#ХудожникДня 💬

Александр Тышлер (1898 - 1980)

Его жизнь – это яркий пример того, как личная трагедия и война могут стать мощным импульсом для творческого поиска, а талант – способностью преодолевать любые преграды. Младший из восьми детей мелитопольского столяра, Тышлер с юных лет проявлял художественные способности. Обучение в Киевском художественном училище (1912-1917) и в студии Александры Экстер заложило прочный фундамент его профессионального развития. Влияние футуризма и экспрессионизма, царивших в киевской художественной среде начала XX века, неизгладимо отражается на его последующем творчестве.

В 1919 году мирное созидание было прервано бушующей Гражданской войной. Тышлер добровольцем уходит на фронт. Тышлер попал в отряд особого назначения. Потеря братьев – одного, казненного по приказу врангелевского генерала, другого, убитого махновцами – стала нестерпимой личной трагедией, которая навсегда оставила отпечаток на его душе и творчестве. В 1942-м еще одного брата Тышлера расстреляли фашисты.
Вернувшись с фронта в 1920 году, Тышлер под девичьей фамилией матери – Джи-Джих-Швиль, – участвует в выставке Еврейской Культур-лиги.

В 1920-е годы он создаёт несколько серий пастельных работ, отражающих экспрессионистский подход к изображению мира – с резкими контрастами света и тени, использованием искаженной перспективы и выразительными цветовыми решениями.

Знакомство с Всеволодом Мейерхольдом открыло для Тышлера мир театральной сценографии. С начала 1930-х годов он активно работает как художник-оформитель, создавая декорации и костюмы для театральных постановок. В этот период он знакомится с Анной Ахматовой и Осипом Мандельштам.

С 1941 по 1949 год Тышлер занимает пост главного художника Государственного еврейского театра (ГОСЕТ). Этот период отмечается усилением его профессионального мастерства и возможностью реализовать свой художественный потенциал в масштабных театральных проектах.

После закрытия театра Тышлер переезжает в Верею, где приобретает дом и начинает новый этап своего творчества. В 1960-е годы в его работах прослеживаются две тенденции: с одной стороны, глубокая рефлексия о мировом устройстве, с другой – стремление к гармонии и спокойствию, возможно, как противовес пережитому на войне и в послевоенные годы.
Творчество Александра Тышлера – это сложный и противоречивый, но при этом удивительно цельный мир, отражающий его трагический жизненный опыт и неугасаемый талант художника. Его работы – не просто картины, а запечатленные на холсте истории, отражающие поиск внутренней гармонии и стремление к красоте в послевоенном мире.

#КартинаДня💬

«Утренний туман тихо вздымается, прогоняемый дневным теплом. Лесные обитатели проснулись, в том числе и семья медведей, копошащихся возле старых смолистых сосен. Медвежата эквилибрируют на стволах и наслаждаются жизнью в свое удовольствие» П.П. Гнедич.

Картина «Утро в сосновом лесу» русского живописца-реалиста Ивана Шишкина, одно из его наиболее популярных полотен и один из самых известных пейзажей в истории русского искусства. Представлена в историческом здании Третьяковской галереи, г. Москва, Лаврушинский переулок, 10. Датирована 1889 годом, размер полотна 139 × 219 см.

При взгляде на картину перед нами предстает атмосфера сказочного дремучего леса и нетронутой человеком природы, легкая завеса тумана на заднем плане и мягкий утренний свет. Игра художника с цветом и светом дарит нам ощущение реалистичности, но в то же время и волшебства.

Когда Шишкин работал над картиной, его целью было показать глубину и мощь русского леса, поэтому на ландшафте было решено изобразить медведей как символ богатырской русской души, ведь медведь - главный лесной царь. Шишкин всю свою жизнь изображал природу, и его несколько беспокоило, что медведи на картине получались не такими, какими он желал их видеть.

Именно поэтому на помощь художнику пришел его коллега и специалист по изображению животных - русский жанровый живописец Константин Савицкий. Первоначально на холсте был изображен только волшебный утренний лес, а медвежата были написаны позднее Савицким.

Когда Третьяков приобрел картину, художник Савицкий даже не попросил плату за соавторство. Картина была первоначально подписана двумя авторами. Однако после того, как была передана в галерею, Третьяков посчитал работу Шишкина более обширной и стер имя второго художника. Кроме того, Третьяков уточнил: «Картину заказывал у Шишкина, значит и оплата и авторство будут принадлежать Шишкину».

Художники до старости оставались в дружеских отношениях, опубликованные письма свидетельствуют, что они не высказывали обид, сообща решали проблемы Товарищества и радовались успехам друг друга на выставках.

В конце 1890-х годов картина была выбрана для оформления знаменитых конфет московской шоколадной фабрики «Эйнемъ». Для увеличения продаж на фабрике задумали выпускать конфеты с названием серии «Наши художники и их картины». В каждую коробку конфет вкладывали карточку с репродукцией картины и краткой информацией на обороте. Позже стали выпускаться в индивидуальной обертке. В народе конфеты назывались «Три медведя», и никого не смущал тот факт, что медведей изображено четыре.

Вам больше нравится?
❤️с мишками
👍без мишек

#ЖивописьЦвет💬

«Цвет на картине — как энтузиазм в жизни»
Винсент Ван Гог

🔺Первый цвет

Его первое появление датируется примерно 35–13 тысячелетиями до нашей эры. Первобытные художники, освоившие искусство росписи, использовали красный пигмент, создавая первые в истории человечества изображения.

Финикийцы, греки и римляне поклонялись пурпуру – красителю, получаемому из желез морских моллюсков – мурексов. Этот пигмент, был невероятно дорогим и сложным в изготовлении. Пурпур стал символом власти и богатства, доступным лишь избранным. Римские императоры носили одежду этого цвета.

🔺Религиозные сюжеты

Средневековье ознаменовалось широким распространением красного цвета, в первую очередь благодаря христианству. Сюжеты распятия Христа и страстей Господних, распространившиеся по всей Европе, сделали красный неотъемлемой частью религиозного искусства. Он стал символом крови Христа и христианских мучеников, воплощая жертвенность и искупление. В средневековой иконописи красный хитон Иисуса, контрастирующий с синим гиматием, символизировал его человеческую природу и пролитую ради спасения людей кровь, в то время как синий — его божественное происхождение.

🔺Ван Эйк

В работах Ван Эйка красный, это не только божественное происхождение героев, это символ роскоши и материального достатка. На портрете четы Арнольфини почти вся мебель обита яркой материей, говорит о богатстве заказчиков.

🔺Красный Тициана и Веронезе

В XVI веке красный часто стал использоваться в сочетании с изображением обнажённого женского тела, подчеркивая чувственность и красоту.
Веронезе мастерски использовал его как колористический акцент, создавая яркие, динамичные композиции. Тициан же создал уникальный, тёплый красновато-коричневый оттенок, который стал воплощением чувственности и элегантности. Этот цвет, получивший название «красный тициан», создаёт в его картинах, таких как «Венера Урбинская» или «Венера с зеркалом», неповторимую атмосферу.

Существует теория, что художники часто используют в своих работах цвета, окружающие их в повседневной жизни.

🔺Революция

XIX век ознаменовался коренным изменением восприятия красного цвета. Он перестал быть исключительно атрибутом аристократии и стал символом народных масс. Сторонники французской революции активно использовали красный цвет, он стал ассоциироваться с борьбой за свободу, бунтом и революционными идеями.

Символы этого периода — супрематический «Красный квадрат» Казимира Малевича и плакат «Клином красным бей белых» Эля Лисицкого.

🔺Брюллов

Карл Павлович Брюллов, балансирующий между строгим академизмом и романтизмом, использовал красный цвет для подчеркивания красоты и изящества своих моделей. На портретах его музы, княгини Юлии Самойловой, она всегда изображена на фоне алой театральной кулисы – живописец восхищался её независимостью и неординарностью, и красный цвет стал ярким выражением этого восхищения.

🔺Архипов и Малявин

Архипов и Малявин схожи по пристрастию к красному цвету. В русском искусстве не так много примеров такого открытого огненного красного. Символизм красного, одного из самых выразительных цветов в истории искусства находит особенное прочтение в картинах Малявина. Яркие платья, развивающиеся от ветра и движения, как полыхающий свет, воодушевленные лица олицетворяют торжество и славу, огонь и силу русской души. Архипов явно продолжают работать в русле передвижников, хотя и делая это более свободной кистью и с жизнерадостной палитрой, олицетворяют торжество и славу.

🔺Анри Матисс

Проблема колорита интересовала фовистов, прозванных "дикарями" как раз за их любовь к буйству красок. Главный представитель фовизма Анри Матисс рассказал о проблеме гармонии цвета. Красный поглощает трехмерное пространство и становится главным выразительным средством. Красный не только ярок и несет мощный эмоциональный заряд. Прием Матисс будет использовать почти в каждой работе, считая, что искусство должно в первую очередь приносить человеку радость.

По Кандинскому — красный цвет не расплёскивает себя и не замыкается, а дарит свет и жар, который у него в избытке.

#ХудожникДня 💬

Анри ле Сиданэ (1862–1939)

Однажды Анри ле Сиданэ спросили к какому направлению
в искусстве он принадлежит. Художник сообщил, что ни к какому «но если вы абсолютно настаиваете на том, чтобы классифицировать меня,
то я интимный».

Анри Эжен Огюстен Ле Сиданэ родился в семье судового инспектора Жана-Мари Ле Сиданэ и Амели Генриетты, Анри провел свое детство в Дюнкерке. Ранние художественные навыки он оттачивал в ателье известного художника-баталиста Альфонса Шиго. Стипендия, полученная от властей Дюнкерка в 1880 году, позволила ему поступить в Высшую школу изящных искусств в Париже, где он учился в мастерской Александра Кабанеля

Его полотна – это завораживающие изображения безлюдных домашних интерьеров и тихих улочек в приглушенных тонах серого, опалового, бирюзового. Палитра художника – это словно затихший свет, окутывающий предметы тонкой дымкой. Неровные, пятнистые мазки, характерные для его техники, придают картинам особую текстуру, словно каждый штрих хранит в себе частицу воспоминания. Этот прием, совместно с внимательным исследованием света и тени, создает ощущение глубины и пространственности, погружая в атмосферу спокойствия и созерцания.

Стиль Ле Сиданэ – это сложный синтез. В его работах можно увидеть отголоски импрессионизма, с его стремлением к передаче мимолетного впечатления, пуантилизма, с его разделением цвета на отдельные точки, интимизма, с его акцентом на интимной, лирической атмосфере, и даже символизма, с его намеками на скрытые смыслы и настроения. Однако, никакое из этих течений полностью не описывает его художественную манеру. Он создал свой собственный уникальный язык, основанный на тонком чувстве света, цвета и атмосферы.

Успех пришел к Ле Сиданэ еще при жизни. Он регулярно выставлялся в престижном Салоне Парижа, а также в лондонских галереях. Его работы находятся во многих музеях Франции, Европы, Америки и Японии, подтверждая долговечность его художественного наследия.
Его творчество отмечено восторженными отзывами Марселя Пруста, чей герой в "В поисках утраченного времени" (в частности, в "Содоме и Гоморре") тратил огромные денежные суммы на приобретение его картин.

Картины Ле Сиданэ – это не просто изображения, а погружение в мир воспоминаний, ностальгии и бесшумного созерцания, мир, где время замедляет свой бег, а красота проявляется в самых тихих и неброских моментах.

Именно эта способность передавать тончайшие нюансы настроения и атмосферы делает его работы поистине уникальными и вечно актуальными.