#ХудожникДня 💬

Башкирцева Мария Константиновна (1860-1884)

Ей даровал Бог слишком много!
И слишком мало - отпустил.
О, звездная ее дорога!
Лишь на холсты хватило сил...
М.Цветаева (из сборника "Вечерний альбом")

В начале 1900-х годов в Люксембургском дворце в Париже была установлена мраморная композиция «Бессмертие», созданная известным скульптором Лонжерье. Сюжет - фигура ангела, у ног которого умирает молодой гений. В руках ангела находится свиток, где высечены имена безвременно покинувших этот мир выдающихся людей. Среди восьми имён есть одно русское – Мария Башкирцева.

Мария Константиновна Башкирцева родилась 12(24) ноября 1858 года в селе Гайворонцы в родовитой дворянской семье Константина Башкирцева и Марии Бабаниной.

С 12 лет она жила во Франции, где и начала вести свой знаменитый дневник. Первые строки её дневника начинаются словами: «Итак, предположите, что я знаменита, и начнем». В нём она делится мыслями юной мечтательницы, немного влюбленной и полное уверенности в своей исключительности.

В 1877 году Мария приступает к изучению живописи в студии известного художника и педагога Роберта-Флери, а затем поступает в Академию Родольфо Жюлиана, популярную в то время и единственную художественную школу в Париже, принимавшую женщин.

С 1880 года и до своей смерти Мария регулярно участвовала в выставках престижного Парижского салона.

Критик Франсуа Коппе так описывал её: «Это была девушка небольшого роста, худая, очень красивая, с тяжёлым узлом золотых волос, источающая обаяние, но производившая впечатление воли, прячущейся за нежностью… Все обличало в этой очаровательной девушке высший ум. Под женской прелестью чувствовалась железная, чисто мужская сила, и невольно приходил на память подарок Улисса юному Ахиллу: меч, скрытый между женскими уборами».

К сожалению, творческий путь художницы оказался недолгим: она умерла от туберкулёза в возрасте 26 лет. Тем не менее, благодаря своему таланту и усердной работе, ей удалось оставить яркий след в мировом искусстве.

Мария Башкирцева остается символом творческой личной свободы и независимости, а её жизнь и творчество влияют на новые поколения художниц до сих пор.

«Искусство! Если бы передо мною не стояло это магическое слово, я бы, кажется, умерла. Я представляю его себе, как светлую звезду – там, где-то, вдали, и я забываю все остальное, и я пойду к нему, устремив глаза к этому свету» - из дневника Марии Башкирцевой, 23 августа 1877 года.

#КартинаДня💬

ПЕРСЕФОНА. ВЕЧНО ЮНАЯ БОГИНЯ ВЕСНЫ

Весна – время пробуждения природы, время обновления и возрождения, и нет более подходящего символа для этого периода, чем Персефона, вечно юная богиня весны в эллинской мифологии. Ее образ, воплощающий цикличность жизни и смерти, вдохновлял художников на протяжении веков, порождая множество шедевров.

Считалось, что называть богиню её настоящим именем не стоит, поэтому греки дали ей несколько прозвищ - Мелиноя, Мельвина, Хагне, Деспония, Кора, римляне называли ее Прозерпиной.

Данте Габриель Россетти «Прозерпина» (1874 г.)
Данте Габриэль Россетти изобразил богиню, держащую в руке гранат – символ ее брака с Гадесом, владыкой подземного царства.

«Она изображена в мрачном коридоре своего дворца со смертоносным плодом в руке. Когда она проходит мимо, на стене позади неё вспыхивает свет от внезапно открывшегося проёма, на мгновение позволяя увидеть верхний мир; и она украдкой бросает на него взгляд, погружённая в раздумья. Рядом с ней стоит курильница как атрибут богини. Ветка плюща на заднем плане может быть воспринята как символ навязчивой памяти…»
Россетти о Прозерпине

Энтони Фредерик Огастас Сэнди «Персефона» (1866 г)
Английский живописец-прерафаэлит Сэндис считается одним из наиболее талантливых прерафаэлитов. Он написал Персефону, такой какой ее видел Аид - молодую и прекрасную.

Стоит отметить, за время пребывания в подземном царстве Аид покорил девушку своей любовью, но и по матери она скучала. Перед тем как отпустить возлюбленную, хитрый Аид дал ей зернышки граната: это гарантировало, что Персефона вернется к нему.


Прозерпина. Фреска из Стабий (кубикул виллы Ариадны).
Фреска "Прозерпина"является жемчужиной древнеримской живописи. Вилла Ариадны, одна из самых больших в Стабиях, славится своими фресками, но "Флора" (Прозерпина) выделяется как визитная карточка древних Помпей. Богиня, покровительствующая растительному миру, изображена на нежном зеленом фоне в изящной позе.

Продолжение в нашей группе ВК ЧИТАТЬ ПРОДОЛЖЕНИЕ

#ХудожникДня 💬

Александр Тышлер (1898 - 1980)

Его жизнь – это яркий пример того, как личная трагедия и война могут стать мощным импульсом для творческого поиска, а талант – способностью преодолевать любые преграды. Младший из восьми детей мелитопольского столяра, Тышлер с юных лет проявлял художественные способности. Обучение в Киевском художественном училище (1912-1917) и в студии Александры Экстер заложило прочный фундамент его профессионального развития. Влияние футуризма и экспрессионизма, царивших в киевской художественной среде начала XX века, неизгладимо отражается на его последующем творчестве.

В 1919 году мирное созидание было прервано бушующей Гражданской войной. Тышлер добровольцем уходит на фронт. Тышлер попал в отряд особого назначения. Потеря братьев – одного, казненного по приказу врангелевского генерала, другого, убитого махновцами – стала нестерпимой личной трагедией, которая навсегда оставила отпечаток на его душе и творчестве. В 1942-м еще одного брата Тышлера расстреляли фашисты.
Вернувшись с фронта в 1920 году, Тышлер под девичьей фамилией матери – Джи-Джих-Швиль, – участвует в выставке Еврейской Культур-лиги.

В 1920-е годы он создаёт несколько серий пастельных работ, отражающих экспрессионистский подход к изображению мира – с резкими контрастами света и тени, использованием искаженной перспективы и выразительными цветовыми решениями.

Знакомство с Всеволодом Мейерхольдом открыло для Тышлера мир театральной сценографии. С начала 1930-х годов он активно работает как художник-оформитель, создавая декорации и костюмы для театральных постановок. В этот период он знакомится с Анной Ахматовой и Осипом Мандельштам.

С 1941 по 1949 год Тышлер занимает пост главного художника Государственного еврейского театра (ГОСЕТ). Этот период отмечается усилением его профессионального мастерства и возможностью реализовать свой художественный потенциал в масштабных театральных проектах.

После закрытия театра Тышлер переезжает в Верею, где приобретает дом и начинает новый этап своего творчества. В 1960-е годы в его работах прослеживаются две тенденции: с одной стороны, глубокая рефлексия о мировом устройстве, с другой – стремление к гармонии и спокойствию, возможно, как противовес пережитому на войне и в послевоенные годы.
Творчество Александра Тышлера – это сложный и противоречивый, но при этом удивительно цельный мир, отражающий его трагический жизненный опыт и неугасаемый талант художника. Его работы – не просто картины, а запечатленные на холсте истории, отражающие поиск внутренней гармонии и стремление к красоте в послевоенном мире.

#КартинаДня💬

«Утренний туман тихо вздымается, прогоняемый дневным теплом. Лесные обитатели проснулись, в том числе и семья медведей, копошащихся возле старых смолистых сосен. Медвежата эквилибрируют на стволах и наслаждаются жизнью в свое удовольствие» П.П. Гнедич.

Картина «Утро в сосновом лесу» русского живописца-реалиста Ивана Шишкина, одно из его наиболее популярных полотен и один из самых известных пейзажей в истории русского искусства. Представлена в историческом здании Третьяковской галереи, г. Москва, Лаврушинский переулок, 10. Датирована 1889 годом, размер полотна 139 × 219 см.

При взгляде на картину перед нами предстает атмосфера сказочного дремучего леса и нетронутой человеком природы, легкая завеса тумана на заднем плане и мягкий утренний свет. Игра художника с цветом и светом дарит нам ощущение реалистичности, но в то же время и волшебства.

Когда Шишкин работал над картиной, его целью было показать глубину и мощь русского леса, поэтому на ландшафте было решено изобразить медведей как символ богатырской русской души, ведь медведь - главный лесной царь. Шишкин всю свою жизнь изображал природу, и его несколько беспокоило, что медведи на картине получались не такими, какими он желал их видеть.

Именно поэтому на помощь художнику пришел его коллега и специалист по изображению животных - русский жанровый живописец Константин Савицкий. Первоначально на холсте был изображен только волшебный утренний лес, а медвежата были написаны позднее Савицким.

Когда Третьяков приобрел картину, художник Савицкий даже не попросил плату за соавторство. Картина была первоначально подписана двумя авторами. Однако после того, как была передана в галерею, Третьяков посчитал работу Шишкина более обширной и стер имя второго художника. Кроме того, Третьяков уточнил: «Картину заказывал у Шишкина, значит и оплата и авторство будут принадлежать Шишкину».

Художники до старости оставались в дружеских отношениях, опубликованные письма свидетельствуют, что они не высказывали обид, сообща решали проблемы Товарищества и радовались успехам друг друга на выставках.

В конце 1890-х годов картина была выбрана для оформления знаменитых конфет московской шоколадной фабрики «Эйнемъ». Для увеличения продаж на фабрике задумали выпускать конфеты с названием серии «Наши художники и их картины». В каждую коробку конфет вкладывали карточку с репродукцией картины и краткой информацией на обороте. Позже стали выпускаться в индивидуальной обертке. В народе конфеты назывались «Три медведя», и никого не смущал тот факт, что медведей изображено четыре.

Вам больше нравится?
❤️с мишками
👍без мишек

#ЖивописьЦвет💬

«Цвет на картине — как энтузиазм в жизни»
Винсент Ван Гог

🔺Первый цвет

Его первое появление датируется примерно 35–13 тысячелетиями до нашей эры. Первобытные художники, освоившие искусство росписи, использовали красный пигмент, создавая первые в истории человечества изображения.

Финикийцы, греки и римляне поклонялись пурпуру – красителю, получаемому из желез морских моллюсков – мурексов. Этот пигмент, был невероятно дорогим и сложным в изготовлении. Пурпур стал символом власти и богатства, доступным лишь избранным. Римские императоры носили одежду этого цвета.

🔺Религиозные сюжеты

Средневековье ознаменовалось широким распространением красного цвета, в первую очередь благодаря христианству. Сюжеты распятия Христа и страстей Господних, распространившиеся по всей Европе, сделали красный неотъемлемой частью религиозного искусства. Он стал символом крови Христа и христианских мучеников, воплощая жертвенность и искупление. В средневековой иконописи красный хитон Иисуса, контрастирующий с синим гиматием, символизировал его человеческую природу и пролитую ради спасения людей кровь, в то время как синий — его божественное происхождение.

🔺Ван Эйк

В работах Ван Эйка красный, это не только божественное происхождение героев, это символ роскоши и материального достатка. На портрете четы Арнольфини почти вся мебель обита яркой материей, говорит о богатстве заказчиков.

🔺Красный Тициана и Веронезе

В XVI веке красный часто стал использоваться в сочетании с изображением обнажённого женского тела, подчеркивая чувственность и красоту.
Веронезе мастерски использовал его как колористический акцент, создавая яркие, динамичные композиции. Тициан же создал уникальный, тёплый красновато-коричневый оттенок, который стал воплощением чувственности и элегантности. Этот цвет, получивший название «красный тициан», создаёт в его картинах, таких как «Венера Урбинская» или «Венера с зеркалом», неповторимую атмосферу.

Существует теория, что художники часто используют в своих работах цвета, окружающие их в повседневной жизни.

🔺Революция

XIX век ознаменовался коренным изменением восприятия красного цвета. Он перестал быть исключительно атрибутом аристократии и стал символом народных масс. Сторонники французской революции активно использовали красный цвет, он стал ассоциироваться с борьбой за свободу, бунтом и революционными идеями.

Символы этого периода — супрематический «Красный квадрат» Казимира Малевича и плакат «Клином красным бей белых» Эля Лисицкого.

🔺Брюллов

Карл Павлович Брюллов, балансирующий между строгим академизмом и романтизмом, использовал красный цвет для подчеркивания красоты и изящества своих моделей. На портретах его музы, княгини Юлии Самойловой, она всегда изображена на фоне алой театральной кулисы – живописец восхищался её независимостью и неординарностью, и красный цвет стал ярким выражением этого восхищения.

🔺Архипов и Малявин

Архипов и Малявин схожи по пристрастию к красному цвету. В русском искусстве не так много примеров такого открытого огненного красного. Символизм красного, одного из самых выразительных цветов в истории искусства находит особенное прочтение в картинах Малявина. Яркие платья, развивающиеся от ветра и движения, как полыхающий свет, воодушевленные лица олицетворяют торжество и славу, огонь и силу русской души. Архипов явно продолжают работать в русле передвижников, хотя и делая это более свободной кистью и с жизнерадостной палитрой, олицетворяют торжество и славу.

🔺Анри Матисс

Проблема колорита интересовала фовистов, прозванных "дикарями" как раз за их любовь к буйству красок. Главный представитель фовизма Анри Матисс рассказал о проблеме гармонии цвета. Красный поглощает трехмерное пространство и становится главным выразительным средством. Красный не только ярок и несет мощный эмоциональный заряд. Прием Матисс будет использовать почти в каждой работе, считая, что искусство должно в первую очередь приносить человеку радость.

По Кандинскому — красный цвет не расплёскивает себя и не замыкается, а дарит свет и жар, который у него в избытке.