Джефф Кунс - творец банальностей, как многие его называют. Понятные, совершенно ясные для нас произведения искусства без особого подтекста.
Называть ли его работы искусством? Смотря что вы считаете искусством:)
Одна из его самых популярных и узнаваемых работ: скульптура собачки из надувных шариков из серии работ «Праздник» (1994-2000г зеркальная политура нержавеющей стали с прозрачным цветовым покрытием) была продана за 58,4 млн долларов в 2013 году.
Джефф не скрывает своего материального интереса в искусстве: он просто берет наши эмоции, дает им форму и зарабатывает. В случае с фигуркой собачки из шариков - нам это знакомо и приятно, возникает прямая ассоциация с беззаботным детством. Плюс, учитывая время производства, искусство еще не было настолько упрощённым (хотя конечно уже было, просто мы до сих пор не можем привыкнуть). Так что гигантские собаки по виду невесомые, весом в несколько тонн привлекают внимание. Заметным хочется обладать. Есть гипотеза, что Кунс своим творчеством повлиял на Дэмиена Херста (это его акула в формальдегиде есть выше в постах) в плане соотношения идеи -искусства - материальной реализации.
Если рассматривать биографичную часть, то перед созданием гигантских отполированных атрибутов праздника художник разводится с женой, которая забирает их общего сына и увозит из Нью-Йорка в Рим. Серия работ - тоска Джеффа по сыну и времени с ним. Действительно ли это так, утверждать не могу, но теперь чувствуете, как надувной пес обрел смысл?
*У нас дома есть фигурка надувной собачки, мы заказали ее в формате декора около полугода назад. Но я тогда понятия не имела, что начало такой интерьерной фишки положил Джефф Кунс - для нас было просто «красиво и стильно смотрится». Теперь, если увидите где то такого вот песика, можете смело заявлять: «да это же Джефф Кунс!»
Называть ли его работы искусством? Смотря что вы считаете искусством:)
Одна из его самых популярных и узнаваемых работ: скульптура собачки из надувных шариков из серии работ «Праздник» (1994-2000г зеркальная политура нержавеющей стали с прозрачным цветовым покрытием) была продана за 58,4 млн долларов в 2013 году.
Джефф не скрывает своего материального интереса в искусстве: он просто берет наши эмоции, дает им форму и зарабатывает. В случае с фигуркой собачки из шариков - нам это знакомо и приятно, возникает прямая ассоциация с беззаботным детством. Плюс, учитывая время производства, искусство еще не было настолько упрощённым (хотя конечно уже было, просто мы до сих пор не можем привыкнуть). Так что гигантские собаки по виду невесомые, весом в несколько тонн привлекают внимание. Заметным хочется обладать. Есть гипотеза, что Кунс своим творчеством повлиял на Дэмиена Херста (это его акула в формальдегиде есть выше в постах) в плане соотношения идеи -искусства - материальной реализации.
Если рассматривать биографичную часть, то перед созданием гигантских отполированных атрибутов праздника художник разводится с женой, которая забирает их общего сына и увозит из Нью-Йорка в Рим. Серия работ - тоска Джеффа по сыну и времени с ним. Действительно ли это так, утверждать не могу, но теперь чувствуете, как надувной пес обрел смысл?
*У нас дома есть фигурка надувной собачки, мы заказали ее в формате декора около полугода назад. Но я тогда понятия не имела, что начало такой интерьерной фишки положил Джефф Кунс - для нас было просто «красиво и стильно смотрится». Теперь, если увидите где то такого вот песика, можете смело заявлять: «да это же Джефф Кунс!»
👍3❤2🔥2🥰1
Сколько лет нужно прожить, чтобы попасть в историю?
Судя по участникам (их вообще можно так называть?) знаменитого клуба «27» достаточно 27 лет.
Жан Мишель Баския - художник в мире неоэкспрессионизма, через свое творчество критиковал колониализм и поддерживал борьбу с классовым неравенством. Про него конечно нужно писать огромную отдельную статью, потому что на первый взгляд мазня сумасшедшего притягивает к себе, в ней чувствуется характер и голос.
Его фишка, благодаря которой Баския взлетел на пик славы в таком раннем возрасте - пока все вокруг (1970 е) старались придать искусству невообразимую форму, в которую можно было бы заключить метафору, Баския делал лаконично, просто. В лоб. Да, иногда это тоже работает!
Баския умел говорить, умел выражаться. Начал с школьного объединения «SAMO» внутри которого ребята оставляли граффити под сему городу и высказывались о собственных разочарованиях, создавали поэтические и сатирические псевдорекламные слоганы, комментировали то, что считали смешным и то, чем были недовольны.
Джаз, протест, вечеринки, наркотики, разносторонность, идея, злость - все позволяло Жан Мишелю упорно двигаться вперед за деньгами в искусстве. В пиковые моменты его работы не успевали обсохнуть, когда их уже хотели купить (и покупали!)
Я думаю, что его творчество очень простое и чувственное. Да, это не шедевры реализма или форм, а мы тут об этом и не говорим, но эмоции! Эмоции видно сразу. Вся злость и боль вымещена в работах, а у нас, у большинства людей, есть сложности с прямым выражением «негативных» эмоций. И тут на помощь приходит Баския со своими яркими, контрастными линиями и цветами. И становится и легче, и яснее и приятнее. И знаете, работы неоклассического формата, но они действительно красивые, на них приятно смотреть. Это меня особенно поражает, как можно изобразить вакханалию цвета в простоте формы так красиво.
Приложением к этому посту работа Баския, которая стоит у нас дома - динозавр с короной. Стоит на кухонном столе (потому что другого места пока что нет) и я очень ее люблю. Интерпретировать можно как угодно, но вот мне просто она любится!
Судя по участникам (их вообще можно так называть?) знаменитого клуба «27» достаточно 27 лет.
Жан Мишель Баския - художник в мире неоэкспрессионизма, через свое творчество критиковал колониализм и поддерживал борьбу с классовым неравенством. Про него конечно нужно писать огромную отдельную статью, потому что на первый взгляд мазня сумасшедшего притягивает к себе, в ней чувствуется характер и голос.
Его фишка, благодаря которой Баския взлетел на пик славы в таком раннем возрасте - пока все вокруг (1970 е) старались придать искусству невообразимую форму, в которую можно было бы заключить метафору, Баския делал лаконично, просто. В лоб. Да, иногда это тоже работает!
Баския умел говорить, умел выражаться. Начал с школьного объединения «SAMO» внутри которого ребята оставляли граффити под сему городу и высказывались о собственных разочарованиях, создавали поэтические и сатирические псевдорекламные слоганы, комментировали то, что считали смешным и то, чем были недовольны.
Джаз, протест, вечеринки, наркотики, разносторонность, идея, злость - все позволяло Жан Мишелю упорно двигаться вперед за деньгами в искусстве. В пиковые моменты его работы не успевали обсохнуть, когда их уже хотели купить (и покупали!)
Я думаю, что его творчество очень простое и чувственное. Да, это не шедевры реализма или форм, а мы тут об этом и не говорим, но эмоции! Эмоции видно сразу. Вся злость и боль вымещена в работах, а у нас, у большинства людей, есть сложности с прямым выражением «негативных» эмоций. И тут на помощь приходит Баския со своими яркими, контрастными линиями и цветами. И становится и легче, и яснее и приятнее. И знаете, работы неоклассического формата, но они действительно красивые, на них приятно смотреть. Это меня особенно поражает, как можно изобразить вакханалию цвета в простоте формы так красиво.
Приложением к этому посту работа Баския, которая стоит у нас дома - динозавр с короной. Стоит на кухонном столе (потому что другого места пока что нет) и я очень ее люблю. Интерпретировать можно как угодно, но вот мне просто она любится!
❤6👍1🔥1
Так как мы тут с искусством взаимодействуем (пока) на любительском уровне, вот классные факты о громком ЧЕРНОМ КВАДРАТЕ
1/ Произведение увидело свет за два года до революции, аж в 1915 году. Это 109 лет назад!
2/ Действительно черный квадрат на выставке висел в углу, где в домах стоят иконы. Такой маркетинговый ход с намеком на сакральный смысл
3/ В одном из версий черного квадрата, когда тот начал трескаться, Малевич подписал «битва негров ночью». Такая вот ха-ха
Теперь от фактов к идеям:
По сути своей черный квадрат - это пространство ничто и нечто одновременно. Это пустота, которую хочется заполнить? Или весь мир, сжатый до квадрата? Это - ноль, точка, где нет ничего. Черный квадрат, это не просто произведение искусства, это - идея.
И конечно Малевич шокировал всех тем, что отошел от воспроизведения реальности (хоть и искаженной, как у Пикассо) и использовал только форму. Такого не было, на такую наглость не решались.
Важно учитывать исторический контекст, сейчас монохромом формы никого не удивить и говорить «что в нем такого» в 2024 году даже как то стыдно, потому что в 21 веке - действительно ничего, в отличие от 20 века. Картина пустого смысла, чистых ощущений, черная пустыня.
Еще черному квадрату приписывают очень символическую и метафорическую роль в истории: со временем произведение начало трескаться, а его грани не параллельны и неровны. И мол это отражение устоев 20века, которые в итоге оказались треснутыми, сплюснутыми до пустоты и превратились в «ничто».
Мне нравится черный квадрат своим историческим багажом и эффектом, который спустя лет вызывает вопрос «Да разве это искусство?»
Аплодисменты!
1/ Произведение увидело свет за два года до революции, аж в 1915 году. Это 109 лет назад!
2/ Действительно черный квадрат на выставке висел в углу, где в домах стоят иконы. Такой маркетинговый ход с намеком на сакральный смысл
3/ В одном из версий черного квадрата, когда тот начал трескаться, Малевич подписал «битва негров ночью». Такая вот ха-ха
Теперь от фактов к идеям:
По сути своей черный квадрат - это пространство ничто и нечто одновременно. Это пустота, которую хочется заполнить? Или весь мир, сжатый до квадрата? Это - ноль, точка, где нет ничего. Черный квадрат, это не просто произведение искусства, это - идея.
И конечно Малевич шокировал всех тем, что отошел от воспроизведения реальности (хоть и искаженной, как у Пикассо) и использовал только форму. Такого не было, на такую наглость не решались.
Важно учитывать исторический контекст, сейчас монохромом формы никого не удивить и говорить «что в нем такого» в 2024 году даже как то стыдно, потому что в 21 веке - действительно ничего, в отличие от 20 века. Картина пустого смысла, чистых ощущений, черная пустыня.
Еще черному квадрату приписывают очень символическую и метафорическую роль в истории: со временем произведение начало трескаться, а его грани не параллельны и неровны. И мол это отражение устоев 20века, которые в итоге оказались треснутыми, сплюснутыми до пустоты и превратились в «ничто».
Мне нравится черный квадрат своим историческим багажом и эффектом, который спустя лет вызывает вопрос «Да разве это искусство?»
Аплодисменты!
🔥6👍3❤2
Фонтан, автор Марсель Дюшан - самый известный реди-мейд (так творец назвал вещь не созданную художником, а выбранную им для того, чтобы стать произведением искусства)
Да, это писсуар. И снова мы встречаем наглость и простоту в творении художника - это не эстетическое искусство, а искусство переосмысления. Да, вы тоже можете приклеить носок к стенке и назвать это искусством. Главное, чтобы вы понимали, зачем вы это делаете.
Интересно, что художник выбрал именно этот предмет, потому что у писсуара очень мало шансов кому то понравится. Чтобы понять «Фонтан» нужно отыскать внутри первые чувства: отвращение и недоумение, после спуститься глубже и попробовать изменить свое восприятие предмета, перестать наделять его смыслом с неприятным запахом. Это больше интеллектуальное восприятие.
Я считаю что фонтан не несет в себе факта «прочувствовать и рассматривать», он скорее был создан для того, чтобы показать, что искусство может быть любым - а люди дальше наполнят его своими ассоциациями и ощущениями. После появления реди-мейда у искусства появилась возможность существовать только с опорой на идею, без эстетической, исторической, эмоциональной подоплеки.
Ну и конечно, фонтан - это нечто иное, как протест. Он кричит «Посмотрите, как я могу!» (как известно, автор жутко завидовал братьям художникам и тк хорошо рисовать не умел). Видите, Марсель Дюшан выставил писсуар и мы с вами тут о нем читаем, а что мешает вам начать делать то, что по настоящему хочется?
Да, это писсуар. И снова мы встречаем наглость и простоту в творении художника - это не эстетическое искусство, а искусство переосмысления. Да, вы тоже можете приклеить носок к стенке и назвать это искусством. Главное, чтобы вы понимали, зачем вы это делаете.
Интересно, что художник выбрал именно этот предмет, потому что у писсуара очень мало шансов кому то понравится. Чтобы понять «Фонтан» нужно отыскать внутри первые чувства: отвращение и недоумение, после спуститься глубже и попробовать изменить свое восприятие предмета, перестать наделять его смыслом с неприятным запахом. Это больше интеллектуальное восприятие.
Я считаю что фонтан не несет в себе факта «прочувствовать и рассматривать», он скорее был создан для того, чтобы показать, что искусство может быть любым - а люди дальше наполнят его своими ассоциациями и ощущениями. После появления реди-мейда у искусства появилась возможность существовать только с опорой на идею, без эстетической, исторической, эмоциональной подоплеки.
Ну и конечно, фонтан - это нечто иное, как протест. Он кричит «Посмотрите, как я могу!» (как известно, автор жутко завидовал братьям художникам и тк хорошо рисовать не умел). Видите, Марсель Дюшан выставил писсуар и мы с вами тут о нем читаем, а что мешает вам начать делать то, что по настоящему хочется?
🔥5👍3🤣1
Одержимый париками, гений поп-арта и человек, который выжил после трех прямых выстрелов - Энди Уорхол!
Недавно слушала подкаст о нем и сегодня захотелось поделиться краткой сводкой об одной из его самых популярных работ: банки супа Кэмпбелл.
Энди не делал дизайн и не рекламировал томатный суп Кэмпбелл. Точнее, мы не знаем о рекламной кампании наверняка, никаких подробностей о сотрудничестве художника и компании неизвестно.
Как появились банки? В момент творческого кризиса его подруга-знакомая сказала: «Эй, а нарисуй то, что ты видишь, то что вокруг тебя». Он и нарисовал банку супа. А потом сделал еще 31 таких же банок, где единственное отличие - вкусы супа.
Он описывал, что банки супа Кэмпбелл объединяют слои общества: они знакомы и бедным, и богатым. (Думаю, что это как наш доширак)) и такой работой он как бы заложил смысл объединения а еще взял и переосмыслил привычный предмет в контексте поп-арта. С такой же идеей у него есть работа с банками кока-колы.
Естессна не обошлось без критиков, которые утверждали, что такой подход «слишком простой» для искусства. Но мы же все с вами иногда устаем от великих дум и почему не посмотреть на что-то простое и понятное. Без сакрального смысла и отсылок, просто суп, который вы знаете с детства.
По сути, если вы прочитаете прошлый пост про писсуар - банки супа Кэмпбелл это продолжение идеи реди-мейда, когда художник не создает произведение искусства, а наделяет предмет смыслом для того, чтобы он стал искусством.
Вот так! Так что рисуйте доширак и говорите, что это продолжение идеи Энди Уорхола.
Недавно слушала подкаст о нем и сегодня захотелось поделиться краткой сводкой об одной из его самых популярных работ: банки супа Кэмпбелл.
Энди не делал дизайн и не рекламировал томатный суп Кэмпбелл. Точнее, мы не знаем о рекламной кампании наверняка, никаких подробностей о сотрудничестве художника и компании неизвестно.
Как появились банки? В момент творческого кризиса его подруга-знакомая сказала: «Эй, а нарисуй то, что ты видишь, то что вокруг тебя». Он и нарисовал банку супа. А потом сделал еще 31 таких же банок, где единственное отличие - вкусы супа.
Он описывал, что банки супа Кэмпбелл объединяют слои общества: они знакомы и бедным, и богатым. (Думаю, что это как наш доширак)) и такой работой он как бы заложил смысл объединения а еще взял и переосмыслил привычный предмет в контексте поп-арта. С такой же идеей у него есть работа с банками кока-колы.
Естессна не обошлось без критиков, которые утверждали, что такой подход «слишком простой» для искусства. Но мы же все с вами иногда устаем от великих дум и почему не посмотреть на что-то простое и понятное. Без сакрального смысла и отсылок, просто суп, который вы знаете с детства.
По сути, если вы прочитаете прошлый пост про писсуар - банки супа Кэмпбелл это продолжение идеи реди-мейда, когда художник не создает произведение искусства, а наделяет предмет смыслом для того, чтобы он стал искусством.
Вот так! Так что рисуйте доширак и говорите, что это продолжение идеи Энди Уорхола.
❤7👍2🔥1
Если честно, совсем не получается писать в этот канал коротко. Буду стараться сокращать поток мыслей, чтобы читать было удобно! ✨
Марк Ротко - художник простоты и цвета.
Снова о критиках: что во время его творения (1950-1970), что сейчас, многие говорят: «ну уж это точно не искусство, что это, просто линии и никакого смысла».
Но искусством произведения Ротко можно воспринимать как минимум из за их эстетической части: оттенки цветов невероятно богатые, насыщенные, идеально сочетающиеся друг с другом. Полотна притягивают взгляд, расслабляют его, относят нас к своим мыслям и ощущениям.
Про мысли и ощущения: несмотря на исследование и поиск скрытых смыслов в произведениях фанатов и искусствоведов, сам художник проповедовал только эмоциональную связь человека с искусством. Только путь зрителя, пока он погружается в цвета и формы. Что происходит в его голове? Как это задевает его сердце? Что он слышит?
И это правда, меня его картины оказывают сильное эмоциональное воздействие, хотя «на них ничего нет». Но на самом деле в них все: вы, отражение вас, ваших чувств.
Интересно, что Ротко обижался, когда его произведения воспринимались как интерьерные (даже разругался с семьей Кеннеди), но сам очень требовательно относился к окружающему пространству на выставках для картин. И вообще мечтал готовить полотна под помещения.
А это разве не интерьерные решения?😄
Как вам Ротко? Что думаете по поводу такого «ничего лишнего» искусства?
Снова о критиках: что во время его творения (1950-1970), что сейчас, многие говорят: «ну уж это точно не искусство, что это, просто линии и никакого смысла».
Но искусством произведения Ротко можно воспринимать как минимум из за их эстетической части: оттенки цветов невероятно богатые, насыщенные, идеально сочетающиеся друг с другом. Полотна притягивают взгляд, расслабляют его, относят нас к своим мыслям и ощущениям.
Про мысли и ощущения: несмотря на исследование и поиск скрытых смыслов в произведениях фанатов и искусствоведов, сам художник проповедовал только эмоциональную связь человека с искусством. Только путь зрителя, пока он погружается в цвета и формы. Что происходит в его голове? Как это задевает его сердце? Что он слышит?
И это правда, меня его картины оказывают сильное эмоциональное воздействие, хотя «на них ничего нет». Но на самом деле в них все: вы, отражение вас, ваших чувств.
Интересно, что Ротко обижался, когда его произведения воспринимались как интерьерные (даже разругался с семьей Кеннеди), но сам очень требовательно относился к окружающему пространству на выставках для картин. И вообще мечтал готовить полотна под помещения.
А это разве не интерьерные решения?😄
Как вам Ротко? Что думаете по поводу такого «ничего лишнего» искусства?
🔥4❤3👍1
Мало кто знает, но Пикассо творил не только в живописи, но и в пространстве света.
Мне очень нравится эта серия работ, которая так и называется «световые рисунки Пикассо». В чем суть: к Пикассо в гости приехал один из популярных новаторов Гьен Мили и предложил маэстро сделать кое что интересное. На длиной выдержке он снимал, как Пикассо в воздухе создает произведения искусства.
Здесь конечно снова не классический формат «картин», а совокупность условий, позволяющих нам вдохновиться и как-то по-детски обрадоваться получившимся изображениям. Техника, характер, мастерства руки. Для 1949 года это было, конечно, ну что-то с чем то. Да и сейчас, вам как кажется? Есть в этих работах что-то особенное: художник творит, это запечатлено на камеру и вот творец и творение - неотъемлемые части одной работы визуально. Завораживает!
А еще ничего не напоминает вам? Например, мультфильм «Душа» дисней и пиксар 2020 года. При создании «Джерри» (сотрудников? Центра распределения душ) создатели вдохновлялись именно этой серией работ⭐️
Мне очень нравится эта серия работ, которая так и называется «световые рисунки Пикассо». В чем суть: к Пикассо в гости приехал один из популярных новаторов Гьен Мили и предложил маэстро сделать кое что интересное. На длиной выдержке он снимал, как Пикассо в воздухе создает произведения искусства.
Здесь конечно снова не классический формат «картин», а совокупность условий, позволяющих нам вдохновиться и как-то по-детски обрадоваться получившимся изображениям. Техника, характер, мастерства руки. Для 1949 года это было, конечно, ну что-то с чем то. Да и сейчас, вам как кажется? Есть в этих работах что-то особенное: художник творит, это запечатлено на камеру и вот творец и творение - неотъемлемые части одной работы визуально. Завораживает!
А еще ничего не напоминает вам? Например, мультфильм «Душа» дисней и пиксар 2020 года. При создании «Джерри» (сотрудников? Центра распределения душ) создатели вдохновлялись именно этой серией работ⭐️
🔥4❤3👍2
Сегодня расскажу об одной картине, с которой, как мне кажется, начался мой интерес к искусству идеи.
Рене Магритт «Трубка». Просто трубка. Весь прикол в надписи на картине - это не трубка. Суть в чем? В том, что это действительно не курительная трубка, а ее изображение. Такая игра смыслов, обман зрителя в восприятии. Мне здесь видится отношение к искусству: что то, что изображено не является правдой, а лишь интерпретацией автора.
💡 Как то в универе у нас был творческий проект, не помню уже на какую тему, но я так вдохновилась Магриттом и его восприятием мира, что сделала огромную надпись (буквы были больше метра в высоту) на поле на даче у бабушки «ЭТО НЕ ЛЮБОВЬ». Так я хотела показать, что эта инсталляция не любовь - это просто надпись. А любовь - это нечто большее. До сих пор в шоке, как мой 19 летний мозг до этого додумался: ну я была очень романтичной натурой!
Как будет время, обязательно познакомьтесь с Рене Магриттом, у него много достойных работ. Как нибудь сделаю пост о его подходе к творчеству. А пока, это не пост об искусстве, это искусство в посте! 😉
Рене Магритт «Трубка». Просто трубка. Весь прикол в надписи на картине - это не трубка. Суть в чем? В том, что это действительно не курительная трубка, а ее изображение. Такая игра смыслов, обман зрителя в восприятии. Мне здесь видится отношение к искусству: что то, что изображено не является правдой, а лишь интерпретацией автора.
💡 Как то в универе у нас был творческий проект, не помню уже на какую тему, но я так вдохновилась Магриттом и его восприятием мира, что сделала огромную надпись (буквы были больше метра в высоту) на поле на даче у бабушки «ЭТО НЕ ЛЮБОВЬ». Так я хотела показать, что эта инсталляция не любовь - это просто надпись. А любовь - это нечто большее. До сих пор в шоке, как мой 19 летний мозг до этого додумался: ну я была очень романтичной натурой!
Как будет время, обязательно познакомьтесь с Рене Магриттом, у него много достойных работ. Как нибудь сделаю пост о его подходе к творчеству. А пока, это не пост об искусстве, это искусство в посте! 😉
❤7🔥2🥰1