Дизайнер Вернер Пантон
«Главная цель моей работы — побудить людей включить воображение», — говорил датский дизайнер Вернер Пантон. Его эксцентричный стиль в свое время воспринимался как провокационный и несерьезный. Он экспериментировал и с мебелью, и с ландшафтом, создавая новые формы и стремясь вовлечь в свою игру окружающих.
Он не хотел просто делать стулья — он хотел создавать атмосферу. Сочетание органических и геометрических форм, использование сочных цветов и моделируемость — характерные черты дизайна Пантона образца семидесятых. Именно такой мебелью он грозился заменить типично унылый интерьер европейских гостиных: «Я не могу вынести, когда, входя в комнату, вижу диван, кофейный столик и два кресла и сразу понимаю, что мы проторчим здесь целый вечер! Я делаю мебель, которая может возвышаться и понижаться в пространстве, тем самым давая другой угол зрения на окружение, новый взгляд на жизнь».
Подробнее о том, в чем революционность мебели Пантона — на сайте Школы дизайна НИУ ВШЭ.
#предметный_дизайн
«Главная цель моей работы — побудить людей включить воображение», — говорил датский дизайнер Вернер Пантон. Его эксцентричный стиль в свое время воспринимался как провокационный и несерьезный. Он экспериментировал и с мебелью, и с ландшафтом, создавая новые формы и стремясь вовлечь в свою игру окружающих.
Он не хотел просто делать стулья — он хотел создавать атмосферу. Сочетание органических и геометрических форм, использование сочных цветов и моделируемость — характерные черты дизайна Пантона образца семидесятых. Именно такой мебелью он грозился заменить типично унылый интерьер европейских гостиных: «Я не могу вынести, когда, входя в комнату, вижу диван, кофейный столик и два кресла и сразу понимаю, что мы проторчим здесь целый вечер! Я делаю мебель, которая может возвышаться и понижаться в пространстве, тем самым давая другой угол зрения на окружение, новый взгляд на жизнь».
Подробнее о том, в чем революционность мебели Пантона — на сайте Школы дизайна НИУ ВШЭ.
#предметный_дизайн
Дизайнер Эмиль Рудер
Большинству дизайнеров Эмиль Рудер известен как автор книги «Типографика», которая вышла в 1967 году в издательстве Niggli. Но его творческое наследие намного шире. Будучи активным теоретиком и практиком, он не только оформляет книги, создает плакаты и каталоги к выставкам и культурным событиям, но и пишет подробные статьи о типографике, в которых объясняет видение профессии, преподает, а потом становится директором Высшей школы прикладных искусств в Базеле.
В своих текстах Рудер предлагал раздвинуть горизонты возможного в типографике, искал новые пути и не желал ограничиваться ставшим модным швейцарским течением. Он считал, что типографика — неотъемлемая часть культуры, и ставил ее на одну ступень с архитектурой, живописью и музыкой. В 2013 году, спустя 43 года после смерти Рудера, статьи были выпущены отдельной книгой. Больше о том, чем знаменит Рудер и что можно почитать о дизайнере, так много сделавшего для популяризации типографики, — в материале на сайте Школы дизайна НИУ ВШЭ.
Большинству дизайнеров Эмиль Рудер известен как автор книги «Типографика», которая вышла в 1967 году в издательстве Niggli. Но его творческое наследие намного шире. Будучи активным теоретиком и практиком, он не только оформляет книги, создает плакаты и каталоги к выставкам и культурным событиям, но и пишет подробные статьи о типографике, в которых объясняет видение профессии, преподает, а потом становится директором Высшей школы прикладных искусств в Базеле.
В своих текстах Рудер предлагал раздвинуть горизонты возможного в типографике, искал новые пути и не желал ограничиваться ставшим модным швейцарским течением. Он считал, что типографика — неотъемлемая часть культуры, и ставил ее на одну ступень с архитектурой, живописью и музыкой. В 2013 году, спустя 43 года после смерти Рудера, статьи были выпущены отдельной книгой. Больше о том, чем знаменит Рудер и что можно почитать о дизайнере, так много сделавшего для популяризации типографики, — в материале на сайте Школы дизайна НИУ ВШЭ.
Вниманию тех, кто хотел бы читать статьи классных дизайнеров, перенимать опыт профессионалов со всего мира, прокачивать свои макеты — но сталкивается с языковым барьером.
Ребята из DEADSIGN регулярно переводят свежие англоязычные статьи о UX и UI, шрифтах, пользовательском опыте, трендах и источниках вдохновения. Статьи подбирают интересные, потому что и сами в дизайне не первый год.
Читать и вдохновляться здесь
Ребята из DEADSIGN регулярно переводят свежие англоязычные статьи о UX и UI, шрифтах, пользовательском опыте, трендах и источниках вдохновения. Статьи подбирают интересные, потому что и сами в дизайне не первый год.
Читать и вдохновляться здесь
Дизайнер Раймонд Лоуи
Знаете, что объединяет копировальную машину Gestetner, холодильник Coldspot, бутылку Coca-Cola, пачку Lucky Strike, компанию British Petroleum, NASA, пепельницы на перроне и автомобиль Starliner Coupe? Дизайнер Раймонд Лоуи!
Родившись в Париже и отвоевав за французскую армию во время Первой мировой войны, в 1919 он переехал в США и стал автором предметов и логотипов, которые сегодня считаются классическими во всем мире. В день, когда он сошел с корабля, у него в кармане было всего 50 долларов, в 1941 American Tobacco Company заплатила ему 50 000 долларов за редизайн упаковки Lucky Strike.
Он начал свою карьеру как оформитель витрин и иллюстратор фэшн-журналов, потом заинтересовался предметным дизайном. Лоуи был адептом обтекаемых аэродинамических форм, считая их более функциональными, приспособленными для промышленного производства и успешными с точки зрения эстетики. Это прослеживается во всех предметах, к которым он приложил руку, — от копировальной машины до локомотива, автомобилей и двухуровнего рейсового автобуса. Однако этим он не ограничивался: проектировал частные дома, создавал орнаменты для тканей, экспериментировал с гнутой фанерой и создал известные во всем мире логотипы: Shell, Spar, Exxon и др.
Подробнее о том, в чем многочисленные заслуги Раймонда Лоуи, и как он одним из первых нащупал маркетинговые возможности качественного дизайна — на сайте Школы дизайна НИУ ВШЭ.
Знаете, что объединяет копировальную машину Gestetner, холодильник Coldspot, бутылку Coca-Cola, пачку Lucky Strike, компанию British Petroleum, NASA, пепельницы на перроне и автомобиль Starliner Coupe? Дизайнер Раймонд Лоуи!
Родившись в Париже и отвоевав за французскую армию во время Первой мировой войны, в 1919 он переехал в США и стал автором предметов и логотипов, которые сегодня считаются классическими во всем мире. В день, когда он сошел с корабля, у него в кармане было всего 50 долларов, в 1941 American Tobacco Company заплатила ему 50 000 долларов за редизайн упаковки Lucky Strike.
Он начал свою карьеру как оформитель витрин и иллюстратор фэшн-журналов, потом заинтересовался предметным дизайном. Лоуи был адептом обтекаемых аэродинамических форм, считая их более функциональными, приспособленными для промышленного производства и успешными с точки зрения эстетики. Это прослеживается во всех предметах, к которым он приложил руку, — от копировальной машины до локомотива, автомобилей и двухуровнего рейсового автобуса. Однако этим он не ограничивался: проектировал частные дома, создавал орнаменты для тканей, экспериментировал с гнутой фанерой и создал известные во всем мире логотипы: Shell, Spar, Exxon и др.
Подробнее о том, в чем многочисленные заслуги Раймонда Лоуи, и как он одним из первых нащупал маркетинговые возможности качественного дизайна — на сайте Школы дизайна НИУ ВШЭ.
Дизайнер Хельмут Шмид
Хельмут Шмид учился дизайну в Швейцарии в 1960-х годах у таких мастеров, как Эмиль Рудер и Армин Хоффман. Оставшись последователем Рудера на всю жизнь, он доводит его идеи до абсолюта. Минимализм, внимание к малейшим деталям, практически полный отказ от всех цветов, кроме черного и белого — таков его творческий почерк, который был высоко оценен не только в Европе, но и в Японии, где он жил много лет.
Шмид работал и для бизнеса, создавая логотипы и упаковки для таких крупных японских фирм, как Otsuka и Shiseido, и для политики — в 1970-х он сотрудничал с Социал-демократической партией Германии и разрабатывал визуальное сопровождение ее предвыборной кампании. Кроме того, он оформляет дизайнерские журналы, много преподает и выпускает исследования и брошюры, посвященные дизайну. Подробнее о том, почему авторитет Шмида в области типографики считается непререкаемым — на сайте Школы дизайна НИУ ВШЭ.
Хельмут Шмид учился дизайну в Швейцарии в 1960-х годах у таких мастеров, как Эмиль Рудер и Армин Хоффман. Оставшись последователем Рудера на всю жизнь, он доводит его идеи до абсолюта. Минимализм, внимание к малейшим деталям, практически полный отказ от всех цветов, кроме черного и белого — таков его творческий почерк, который был высоко оценен не только в Европе, но и в Японии, где он жил много лет.
Шмид работал и для бизнеса, создавая логотипы и упаковки для таких крупных японских фирм, как Otsuka и Shiseido, и для политики — в 1970-х он сотрудничал с Социал-демократической партией Германии и разрабатывал визуальное сопровождение ее предвыборной кампании. Кроме того, он оформляет дизайнерские журналы, много преподает и выпускает исследования и брошюры, посвященные дизайну. Подробнее о том, почему авторитет Шмида в области типографики считается непререкаемым — на сайте Школы дизайна НИУ ВШЭ.
Уильям Кэкстон
Первый английский книгопечатник, переводчик, издатель первых английских иллюстрированных книг, среди которых «Кентерберийские рассказы» (Canterbury Tales) Джоффри Чосера, и одного из первых рекламных листков, который призывал делать покупки в церкви. Человек, который играл со шрифтами еще в 1400ых.
Торговец по основному роду деятельности, книгопечатанием он занялся не сразу: в 1476 году, когда он открыл типографию в Вестминстере, ему было 54 года. Причину смены профессии он объяснял сам в предисловии к первой изданной им книге: «Переписывая одно и то же, моё перо исписалось, моя рука устала и ослабела, мои глаза, долго смотря на белую бумагу, потускнели… а между тем я обещал различным господам и моим друзьям доставить им как можно скорее названную книгу в печать по тому способу и виду, какие вы можете видеть…».
Кэкстон не только издавал книги, но и переводил многие сочинения на английский язык, попутно создавая его стандартизованную форму. Подробнее о деятельности Кэкстона, о его вкладе в печатное дело, о созданных им шрифтах и изданных книгах — читайте на сайте Школы дизайна НИУ ВШЭ.
#история_дизайна
Первый английский книгопечатник, переводчик, издатель первых английских иллюстрированных книг, среди которых «Кентерберийские рассказы» (Canterbury Tales) Джоффри Чосера, и одного из первых рекламных листков, который призывал делать покупки в церкви. Человек, который играл со шрифтами еще в 1400ых.
Торговец по основному роду деятельности, книгопечатанием он занялся не сразу: в 1476 году, когда он открыл типографию в Вестминстере, ему было 54 года. Причину смены профессии он объяснял сам в предисловии к первой изданной им книге: «Переписывая одно и то же, моё перо исписалось, моя рука устала и ослабела, мои глаза, долго смотря на белую бумагу, потускнели… а между тем я обещал различным господам и моим друзьям доставить им как можно скорее названную книгу в печать по тому способу и виду, какие вы можете видеть…».
Кэкстон не только издавал книги, но и переводил многие сочинения на английский язык, попутно создавая его стандартизованную форму. Подробнее о деятельности Кэкстона, о его вкладе в печатное дело, о созданных им шрифтах и изданных книгах — читайте на сайте Школы дизайна НИУ ВШЭ.
#история_дизайна
«Задача дизайнера в том, чтобы вызывать любопытство, доставлять радость и будоражить чувства», — говорил итальянский дизайнер Акилле Кастильони. Одним из главных его достижений считается то, что он сделал индустриальные продукты более дружелюбными, наделив их эмоциональным содержанием.
В то же время Кастильони был вполне рационален — его проекты были не только эффектными, но и максимально функциональными. Кастильони создал в общей сложности около 150 предметов — от светильников и столовых приборов до сантехнической керамики и радиоэлектроники. 14 из них навсегда прописались в коллекции Музея современного искусства в Нью-Йорке, 9 удостоились премии Compasso d'Oro. Кроме того, Кастильони участвовал во всех Миланских триеннале начиная с 1947 года, а в 1956 году стал одним из основателей Ассоциации промышленного дизайна.
О том, как знаменитому дизайнеру удавалось сочетать рациональный подход с иронией, нонконформизмом и даже некоторым хулиганством — читайте на сайте Школы дизайна НИУ ВШЭ.
#Предметный_дизайн
В то же время Кастильони был вполне рационален — его проекты были не только эффектными, но и максимально функциональными. Кастильони создал в общей сложности около 150 предметов — от светильников и столовых приборов до сантехнической керамики и радиоэлектроники. 14 из них навсегда прописались в коллекции Музея современного искусства в Нью-Йорке, 9 удостоились премии Compasso d'Oro. Кроме того, Кастильони участвовал во всех Миланских триеннале начиная с 1947 года, а в 1956 году стал одним из основателей Ассоциации промышленного дизайна.
О том, как знаменитому дизайнеру удавалось сочетать рациональный подход с иронией, нонконформизмом и даже некоторым хулиганством — читайте на сайте Школы дизайна НИУ ВШЭ.
#Предметный_дизайн
Дизайнер, плакатист, художник, скульптор, мастер оптических иллюзий Шигео Фукуда
«В дизайне необходимо сочетать 30% достоинства, 20% красоты и 50% абсурда», — так описывал Фукуда свой творческий метод. Показывая привычные образы с непривычных точек зрения, его работы вызывают у зрителя когнитивный диссонанс, «мгновенное просветление» — по принципу дзен-коанов.
Фукуда — автор 1500 плакатов, в которых соединились традиции японской графики и современного авангарда. Плакаты Фукуды — лаконичные, простые, знаковые образы. А своими оптическими иллюзиями и визуальными парадоксами Фукуда бросает вызов плоскому, одномерному пониманию дизайна и мира, в целом. При этом он радуется как ребенок и заражает зрителя этой радостью.
Он стал легендой дизайна, но никогда не пользовался электронной почтой, зато умел обращаться с самурайским мечом.
Прочитать воспоминания Сергея Ивановича Серова о знакомстве с дизайнером — на сайте Школы дизайна НИУ ВШЭ.
#коммуникационный_дизайн
#плакат
«В дизайне необходимо сочетать 30% достоинства, 20% красоты и 50% абсурда», — так описывал Фукуда свой творческий метод. Показывая привычные образы с непривычных точек зрения, его работы вызывают у зрителя когнитивный диссонанс, «мгновенное просветление» — по принципу дзен-коанов.
Фукуда — автор 1500 плакатов, в которых соединились традиции японской графики и современного авангарда. Плакаты Фукуды — лаконичные, простые, знаковые образы. А своими оптическими иллюзиями и визуальными парадоксами Фукуда бросает вызов плоскому, одномерному пониманию дизайна и мира, в целом. При этом он радуется как ребенок и заражает зрителя этой радостью.
Он стал легендой дизайна, но никогда не пользовался электронной почтой, зато умел обращаться с самурайским мечом.
Прочитать воспоминания Сергея Ивановича Серова о знакомстве с дизайнером — на сайте Школы дизайна НИУ ВШЭ.
#коммуникационный_дизайн
#плакат