чтобы понять «Фонтан» нужно отыскать внутри первые чувства: отвращение и недоумение, после спуститься глубже и попробовать изменить свое восприятие предмета, перестать наделять его смыслом с неприятным запахом. Это больше интеллектуальное восприятие.
Я считаю что фонтан не несет в себе факта «прочувствовать и рассматривать», он скорее был создан для того, чтобы показать, что искусство может быть любым - а люди дальше наполнят его своими ассоциациями и ощущениями. После появления реди-мейда у искусства появилась возможность существовать только с опорой на идею, без эстетической, исторической, эмоциональной подоплеки.
Ну и конечно, фонтан - это нечто иное, как протест. Он кричит «Посмотрите, как я могу!» (как известно, автор жутко завидовал братьям художникам и тк хорошо рисовать не умел). Видите, Марсель Дюшан выставил писсуар и мы с вами тут о нем читаем, а что мешает вам начать делать то, что по настоящему хочется?
🔥5👍3🤣1
Одержимый париками, гений поп-арта и человек, который выжил после трех прямых выстрелов - Энди Уорхол!
Недавно слушала подкаст о нем и сегодня захотелось поделиться краткой сводкой об одной из его самых популярных работ: банки супа Кэмпбелл.
Энди не делал дизайн и не рекламировал томатный суп Кэмпбелл. Точнее, мы не знаем о рекламной кампании наверняка, никаких подробностей о сотрудничестве художника и компании неизвестно.
Как появились банки? В момент творческого кризиса его подруга-знакомая сказала: «Эй, а нарисуй то, что ты видишь, то что вокруг тебя». Он и нарисовал банку супа. А потом сделал еще 31 таких же банок, где единственное отличие - вкусы супа.
Он описывал, что банки супа Кэмпбелл объединяют слои общества: они знакомы и бедным, и богатым. (Думаю, что это как наш доширак)) и такой работой он как бы заложил смысл объединения а еще взял и переосмыслил привычный предмет в контексте поп-арта. С такой же идеей у него есть работа с банками кока-колы.
Естессна не обошлось без критиков, которые утверждали, что такой подход «слишком простой» для искусства. Но мы же все с вами иногда устаем от великих дум и почему не посмотреть на что-то простое и понятное. Без сакрального смысла и отсылок, просто суп, который вы знаете с детства.
По сути, если вы прочитаете прошлый пост про писсуар - банки супа Кэмпбелл это продолжение идеи реди-мейда, когда художник не создает произведение искусства, а наделяет предмет смыслом для того, чтобы он стал искусством.
Вот так! Так что рисуйте доширак и говорите, что это продолжение идеи Энди Уорхола.
Недавно слушала подкаст о нем и сегодня захотелось поделиться краткой сводкой об одной из его самых популярных работ: банки супа Кэмпбелл.
Энди не делал дизайн и не рекламировал томатный суп Кэмпбелл. Точнее, мы не знаем о рекламной кампании наверняка, никаких подробностей о сотрудничестве художника и компании неизвестно.
Как появились банки? В момент творческого кризиса его подруга-знакомая сказала: «Эй, а нарисуй то, что ты видишь, то что вокруг тебя». Он и нарисовал банку супа. А потом сделал еще 31 таких же банок, где единственное отличие - вкусы супа.
Он описывал, что банки супа Кэмпбелл объединяют слои общества: они знакомы и бедным, и богатым. (Думаю, что это как наш доширак)) и такой работой он как бы заложил смысл объединения а еще взял и переосмыслил привычный предмет в контексте поп-арта. С такой же идеей у него есть работа с банками кока-колы.
Естессна не обошлось без критиков, которые утверждали, что такой подход «слишком простой» для искусства. Но мы же все с вами иногда устаем от великих дум и почему не посмотреть на что-то простое и понятное. Без сакрального смысла и отсылок, просто суп, который вы знаете с детства.
По сути, если вы прочитаете прошлый пост про писсуар - банки супа Кэмпбелл это продолжение идеи реди-мейда, когда художник не создает произведение искусства, а наделяет предмет смыслом для того, чтобы он стал искусством.
Вот так! Так что рисуйте доширак и говорите, что это продолжение идеи Энди Уорхола.
❤7👍2🔥1
Если честно, совсем не получается писать в этот канал коротко. Буду стараться сокращать поток мыслей, чтобы читать было удобно! ✨
Марк Ротко - художник простоты и цвета.
Снова о критиках: что во время его творения (1950-1970), что сейчас, многие говорят: «ну уж это точно не искусство, что это, просто линии и никакого смысла».
Но искусством произведения Ротко можно воспринимать как минимум из за их эстетической части: оттенки цветов невероятно богатые, насыщенные, идеально сочетающиеся друг с другом. Полотна притягивают взгляд, расслабляют его, относят нас к своим мыслям и ощущениям.
Про мысли и ощущения: несмотря на исследование и поиск скрытых смыслов в произведениях фанатов и искусствоведов, сам художник проповедовал только эмоциональную связь человека с искусством. Только путь зрителя, пока он погружается в цвета и формы. Что происходит в его голове? Как это задевает его сердце? Что он слышит?
И это правда, меня его картины оказывают сильное эмоциональное воздействие, хотя «на них ничего нет». Но на самом деле в них все: вы, отражение вас, ваших чувств.
Интересно, что Ротко обижался, когда его произведения воспринимались как интерьерные (даже разругался с семьей Кеннеди), но сам очень требовательно относился к окружающему пространству на выставках для картин. И вообще мечтал готовить полотна под помещения.
А это разве не интерьерные решения?😄
Как вам Ротко? Что думаете по поводу такого «ничего лишнего» искусства?
Снова о критиках: что во время его творения (1950-1970), что сейчас, многие говорят: «ну уж это точно не искусство, что это, просто линии и никакого смысла».
Но искусством произведения Ротко можно воспринимать как минимум из за их эстетической части: оттенки цветов невероятно богатые, насыщенные, идеально сочетающиеся друг с другом. Полотна притягивают взгляд, расслабляют его, относят нас к своим мыслям и ощущениям.
Про мысли и ощущения: несмотря на исследование и поиск скрытых смыслов в произведениях фанатов и искусствоведов, сам художник проповедовал только эмоциональную связь человека с искусством. Только путь зрителя, пока он погружается в цвета и формы. Что происходит в его голове? Как это задевает его сердце? Что он слышит?
И это правда, меня его картины оказывают сильное эмоциональное воздействие, хотя «на них ничего нет». Но на самом деле в них все: вы, отражение вас, ваших чувств.
Интересно, что Ротко обижался, когда его произведения воспринимались как интерьерные (даже разругался с семьей Кеннеди), но сам очень требовательно относился к окружающему пространству на выставках для картин. И вообще мечтал готовить полотна под помещения.
А это разве не интерьерные решения?😄
Как вам Ротко? Что думаете по поводу такого «ничего лишнего» искусства?
🔥4❤3👍1
Мало кто знает, но Пикассо творил не только в живописи, но и в пространстве света.
Мне очень нравится эта серия работ, которая так и называется «световые рисунки Пикассо». В чем суть: к Пикассо в гости приехал один из популярных новаторов Гьен Мили и предложил маэстро сделать кое что интересное. На длиной выдержке он снимал, как Пикассо в воздухе создает произведения искусства.
Здесь конечно снова не классический формат «картин», а совокупность условий, позволяющих нам вдохновиться и как-то по-детски обрадоваться получившимся изображениям. Техника, характер, мастерства руки. Для 1949 года это было, конечно, ну что-то с чем то. Да и сейчас, вам как кажется? Есть в этих работах что-то особенное: художник творит, это запечатлено на камеру и вот творец и творение - неотъемлемые части одной работы визуально. Завораживает!
А еще ничего не напоминает вам? Например, мультфильм «Душа» дисней и пиксар 2020 года. При создании «Джерри» (сотрудников? Центра распределения душ) создатели вдохновлялись именно этой серией работ⭐️
Мне очень нравится эта серия работ, которая так и называется «световые рисунки Пикассо». В чем суть: к Пикассо в гости приехал один из популярных новаторов Гьен Мили и предложил маэстро сделать кое что интересное. На длиной выдержке он снимал, как Пикассо в воздухе создает произведения искусства.
Здесь конечно снова не классический формат «картин», а совокупность условий, позволяющих нам вдохновиться и как-то по-детски обрадоваться получившимся изображениям. Техника, характер, мастерства руки. Для 1949 года это было, конечно, ну что-то с чем то. Да и сейчас, вам как кажется? Есть в этих работах что-то особенное: художник творит, это запечатлено на камеру и вот творец и творение - неотъемлемые части одной работы визуально. Завораживает!
А еще ничего не напоминает вам? Например, мультфильм «Душа» дисней и пиксар 2020 года. При создании «Джерри» (сотрудников? Центра распределения душ) создатели вдохновлялись именно этой серией работ⭐️
🔥4❤3👍2
Сегодня расскажу об одной картине, с которой, как мне кажется, начался мой интерес к искусству идеи.
Рене Магритт «Трубка». Просто трубка. Весь прикол в надписи на картине - это не трубка. Суть в чем? В том, что это действительно не курительная трубка, а ее изображение. Такая игра смыслов, обман зрителя в восприятии. Мне здесь видится отношение к искусству: что то, что изображено не является правдой, а лишь интерпретацией автора.
💡 Как то в универе у нас был творческий проект, не помню уже на какую тему, но я так вдохновилась Магриттом и его восприятием мира, что сделала огромную надпись (буквы были больше метра в высоту) на поле на даче у бабушки «ЭТО НЕ ЛЮБОВЬ». Так я хотела показать, что эта инсталляция не любовь - это просто надпись. А любовь - это нечто большее. До сих пор в шоке, как мой 19 летний мозг до этого додумался: ну я была очень романтичной натурой!
Как будет время, обязательно познакомьтесь с Рене Магриттом, у него много достойных работ. Как нибудь сделаю пост о его подходе к творчеству. А пока, это не пост об искусстве, это искусство в посте! 😉
Рене Магритт «Трубка». Просто трубка. Весь прикол в надписи на картине - это не трубка. Суть в чем? В том, что это действительно не курительная трубка, а ее изображение. Такая игра смыслов, обман зрителя в восприятии. Мне здесь видится отношение к искусству: что то, что изображено не является правдой, а лишь интерпретацией автора.
💡 Как то в универе у нас был творческий проект, не помню уже на какую тему, но я так вдохновилась Магриттом и его восприятием мира, что сделала огромную надпись (буквы были больше метра в высоту) на поле на даче у бабушки «ЭТО НЕ ЛЮБОВЬ». Так я хотела показать, что эта инсталляция не любовь - это просто надпись. А любовь - это нечто большее. До сих пор в шоке, как мой 19 летний мозг до этого додумался: ну я была очень романтичной натурой!
Как будет время, обязательно познакомьтесь с Рене Магриттом, у него много достойных работ. Как нибудь сделаю пост о его подходе к творчеству. А пока, это не пост об искусстве, это искусство в посте! 😉
❤7🔥2🥰1
Искусство не ограничивается формой багетной рамки, оно вокруг нас - и в особенности в архитектуре.
В ОАЭ архитектор Норман Фостер (достопримечательность в Лондоне, такое здание небоскреб-яйцо, его головы и рук дело) строит сейчас музей шейха Заеда.
Я видела здание лично и это конечно масштаб и воздух. Интересно, что весь «пятачок» вокруг Лувра в Абу-Даби через несколько лет будет сплошной архитектурой галереей.
Музей шейха Заеда видом напоминает крылья сокола, а это символ Арабских Эмиратов. Сила, движение вверх, запоминается. Мне кажется это здание - чистое отражение безупречного вкуса и мании ко всему самому большому у Эмиратов. Пока что этот музей один из самых красивых для меня!
*еще Норман Фостер проектировал отель MRIYA в Крыму. Я его тоже видела, огромный, дорогущий, роскошный. Смотрится великолепно, особенно вид сверху*
В ОАЭ архитектор Норман Фостер (достопримечательность в Лондоне, такое здание небоскреб-яйцо, его головы и рук дело) строит сейчас музей шейха Заеда.
Я видела здание лично и это конечно масштаб и воздух. Интересно, что весь «пятачок» вокруг Лувра в Абу-Даби через несколько лет будет сплошной архитектурой галереей.
Музей шейха Заеда видом напоминает крылья сокола, а это символ Арабских Эмиратов. Сила, движение вверх, запоминается. Мне кажется это здание - чистое отражение безупречного вкуса и мании ко всему самому большому у Эмиратов. Пока что этот музей один из самых красивых для меня!
*еще Норман Фостер проектировал отель MRIYA в Крыму. Я его тоже видела, огромный, дорогущий, роскошный. Смотрится великолепно, особенно вид сверху*
❤4🔥4👍2
В эту субботу я подготовила кое что не стандартное для этого канала: «Нью-Йоркский кинотеатр», Дэвид Хоппер
Здесь нет ничего абстрактного, никакой дополнительной философии, художник не предлагает разделить или дополнить зрителю смыслом произведение.
Для нашего восприятия, Нью Йоркский кинотеатр уже реализм. Картины Хоппера отличаются своей кинематографичностью, граничащей с повседневностью. Кино здесь в постановке кадра, в световом расположении, в том, что главный герой для нас не кинотеатр, а биллитерша и ее фигура. А повседневность в очень привычном мире, мы все ходим в кино, знаем эту атмосферу и через произведение «чувствуем» аромат походов в кинотеатры.
Обращаясь к истории: картина 30-х годов, когда во время великой депрессии Американцы постоянно ходили в кино. Проживали стресс! Посещаемость кинотеатров была 95 миллионов в неделю при общей численности населения страны в 125 миллионов.
Меня здесь захватывают цвета и «приглашение» автора произведения присоединиться к этому миру, но оставаться зрителем. Мы сейчас - зрители картины и мы же - зритель кинотеатра. Такая матрешка, картинка в картине.
И конечно в духе школьных сочинений хочется узнать, что же за жизнь у биллитерши, о чем она думает? Что выражает ее поза? Я такими вещами заниматься не люблю, ведь у биллитерши своя жизнь и что копаться у нее в голове, но грань реальности и иллюзорного мира кино здесь очень нравится!
А как вам, что видите и думаете?✏️
Здесь нет ничего абстрактного, никакой дополнительной философии, художник не предлагает разделить или дополнить зрителю смыслом произведение.
Для нашего восприятия, Нью Йоркский кинотеатр уже реализм. Картины Хоппера отличаются своей кинематографичностью, граничащей с повседневностью. Кино здесь в постановке кадра, в световом расположении, в том, что главный герой для нас не кинотеатр, а биллитерша и ее фигура. А повседневность в очень привычном мире, мы все ходим в кино, знаем эту атмосферу и через произведение «чувствуем» аромат походов в кинотеатры.
Обращаясь к истории: картина 30-х годов, когда во время великой депрессии Американцы постоянно ходили в кино. Проживали стресс! Посещаемость кинотеатров была 95 миллионов в неделю при общей численности населения страны в 125 миллионов.
Меня здесь захватывают цвета и «приглашение» автора произведения присоединиться к этому миру, но оставаться зрителем. Мы сейчас - зрители картины и мы же - зритель кинотеатра. Такая матрешка, картинка в картине.
И конечно в духе школьных сочинений хочется узнать, что же за жизнь у биллитерши, о чем она думает? Что выражает ее поза? Я такими вещами заниматься не люблю, ведь у биллитерши своя жизнь и что копаться у нее в голове, но грань реальности и иллюзорного мира кино здесь очень нравится!
А как вам, что видите и думаете?✏️
❤8👏3👍2
Почему то про современных художников любят писать в интернете, о каждом из них, как о самом «высокооплачиваемом». Так в итоге какой самый?
🔍 Сегодня у нас в меню Маурицио Каттелан и его самая популярная работа «Comedian». Чтобы понять инсталляцию, нужно понять Маурицио.
Человек экспрессии Италии видел в искусстве вызов, протест, насмешку, желание «выпятить грудь» и сказать «о как могу!». И это тоже имеет место быть, потому что как мы знаем искусство открывает двери смелым идеям. Так вот Маурицио любил пощекотать нервы публике, и работа с банном это скорее уже пик его карьеры, чем ее начало.
Я предлагаю воспринимать эту инсталляцию как перформанс: сколько вы готовы заплатить за банан? Здесь можно было бы увидеть молодость, старение, увядание. Живость органического мира и бездушие капитализма, где банан - все живое, а скотч - корпорации, засорявшие планету. Можно было бы. Но тут такого нет.
💡 Всего было три работы, одну из которых приобрел коллекционер за 120 тысяч долларов и…съел банан! С довольной ухмылкой владелец работы, которой больше не существовало, назвал свое действо «голодный художник» - и вот это уже стоит того! Перформанс внутри перформанса, настоящая комедия развернулась перед нами после покупки, а не в самом банане.
Но такие инсталляции тоже есть! Определенно, временные, пока бананы не сгниют. Посмотрите работы Маурицио для насмотренности и пишите сюда, очень интересно, как вам творчество экспрессивного итальянца? 🍌
🔍 Сегодня у нас в меню Маурицио Каттелан и его самая популярная работа «Comedian». Чтобы понять инсталляцию, нужно понять Маурицио.
Человек экспрессии Италии видел в искусстве вызов, протест, насмешку, желание «выпятить грудь» и сказать «о как могу!». И это тоже имеет место быть, потому что как мы знаем искусство открывает двери смелым идеям. Так вот Маурицио любил пощекотать нервы публике, и работа с банном это скорее уже пик его карьеры, чем ее начало.
Я предлагаю воспринимать эту инсталляцию как перформанс: сколько вы готовы заплатить за банан? Здесь можно было бы увидеть молодость, старение, увядание. Живость органического мира и бездушие капитализма, где банан - все живое, а скотч - корпорации, засорявшие планету. Можно было бы. Но тут такого нет.
💡 Всего было три работы, одну из которых приобрел коллекционер за 120 тысяч долларов и…съел банан! С довольной ухмылкой владелец работы, которой больше не существовало, назвал свое действо «голодный художник» - и вот это уже стоит того! Перформанс внутри перформанса, настоящая комедия развернулась перед нами после покупки, а не в самом банане.
Но такие инсталляции тоже есть! Определенно, временные, пока бананы не сгниют. Посмотрите работы Маурицио для насмотренности и пишите сюда, очень интересно, как вам творчество экспрессивного итальянца? 🍌
❤7👍3🔥3