#ЖивописьЦвет💬

«Цвет на картине — как энтузиазм в жизни»
Винсент Ван Гог

🔺Первый цвет

Его первое появление датируется примерно 35–13 тысячелетиями до нашей эры. Первобытные художники, освоившие искусство росписи, использовали красный пигмент, создавая первые в истории человечества изображения.

Финикийцы, греки и римляне поклонялись пурпуру – красителю, получаемому из желез морских моллюсков – мурексов. Этот пигмент, был невероятно дорогим и сложным в изготовлении. Пурпур стал символом власти и богатства, доступным лишь избранным. Римские императоры носили одежду этого цвета.

🔺Религиозные сюжеты

Средневековье ознаменовалось широким распространением красного цвета, в первую очередь благодаря христианству. Сюжеты распятия Христа и страстей Господних, распространившиеся по всей Европе, сделали красный неотъемлемой частью религиозного искусства. Он стал символом крови Христа и христианских мучеников, воплощая жертвенность и искупление. В средневековой иконописи красный хитон Иисуса, контрастирующий с синим гиматием, символизировал его человеческую природу и пролитую ради спасения людей кровь, в то время как синий — его божественное происхождение.

🔺Ван Эйк

В работах Ван Эйка красный, это не только божественное происхождение героев, это символ роскоши и материального достатка. На портрете четы Арнольфини почти вся мебель обита яркой материей, говорит о богатстве заказчиков.

🔺Красный Тициана и Веронезе

В XVI веке красный часто стал использоваться в сочетании с изображением обнажённого женского тела, подчеркивая чувственность и красоту.
Веронезе мастерски использовал его как колористический акцент, создавая яркие, динамичные композиции. Тициан же создал уникальный, тёплый красновато-коричневый оттенок, который стал воплощением чувственности и элегантности. Этот цвет, получивший название «красный тициан», создаёт в его картинах, таких как «Венера Урбинская» или «Венера с зеркалом», неповторимую атмосферу.

Существует теория, что художники часто используют в своих работах цвета, окружающие их в повседневной жизни.

🔺Революция

XIX век ознаменовался коренным изменением восприятия красного цвета. Он перестал быть исключительно атрибутом аристократии и стал символом народных масс. Сторонники французской революции активно использовали красный цвет, он стал ассоциироваться с борьбой за свободу, бунтом и революционными идеями.

Символы этого периода — супрематический «Красный квадрат» Казимира Малевича и плакат «Клином красным бей белых» Эля Лисицкого.

🔺Брюллов

Карл Павлович Брюллов, балансирующий между строгим академизмом и романтизмом, использовал красный цвет для подчеркивания красоты и изящества своих моделей. На портретах его музы, княгини Юлии Самойловой, она всегда изображена на фоне алой театральной кулисы – живописец восхищался её независимостью и неординарностью, и красный цвет стал ярким выражением этого восхищения.

🔺Архипов и Малявин

Архипов и Малявин схожи по пристрастию к красному цвету. В русском искусстве не так много примеров такого открытого огненного красного. Символизм красного, одного из самых выразительных цветов в истории искусства находит особенное прочтение в картинах Малявина. Яркие платья, развивающиеся от ветра и движения, как полыхающий свет, воодушевленные лица олицетворяют торжество и славу, огонь и силу русской души. Архипов явно продолжают работать в русле передвижников, хотя и делая это более свободной кистью и с жизнерадостной палитрой, олицетворяют торжество и славу.

🔺Анри Матисс

Проблема колорита интересовала фовистов, прозванных "дикарями" как раз за их любовь к буйству красок. Главный представитель фовизма Анри Матисс рассказал о проблеме гармонии цвета. Красный поглощает трехмерное пространство и становится главным выразительным средством. Красный не только ярок и несет мощный эмоциональный заряд. Прием Матисс будет использовать почти в каждой работе, считая, что искусство должно в первую очередь приносить человеку радость.

По Кандинскому — красный цвет не расплёскивает себя и не замыкается, а дарит свет и жар, который у него в избытке.

#ХудожникДня 💬

Анри ле Сиданэ (1862–1939)

Однажды Анри ле Сиданэ спросили к какому направлению
в искусстве он принадлежит. Художник сообщил, что ни к какому «но если вы абсолютно настаиваете на том, чтобы классифицировать меня,
то я интимный».

Анри Эжен Огюстен Ле Сиданэ родился в семье судового инспектора Жана-Мари Ле Сиданэ и Амели Генриетты, Анри провел свое детство в Дюнкерке. Ранние художественные навыки он оттачивал в ателье известного художника-баталиста Альфонса Шиго. Стипендия, полученная от властей Дюнкерка в 1880 году, позволила ему поступить в Высшую школу изящных искусств в Париже, где он учился в мастерской Александра Кабанеля

Его полотна – это завораживающие изображения безлюдных домашних интерьеров и тихих улочек в приглушенных тонах серого, опалового, бирюзового. Палитра художника – это словно затихший свет, окутывающий предметы тонкой дымкой. Неровные, пятнистые мазки, характерные для его техники, придают картинам особую текстуру, словно каждый штрих хранит в себе частицу воспоминания. Этот прием, совместно с внимательным исследованием света и тени, создает ощущение глубины и пространственности, погружая в атмосферу спокойствия и созерцания.

Стиль Ле Сиданэ – это сложный синтез. В его работах можно увидеть отголоски импрессионизма, с его стремлением к передаче мимолетного впечатления, пуантилизма, с его разделением цвета на отдельные точки, интимизма, с его акцентом на интимной, лирической атмосфере, и даже символизма, с его намеками на скрытые смыслы и настроения. Однако, никакое из этих течений полностью не описывает его художественную манеру. Он создал свой собственный уникальный язык, основанный на тонком чувстве света, цвета и атмосферы.

Успех пришел к Ле Сиданэ еще при жизни. Он регулярно выставлялся в престижном Салоне Парижа, а также в лондонских галереях. Его работы находятся во многих музеях Франции, Европы, Америки и Японии, подтверждая долговечность его художественного наследия.
Его творчество отмечено восторженными отзывами Марселя Пруста, чей герой в "В поисках утраченного времени" (в частности, в "Содоме и Гоморре") тратил огромные денежные суммы на приобретение его картин.

Картины Ле Сиданэ – это не просто изображения, а погружение в мир воспоминаний, ностальгии и бесшумного созерцания, мир, где время замедляет свой бег, а красота проявляется в самых тихих и неброских моментах.

Именно эта способность передавать тончайшие нюансы настроения и атмосферы делает его работы поистине уникальными и вечно актуальными.

#ХудожникДня 💬

Печальны помыслы мои
Но ты, великая Природа,
Коснись меня и оживи!.
Как с наступлением весны
Цветут бесплодные долины.
Как оживляет свет луны
Ночные серые руины.
А. Теннисон

Уильям Тёрнер (1775 – 1851)
Полное имя художника – Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер. Уильям родился весной 1775-го года в Лондоне. В возрасти десяти лет, его отправили к дяде, где мальчик и проявил интерес к живописи. Окончив школу Уильям работал у архитекторов и топографов и уже в 1789-м году 14-летний Уильям стал студентом Королевской академии художеств.

Во время обучения в академии Уильям освоил полный курс по идеализму в искусстве. Через год после поступления одна из его акварелей уже экспонировалась на местной выставке.

Тёрнер тщательно изучал методы как старых мастеров, так и современных художников, заимствуя понравившиеся приемы и по-своему интерпретируя классические сюжеты, выражая личные мысли и эмоции через искусство.

Клода Лоррена он считал своим кумиром и учителем. Тёрнер признавался, что был тронут до слез, увидев картину Лоррена "Отплытие царицы Савской", поскольку никогда прежде не встречал ничего подобного. Спустя годы, уже прославленным художником, Тёрнер передал свою картину "Дидона, основательница Карфагена", считавшуюся шедевром, в Национальную галерею, с единственной просьбой: разместить ее рядом с "Отплытием царицы Савской".

В 1791 году он отправился в первое этюдное путешествие по Европе, посетив Италию, Швейцарию и Францию, где создавал зарисовки. После себя он оставил огромное наследие – более 10 тысяч рисунков и набросков, которые послужили основой для акварелей. Тёрнер неоднократно возвращаясь к старым этюдам.

Слава о талантливом акварелисте распространилась по всей Британии, и в 1799 году Тёрнер стал членом-корреспондентом Королевской академии. Его картины не отличались детализацией; он создавал пейзажи, запечатлевая личные воспоминания и эмоции, с бытовыми сценами и образами людей, изображенных с любовью и отражающих их несовершенство перед лицом природы, которая могла быть как спокойной, так и грозной.

«По сути говоря, Тёрнер обитал в собственном, отдельном ото всех царстве света, где мало кто из людей мог встать рядом с ним. Там, в этом волшебном пространстве, он легко, без усилий передвигался между прошлым и настоящим, схватывая взглядом особенности, присущие времени» Питер Акройд.

В 1807 году Тёрнер начал преподавать перспективу в Королевской академии, переосмысливая учебный материал Рейнолдса и уделяя особое внимание поэтической живописи.

Со временем отношение к картинам Тёрнера изменилось, эпоха романтизма ушла и сентиментальность его работ перестала находить отклик у публики, уступив место реализму.

С 1830-х годов критика в адрес Тёрнера усилилась и некоторые его картины, граничащие с абстракционизмом, вызвали возмущение и даже отказ королевы произвести его в рыцари. Были и защитники, такие как Джон Рескин, считавший Тёрнера одним из величайших художников.

В жизни Уильяма Тёрнера были и восхищение, и порицание, тем не менее он остается одним из самых талантливых художников, предвосхитившим художественные приемы конца XIX и начала XX веков.

«Тёрнер не просто пытался написать солнце. Кажется, он действительно хотел перенести его энергию и свет на свои картины» британский искусствовед Никола Мурби.