Я часто бывал в их доме и однажды обратился к хозяину: «Юрий Александрович, вы нашли своего единомышленника в лице художника Сазоновой?»
- «По-моему, да. Брак у нас счастливый. Вообще, в жизни мне дважды повезло по-настоящему. Я ведь в армии семь лет оттрубил, включая войну, и все эти семь лет меня учили убивать. Когда я вернулся домой, то ничего больше не умел и не знал. Слава богу, подвернулась студия. Так что первое мое везение – то, что на войне уцелел, а второе – что оказался в мультипликации. Я счастливый человек…»

Вдумайтесь в эти слова! Семь лет человек держал в руках оружие, пять лет – вынужден был убивать! Чему он еще мог научиться? Как адаптироваться к мирной жизни? Что творилось с психикой? Сколько судеб было поломано после войны? «Союзмультфильм» открыл двери для фронтовиков, и эти люди, многие из которых вернулись с фронта инвалидами и даже калеками, создали впоследствии «самые добрые и гуманные в мире мультфильмы» для малышей, как говорил какой-то из римских пап. Конкурс на курсы мультипликаторов был суровым, приняли далеко не всех. Юрию Прыткову повезло. Или «Союзмультфильму» повезло, что пришел Прытков.

На «Союзмультфильме» к творчеству Юрия Прыткова относились снисходительно, его незатейливые фильмы, в отличие от некоторых шедевров того же Леонида Амальрика, на фестивали не отправляли, вехами в развитии советской анимации не называли.

Надо сказать, что семья Амальриков сыграла свою роль даже в личной жизни Сазоновой и Прыткова. Надежда Михайловна заметила ухаживания Юрия за Татьяной. Он робел. Еще и потому, что был на полголовы ниже ростом избранницы. Привалова взяла на себя роль свахи. На косяке двери своей комнаты она ставила засечки и комментировала: «Вот это рост Льва Константиновича Атаманова, это – Лени Амальрика. Юрик, давай и тебя измерим!» Когда ставила засечку, пару сантиметров прибавила. Потом подозвала Татьяну и… пару сантиметров убавила. Разница получилась небольшая, зато прибавила смелости жениху.

Паре «Прытков-Сазонова» я посвятил и статью, и документальный фильм в рамках цикла «Человек в кадре», и один из выпусков радиопрограммы «Мария, Мирабела». В их доме всегда было уютно. До последних дней они смотрели друг на друга с нежностью.

Юрий Александрович Прытков ушел из жизни в январе 2011 года на девяносто первом году. Татьяна Пантелеймоновна Сазонова пережила его всего на десять месяцев. Ей было восемьдесят четыре.

«ПАДАЛ ПРОШЛОГОДНИЙ СНЕГ» (1983)

Режиссер Александр Татарский вспоминал, что с идеей этого фильма он приехал в Москву из Киева в начале 80-х. Но начать работу над фильмом на «Экране» ему долго не давали, предлагая снимать историю про пионеров, собирающих металлолом. В конце концов, он пошёл на уловку – заявил, что будет снимать комедию про Владимира Ильича Ленина по мотивам произведений писателя-сатирика Михаила Зощенко. Редакторы настолько опешили, что сдались и согласились на первоначальный сценарий, лишь бы не затрагивать тему вождя.

Поскольку в фильме планировалось много превращений, Александр Татарский решил работать в технике пластилиновой анимации. Создать персонажей он попросил художника Людмилу Тансенко. В своей книге воспоминаний «Секрет для маленькой компании» она писала: «Я достала пластик и сразу слепила 63 персонажа. И так как технология забавна (все это нужно варить в кипятке), то я стояла с шумовкой у плиты и вынимала из кастрюли в суповую тарелку свиней, ноги, части мужика, старушек и всего прочего. Получилось громадное блюдо с наваленными на него, как пельмени, отварными частями тел будущих персонажей… К приходу Саши я всех их собрала по запчастям и выложила на белом кухонном столе, причем они заняли всю столешницу. Входит Саша. Эффект был, конечно, взорвавшейся бомбы! Он подскочил к столу, стал все это брать в руки! Страшного, как смертоносный яд, саблезубого зайца, он вообще осыпал поцелуями! «Я влюблен в этого зайца!» – говорил он…»

Художник предложила режиссеру немного обмануть зрителя. Из-за того, что пластилин под софитами плавится, не может выдержать длительного использования, было решено ряд стабильных деталей (которые не должны гнуться, меняться) выполнить из цветного пластика. Сделали декорации, туловище главного героя, его сапоги, даже головы некоторых персонажей.

Музыку писал композитор Григорий Гладков. Благодаря аранжировке Игоря Кантюкова, получилась целая эстрадно-симфоническая сюита, которую и сегодня иногда исполняют на сцене. Объясняя композитору, какой должна быть финальная музыкальная тема, Александр Татарский сказал: «Под эту мелодию нас будут хоронить!» Так и вышло: тема из мультфильма «Падал прошлогодний снег» звучала на похоронах режиссёра в 2007 году.

Предполагалось, что мультфильм будут озвучивать два артиста: один – Мужичка, другой – Рассказчика. На конфликте автора с персонажем строился весь закадровый текст. Но тут вмешалась телевизионная редактура (ведь студия «Экран» относилась к Центральному телевидению СССР). Текст переписали. «Он стал в четыре раза больше. Сейчас мне даже стыдно его слушать…» - вспоминал позднее Александр Татарский. Имя актера Станислава Садальского, который в результате озвучил обе роли, убрали из титров. В своем интернет-блоге он вспоминал те события: «Незадолго до сдачи фильма советскому киноруководству ко мне приехала Катя, двоюродная бабушка из Германии. Мы пошли с ней в ресторан гостиницы «Космос», где меня и задержали, после чего последовал донос председателю Гостелерадио Сергею Лапину. В наказание «за связь с иностранцами» имя мое навсегда исчезло из титров мультфильма».

Цензура коснулась не только текста, но и монтажа фильма. Далеко не все удалось отстоять, но неприятности на этом не закончились, а продолжились уже с выходом фильма. Татарский рассказывал: «Вы не поверите, но меня обвинили в русофобии. Оказалось, что в фильме нет положительного героя, а главный герой (который, несомненно, русский) выставлен полным идиотом. Зря смеетесь, эти обвинения были очень серьезными. Фильм чудовищным образом исковеркали, в первоначальном виде он не существует…»

Премьера мультфильма «Падал прошлогодний снег» состоялась 31 декабря 1983 года по 2-й программе Центрального телевидения СССР. С тех пор он ежегодно транслируется под Новый Год. По количеству цитат, ставших популярными, фильм является одним из лидеров. Афористичные реплики персонажей, полные абсурдистского юмора, превратились в народные поговорки.

https://www.youtube.com/watch?v=SSoef169slc

Вот еще два фрагмента из нашей беседы с Александром Татарским в 2000 году:

- …Фильм исковеркали, в первоначальном виде он не существует. Озвучивали его сначала два актера – Станислав Садальский и Лия Ахеджакова. Ахеджакова читала от автора, на ее конфликте с персонажем все и строилось. Текст переписали, и он стал в четыре раза больше. Сейчас мне даже стыдно его слушать.

«Прошлогодний снег» не хотели показывать на годовом отчете в Доме кино, поскольку вспомнили «Ворону». Ведь о «Мульттелефильме» все критики и мэтры говорили, что эта студия плохая, но один фильм нормальный там есть – «Пластилиновая ворона». Это была большая оплеуха всем остальным, и они не хотели пережить ее еще раз. «Снег» даже спрятали. Но главный редактор Александр Тимофеевский все равно пронес его на отчет в коробке, после чего вынужден был уволиться со студии. И фильм произвел впечатление. Юрий Норштейн сказал, что это гениально, а все остальное можно выкинуть. И тогда на «Мульттелефильме» началась гражданская война. Случайно я оказался тем студентом из Сараево, который выстрелил в эрцгерцога Фердинанда…

- …Никакой из моих фильмов практически не был сделан так, как мне бы хотелось. И это боль. Люди часто рассказывают, что им снятся кошмары, как они не могут сдать экзамен в школе. Но вот мой пример… В 1983 году был снят «Падал прошлогодний снег», а в этом году мне снился сон, что я знаю, как именно хочу его сделать, но не успеваю, или мне не дают… Его забыть надо давно, а меня мучает проблема, что «Прошлогодний снег» вышел не совсем так, как я задумывал.

Единственный фильм, который более или менее сделан по замыслу, хотя тоже в спешке, и последние дней десять я не спал и потерял сознание, это «Обратная сторона Луны». И еще «Крылья, ноги и хвосты». Вот эти два фильма ближе всего к задуманному.

«Бабушка» (1996) – ко дню рождения режиссера Андрея Золотухина.

Он окончил Свердловское художественное училище и в 18 лет «прибился» к цеху анимации Свердловской киностудии. Постепенно становился опытным художником, и в 1995 году дебютировал как режиссер. Вместе с Валентином Ольшвангом они задумали сделать сборник страшилок. Начали разрабатывать сюжеты. Но в какой-то момент Золотухин отвлекся на чужие проекты – он был востребованным художником – а когда вернулся, Ольшванг уже всё доделал сам и отказался от сотрудничества. Тогда Андрей решил тоже переключиться на самостоятельный проект. Когда он ехал в Москву к сценаристу Надежде Кожушаной, уже твердо решил отказаться от страшилки. Надежда выслушала его внимательно и сказала: «Вот тебе чистый лист, ручка, садись и пиши всё, что придет в голову. Идеи, темы, истории, воспоминания из детства, из жизни… А я потом проанализирую». Когда Андрей написал, Надежда прочитала и сделала вывод: «Да у тебя везде фигурирует один и тот же человек – бабушка. Давай о ней и делать кино. Ты еще молодой человек. Тебе легче взять что-то знакомое и понятное, нежели сочинить неведомое и не прожитое».

И Андрей с удовольствием согласился. Ему было на тот момент 28 лет. Бабушка еще была жива. Большую часть своей жизни Андрей провел в её компании. Бабушка работала участковым детским врачом. Когда её карета медпомощи въезжала во двор, и Андрею дозволялось прокатиться в такой экзотической машине до угла – он, конечно, был королем двора. Какой тут велосипед?! А воспоминания – они штука странная. Что-то ты помнишь очень хорошо, что-то неважно, а что-то со временем обрастает неправдой, которую ты сам принимаешь за чистую правду. Вот так и выстраивал режиссер Золотухин свой фильм.

Он придумал такой приём: смутные, не очень правдивые воспоминания он создавал с помощью чистой анимации. Реальные эпизоды фиксировал как документальные кадры – на кино и видеоплёнку, а затем перерисовывал на бумагу. Это чистый «эклер», ротоскопирование. Он успел снять на камеру бабушку. Правда, она уже почти не ходила, и он совмещал её верхнюю часть с нижней частью другой женщины. Бабушка скончалась в самой середине процесса работы над фильмом.

Андрей Золотухин не закладывал в фильм никакого нравоучения, не выстраивал классическую драматургию, этой работой он хотел сказать всего два слова: «люблю» и «прости». Его извинения и благодарность бабушке за жизнь.

https://www.youtube.com/watch?v=DBJT3IOHhfc

Ещё одна интересная и важная деталь. Зачастую мы не понимаем, зачем нужно творчество, почему странные люди идут им заниматься, что они хотят этим сказать? Андрей, который живет последние годы в Швейцарии, недавно признался в нашем разговоре, чем ему помог фильм «Бабушка». В детстве во время какой-то подвижной игры он упал и получил травму головы, у него на всю жизнь остался шрам. Мальчишки стали дразнить его «дырявой башкой», и это наносило ему огромную психологическую травму. Это был комплекс на все последующие годы, от которого он не мог избавиться. Этот эпизод он тоже включил в фильм и… вышел из зависимости, излечился без всяких психотерапевтов. Он выплеснул свой комплекс на экран, рассказав о случае, считай, всему человечеству. И тем самым спасся.

Чем ещё примечателен мультфильм «Бабушка». Это первая работа в анимации удивительного композитора Олега Каравайчука. Самого странного, непонятого и непонятного, неземного, городского сумасшедшего – как о нём говорили в Санкт-Петербурге. Он создавал своей музыкой атмосферу. Иногда и музыкой сложно было назвать то, что он писал и исполнял. Андрею его номер телефона дала Надежда Кожушаная. Вот как написал мне о том знакомстве Золотухин: «Мне тогда было чуть за двадцать. Звоню. На том конце провода шуршание и женский голос: «Алё». Первую секунду думал, что ошибся номером. Не ошибся. Я представился и сказал, что номер мне дала Надя Кожушаная. И тут начинается монолог на полчаса про то, как накануне к нему приехала съемочная группа из Германии, про то, как он играл им на рояле и двигался как змея, про то, как они восхищались, про холодную весну в Питере, и много всего, что я уже не помню. Я все ждал паузу, чтобы рассказать, кто я и почему ему звоню, что я хочу его пригласить на мой фильм и так далее. Каравайчук неожиданно произносит: «А в этом году я ещё не ел бананов!» Пи-пи-пи… Я ещё долго держал трубку у уха и не понимал, что происходит. В голове звучал его голос. И я четко понял: это то что нужно! Вот так мы и познакомились…»

Фильм «Бабушка» стал одним из лидеров рейтинга фестиваля в Тарусе. Кстати, фильм-страшилка Валентина Ольшванга тоже. Об этих двух дебютантах заговорили в анимационной среде не только в России, но и в мире. «Бабушка» собрала большое количество наград, и вскоре Андрея Золотухина стали приглашать в совместные проекты. Как сегодня говорят, этот фильм вошел в «Золотой фонд» отечественной анимации.

Ну, что ж… 2024-й полноценно вступил в права, и вот вам старая-старая сказка «Аленький цветочек» (1952), написанная Сергеем Аксаковым в 1858 году, как он рассказывал – «со слов ключницы Пелагеи». Это одна из многочисленных вариаций сюжета «Красавица и чудовище».

«Союзмультфильм» взялся за экранизацию при жизни Сталина, поэтому невозможно было следовать сюжету старой сказки без поправок. Степан Емельянович стал не просто купцом, путешествующим со своими товарами по дальним странам, а отважным землепроходцем. И он не откупается от Чудища, отдавая ему свою дочь, а Настенька сама, чувствуя себя виновной, вопреки воле отца, отправляется на остров. Патриотическую тему сказки углубили тоской девушки по родине на чужбине. Наконец, отдельное внимание в фильме уделено образу белокаменной Руси с ее своеобразной и высокой культурой, шатровыми башнями и колокольнями, воплощенной со знанием истории русской архитектуры.

Огромную роль в воспроизведении замыслов режиссера Льва Атаманова сыграли художники-постановщики Александр Винокуров и Леонид Шварцман. Плотность работы была непостижимой. Перед небольшой творческой группой в начале 50-х годов задачи встали, казалось бы, невыполнимые: нарисовать многообразие городов и пейзажей, которые никто из участников в глаза не видел. Местами художники даже перестарались: дворец Чудища оказался чересчур роскошным, декоративным в восточном стиле – с колоннами, бесконечными анфиладами. Но зрителей это завораживало, особенно маленьких.

Но студия увлеклась натурализмом, и в персонажах читается подражание театру, игровому кинематографу. При том, что, благодаря «Аленькому цветочку», в анимации впервые удалось создать глубоко человечные характеры, расширив границы сказки, герои стали слишком реалистичными. Это произошло от того, что актеры не только озвучивали персонажей, но еще и разыгрывали на кинокамеру сцены из фильма.
Леонид Шварцман вспоминал: «В «Аленьком цветочке» роль купца Степана Емельяновича играл Николай Боголюбов, популярнейший актер кино и театра, ученик Мейерхольда. Его помощника изображал мхатовец Владимир Грибков. Чудище играл великий Михаил Астангов. Ему сделали горб из подушки, нацепили какой-то халат, и он угрюмо бродил по сцене. Из сестер наиболее яркой была средняя, Любава, ее играла комедийная артистка Мария Барабанова. А Настеньку – молодая и хорошенькая Нина Крачковская. На прекрасного принца пригласили Алексея Баталова – он только вернулся из армии, совсем молодой, симпатичный человек в шинели, сапогах. Эти съемки облегчали работу аниматорам – они покадрово переводили отснятый материал на бумагу и потом изучали движения. Так у нас создавался внешний образ…»

А сам режиссер вот как делился своими волнениями: «В «Аленьком цветочке» я переживал буквально каждый шаг Настеньки и Чудища, каждую их интонацию. Когда Настенька шла на самопожертвование, спасая отца, тайком брала у него волшебный перстень и переносилась на остров, взволнованность наша с художником, Алексеем Консовским, «игравшим» за кадром роль Чудища (тут в обрисовке его внешнего облика мы отталкивались от врубелевского демона, старались передать его взгляд, исполненный страдания), плюс музыка передавались зрителю. Всю эту сцену – Степан Емельянович после тяжкого признания и прощания с дочерью забылся, опустив голову на руки… долгий проход Настеньки по ступенькам лестницы… - в этом большом и длинном куске ничто не показалось долгим, тягучим. Ритм ее был тщательно продуман. Зрители, затаив дыхание, следили за каждым ее шагом. Это одна из центральных сцен…»

«Аленький цветочек» стал одним первых советских мультфильмом драматического содержания, где не было ни гротесковых образов, ни гротесковых ситуаций. На передний план выходили судьбы и характеры людей. В этом ключе Лев Атаманов работал и дальше, создавая «золотую коллекцию «Союзмультфильма».

https://www.youtube.com/watch?v=1FtcZy6fow0

Из статьи кинокритика Михаила Гуревича (2001 год):

И студийно-серийные, и штучные авторские работы Ковалева получают широкое признание и многочисленные фестивальные награды; он успел стать авторитетной и даже знаковой фигурой в современной художественной анимации – и при этом являет собой нечастый пример успешной голливудской карьеры бывшего советского или российского кинематографиста. Это, впрочем, не единственная странность «феномена Ковалева», который словно бы намеренно иллюстрирует относительность стандартных антитез: Восток/Запад, коммерческое/авторское, демократичное/элитарное, серьезное/игровое. Уверенный и бескомплексный наследник весьма различных, едва ли не взаимоисключающих традиций, Ковалев примиряет многие типические черты российско-советской и, условно говоря, западной эстетики как в «высокой», так и массовой анимации. Он переваривает и преобразует влияния Норштейна и Пярна, Назарова и Боровчика, Хитрука и братьев Квей. Во многом отталкиваясь (вместе с Татарским) от любимых мастеров Загребской школы с их вниманием к семантике рисованного трюка и техникой «лимитированной» мультипликации (экономящей на пропущенных фазах и затем обыгрывающей самое усложненную дробность визуального повествования), Ковалев скрещивает эту стилистику с подробностью и подспудным психологизмом мультипликации «полной», унаследованной советской школой еще от диснеевской классики. Результатом становится парадоксальный синтез таких, казалось бы, противоположных доминант как «психологизм» и «масочность», экзистенциальный лиризм и персонажная действенность, комикс и драма, движение чисто изобразительное и сугубо гэговое (комически-трюковое).

В основе всего здесь, как кажется, чисто графический жест, но всегда равно и персонажный и авторский; самое графическое движение непосредственно определяет сюжетное, становится им, спрямляя дистанции между формальным и смысловым. Это делает ковалевскую анимацию эстетически уникальной; и это же, похоже, затрудняет прямое чтение его фильмов. Далеко не сразу эти замедленно-напряженные, острые и точные в каждой детали, но лишь полупроявленные во внешней сюжетике, графические повествования прочитываются как простые в своей основе истории об одиночестве; а вся трилогия от «Курицы» до «Птицы на окне» - как последовательное исследование его чувственных и экзистенциальных обертонов. Это и есть своего рода графический экзистенциализм, со своей классической гранд-темой: неизбывность удела человеческого. О том же, по сути, и последующие фильмы, - на ином витке проживания и стилевой эволюции, более иронично-дистанцированные, но не менее напряженные, в полу-уловимом мерцании фактуры и (пред)ощущении трагики бытия.

Из интервью Дины Годер с Игорем Ковалевым (2012 год):

- Рассказывают, что ты сам стремишься к тому, чтобы твои фильмы не были слишком понятными.
- Сценарии моих фильмов поначалу выглядят очень вразумительно, истории в них простые. Но потом, когда я начинаю думать о киноязыке, о том, как мне рассказать историю, я решаю, что именно мне НЕ надо показывать, что я должен обязательно упустить. Раз в кино есть монтаж, почему бы этим не играть? Чтобы зритель какие-то моменты мог потом сам домыслить и объединить в один сюжет. Искусство должно быть загадкой, в нем должен быть намек, импульс. Если у произведения возможна только одна интерпретация – мне это неинтересно.

- Значит ли это, что ты специально что-то очень важное выпускаешь, и именно за счет этого возникает множественность трактовок?
- Конечно. Я очень часто упускаю те вещи, которые считаю ударом ниже пояса. Когда придумывалось «Молоко», там были сцены очень сентиментальные. Если бы к ним еще и музыку сделать, то для зрителя это были бы такие слезы… Но я люблю другое кино.

- Получается, что ты намеренно убираешь то, что могло бы иметь успех у публики.
- Процентов на 70 – да, безусловно. Поэтому я практически не работаю с музыкой, хотя она всегда поднимает. Нет, это легко. Я специально снимаю только на шумах. Если бы фильм, который я сейчас задумал, я захотел бы сделать понятным, то – я не знаю – этот фильм мог бы быть очень зрительским, в эмоциональном плане доступным для всех. Это очень душещипательная история, треугольник, конфликт, мужчина, женщина, любовь, убийство. Если еще и музыку подложить – все будут считывать эту историю одинаково, и все скажут: сильное кино. Ну, не интересно мне это. Если художник гонится за единым смыслом даже в своем нарративном произведении, я считаю, что это трусость.

- Ты всегда говорил, что для тебя самое близкое к анимации искусство – это…
- Конечно, музыка. Это ритм, это пластика ритма. Мы воспринимаем анимацию, как визуальное искусство, но оно живое. Смена кадров должна происходить так, чтобы она завораживала, чтобы ты смотрел, как на танец. А если это абстрактное кино, то оно льется как музыка. Для меня в любом искусстве, где идет время, ритм – это самое главное. Не литература, не сценарий – это оболочка. Завораживает только ритм. Статика и вдруг неожиданно пошло действие. В искусстве всегда должен быть контраст, это достигается только ритмом.

- А почему у тебя персонажи движутся особенно, не реалистическим образом?
- Это все началось, когда я впервые увидел танец Буто, когда в Москву приезжал японский танцор Мин Танака, я еще «Курицу» не снимал. Это на меня произвело настолько сильное впечатление, мне эти движения снились. А потом я увидел фильмы Брессона, где персонажи двигаются не реалистично, а просто как роботы там, где нужно замедление, ускорение – он дрессировал так актеров. Брессон, стиль буто – это настолько засело во мне, что я вот так стал воспринимать движение.

- А есть ли анимационные режиссеры, которые на тебя повлияли?
- Конечно, Норштейн, Боровчик (именно фильм «Театр господина и госпожи Кабаль») и Пярн – это три режиссера, которые меня взяли в плен. По изображению я много взял у Пярна, он как художник – бог. Норштейн – тем, как он монтирует… Неужели «Сказка сказок» понятнее, чем «Молоко», чем «Его жена курица»? Норштейн огромное влияние на меня оказал, особенно «Цапля и журавль», какие там отношения персонажей, ритм, анимация, как он монтирует, на чем он обрывает сцену… Но вообще-то я мало анимацию смотрю, я больше опираюсь на игровое кино. Мое становление как режиссера, началось с игрового кино, а не с анимационного. Поэтому по большому счету все сценарии для моих фильмов запросто можно сделать в игровом кино. Мне Пярн сказал: «Игорь, твое «Молоко» – это же Бергман, но с твоими персонажами, с такой пластикой воспринимается совершенно по-другому». По киноязыку, по монтажу, по тому, как я рассказываю истории – это не анимация…

🎬 В день рождения Феллини смотрим фильм Андрея Хржановского по сценарию его близкого друга, поэта Тонино Гуэрра («Амаркорд», «И корабль плывет», Джинджер и и Фред». Посвящение величайшему из кинопоэтов.
В основе «Долгого путешествия» (1997) — рисунки Феллини. Прихотливое соединение анимации, поэзии, вымыла и хроники. По-итальянски легкая с эротическим привкусом работа, в которой сам классик и персонажи его фильмов плывут на корабле к вымечтанному идеальному острову.
На берег не выходят только Джульетта Мазина и сам Феллини, которые продолжат свое путешествие. «И корабль плывет».

Среди анимационных проектов прошлого года, в которых я принял участие, был и этот, который сегодня опубликовали мои коллеги и друзья из студии БФМ (Большого фестиваля мультфильмов). Написал сценарий для маленького ролика по сказкам Пушкина в стиле городецкой росписи. Его сделали для новой экспозиции музея Пушкина в Болдино. Сам ролик есть по ссылке...

Смотрите! В связи с получением премии "Белый слон" ненадолго открыли ссылку на фильм "ХАРМС" Светы Андриановой, названный лучшим в этом году . Сюрреалистическая фантазия на темы рассказов писателя, поэта, основателя объединения «ОБЭРИУ», арестованного 23 августа 1941 года за распространение «клеветнических и пораженческих настроений» и по решению военного трибунала помещён в отделение психиатрии больницы тюрьмы «Кресты», где умер во время блокады Ленинграда 2 февраля 1942 года. Фильм вдохновлен поисками конструктивистов и супрематистов. Музыка Олега Каравайчука и Леонида Десятникова. Школа-студия ШАР https://www.youtube.com/watch?v=Te1IlJSv1dk

В эти дни из-за загруженности не успеваю писать сам, поэтому периодически даю слово своим коллегам.

А сейчас хочу вам посоветовать один канал. Он НЕ о мультипликации, но связан с ней самым непосредственным образом. В своей работе аниматоры сегодня используют самые разные инструменты. В том числе, и нейросети. Лично я отношусь к ним скептически: разве компьютер может заменить Художника? Для меня ответ был очевиден, но когда мои друзья, запустившие канал @artandslide, показали мне свои работы, сделанные с помощью искусственного интеллекта, я понял, что отстаю от жизни. И сам на них подписался. То же самое рекомендую сделать и вам. И вот почему:

Во-первых, каждый день здесь появляется что-то новое. Не дешевые поделки, а действительно серьезные работы. Это правда интересно, сам периодически заглядываю.

Во-вторых, благодаря моим друзьям я стал лучше разбираться, как делаются презентации. Мне это необходимо, потому что я часто выступаю с лекциями, а там надо много чего показывать, и это тоже своего рода искусство. Для многих моих подписчиков это будет полезно.

В-третьих, Art&Slide даже не обязательно регулярно читать. Но когда вам понадобится сделать презентацию, оформить квартиру, придумать оригинальный плакат в детскую комнату или заказать уникальное оформление для открыток на 8 марта или календаря к новому году, вы всегда легко найдете тех, кто это вам поможет.

Наконец, четвертое – это совершенно бесплатная консультация. Сейчас все работают по предоплате, но здесь вас сначала внимательно выслушают, объяснят, что может получиться и даже покажут пару примеров из уже готовых работ в качестве ориентира. В наше время такое отношение – большая редкость.

В общем, заходите и подписывайтесь. Уверен, большинству из моих подписчиков это пригодится и дома, и по работе.

Знаменитый кукольный цикл «38 ПОПУГАЕВ» (1976-1991).

Когда начинающий писатель Григорий Остер принес на «Союзмультфильм» сценарий «38 попугаев», никто из режиссеров не хотел за него браться. Ивану Уфимцеву запала всего одна фраза: «А куда ты ползёшь?» - спросила Мартышка. «Сюда ползу», - проворчал Удав…». И он решил, что будет снимать этот фильм. Результат настолько полюбился зрителям, что было решено снимать новые истории с участием этих персонажей. По сути, это был первый кукольный цикл, и одновременно самый длинный кукольный цикл «Союзмультфильма» - десять короткометражек.

Уфимцев и Остер в процессе много спорили. «Он, как баран, упрется и работать не хочет! – возмущался режиссер. – Текст еще не сценарий, а сценарий – еще не фильм, и отснятый материал – не фильм. Фильм делается за монтажным столом…»

Благодаря циклу «38 попугаев», в советской анимации среди главных положительных героев впервые появилась змея. Этот персонаж долго не получался у художника-постановщика Леонида Шварцмана: «Я ходил в зоопарк, рисовал удавов, потом часами сидел за столом и пытался придать змеям человеческие черты. Не получалось. И лишь когда я удлинил его голову, нарисовал веснушки и приподнял брови, удав стал полноправным героем фильма. Но тут возникла новая трудность – как им управлять? Как змея должна себя вести, общаться с другими персонажами, чтобы за ней интересно было наблюдать? Помог Юрий Норштейн, который на первом фильме работал аниматором. Он предложил: «А пусть Удав кладет голову на кончик хвоста, будет этаким мыслителем…» И дело сдвинулось. А этот живой жест прошел через весь сериал».

Некоторые метаморфозы произошли с Попугаем. Сначала у него был длинный хвост. И тот же Норштейн возмутился: «Нет, не пойдет, надо убрать, он мне мешает». Директор кукольного объединения Иосиф Боярский был в шоке: все куклы уже готовы, начались съемки, и вдруг что-то приходится переделывать. Но в итоге получился такой необычный попугай без хвоста – самый активный персонаж из этой команды. В его повадках, жестах сотрудники студии легко угадывали своего директора Иосифа Боярского. «Но потом, от фильма к фильму, он почему-то все больше смахивал на Владимира Ильича Ленина…» - шутил Леонид Шварцман.

Иван Уфимцев, будучи актером по образованию, любил работать с диалогами и приглашать своих друзей на озвучивание. «С кем дружишь, с тем легче найти общий язык», - говорил он. С Михаилом Козаковым они были очень близки много лет, поэтому Уфимцев отдал ему роль Слонёнка. Василию Ливанову, который постоянно кого-либо озвучивал на «Союзмультфильме», достался Удав. Мартышку режиссер отдал своей соседке по дому Надежде Румянцевой, которую он даже сравнивал с её персонажем по темпераменту. Ну а компанейский Всеволод Ларионов идеально подошел на роль Попугая.

По сути, это был уникальный случай, когда все условия для разработки и развития игры персонажей, желание работать над сиквелами заложили именно актеры, аниматоры и оператор Александр Жуковский. Если бы не они, то ни режиссер Иван Уфимцев, ни сценарист Григорий Остер даже не задумались бы о продолжении, в чем много лет спустя они и признавались.

С этими персонажами можно было снять еще много фильмов, но группа от них устала. В СССР еще не было опыта съемок сериалов большими командами, над каждым фильмом работал маленький коллектив одних и тех же людей, а съемочный период занимал 8-9 месяцев. И после 1991 года процесс остановился.

Под влиянием этого мультфильма «попугаями» в повседневной речи иронично называют произвольную величину, когда что-то меряют по-своему.

https://www.youtube.com/watch?v=qUFZ454pFJc

125 лет со дня рождения потрясающего артиста, фантастического эксцентрика, одного из самых элегантных, пластичных, харизматичных мастеров советского кино и театра, народного артиста РСФСР Сергея Мартинсона (1899-1984). Он играл Дуремара и Князя в «Дядюшкином сне», шпионов и мерзких приспособленцев, злых волшебников и тупых дьячков, чиновников и фашистов. Трижды сыграл Гитлера. Но при этом стал одним из самых популярных и любимых народом актеров. Обладая колоритным голосом, Сергей Мартинсон озвучил множество мультфильмов: «Пропавшая грамота» (ведьма), «Федя Зайцев» (странное животное), «Крашеный лис» (лис), «Заколдованный мальчик» (крыса), «Снежная королева» (ворон), «Чиполлино» (принц Лимон), «Дикие лебеди» (монах), «Маугли» (Табаки)…

Сегодня предлагаю вспомнить очаровательный мультфильм «Впервые на арене» (1961). История о том, как слонёнок Тимка мечтал стать цирковым артистом, но прежде, чем его мечта осуществилась, ему пришлось много потрудиться.

Антагонистом главного героя стал, конечно же, персонаж Сергея Мартинсона. Артист озвучил куплетиста Пуделя, и эта роль позволила Сергею Александровичу буквально «оторваться». Он обожал эстрадные куплеты, мог исполнять их и эксцентрично, и лирично, чувствовал себя в этом жанре комфортно.

Мультфильм «Впервые на арене» - дебют выдающегося дуэта «Союзмультфильма» Владимира Попова и Владимира Пекаря. До этого они сделали лишь сюжет для мультжурнала «МУК», а затем снимут «Умку», «Верните Рекса», «Буквы из ящика радиста», «Сокровища затонувших кораблей», а Попов самостоятельно – трилогию о Простоквашино. Большой сказочник Вадим Коростылёв написал диалоги и тексты куплетов – он умело совмещал волшебство с окружающей действительностью, наивное очарование – с сатирой и сарказмом. Вспомните «Карнавальную ночь», «Айболита-66» и того же «Вовку в тридевятом царстве». Музыку написал легендарный джазмен Александр Варламов, недавно вернувшийся из мест не столь отдаленных.

Этот мультфильм часто повторяли по разным каналам советского телевидения, а куплеты Пуделя – в музыкальных передачах и киноконцертах. Приятного просмотра!

https://www.youtube.com/watch?v=q3pHpXpPqmo