Сколько лет нужно прожить, чтобы попасть в историю?
Судя по участникам (их вообще можно так называть?) знаменитого клуба «27» достаточно 27 лет.
Жан Мишель Баския - художник в мире неоэкспрессионизма, через свое творчество критиковал колониализм и поддерживал борьбу с классовым неравенством. Про него конечно нужно писать огромную отдельную статью, потому что на первый взгляд мазня сумасшедшего притягивает к себе, в ней чувствуется характер и голос.
Его фишка, благодаря которой Баския взлетел на пик славы в таком раннем возрасте - пока все вокруг (1970 е) старались придать искусству невообразимую форму, в которую можно было бы заключить метафору, Баския делал лаконично, просто. В лоб. Да, иногда это тоже работает!
Баския умел говорить, умел выражаться. Начал с школьного объединения «SAMO» внутри которого ребята оставляли граффити под сему городу и высказывались о собственных разочарованиях, создавали поэтические и сатирические псевдорекламные слоганы, комментировали то, что считали смешным и то, чем были недовольны.
Джаз, протест, вечеринки, наркотики, разносторонность, идея, злость - все позволяло Жан Мишелю упорно двигаться вперед за деньгами в искусстве. В пиковые моменты его работы не успевали обсохнуть, когда их уже хотели купить (и покупали!)
Я думаю, что его творчество очень простое и чувственное. Да, это не шедевры реализма или форм, а мы тут об этом и не говорим, но эмоции! Эмоции видно сразу. Вся злость и боль вымещена в работах, а у нас, у большинства людей, есть сложности с прямым выражением «негативных» эмоций. И тут на помощь приходит Баския со своими яркими, контрастными линиями и цветами. И становится и легче, и яснее и приятнее. И знаете, работы неоклассического формата, но они действительно красивые, на них приятно смотреть. Это меня особенно поражает, как можно изобразить вакханалию цвета в простоте формы так красиво.
Приложением к этому посту работа Баския, которая стоит у нас дома - динозавр с короной. Стоит на кухонном столе (потому что другого места пока что нет) и я очень ее люблю. Интерпретировать можно как угодно, но вот мне просто она любится!
Судя по участникам (их вообще можно так называть?) знаменитого клуба «27» достаточно 27 лет.
Жан Мишель Баския - художник в мире неоэкспрессионизма, через свое творчество критиковал колониализм и поддерживал борьбу с классовым неравенством. Про него конечно нужно писать огромную отдельную статью, потому что на первый взгляд мазня сумасшедшего притягивает к себе, в ней чувствуется характер и голос.
Его фишка, благодаря которой Баския взлетел на пик славы в таком раннем возрасте - пока все вокруг (1970 е) старались придать искусству невообразимую форму, в которую можно было бы заключить метафору, Баския делал лаконично, просто. В лоб. Да, иногда это тоже работает!
Баския умел говорить, умел выражаться. Начал с школьного объединения «SAMO» внутри которого ребята оставляли граффити под сему городу и высказывались о собственных разочарованиях, создавали поэтические и сатирические псевдорекламные слоганы, комментировали то, что считали смешным и то, чем были недовольны.
Джаз, протест, вечеринки, наркотики, разносторонность, идея, злость - все позволяло Жан Мишелю упорно двигаться вперед за деньгами в искусстве. В пиковые моменты его работы не успевали обсохнуть, когда их уже хотели купить (и покупали!)
Я думаю, что его творчество очень простое и чувственное. Да, это не шедевры реализма или форм, а мы тут об этом и не говорим, но эмоции! Эмоции видно сразу. Вся злость и боль вымещена в работах, а у нас, у большинства людей, есть сложности с прямым выражением «негативных» эмоций. И тут на помощь приходит Баския со своими яркими, контрастными линиями и цветами. И становится и легче, и яснее и приятнее. И знаете, работы неоклассического формата, но они действительно красивые, на них приятно смотреть. Это меня особенно поражает, как можно изобразить вакханалию цвета в простоте формы так красиво.
Приложением к этому посту работа Баския, которая стоит у нас дома - динозавр с короной. Стоит на кухонном столе (потому что другого места пока что нет) и я очень ее люблю. Интерпретировать можно как угодно, но вот мне просто она любится!
❤6👍1🔥1
Так как мы тут с искусством взаимодействуем (пока) на любительском уровне, вот классные факты о громком ЧЕРНОМ КВАДРАТЕ
1/ Произведение увидело свет за два года до революции, аж в 1915 году. Это 109 лет назад!
2/ Действительно черный квадрат на выставке висел в углу, где в домах стоят иконы. Такой маркетинговый ход с намеком на сакральный смысл
3/ В одном из версий черного квадрата, когда тот начал трескаться, Малевич подписал «битва негров ночью». Такая вот ха-ха
Теперь от фактов к идеям:
По сути своей черный квадрат - это пространство ничто и нечто одновременно. Это пустота, которую хочется заполнить? Или весь мир, сжатый до квадрата? Это - ноль, точка, где нет ничего. Черный квадрат, это не просто произведение искусства, это - идея.
И конечно Малевич шокировал всех тем, что отошел от воспроизведения реальности (хоть и искаженной, как у Пикассо) и использовал только форму. Такого не было, на такую наглость не решались.
Важно учитывать исторический контекст, сейчас монохромом формы никого не удивить и говорить «что в нем такого» в 2024 году даже как то стыдно, потому что в 21 веке - действительно ничего, в отличие от 20 века. Картина пустого смысла, чистых ощущений, черная пустыня.
Еще черному квадрату приписывают очень символическую и метафорическую роль в истории: со временем произведение начало трескаться, а его грани не параллельны и неровны. И мол это отражение устоев 20века, которые в итоге оказались треснутыми, сплюснутыми до пустоты и превратились в «ничто».
Мне нравится черный квадрат своим историческим багажом и эффектом, который спустя лет вызывает вопрос «Да разве это искусство?»
Аплодисменты!
1/ Произведение увидело свет за два года до революции, аж в 1915 году. Это 109 лет назад!
2/ Действительно черный квадрат на выставке висел в углу, где в домах стоят иконы. Такой маркетинговый ход с намеком на сакральный смысл
3/ В одном из версий черного квадрата, когда тот начал трескаться, Малевич подписал «битва негров ночью». Такая вот ха-ха
Теперь от фактов к идеям:
По сути своей черный квадрат - это пространство ничто и нечто одновременно. Это пустота, которую хочется заполнить? Или весь мир, сжатый до квадрата? Это - ноль, точка, где нет ничего. Черный квадрат, это не просто произведение искусства, это - идея.
И конечно Малевич шокировал всех тем, что отошел от воспроизведения реальности (хоть и искаженной, как у Пикассо) и использовал только форму. Такого не было, на такую наглость не решались.
Важно учитывать исторический контекст, сейчас монохромом формы никого не удивить и говорить «что в нем такого» в 2024 году даже как то стыдно, потому что в 21 веке - действительно ничего, в отличие от 20 века. Картина пустого смысла, чистых ощущений, черная пустыня.
Еще черному квадрату приписывают очень символическую и метафорическую роль в истории: со временем произведение начало трескаться, а его грани не параллельны и неровны. И мол это отражение устоев 20века, которые в итоге оказались треснутыми, сплюснутыми до пустоты и превратились в «ничто».
Мне нравится черный квадрат своим историческим багажом и эффектом, который спустя лет вызывает вопрос «Да разве это искусство?»
Аплодисменты!
🔥6👍3❤2
Фонтан, автор Марсель Дюшан - самый известный реди-мейд (так творец назвал вещь не созданную художником, а выбранную им для того, чтобы стать произведением искусства)
Да, это писсуар. И снова мы встречаем наглость и простоту в творении художника - это не эстетическое искусство, а искусство переосмысления. Да, вы тоже можете приклеить носок к стенке и назвать это искусством. Главное, чтобы вы понимали, зачем вы это делаете.
Интересно, что художник выбрал именно этот предмет, потому что у писсуара очень мало шансов кому то понравится. Чтобы понять «Фонтан» нужно отыскать внутри первые чувства: отвращение и недоумение, после спуститься глубже и попробовать изменить свое восприятие предмета, перестать наделять его смыслом с неприятным запахом. Это больше интеллектуальное восприятие.
Я считаю что фонтан не несет в себе факта «прочувствовать и рассматривать», он скорее был создан для того, чтобы показать, что искусство может быть любым - а люди дальше наполнят его своими ассоциациями и ощущениями. После появления реди-мейда у искусства появилась возможность существовать только с опорой на идею, без эстетической, исторической, эмоциональной подоплеки.
Ну и конечно, фонтан - это нечто иное, как протест. Он кричит «Посмотрите, как я могу!» (как известно, автор жутко завидовал братьям художникам и тк хорошо рисовать не умел). Видите, Марсель Дюшан выставил писсуар и мы с вами тут о нем читаем, а что мешает вам начать делать то, что по настоящему хочется?
Да, это писсуар. И снова мы встречаем наглость и простоту в творении художника - это не эстетическое искусство, а искусство переосмысления. Да, вы тоже можете приклеить носок к стенке и назвать это искусством. Главное, чтобы вы понимали, зачем вы это делаете.
Интересно, что художник выбрал именно этот предмет, потому что у писсуара очень мало шансов кому то понравится. Чтобы понять «Фонтан» нужно отыскать внутри первые чувства: отвращение и недоумение, после спуститься глубже и попробовать изменить свое восприятие предмета, перестать наделять его смыслом с неприятным запахом. Это больше интеллектуальное восприятие.
Я считаю что фонтан не несет в себе факта «прочувствовать и рассматривать», он скорее был создан для того, чтобы показать, что искусство может быть любым - а люди дальше наполнят его своими ассоциациями и ощущениями. После появления реди-мейда у искусства появилась возможность существовать только с опорой на идею, без эстетической, исторической, эмоциональной подоплеки.
Ну и конечно, фонтан - это нечто иное, как протест. Он кричит «Посмотрите, как я могу!» (как известно, автор жутко завидовал братьям художникам и тк хорошо рисовать не умел). Видите, Марсель Дюшан выставил писсуар и мы с вами тут о нем читаем, а что мешает вам начать делать то, что по настоящему хочется?
🔥5👍3🤣1
Одержимый париками, гений поп-арта и человек, который выжил после трех прямых выстрелов - Энди Уорхол!
Недавно слушала подкаст о нем и сегодня захотелось поделиться краткой сводкой об одной из его самых популярных работ: банки супа Кэмпбелл.
Энди не делал дизайн и не рекламировал томатный суп Кэмпбелл. Точнее, мы не знаем о рекламной кампании наверняка, никаких подробностей о сотрудничестве художника и компании неизвестно.
Как появились банки? В момент творческого кризиса его подруга-знакомая сказала: «Эй, а нарисуй то, что ты видишь, то что вокруг тебя». Он и нарисовал банку супа. А потом сделал еще 31 таких же банок, где единственное отличие - вкусы супа.
Он описывал, что банки супа Кэмпбелл объединяют слои общества: они знакомы и бедным, и богатым. (Думаю, что это как наш доширак)) и такой работой он как бы заложил смысл объединения а еще взял и переосмыслил привычный предмет в контексте поп-арта. С такой же идеей у него есть работа с банками кока-колы.
Естессна не обошлось без критиков, которые утверждали, что такой подход «слишком простой» для искусства. Но мы же все с вами иногда устаем от великих дум и почему не посмотреть на что-то простое и понятное. Без сакрального смысла и отсылок, просто суп, который вы знаете с детства.
По сути, если вы прочитаете прошлый пост про писсуар - банки супа Кэмпбелл это продолжение идеи реди-мейда, когда художник не создает произведение искусства, а наделяет предмет смыслом для того, чтобы он стал искусством.
Вот так! Так что рисуйте доширак и говорите, что это продолжение идеи Энди Уорхола.
Недавно слушала подкаст о нем и сегодня захотелось поделиться краткой сводкой об одной из его самых популярных работ: банки супа Кэмпбелл.
Энди не делал дизайн и не рекламировал томатный суп Кэмпбелл. Точнее, мы не знаем о рекламной кампании наверняка, никаких подробностей о сотрудничестве художника и компании неизвестно.
Как появились банки? В момент творческого кризиса его подруга-знакомая сказала: «Эй, а нарисуй то, что ты видишь, то что вокруг тебя». Он и нарисовал банку супа. А потом сделал еще 31 таких же банок, где единственное отличие - вкусы супа.
Он описывал, что банки супа Кэмпбелл объединяют слои общества: они знакомы и бедным, и богатым. (Думаю, что это как наш доширак)) и такой работой он как бы заложил смысл объединения а еще взял и переосмыслил привычный предмет в контексте поп-арта. С такой же идеей у него есть работа с банками кока-колы.
Естессна не обошлось без критиков, которые утверждали, что такой подход «слишком простой» для искусства. Но мы же все с вами иногда устаем от великих дум и почему не посмотреть на что-то простое и понятное. Без сакрального смысла и отсылок, просто суп, который вы знаете с детства.
По сути, если вы прочитаете прошлый пост про писсуар - банки супа Кэмпбелл это продолжение идеи реди-мейда, когда художник не создает произведение искусства, а наделяет предмет смыслом для того, чтобы он стал искусством.
Вот так! Так что рисуйте доширак и говорите, что это продолжение идеи Энди Уорхола.
❤7👍2🔥1
Если честно, совсем не получается писать в этот канал коротко. Буду стараться сокращать поток мыслей, чтобы читать было удобно! ✨
Марк Ротко - художник простоты и цвета.
Снова о критиках: что во время его творения (1950-1970), что сейчас, многие говорят: «ну уж это точно не искусство, что это, просто линии и никакого смысла».
Но искусством произведения Ротко можно воспринимать как минимум из за их эстетической части: оттенки цветов невероятно богатые, насыщенные, идеально сочетающиеся друг с другом. Полотна притягивают взгляд, расслабляют его, относят нас к своим мыслям и ощущениям.
Про мысли и ощущения: несмотря на исследование и поиск скрытых смыслов в произведениях фанатов и искусствоведов, сам художник проповедовал только эмоциональную связь человека с искусством. Только путь зрителя, пока он погружается в цвета и формы. Что происходит в его голове? Как это задевает его сердце? Что он слышит?
И это правда, меня его картины оказывают сильное эмоциональное воздействие, хотя «на них ничего нет». Но на самом деле в них все: вы, отражение вас, ваших чувств.
Интересно, что Ротко обижался, когда его произведения воспринимались как интерьерные (даже разругался с семьей Кеннеди), но сам очень требовательно относился к окружающему пространству на выставках для картин. И вообще мечтал готовить полотна под помещения.
А это разве не интерьерные решения?😄
Как вам Ротко? Что думаете по поводу такого «ничего лишнего» искусства?
Снова о критиках: что во время его творения (1950-1970), что сейчас, многие говорят: «ну уж это точно не искусство, что это, просто линии и никакого смысла».
Но искусством произведения Ротко можно воспринимать как минимум из за их эстетической части: оттенки цветов невероятно богатые, насыщенные, идеально сочетающиеся друг с другом. Полотна притягивают взгляд, расслабляют его, относят нас к своим мыслям и ощущениям.
Про мысли и ощущения: несмотря на исследование и поиск скрытых смыслов в произведениях фанатов и искусствоведов, сам художник проповедовал только эмоциональную связь человека с искусством. Только путь зрителя, пока он погружается в цвета и формы. Что происходит в его голове? Как это задевает его сердце? Что он слышит?
И это правда, меня его картины оказывают сильное эмоциональное воздействие, хотя «на них ничего нет». Но на самом деле в них все: вы, отражение вас, ваших чувств.
Интересно, что Ротко обижался, когда его произведения воспринимались как интерьерные (даже разругался с семьей Кеннеди), но сам очень требовательно относился к окружающему пространству на выставках для картин. И вообще мечтал готовить полотна под помещения.
А это разве не интерьерные решения?😄
Как вам Ротко? Что думаете по поводу такого «ничего лишнего» искусства?
🔥4❤3👍1
Мало кто знает, но Пикассо творил не только в живописи, но и в пространстве света.
Мне очень нравится эта серия работ, которая так и называется «световые рисунки Пикассо». В чем суть: к Пикассо в гости приехал один из популярных новаторов Гьен Мили и предложил маэстро сделать кое что интересное. На длиной выдержке он снимал, как Пикассо в воздухе создает произведения искусства.
Здесь конечно снова не классический формат «картин», а совокупность условий, позволяющих нам вдохновиться и как-то по-детски обрадоваться получившимся изображениям. Техника, характер, мастерства руки. Для 1949 года это было, конечно, ну что-то с чем то. Да и сейчас, вам как кажется? Есть в этих работах что-то особенное: художник творит, это запечатлено на камеру и вот творец и творение - неотъемлемые части одной работы визуально. Завораживает!
А еще ничего не напоминает вам? Например, мультфильм «Душа» дисней и пиксар 2020 года. При создании «Джерри» (сотрудников? Центра распределения душ) создатели вдохновлялись именно этой серией работ⭐️
Мне очень нравится эта серия работ, которая так и называется «световые рисунки Пикассо». В чем суть: к Пикассо в гости приехал один из популярных новаторов Гьен Мили и предложил маэстро сделать кое что интересное. На длиной выдержке он снимал, как Пикассо в воздухе создает произведения искусства.
Здесь конечно снова не классический формат «картин», а совокупность условий, позволяющих нам вдохновиться и как-то по-детски обрадоваться получившимся изображениям. Техника, характер, мастерства руки. Для 1949 года это было, конечно, ну что-то с чем то. Да и сейчас, вам как кажется? Есть в этих работах что-то особенное: художник творит, это запечатлено на камеру и вот творец и творение - неотъемлемые части одной работы визуально. Завораживает!
А еще ничего не напоминает вам? Например, мультфильм «Душа» дисней и пиксар 2020 года. При создании «Джерри» (сотрудников? Центра распределения душ) создатели вдохновлялись именно этой серией работ⭐️
🔥4❤3👍2
Сегодня расскажу об одной картине, с которой, как мне кажется, начался мой интерес к искусству идеи.
Рене Магритт «Трубка». Просто трубка. Весь прикол в надписи на картине - это не трубка. Суть в чем? В том, что это действительно не курительная трубка, а ее изображение. Такая игра смыслов, обман зрителя в восприятии. Мне здесь видится отношение к искусству: что то, что изображено не является правдой, а лишь интерпретацией автора.
💡 Как то в универе у нас был творческий проект, не помню уже на какую тему, но я так вдохновилась Магриттом и его восприятием мира, что сделала огромную надпись (буквы были больше метра в высоту) на поле на даче у бабушки «ЭТО НЕ ЛЮБОВЬ». Так я хотела показать, что эта инсталляция не любовь - это просто надпись. А любовь - это нечто большее. До сих пор в шоке, как мой 19 летний мозг до этого додумался: ну я была очень романтичной натурой!
Как будет время, обязательно познакомьтесь с Рене Магриттом, у него много достойных работ. Как нибудь сделаю пост о его подходе к творчеству. А пока, это не пост об искусстве, это искусство в посте! 😉
Рене Магритт «Трубка». Просто трубка. Весь прикол в надписи на картине - это не трубка. Суть в чем? В том, что это действительно не курительная трубка, а ее изображение. Такая игра смыслов, обман зрителя в восприятии. Мне здесь видится отношение к искусству: что то, что изображено не является правдой, а лишь интерпретацией автора.
💡 Как то в универе у нас был творческий проект, не помню уже на какую тему, но я так вдохновилась Магриттом и его восприятием мира, что сделала огромную надпись (буквы были больше метра в высоту) на поле на даче у бабушки «ЭТО НЕ ЛЮБОВЬ». Так я хотела показать, что эта инсталляция не любовь - это просто надпись. А любовь - это нечто большее. До сих пор в шоке, как мой 19 летний мозг до этого додумался: ну я была очень романтичной натурой!
Как будет время, обязательно познакомьтесь с Рене Магриттом, у него много достойных работ. Как нибудь сделаю пост о его подходе к творчеству. А пока, это не пост об искусстве, это искусство в посте! 😉
❤7🔥2🥰1
Искусство не ограничивается формой багетной рамки, оно вокруг нас - и в особенности в архитектуре.
В ОАЭ архитектор Норман Фостер (достопримечательность в Лондоне, такое здание небоскреб-яйцо, его головы и рук дело) строит сейчас музей шейха Заеда.
Я видела здание лично и это конечно масштаб и воздух. Интересно, что весь «пятачок» вокруг Лувра в Абу-Даби через несколько лет будет сплошной архитектурой галереей.
Музей шейха Заеда видом напоминает крылья сокола, а это символ Арабских Эмиратов. Сила, движение вверх, запоминается. Мне кажется это здание - чистое отражение безупречного вкуса и мании ко всему самому большому у Эмиратов. Пока что этот музей один из самых красивых для меня!
*еще Норман Фостер проектировал отель MRIYA в Крыму. Я его тоже видела, огромный, дорогущий, роскошный. Смотрится великолепно, особенно вид сверху*
В ОАЭ архитектор Норман Фостер (достопримечательность в Лондоне, такое здание небоскреб-яйцо, его головы и рук дело) строит сейчас музей шейха Заеда.
Я видела здание лично и это конечно масштаб и воздух. Интересно, что весь «пятачок» вокруг Лувра в Абу-Даби через несколько лет будет сплошной архитектурой галереей.
Музей шейха Заеда видом напоминает крылья сокола, а это символ Арабских Эмиратов. Сила, движение вверх, запоминается. Мне кажется это здание - чистое отражение безупречного вкуса и мании ко всему самому большому у Эмиратов. Пока что этот музей один из самых красивых для меня!
*еще Норман Фостер проектировал отель MRIYA в Крыму. Я его тоже видела, огромный, дорогущий, роскошный. Смотрится великолепно, особенно вид сверху*
❤4🔥4👍2