Русский богослов Сергей Николаевич Булгаков говорил: «Каждый человек есть художник своей собственной жизни, черпающий силу и вдохновение в себе самом». Йозеф Бойс, известный своей провокационной карьерой перформансиста (да, тот Бойс, который три часа объяснял картины мертвому зайцу!), также заявил, что всякий человек – художник. Его только нужно освободить. Фридрих Ницше считал, что для любого философа будет честью, если его сочтут за художника.

Конечно, ницшеанский (и не только) редукционизм, в котором роль играло т. н. решение вопроса совершенно другим вопросом, открытие одной темы наперекор другой – формулировка парадоксальная, но отныне отождествляемая такому аутентичному совриску, коим он являлся и являться будет.

Все эти задачи с восприятием массового, с экзистенциальным всплеском и одновременно упадком, с попсой или стрит-артом – это все лишь конечная огласка, рассматриваемая индивидуально. Темы художественного процесса, объективно-субъективной коллективности – вот альтернатива. Там, где идеология перемещается на касту ниже, и там, где авторский вопрос приобретает «священность» – именно там и накапливается сингулярность, а природа художника становится все более неприкосновенной.

Посмотрел фильм «Выход через сувенирную лавку», рассказывающий о современном стрит-арте. От Фьери Шепарда до Бэнкси — достаточно забавная кинокартина со своими причудами. Там мне встретился интересный герой и, не побоюсь сказать, поп-артист своего времени — Тьери Гетта или Мистер Мозгоправ. Долго расписывать его бессмысленно; можете сами понаблюдать за противоречивостью этого персонажа, в итоге оказавшегося на коне, но я могу сказать одно: Тьери с детства носил с собой камеру, всюду запечатлевая снимки и видеофрагменты.

Этот товарищ был очень навязчив в деле, формально принуждая «жертв» взаимодействия согласиться с ним, смириться и подружиться — странный тип, ну да ладно. Невзирая на странности, горе-режиссурой он занимался вместе с друзьями стрит-художниками, такими иногда одиозными и скрытными персонажами, как Космический Захватчик и вышеупомянутые Бэнкси да Шепард.

Он, как вы уже догадались, снимал их на камеру всю дорогу — те же как и все решили смириться, положившись на дружественность и помощь Мистера Мозгоправа. Сам Тьери в это время возлагал целью снять документалку о стрит-арте — в итоге, кстати, она у него удалась. Посмотрите фильм и узнаете больше :) Но сейчас не об этом. Ведь только представьте: ребята, творящие что-то на грани закона, одобряют идею съемки процесса их работы. Стрит-арт, в отличие от остального искусства, живет совсем недолго — какие-то моменты обязательно должны быть заархивированы камерой.

Видеосъемка, фотография, кадр — это такое же искусство с разных ракурсов. И бесконечно разных взглядов. Оно то служит для документации (как в случае с Тьери Геттой и стрит-артом), то для второстепенности (во всяческих монументальных просторах совриска), чаще — для закрепления за искусством абстрактной новы, чуждой эстетической составляющей. Фото вошло в повседневность намного глобальнее живописи, перформанса и архитектуры. Это open-source, где искусство приобретает новые свойства: скорость, определения, энергичность.

На секундочку, канал @photography_inside о подобном — с разбавлением о строениях композиций и выполнении редактуры, автор пишет об истории некоторых направлений и о конкретных личностях из ремесла фотографии. В общем, любителям и профессионалам должно счесться!

Реализм как полноценное направление уходит с корнями в незапамятные времена, еще до всяких риджионализмов и архаических абсурдизмов — на то есть лишь одна главенствующая причина: реальность как она есть — это наивысшая эстетика уже потому, что мы объективно наблюдаем ее. Такая формулировка, разумеется, противоречит большей части сегодняшней живописи, ведь сами знаете — Герхард Рихтер, Ричард Принс, Джозеф Кошут. У одного, что называется, переосмысление абстракции, а у другого — мир идей; нет теперь былой тяги к естеству и философии, есть только грань и расплывчатая мысль.

Мацуо Басе, теоретик поэзии и японского хайку, говорил так: «Учись у сосны, что такое сосна, учись у бамбука, что такое бамбук». Слова других японских мудрецов были не менее запоминающимися: «Кто видел времена года, тот видел все», утверждали они. Японская древняя культура вообще очень тесно связана с восприятием природы и натурфилософией. Сакура и вулкан Фудзияма сегодня выступают как негласные символы страны восходящего солнца, — и не это ли проявление той самой эстетики?

Шишкин, Репин, Мане — не говорите, что не замечали в их живописи скрытого пристрастия к природе как таковой. Подсознательное такое подсознательное — следует сказать здесь, поскольку японскую философию преследовал далеко не каждый художник того времени; живописцы, напротив, воссоздавали свою собственную идею, которая была жутко близка японской культуре и Басе — вот главный секрет зарождения такого масштабного и нетривиального направления, как реализм.

В детстве все задавались вопросами — будь то количество звезд на небе, вымирание динозавров, диссонансы и парадоксы. Причем последние, как я заметил, из разряда некой психологической фабулы, которая фигурировала и фигурирует в нашей жизни гораздо чаще остального: это и есть то, о чем я периодически пишу. Абсурдизм, экзистенциализм, противоречивость и постмодернизм — вот ключ к познанию «игры», к пониманию общества и самого себя.

Почему в культуре так или иначе проскальзывает иерархия? Что на самом деле из себя представляют этика и мораль? Что есть меланхолический символизм для души? — С одной стороны, эти вопросы сеют невнятность и отторжение; обыденность возникает перед обывателем лишь при желании самого обывателя плыть по течению действительности. Но с другой, логично спросить следующее: а как часто мы вообще задаемся подобным экзистенциальным?

Если вас как обывателя терзают сомнения, либо вы уже тертый калач, философствующий о бренности и бессмысленности бытия — чтение канала @rtutio вам вряд ли повредит. Скорее обогатит и заставит колебаться, потому что этот блог, на мой взгляд, создан как раз для тупиковых, но занятных размышлений о естестве текущем. Эстетика и аутентичность не дают пройти мимо — каждая поднятая тема в той или иной степени интересна и в итоге остается на вашей совести. «Ртуть» абсолютно ободряема мной, ибо такой педантичности в очах телеграм-каналов я еще не наблюдал.

Фотоискусство, как и видео-арт, и перформанс, и живопись — вклад больше не в эстетику, а в культуру. По крайней мере, сегодня такие понятия, как эстетизация и культурный очаг — это размытый облик всего и всея. Искусство достигло своего капиталистического апогея, смешалось с метамодерном, и ныне колеблется в противоречивом массовости пространстве.

«В нашу эпоху нет произведения искусства, которые созерцали бы так внимательно, как свою собственную фотографию, фотографии ближайших родственников и друзей, возлюбленной», — Альфред Лихтварк. Это, прошу заметить, высказывание 1907 года, где на стыке арт-нуво фотографы и художники уже переживали своего рода революцию. Оно априори провозглашает то, что никакой имажинизм искусства никогда не заменит знакомые, фамильярные реляции общества — и в этом уже своя эстетика.

Потому в те годы и приобретал популярность авангардный взгляд на природу социальности, в котором была какая-никакая связь с уже знакомыми зрителю образами. Именно они рождают в искусстве чувство безропотной ностальгии и привкус хорошей оценки. Живость и рассудительность более не находились обществом, как что-то очевидно теплое — напротив, подсознательность приводила наблюдателя к реляционизму, к новой эстетике, и, разумеется, к новому искусству. И то, чем является культура на данный момент, это в какой-то степени продолжение тех пор, отныне вертящееся самобытно.

Современная философия застопорилась на одном месте — то какой-нибудь Славой Жижек объясняет простаку феномен идеологии, то какой-нибудь простак сам напишет философскую аналитику Южного Парка или Симпсонов. Казалось бы, такая методология «на волне» и это ожидаемая парадигма времени. Сегодня же «постиндустриальный прорыв», а за рулем прагматичность — берегитесь!

В далекие древнегреческие времена Аристотель и многие другие величественные деятели вообще провозглашали, что каждый философ — это и самый настоящий политик. Не было грани и особых врат, что политизируют современную культуру не в том русле. Тогда философия не являлась погрязшей в рутине игрушкой; все, напротив, происходило по-серьезному.

Ярая эпистемология, борьба за дискуссию, теперь шопенгауэрская эристика и мир идей — повседневный опыт тех времен. Вот, скажем, что первым появилось: курица или яйцо? Эволюционные биологи по сей день спорят, но как бы не так у платонистов — яйцо является этапом эмпирического восприятия курицы. Оно не существует вопреки курице, это нелепо. Таким образом, понятие яйца входит в идею самой курицы. Первому яйцу предшествовала трансцендентальная идея курицы, а, соответственно, по ее образу появилось уже чувственное яйцо — вот так объясняется суть не то в натурфилософии, не то в гносеологии IV-V веков до н.э.

Эту формулировку я позаимствовал у канала @hungryphil, где, кстати, творятся неведомые вещи — автор объясняет любую труднодоступную философию наиболее простым языком.
Не один, знаете ли, Платон там обсуждается. Заглянуть в блог «Голодные философы» можно и ради любительского саморазвития, и для добротной подготовки к экзамену — в общем, впереди еще много чего поистине крутого. Товарищ действительно грамотен и совсем «не бородат» в высказываниях — рекомендую!

Бывает сидишь себе на кресле, пьешь кофе и читаешь «Кунс Одобряет!», натыкаешься на текст про кино — и вдруг появляется острое желание рецензировать новинку или проверенную классику в киноиндустрии. Атмосферный нуар, концептуальный артхаус, хоррор на вечер — дух подобного кино не нуждается в представлении и длительной аналитике, потому что возник он если не ради удовлетворения, то ради эстетики точно.

Так это и устроено: прокрастинация, отдых, наслаждение — это хоть и не слишком аскетическая теоретика кинематографа, но самая что ни на есть стандартная. Если вы из вышеописанной категории — это не страшно. Если взгляд падает на душу «театра», где мысль вьется и проникает в сердце, то еще лучше — станете горе-ценителем.

В общем, сколько бы я ни писал про хороший-плохой кинематограф, лучше меня это сделают на канале @whatfilm.
Автор не ленится ежедневно давать личную рекомендацию к просмотру того или иного шедевра — и это, я бы сказал, улучшенный кинопоиск, где по отзывам ты уже не бегаешь из стороны в сторону с диссонансом и паникой, а спокойно выбираешь из авторского списка.

Канал «Что сегодня посмотреть?» гарантировано поможет определиться с разными сортами кино, всяческими периодами настроения и атмосферой — точная рецензия, минимализм и регулярность. Вот залог успеха в фильмах всех мастей!

Кубинский писатель Алехо Карпентьер считал, что словари неправильно толкуют слово «чудо». Это понятие, по его мнению, восходит к чему-то экстраординарному и необычному — всякие же глоссарии, напротив, уподобляются определению восхитительного и эмоционального «чуда», что очевидно неверно.

Такой взгляд был сформирован под влиянием популярности т. н. магического реализма — латиноамериканского направления в литературе, а позже — метода в живописи и в кино. Магический реализм в художестве часто воспринимается как сюрреалистическая концепция, восхождение к квазиреальностям, вышеупомянутая чудесность.

Иногда путаясь с пуантилизмом Ван Гога и знакомым постимпрессионизмом, метод магического реализма открывает поистине новые просторы: и здесь оказывается понятно, что он на деле связан со многими экспрессивными направлениями того же XX века — пуантилизм, постимпрессионизм и сюрреализм тоже вписываются в картину эдакого творчества.

Эстетика магического реализма заключается в переосмыслении небезызвестных взглядов простого реализма, в отказе от циничной идеализации и больше в восприятии божественного. Так и художники вроде Роба Гонсалвеса, Алекса Алемани, Карела Виллинка — все они в какой-то степени неповторимы, но изображают мир таким какой он есть, с нотами новаторского метода и идеями безыдейности — абсурдно, но весьма привлекательно.

Так выглядит своего рода графическое искусство — грибл, новое направление и элемент декоративности в современном творчестве. Суть его также проста: взяв предмет и наполнив его вышеупомянутыми «декорациями», обложив новыми свойствами, сделав из простого сложное, вы получите грибл.

Об этой интересной вещице (которая, кстати, затрагивает не только дизайн: что — читайте далее) я узнал из канала @mishagrinblog, где формулируются разные пытливые мысли от дизайнера и просто интересного человека. Здесь опыт путешествий, скитания по интернету, советы и лайфхаки — полезно будет всем, чья работа связана со всяческой редактурой, UI, писательством.

В телеграме я ценю своеобразное новаторство: для перспективы каналов это презентабельный ЖЖ, но важна здесь цель и манера — чего не забрать у канала Misha Grin. Искусство всегда восходит к опытности, к игривому репертуару, потому и чтиво таких отличных источников а-ля «блог дизайнера» сыграет на руку любому.

У Канта (как и некоторых других философов-эмпириков, герменевтиков, гносеологов) существуют такие понятия, как «аналитическое» и «синтетическое» суждения. «Аналитическое» подразумевает описание того или иного предмета присущими ему свойствами: шар, например, круглый по своему определению. Резина потому же эластична. В «синтетическом», напротив, какой-либо объект наделяется весомой долей новы — здесь шар становится желтым, слегка грязным и чуть сдутым. Резина теперь скользкая, темно-серая.

Эти два понятия воскресили былое философское знание из Древней Греции, став основными в разных аспектах подобных школ — ну, а за ними небезызвестное искусство, где с «аналитическим» и «синтетическим» хорошо обосновался Пикассо. Скорее поздний Пикассо, ведь в ситуации с этим художником принято разделять целых одиннадцать периодов творчества — от самобытного кубизма до послевоенного пессимизма.

По всей видимости, наш испанец частенько менял взгляды на живопись и не мог разделить их со своим альтер-эго — отсюда же внес столь чуждые друг другу понятия в живопись, как «аналитический» и «синтетический» кубизмы. Назвал их может и не он, но позже они получили именно такую огласку.

В «аналитическом» своем периоде (1909-1912 гг) Пикассо принял решение отказаться от цветности произведения, избавиться от фактуры и выделения объектов (ведь суть едина, а реальность обобщена), а также затмить перспективу и вид (поскольку положение предметов в абсолютном понимании тщетно и относительно). Уже зрелый художник взошел на путь платоновской сути вещей — итог: трансцендентная масса и попытки изобразить мир как таковой. Весьма удачно, но ненадолго.

После небольшого путешествия Пикассо показывает свою новую картину, уже отрицающую мотивы «аналитического» кубизма. Как говорят, это и послужило началом для «синтетического» (1912-1917 гг) — негласным вторжением художник меняет вкусы на раз-два. Здесь он пробует внедрять в картины что-то из внешнего мира: приклеивает на произведение почтовую марку, создает пространственные скульптуры и некоторый объем. Декоративность торжествует, а Пикассо наслаждается новыми открытиями и опытом в творчестве.

Конечно, пикассовские одиннадцать периодов здесь затронуты не были (и не должны были) — я, наоборот, лишь оповестил о ключевых идеях, которые в будущем стали переменяться концептуалистами и минималистами, дадаистами и футуристами. Ведь сегодня не рассказать о Пикассо — значит не рассказать об истории.

Сегодня экспериментирую с форматами, поэтому написал длинное страдание о природе искусства в Телеграфе. Буду рад вашему отклику!ᅠ

Культура сознания и какую роль она выполняет: наша автономность и фамильярность, наш независимый опыт и очерки — то, что расскажет о нас самих в поп-культуре. ᅠ

Сегодня расскажу о такой интересной персоне, как Ив Кляйн. Чем он поразил современное искусство и как его «процессуализм» служил плюрализации идей. ᅠ

Сегодня текст о своего рода ценнике современного искусства и что оказывает вклад — массовая или высокая культуры? ᅠ

Что такое «добро» в современном искусстве и как оно реконструировалось с помощью Льва Толстого — мастрид от меня сегодня. ᅠ