#ХудожникДня 💬

Печальны помыслы мои
Но ты, великая Природа,
Коснись меня и оживи!.
Как с наступлением весны
Цветут бесплодные долины.
Как оживляет свет луны
Ночные серые руины.
А. Теннисон

Уильям Тёрнер (1775 – 1851)
Полное имя художника – Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер. Уильям родился весной 1775-го года в Лондоне. В возрасти десяти лет, его отправили к дяде, где мальчик и проявил интерес к живописи. Окончив школу Уильям работал у архитекторов и топографов и уже в 1789-м году 14-летний Уильям стал студентом Королевской академии художеств.

Во время обучения в академии Уильям освоил полный курс по идеализму в искусстве. Через год после поступления одна из его акварелей уже экспонировалась на местной выставке.

Тёрнер тщательно изучал методы как старых мастеров, так и современных художников, заимствуя понравившиеся приемы и по-своему интерпретируя классические сюжеты, выражая личные мысли и эмоции через искусство.

Клода Лоррена он считал своим кумиром и учителем. Тёрнер признавался, что был тронут до слез, увидев картину Лоррена "Отплытие царицы Савской", поскольку никогда прежде не встречал ничего подобного. Спустя годы, уже прославленным художником, Тёрнер передал свою картину "Дидона, основательница Карфагена", считавшуюся шедевром, в Национальную галерею, с единственной просьбой: разместить ее рядом с "Отплытием царицы Савской".

В 1791 году он отправился в первое этюдное путешествие по Европе, посетив Италию, Швейцарию и Францию, где создавал зарисовки. После себя он оставил огромное наследие – более 10 тысяч рисунков и набросков, которые послужили основой для акварелей. Тёрнер неоднократно возвращаясь к старым этюдам.

Слава о талантливом акварелисте распространилась по всей Британии, и в 1799 году Тёрнер стал членом-корреспондентом Королевской академии. Его картины не отличались детализацией; он создавал пейзажи, запечатлевая личные воспоминания и эмоции, с бытовыми сценами и образами людей, изображенных с любовью и отражающих их несовершенство перед лицом природы, которая могла быть как спокойной, так и грозной.

«По сути говоря, Тёрнер обитал в собственном, отдельном ото всех царстве света, где мало кто из людей мог встать рядом с ним. Там, в этом волшебном пространстве, он легко, без усилий передвигался между прошлым и настоящим, схватывая взглядом особенности, присущие времени» Питер Акройд.

В 1807 году Тёрнер начал преподавать перспективу в Королевской академии, переосмысливая учебный материал Рейнолдса и уделяя особое внимание поэтической живописи.

Со временем отношение к картинам Тёрнера изменилось, эпоха романтизма ушла и сентиментальность его работ перестала находить отклик у публики, уступив место реализму.

С 1830-х годов критика в адрес Тёрнера усилилась и некоторые его картины, граничащие с абстракционизмом, вызвали возмущение и даже отказ королевы произвести его в рыцари. Были и защитники, такие как Джон Рескин, считавший Тёрнера одним из величайших художников.

В жизни Уильяма Тёрнера были и восхищение, и порицание, тем не менее он остается одним из самых талантливых художников, предвосхитившим художественные приемы конца XIX и начала XX веков.

«Тёрнер не просто пытался написать солнце. Кажется, он действительно хотел перенести его энергию и свет на свои картины» британский искусствовед Никола Мурби.

#КартинаДня 💬

Леонардо да Винчи

Дама с горностаем. Цецилия (Чечилия) Галлерани

"

– Природа, сердишься, завидуешь чему-то?
– Да Винчи, что звезду земную написал,
Чечилию, чей взгляд прекрасный так блистал,
Что солнца лик сумел затмить он на минуту..."

БЕРНАРДО БЕЛЛИНЧИОНЕ (1452—1492), придворный поэт герцога миланского Лодовико Сфорца.

Любопытно, что приписываемое Леонардо да Винчи авторство «Дамы с горностаем» долгое время ставилось под сомнение, как и личность изображенной на этом полотне девушки. Споры относительно этого периодически вспыхивают до сих пор, когда технические средства цифровой эпохи позволяют исследовать картину под новым углом.

Пока же стоит остановиться на том, что на портрете изображена Чечилия (Цецилия) Галлерани, любовница миланского герцога Лодовико Сфорца, мать его сына Чезаре. Художник позаботился о том, чтобы как можно меньше деталей отвлекало зрителя от юной и свежей красоты модели. Да Винчи изобразил ее в простом платье, а из украшений оставил на девушке лишь нитку черного жемчуга. Даже гладко зачесанные волосы Чечилии, кажется, служат именно этой цели (такая прическа – с косой и плотно охватывающими лицо прядями волос – была введена в моду Изабеллой Арагонской и называлась coazone).

Изображение модели вполоборота было инновацией Леонардо, до этого портреты представляли собой по большей части чеканные профили. И даже этой необычной позой художник сумел подчеркнуть живость характера юной модели, которая будто бы прислушивается к невидимому собеседнику.

На руках Галлерани держит белого зверька, которого принято считать горностаем. Существует несколько интерпретаций того, что именно символизирует животное. Традиционно «зимний» белый горностай считался символом чистоты и непорочности, бытовало даже поверье, что он скорее погибнет, чем позволит себе запятнать белоснежный мех. Согласно еще одной версии, зверек служит своеобразным намеком на связь девушки с Лодовико Сфорца, который в 1488 году был принят в Орден горностая и включил животное в свой герб. Кроме того, существует мнение, что, будучи большим любителем загадок и кодов, да Винчи с помощью горностая зашифровал на полотне фамилию Галлерани (на древнегреческом все семейство куньих именовалось «gale»).

#ЖивописьЦвет 💬

🔹Синий - цвет Богоматери
Синий цвет в христианском искусстве, особенно в изображениях Богоматери, не случайный эстетический выбор, а символ, подчеркивающий божественное происхождение и непорочность Богородицы, ее святость и близость к небесам.

В XII веке, когда культ Богоматери начал стремительно распространяться по Европе и на Руси, иконопись переживала расцвет. Образов Богородицы становилось всё больше и параллельно с этим, в XIII веке, произошло знаменательное событие – освоение технологии добычи чистого синего пигмента из лазурита (ляпис-лазури).

До этого момента, синие оттенки получали из различных минералов, но ни один из них не мог сравниться по насыщенности и яркости с лазуритом. Этот драгоценный камень, привозимый с Востока, стал источником уникальной краски, получившей в XIV веке название «ультрамарин» (ultra marum – «привезенный через море»).

Однако красота требовала жертв: цена ультрамарина была астрономической – около 130 000 рублей за 28 грамм в современном эквиваленте. Это «синее золото» было доступно лишь богатейшим заказчикам: церквям, монастырям, папскому двору. Именно они заказывали написание религиозных икон, в том числе и многочисленных образов Мадонны.

🔹 Джотто ди Бондоне
Джотто был первым кто ушёл от плоскостной живописи в светотеневую моделировку, тем самым дав начало итальянскому ренессансу. И он первый отказался от золотого фона, заменив его глубоким, удивительно выразительным синим небом, который придавал его фрескам невероятную глубину и реалистичность.
Используя дорогостоящую ляпис-лазурь, он сделал её центральным элементом своей живописи, отказавшись от традиционного золотого фона, заменив его глубоким, удивительно выразительным синим небом, который придавал его фрескам невероятную глубину и реалистичность.

🔹Ян Вермеер
Голландский художник, известный своими реалистичными интерьерами, применял лазурь не расточительно, а дозированно, нанося синий тонким верхним слоем или смешивал его с другими цветами, создавая сложные, переливающиеся оттенки. Благодаря этому его шедевры, такие как «Молочница» и «Девушка с жемчужной серёжкой», излучают невероятную глубину и сияние, словно свет исходит изнутри самих изображений.

🔹 Томас Гейнсборо
Английский живописец Томас Гейнсборо блестяще использовал возможности цвета. В его серии портретов, где модели облачены в голубые одежды («Портрет актрисы Сары Сиддонс», «Мальчик в голубом», «Дама в голубом»), синий выступает не как самостоятельный акцент, а как основа, на которую накладываются мазки других цветов, буквально растворяясь и создавая эффект воздушности и лёгкости.

🔹Винсент Ван Гог
Художник использовал насыщенный синий в сочетании с контрастным жёлтым, создавая напряжённую, тревожную атмосферу. Его знаменитая «Звёздная ночь», написанная в период пребывания в психиатрической клинике, – яркий пример того, как синий может передать внутреннее состояние художника, его душевные переживания. Синий здесь – это не просто цвет неба, а символ бескрайнего и тревожного космоса, отражение внутренней бури художника.

🔹«Голубой период» Пабло Пикассо
Голубой период (1901-1904) определённый трагическими событиями в жизни художника, синий доминирует на полотнах, передавая темы старости, смерти, одиночества и печали. Сам Пикассо позже признавался: «Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мертв».

🔹 Ив Кляйн
XX век подарил миру ещё один культовый синий – International Klein Blue (IKB), созданный и запатентованный французским художником Ивом Кляйном. Этот интенсивный, гипнотический оттенок стал символом его уникального художественного языка, выражающего стремление к абсолютной чистоте и духовности.

Синий цвет – это не просто краска, а универсальный язык, способный передать широкий спектр эмоций и идей. От сдержанной элегантности Вермеера до экспрессивной тревоги Ван Гога, от спокойной глубины Сезанна до гипнотической интенсивности Кляйна и меланхолии Пикассо – синий цвет постоянно меняется и трансформируется в руках мастеров, оставаясь при этом вечным источником вдохновения и творческой энергии.